MARZO 19

MARZO 19

Tigran Hamasyan

MARZO 19 ::: Tigran Hamasyan

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Tigran Hamasyan - Manifeste
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1. Silje Nergaard - Tomorrow We'll Figure Out the Rest - Brooklyn Rain

2. Holland·Winstone·London Vocal Project - Vital Spark - Heavenly City

3. Enrico Pieranunzi Trio & Orchestra I Pomeriggi Musicali - Improclassica - GYMNOSATIE

4. Metropole Orkest, Miho Hazama - Arakatak - Arakatak

5. Tigran Hamasyan - Manifeste - Manifeste

6. Lars Jansson, Erik Söderlind - What The Moment Brings - Until We Meet

7. Petros Klampanis - Minor Dispute - Minor Dispute

8. Elipsis - Caminando

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Amigos, que lindo es estar de vuelta por acá, que viva la música..., que viva la radio!!! que con toda la oferta que nos invade hoy, la radio no perdió vigencia, siempre nuestra compañia como lo es la buena música.

Comenzamos con la cantante noruega Silje Nergaard desde Tomorrow We'll Figure Out the Rest (Masterworks/Sony Music | Abril 4, 2025), un emotivo recuerdo de la cantante de sus papás, así lo cuenta: «Ellos me mostraron cuánta alegría puede traer la música a un hogar —la alegría y también la tristeza que trae a nuestros corazones—. Me enseñaron que la vida no siempre tiene que estar planeada hasta el último detalle». Acompañada de algunas notables figuras del ambiente local más la Stavanger Symphony Orchestra dirigida por Vince Mendoza.

Otra mirada al pasado con cierta nostalgia también, Dave Holland, Norma Winstone & The London Vocal Project desde Vital Spark (Music of Kenny Wheeler) (Edition Records | Feb 20, 2026), tres viejos camaradas del fallecido trompetista canadiense recreando viejas composiciones de Wheeler enviadas a lo largo de los años a Pete Churchill, director de la orquesta. La música incluye nuevas letras de Norma Winstone, junto con las adaptaciones de Wheeler de poemas de Stevie Smith, Lewis Carroll y William Blake.

Seguimos con esta onda orquestal con Enrico Pieranunzi Trio & Orchestra I Pomeriggi Musicali desde Improclassica (Abeat Records | Enero 16, 2026). «Un pequeño gran sueño que se hace realidad», comentó el gran pianista italiano muy propenso a reunirse con grandes bandas y honrar el género que tanto contribuyó a su estética musical, la música clásica.

Más grandes bandas, ahora la Metropole Orkest & Miho Hazama desde Arakatak (V2 Records | Marzo 6, 2026). La prestigiossa banda neerlandesa con motivo de la celebración de su 80° aniversario solicitó a viejos colaboradores a lo largo de los años recientes a contribuir con una pieza cada uno. Todas interpretadas por la banda bajo la dirección de la conductora, arreglista y compositora japonesa Miho Hazama, quien también contribuye con una píeza. El lanzamiento del álbum se celebró el 6 de marzo de 2026 con una presentación en directo exclusiva en De Hallen, en Ámsterdam, donde el público se sentó en medio de la orquesta escuchando la música de cerca a través de auriculares.

EL CHICO DE TAPA: Tigran Hamasyan desde Manifeste (Naïve Records | Feb 6, 2026), un efusivo manifiesto, una profunda declaración de principios, un viaje trascendental desde sus raíces más profundas a su actualidad en vertiginoso movimiento. "Buscar y trabajar en uno mismo para descubrir quién eres... encontrar algo que quizás siempre haya estado ahí, pero que necesitas excavar para que se manifieste y nazca en este mundo", reflexiona Hamasyan en las notas del álbum. "Ese momento en que nace una pieza musical y la alegría te llena el corazón es el momento más preciado para mí como músico".

Seguimos con Erik Söderlind Lars Jansson Quartet desde What The Moment Brings (Arts Music | Sept 26, 2024), dos colegas, paisanos ambos, de generaciones diferentes pero aunados en el mismo ideal musical, aprovechando el momento oportuno que los convocó en Fasching, un popular club de Estocolmo, el 26 de septiembre de ese año y el consiguiente álbum de estudio que le sucedió.

