El nuevo álbum de Eivind Aarset, "Strange Hands", muestra a su veterano cuarteto en una forma inquieta y luminosa. Acompañados por la violinista Sara Övinge y Mira Thiruchelvam al pullankulal, con Bjarne Stensli capturando y esculpiendo el sonido, Aarset, Audun Erlien, Wetle Holte y Erland Dahlen expanden su vocabulario compartido hacia algo a la vez más austero e impredecible. La música se siente más visceral