LOS DOS ÚLTIMOS: el genial contrabajista griego Petros Klampanis celebrando el décimo aniversario de su álbum Minor Dispute (Petros Klampanis | Abril 15, 2015), relanza una versión remasterizada, este 16 de enero último pasado, en vinilo "como debió ser desde un principio", declara Klampanis. Y comenta entre otras cosas "Mirando hacia atrás, la música se siente como una instantánea de mi yo más joven, intentando encontrar el equilibrio entre la claridad y el caos, entre el mundo interior y el exterior. Minor Dispute era, y sigue siendo, el diálogo silencioso que cada uno de nosotros mantiene con sus propias contradicciones, la tensión entre la esperanza y la duda, la luz y la sombra."

Cerramos con la colaboración de tres grandes músicos de nacionalidades y extracciones musicales bien diferenciadas, Michael League, el bajista estadounidense líder del popular Snarky Puppy; el percusionista y vocalista cubano Pedrito Martínez y el gran baterista mexicano Antonio Sánchez con Elipsis (GroundUP | Enero 16, 2026). “Aquí hay tres personas de tres países diferentes, todos en el mismo continente, con tradiciones musicales y culturales muy distintas, que se unen para intentar combinar lo mejor de cada uno”, comenta League.

Nos vemos...

 

Eliane Elias ::: Marzo 19, 1960

CORTINAS Swept Away
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ABRIL 3

ABRIL 3

Petros Klampanis

abril 3  ::: Petros Klampanis

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Petros Klampanis - Latent Info
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1. Frederikke Vedel And The Blue Silhouettes - Forever For A While

2. Innlandet - II - Harvest moon

3. Blue Moods - Force & Grace - Brigitte

4. Branford Marsalis - Belonging - ‘Long As You Know You’re Living Yours

5. Petros Klampanis - Latent Info - Menerbes

6. Eyolf Dale - When Shadows Dance - Silent shores

7. Leszek Mo?d?er, Lars Danielsson, Zohar Fresco - Beamo - Ambio Bluette

8. Kjetil Mulelid Trio - And Now - The Greatest Love

9. Harry Christelis - Nurture the Child / Challenge the Adult - Lu

10. Butcher Brown - Letters From The Atlantic - Montrose Forest

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Salute amigos, como se vino el fresquete por acá!!!, buenazo para guardarse ésta noche y escuchar un programón!!! (pa tanto, che...). El inicio siempre con las chicas, en primer lugar la cantante, actriz y compositora danesa Frederikke Vedel con Frederikke Vedel and the Blue Silhouettes (Vedel Music | Feb 7, 2025). La polifacética Frederikke es ampliamente reconocida dentro del ámbito teatral como musical brillando en papeles protagonicos musicales como La Bella y la Bestia, American Idiot, GHOST, Hooray for the Blue Hussars y muchos más.

Seguimos con el dúo noruego Innlandet desde II (SoundCanBeSeen | Enero 17, 2025), segunda entrega del grupo que tomo el nombre de su recientemente creada provincia, cantante y pianista con más de una década juntos en un muy agradable álbum. Ahora Blue Moods con Force & Grace (Posi-Tone Records | Enero 3, 2025), grupo formado por notorias figuras del movimiento celebrando la música de Freddie Hubbard bajo la serie Blue Moods que el sello propone para destacar el genio compositivo de célebres músicos.

El debut de Branford Marsalis en Blue Note, Belonging (Blue Note | Marzo 28, 2025), en cuarteto junto a viejos colaboradores de años recreando en forma completa el álbum del mismo nombre grabado por Keith Jarrett con su Cuarteto Europeo publicado en 1974 por ECM.

EL CHICO DE TAPA: Petros Klampanis con Latent Info (Enja | Feb 14, 2025), en trio junto a Kristjan Randalu y Ziv Ravitz en otra clara demostración de sus virtudes como compositor e intérprete profundizando el vínculo con prensa y melómanos a través de una música que le habla al corazón y alma de los escuchas.

El pianista noruego Eyolf Dale con When Shadows Dance (Edition Recods | Feb 28, 2025), es otro que no se aparta de las sendas que privilegian a los talentosos tras los pasos de sus paisanos Tord Gustavsen, Bugge Wesseltoft y Daniel Herskedal (con quien debutó en 2015 provocando la atenta mirada de la prensa internacional).

Otra enorme contribución del trio Leszek Mozdzzer, Lars Danielsson, Zohar Fresco, Beamo (ACT Music | Marzo 28, 2025), juntos por más de veinte años luego de su debut en 2004 el álbum supone un experimento por parte de Leszek Mozdzer donde el pianista polaco desafía las convenciones establecidas por maestros de los siglos XVII y XVIII como Bach y Rameau que divide la octava en 12 intervalos iguales, «una dolorosa pixelación de la música, reducida a doce tonos obligatorios» resume Mozdzer al sistema que predominó por siglos. Para ésta experiencia el pianista utiliza tres pianos con diferentes afinaciones únicas.

Seguimos con otro fenomenal trio el Kjetil Mulelid Trio desde And Now (Grappa Musikkforlag | Feb 7, 2025), cuarto álbum en la corta carrera del talentoso pianista. Los dos últimos, el primero una sutil interpretación del cuarteto liderado por Harry Christelis, Nurture The Child / Challenge The Adult (Clonmell Jazz Social | Feb 17, 2023), debut como grupo y estrenando sello además. Cerramos con Butcher Brown desde Letters From The Atlantic (Concord Jazz | marzo 28, 2025), el colectivo estadounidense otro que desafía las fronteras y épocas del género.

Nos vemos...

Robert Glasper ::: Abril 5, 1978

CORTINAS Black Radio III Supreme Edition
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Petros Klampanis ::: Latent Info

Petros Klampanis ::: Latent Info

Latent Info

Petros Klampanis

Enja | Feb 14, 2025

Petros Klampanis - Latent Info
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1. Over the Calypsó Deep 7:10
2. Latent Info 4:55
3. Stenahória 6:38
4. Menérbes 7:13
5. When I Know the Answer 6:23
6. Falling Grace 3:33
7. Day Breaks 3:57
8. Disoriented 5:37

 

Kristjan Randalu - piano
Petros Klampanis - bass, electronics
Ziv Ravitz - drums

Recorded by George Karyotis at Sierra Studios, Athens, GR
Mixed by Petros Klampanis & George Karyotis
Mastered by Christoph Stickel
Produced by Petros Klampanis
Cover photo by Dimitris Lambridis

Released by Enja in collaboration with PKmusik on Feb 7, 2025
With the support of the EU and the Goethe Institute

«Petros nunca llena el espacio con palabras innecesarias. Y así es como toca el bajo»
Oded Tzur

«A veces basta con tocar una sola nota, ¡y el mundo se abre! Cada nota tiene una declaración, es importante, tiene peso. Nunca he oído a nadie hacer cantar el piano tanto como él».
Kristjan Randalu

«Petros Klampanis es un músico que siempre ha hablado desde el corazón».
DownBeat

«Klampanis imagina un cosmos urbano colorista e irreal».
Jazzthing

«Un formidable intérprete y compositor».
JazzTimes

«Se trata de una música muy emotiva, en la que los músicos reunidos ponen en juego todas sus habilidades interpretativas mientras escalan montañas en sentido figurado, luchan contra los mares y encuentran un lugar de calma centrada».
Ney York City Jazz Record

«Lo que resulta una hermosa sorpresa es el enfoque diversificado que utiliza en sus composiciones y en su interpretación».
All About Jazz

«Klampanis toca el bajo solo con un pedal de bucle para crear una 'orquesta de contrabajos' en 'Basscope' y 'Blue Cave', que están hechos con tanta maestría que se diría que es una sinfonía completa».
no treble

En el principio: la palabra. La voz de un niño. El resto: sin palabras. La música. Música instrumental. ¿Es realmente «sin palabras»? Al fin y al cabo, a menudo hablamos de ella como una forma de comunicación no verbal. Hablamos de «storytelling», de músicos que cuentan historias sin una sola línea de texto. De cómo nos hablan con su medio aparentemente sin palabras, de cómo la propia música nos habla directamente y se dirige a nosotros. Y una y otra vez, damos fe de que la música es un lenguaje. Un idioma con su propia sintaxis, gramática, melodía y vocabulario. En pocas palabras: un portador de información. O, con exuberancia poética: el lenguaje de lo no dicho. Y quizá también de lo indecible...

«Petros Klampanis es un músico que siempre ha hablado desde el corazón»

Cuando un periodista de la revista estadounidense DownBeat afirma que la música del bajista siempre sale del corazón y que habla con el corazón, no se trata en absoluto de una frase azucarada (semipoética), aunque pueda parecerlo. Y cualquiera que conozca al griego en persona y le oiga (con palabras) hablar de música no podrá sino confirmarlo: La música no sólo le gusta, sino que es una cuestión de corazón.

Encontrar palabras para lo no dicho y lo indecible no es sólo una motivación y un reto primordiales para la profesión del periodismo (musical). Es una necesidad humana fundamental. Tanto placer como frustración: porque por mucho que la lucha por las palabras supuestamente «apropiadas» o incluso «impactantes» pueda ser divertida -especialmente cuando se ve coronada por el éxito-, este apasionado esfuerzo a menudo llega a sus límites. Y eso es bueno.

Porque revela un poder primigenio de la música. Puede ser una voz para el yo interior y sacar al exterior lo que está dentro. Lo que está oculto, una vez convertido en sonido, también se hace audible para los demás, si no visible. Donde las palabras fallan o simplemente faltan, la música despliega todo su poder expresivo. A veces, un solo tono puede transmitir más que una frase ingeniosamente formulada. Incluso una nota no tocada puede lograrlo. La pausa, en particular, es una de las herramientas retóricas más expresivas de la música. Cuando algo queda sin decir en un texto pero resuena un subtexto, hablamos de «leer entre líneas». Y los matices son uno de los elementos más expresivos del arte de la música.

A veces, las imágenes también dicen más que las palabras. Una foto: Petros Klampanis en primer plano, el inmenso mar al fondo. «A los griegos nos encanta el mar. Crecí en la isla de Zante. No todo, pero gran parte de nuestra vida está marcada por la apertura del mar. Cuánto, me resulta difícil expresarlo con palabras, pero el mar define definitivamente nuestra realidad».

El hecho de que su música transmita a menudo una sensación de fluidez es sólo un indicio de la influencia del elemento agua. También se manifiesta en la expansividad de los espacios sonoros abiertos. Mirar al mar, al horizonte y al cielo nos da una sensación curativa de infinitud y calma, que se hace aún más preciosa ante nuestra sobrecarga diaria de millones de datos, información e impresiones. Klampanis es muy consciente de ello y evita lo que un espacio amplio y con mucho espacio ofrece de tentador: llenarlo. El saxofonista israelí Oded Tzur, en cuya banda ha tocado el bajista durante muchos años, resume el sentido de la economía artística de Klampanis: «Petros nunca llena el espacio con palabras innecesarias. Y así es como toca el bajo».

Menos es más. No hay rastro de verborrea musical, sino todo lo contrario. Que menos puede significar más es algo que sus colegas también saben y observan. Kristjan Randalu, un virtuoso que a veces alcanza cotas de éxtasis, demuestra que la nota que no se toca también hace la música. «A veces basta con tocar una sola nota, ¡y el mundo se abre! Cada nota tiene una declaración, es importante, tiene peso». Klampanis, cuyo sentido de la melodía confiere a la música algo vocal, también aprecia esta cualidad en su pianista: «Nunca he oído a nadie hacer cantar el piano tanto como él».

Coincidencia o no: Randalu, nacido en Tallin (Estonia) y retornado allí tras años en el extranjero, no es marino, pero sí hombre de mar: «Me he dado cuenta: En realidad soy una persona de mar, necesito esta extensión, esta apertura, este horizonte».

Ziv Ravitz, nacido en Be'er Sheva y activo durante algún tiempo en Tel Aviv, vive desde el año 2000 en la ciudad que nunca duerme, y que también es muy familiar para Klampanis y Randalu: Nueva York. Aquí, el bajista, que sigue desplazándose entre Grecia y la Gran Manzana, se encuentra con el batería, cuyo cada golpe, cada acento, está colocado como si estuviera compuesto. Su forma de tocar respira, recordándonos que la música es un arte del tiempo, que se desarrolla en el tiempo. Klampanis percibe una química adecuada durante su primera actuación juntos: Es como si personas con ideas afines simplemente se conocieran, sí, al final tienen que conocerse. «La comunidad de jazz israelí en Nueva York, sorprendentemente numerosa, es una fuerza inmensamente creativa y me atrajo. Primero conocí a Gilad Hekselman, luego a músicos como Jonathan Silverstein, Shai Maestro, Oded Tzur y Ziv Ravitz. Tocar con ellos me parece como si fueran mi familia lejos de casa».

Klampanis, Randalu y Ravitz son la prueba resonante de que años de experiencia neoyorquina, una vida en esta burbujeante metrópolis de pulso acelerado, no conducen necesariamente a un juego de poder de alta energía. Al contrario: El bullicio ruidoso de una gran ciudad también puede ser un biotopo para la poesía tranquila...

Petros Klampanis ha encontrado colegas afines. No es casualidad que para Latent Info recurra a músicos que ya pusieron en práctica en el álbum anterior, Tora Collective, lo que él pretende: crear música que apele a los sentidos y contrarreste el embotamiento general, rompiendo la coraza interior. Música que estimula la imaginación y crea películas ante el ojo interior. Que nos permite sentir el gran efecto de los medios de expresión más pequeños con todos sus matices (como el uso apenas perceptible, pero tan eficaz, de la electrónica). Música que nos permite experimentar la riqueza de un sensorium sutil y diferenciado, con estados de ánimo ambivalentes en los que se superponen y fusionan múltiples estados emocionales. Y que en «When I Know the Answer» transmite lo que es más necesario que nunca en estos tiempos: una pieza de esperanza. Pero, sobre todo, música que celebra la belleza. En lo grande y en lo pequeño.

También la belleza del momento, que puede parecer una pequeña eternidad, la magia de una pequeña ventana de tiempo, la transición de la noche al día. «Day Breaks», con el trompetista Andreas Polyzogopoulos, celebra un momento de pausa y humildad. Sobre el título de su balada «Halfway to Dawn», Billy Strayhorn escribió una vez: «Creo que todo debería ocurrir justo antes del amanecer. Es entonces cuando también deberían reunirse los gobernantes. Todo el mundo se enamoraría».

Karsten Mützelfeldt

petrosklampanis.com 

Lluis Capdevila ::: MOMPOU Revisited: Intimate Impressions

Lluis Capdevila ::: MOMPOU Revisited: Intimate Impressions

MOMPOU Revisited: Intimate Impressions

Lluis Capdevila

Lluis Capdevila Music | Julio 19, 2024

Lluis Capdevila - MOMPOU Revisited Intimate Impressions
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1 I 5:19
2 II 4:50
3 III 3:47
4 IV 3:52
5 Sad Bird 4:42
6 The Boat 5:01
7 Cradle 5:00
8 Secret0 4:56
9 Gypsy 4:04
10 Adéu 1:18

 

Lluis Capdevila - piano
Petros Klampanis - contrabajo
Luca Santaniello - batería

Producido bajo los auspicios de la Fundación BBVA
Beca Leonardo a Investigadores y Creadores Culturales
Lluis Capdevila·Becario 2022 área de MÚSICA Y ÓPERA: Interpretación

Con la Beca Leonardo de la Fundación BBVA Capdevila produjo un álbum a piano trío de jazz reinterpretando la obra Impressions íntimes de Frederic Mompou (1893-1987). Esta pieza “es la música que escribió sin apenas haber estudiado música, donde podemos escuchar prácticamente su centro con total transparencia”, explica el pianista.

El proyecto orquestará para piano, batería y contrabajo una obra pensada para piano solo y, en palabras de Capdevila, “no será una revisión sin creación, sino que en todas las piezas habrá improvisaciones de piano que construirán sobre las ideas de Mompou, además de nuevas introducciones e ideas añadidas, sumando ritmos de la música moderna del siglo XX, interludios y finales originales”.

En 1987 fallecía en Barcelona el compositor y pianista Frederic Mompou. Lluís Capdevila tenía entonces seis años y estaba comenzando los estudios que le llevarían a ser pianista de jazz y compositor. Hoy sus caminos se unen en un disco en el que Capdevila convierte en piano trío la primera obra publicada por Mompou: Impresiones íntimas.

Los caminos de Mompou y Capdevila parecen cruzarse de la manera más inopinada. Ambos marcharon fuera de España para formarse como músicos: Mompou fue a París en 1911 para estudiar piano con Isidor Philipp y Ferdinand Motte Lacroix y armonía con Marcel Samuel Rousseau; en 2007 Capdevila puso rumbo a Nueva York —con la ayuda de una Beca Fulbright del Ministerio de Cultura de España— para encauzar su interés por el piano (“la pasión más fuerte que he tenido nunca”, precisa) a través del Máster en interpretación y composición de Jazz y Música Moderna de la Aaron Copland School of Music y del Doctorado en Artes Musicales en la Universidad Stony Brook.

A su vuelta de París, en 1914, Mompou publicó su primera obra, Impresiones íntimas, una colección de seis temas en nueve piezas: ‘Planys’, que se divide en cuatro movimientos breves, ‘Pájaro triste’, ‘La barca’, ‘Cuna’, ‘Secreto’ y ‘Gitano’. Esas melodías acompañaron de manera singular a Capdevila en Nueva York: “Vivía en el tranquilo barrio neoyorquino de Queens y las escuchaba a diario en mi trayecto andando a la escuela. Era una música me hacía sentir como en casa, a pesar de estar a miles de kilómetros. También escuchaba a Pau Casals (de hecho, leí su libro de conversaciones en inglés sacado de la biblioteca de la universidad) y a Victoria de los Ángeles en su álbum Traditional Catalan Songs a dueto con el pianista Geoffrey Parsons. Sin embargo, con Mompou noté que el vínculo trascendía nuestro origen común y que conectaba con lo más esencial: su concepto musical”. De hecho, el creador asegura compartir con Mompou “el mismo concepto compositivo, en el sentido de que la música se crea desde la experiencia sonora de estar sentado al piano —componer tocando el piano— e intentando reflejar experiencias vividas”.

Mompou en estado puro

Solo más tarde descubriría que “esta había sido la primera obra que publicó, lo cual me interesó aún más porque pensé que en Impresiones Intimas se encontraba Mompou en estado puro, el creador de 16 o 18 años que recurre a su oído intuitivo para componer en la adolescencia, esa etapa de la vida en la que percibimos con más intensidad las emociones”. Capdevila detalla que Mompou «comenzó a escribir los ‘Planys’ —quizá la parte más pura de la obra— tras presenciar un concierto de Gabriel Fauré en Barcelona, un acontecimiento que le despertó el deseo de ser compositor. Sin acudir a ningún maestro que le ayudara, escribió esa música intentando crear desde el piano, una constante que se mantendría a lo largo de su vida. De esta manera escribió, sin modificar jamás su contenido, ese cuaderno de Impresiones Íntimas que finalizó en 1914. Fue una decisión consciente hacerlo sin haber cursado estudios de armonía, contrapunto, etc. Él mismo afirma que “cuando se despertó en mí la vocación musical, no tuve la menor idea de acudir a maestros para que me guiaran, y así estuve dos años esbozando cosas”. Las Impresiones íntimas se escribieron así en Barcelona, aunque alguna de ellas puede que se escribiera en la Garriga o en París. En relación con el cuaderno, Mompou afirma que “solamente quise expresar unas impresiones íntimas de la manera más sencilla”».

Tras este primer encuentro, Capdevila se vuelca en su máster y el doctorado, años en los que colabora, en Nueva York, con músicos consolidados y talentos emergentes en distintos escenarios. Esta etapa de crecimiento como intérprete y compositor culminaría en 2016 con Diáspora, su álbum debut. En él presenta composiciones originales inspiradas en sus experiencias neoyorquinas y en la dispersión de su generación, en la que muchos —tras la crisis de 2008— marcharon a otro país en busca de oportunidades laborales. No es casualidad que en Diáspora se le unan por primera vez el bajista griego Petros Klampanis y el batería italiano Luca Santaniello, en una producción de piano trío que generó no solo excelentes críticas sino más de cincuenta conciertos. Luego vendrían Daybreak Explorations (2018) y Cinematic Radio (2019), con la colaboración estelar del trompetista Tom Harrell en ‘Changing’, tema original de Capdevila. Con Ètim (2020) Capdevila regresó a la cooperativa agrícola de su Falset (Tarragona) natal para realizar un proceso compositivo en paralelo a la crianza de un vino durante nueve meses. En Social (2021), el artista reúne de nuevo a su trío neoyorquino en un programa que combina composiciones originales y arreglos de los estándares clásicos del jazz, con la participación del saxofonista Joe Lovano en el tema original ‘East Broadway’. En 2023 publicó Lament, un álbum fruto de su residencia de creación artística en el Auditorio Enric Granados de Lleida.

De la melodía original a la improvisación jazzística

Entre estos dos últimos discos, se presentó a las Becas Leonardo de Investigación Científica y Creación Cultural para emprender un proyecto largamente acariciado: orquestar las Impresiones íntimas de Mompou para trío de piano de jazz moderno, adaptando su música a métricas y ritmos diferentes. “No se trataba solo de revisar, sino de crear, incorporando improvisaciones de piano, introducciones e ideas adicionales que desarrollaran las nociones compositivas de Mompou”, explica el hoy director del Máster Universitario en Jazz y Música Moderna de la Universidad Internacional de la Rioja. “Desde el principio, la idea fue que la música resultante preservara las melodías minimalistas de Mompou y su concepto en cada composición, pero sumando ritmos de la música moderna del siglo XX, improvisaciones, introducciones, interludios y finales originales”.

Al orquestar una obra originalmente escrita para piano solo en un contexto en el que intervienen batería y contrabajo “se ha ganado en contenido rítmico, es decir se escucha un groove diferenciado para cada una de las nueve piezas. En jazz, el groove es el caminar rítmico de cada tema y la adición de una batería a una música tan minimalista no solo enriquece las composiciones, sino que las impulsa hacia una dirección más cercana a otros públicos”.

Para Capdevila este proyecto encaja de manera natural en su trayectoria por varias razones. En primer lugar, porque tras la conexión profunda surgida en Nueva York, “llevaba quince años oyendo regularmente Impresiones íntimas, de manera que, al tener la música en el subconsciente, mi oído me llevaba a tocarlas de la manera que me gustaría escucharlas”. En segundo término, “las melodías de sus seis temas funcionan como estándares de jazz”. El artista detalla que “en jazz los estándares son temas que se popularizan y a partir de los cuales los músicos improvisan para desarrollar nuevas composiciones. La mayoría de los estándares proceden de Broadway o de películas, pero también hay algunos creados por músicos que lograron situarlos como referencia: por ejemplo, Una noche en Tunisia, de Dizzy Gillespie, o Take the A Train o Caravan, de Duke Ellington. Los estándares responden a esa idea, tan propia del género, de tocar algo conocido y a partir de eso desarrollar una improvisación propia, que no deja de ser componer en tiempo real”.

En la obra de Mompou, “si espigas las repeticiones para llegar a la esencia, lo que te quedan son canciones. Por este motivo, era un material estupendo para tratarlo como si fueran estándares, improvisando a partir de ellas. Primero hice anotaciones en solitario, luego empecé a grabar en mi estudio digital todos los instrumentos y en la etapa final dedicamos un día al ensayo y tres a la grabación. La música fue cogiendo forma y los tres músicos conectamos con esas composiciones, consiguiendo el mejor álbum a trío que he grabado hasta el momento”.

La relación entre Capdevila y Mompou encuentra un punto de conexión adicional no solo en la música, sino en algo tan visual y envolvente como el paisaje. “Nací y me crié en la comarca del Priorat. A 25 kilómetros de Falset, mi localidad natal, se encuentra Ginestar, el pueblo del abuelo paterno de Mompou. Allí fue ocasionalmente de adolescente y estuvo en el balneario de Cardó. De hecho, dos de las composiciones que integran Impresiones íntimas están inspiradas en o dedicadas a amistades de balneario: Celia Suñol, en el caso de ‘Pájaro triste’, y Antonia Vilaseca en el de ‘La barca’. El vídeo que lanzaremos sobre ‘Pájaro triste’ mezcla secuencias de la grabación en estudio con imágenes del hoy abandonado balneario, un lugar extraordinariamente evocador que casa perfectamente con la melodía del tema”.

Para el público menos familiarizado con la obra de Mompou, Capdevila ha dejado en el volumen una muestra de cómo ha sido el proceso creativo de este proyecto Leonardo: “La décima pista, titulada ‘Adéu’ —el título provisional que Mompou puso a esa pieza— es el primer movimiento de ‘Planys’ interpretada por mí según la partitura de Mompou. De esta forma, si se escucha esta pista y luego se pasa a la primera, se escucha la obra original y, a continuación, su recreación en piano trío de jazz”.

 

lluiscapdevila.com 
redleonardo.es 

 

 

Arooj Aftab ::: Night Reign

Arooj Aftab ::: Night Reign

Night Reign

Arooj Aftab

Verve | Mayo 31, 2024

Arooj Aftab - Night Reign
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1 Aey Nehin 5:44
2 Na Gul 5:27
3 Autumn Leaves 4:47
4 Bolo Na 6:12
5 Saaqi 6:44
6 Last Night Reprise 5:07
7 Raat Ki Rani 5:11
8 Whiskey 5:04
9 Zameen 4:16

 

Arooj Aftab - Vocals
Maeve Gilchrist - Harp
Petros Klampanis - Upright Bass
Kaki King - Guitar
Gyan Riley - Guitar
Jamey Haddad - Percussion

Arranged by Arooj Aftab, Maeve Gilchrist, Kaki King, Petros Klampanis
Recorded by Damon Whittemore at Powerstation, NYC
Mixed by Joshua Valleau at Glass Wall
Produced by Arooj Aftab
Mastering engineer: Daddy Kev

Algunas canciones sólo pueden escucharse de noche: letras lunares para oídos nocturnos. Son las canciones de la noche las que nos mantienen erguidos en el día, con los ojos llenos de la obra de las estrellas. ¿Qué voces llevaremos a nuestro sueño liminal? ¿Qué patrones y piezas abrirán el camino de la mente nocturna?

Arooj Aftab responde a estas preguntas a través de Night Reign. En este, su quinto álbum de estudio, la música tiene un contexto visual, un paisaje sonoro cinematográfico que da vida al espacio divinamente ominoso que llamamos oscuridad. Dentro del reino de la oscuridad, Night Reign apunta a capas de profundidad que funden cada canción en una narrativa de edificante rendición.

Night Reign es un acto de tierna rebeldía. Protesta y oración. No son las afiliaciones geográficas ni los detalles de su partida de nacimiento lo que despierta a los oyentes de Arooj. Es su negativa a adherirse a las limitaciones de raza, fronteras y género, aunque su obra esté estrechamente ligada a estas ideas maleables.

¿Qué historias se pueden contar sobre el caleidoscopio de voces de este álbum? "Na Gul" toma un poema escrito por la música y cortesana urdu del siglo XVIII de Hyderabad Mah Laqa Bai Chanda y escenifica una conversación entre Mah Laqa Bai Chanda y Chand Bibi, la reina del siglo XVI de Ahmadnagar. Nunca se ha puesto música a los poemas de Mah Laqa Bai Chanda, lo que los hace recuperativos y especulativos. Arooj es intencionado en este homenaje. El poema no es una traducción exacta. La supresión o reordenación de versos mezcla la tradición con su imaginación desbocada.

Reinterpretación de una vieja canción de amor, la agradablemente inquietante "Bolo Na" lidia con esa emoción más antigua: "Dime si tu amor es real". Con la noche llegan los viejos sentimientos del corazón y la ambigüedad de la reciprocidad.

"Bolo Na" se presenta bajo una nueva forma y habla de la condición del racismo sistemático, la luz de gas, la desigualdad, el capitalismo y la erradicación de personas inocentes en beneficio propio. El aclamado poeta y músico Moor Mother añade textura a la canción, cuestionando lo que a nosotros, el público, nos han vendido como "real". No suplica el amor de nadie. En cambio, sus versos llaman la atención sobre los términos actuales de la condición humana. En "Bolo Na" encontramos una estructura colaborativa de construcción musical del mundo. Nos da permiso para enfadarnos y sobrecogernos con la pesadez de lo desconocido. Aquí, los poetas ocupan la posición de portavoces y testigos que son.

La biografía entre los álbumes de Arooj añade una retahíla de elegantes relatos y nuevas historias musicales, una colección que convierte su música en una especie de "desdén esperanzado". Este mapa biográfico incluye las herramientas que nos han llevado a Night Reign: Arooj como compositora cinematográfica, vocalista, arreglista, trabajadora cultural, estudiosa de la tradición y guardiana del patrimonio. Y sin embargo, este mapa y estas herramientas se resisten a todo lo anterior, haciendo posible la innovación y la experimentación. No teme a la duda y la utiliza para encontrar su camino. No se trata de situar su sonido en la previsible categoría de músicas del mundo. Se trata de la riqueza que acompaña a la voluntad de cambiar nuestra comprensión de lo que llamamos mundo.

Si nos atenemos a la afirmación de Pauline Oliveros de que "la escucha cuántica es escuchar más de una realidad simultáneamente", cabe preguntarse qué realidades están ligadas a los himnos nocturnos de este álbum. ¿Y cómo podrían estos himnos que abrazan el whisky, el erotismo divino y las iteraciones inesperadas del romance ayudarnos a desaprender lo que sabemos sobre la articulación de la espiritualidad y el placer en el sonido? Night Reign es una invitación o una llamada a la acción. Este álbum nos permite entregarnos a la noche porque, en la noche, entramos en forma, en el desorden de todo nuestro ser.

Liner Notes
Lynnée Denise
Johannesburg, South Africa, 2024

 

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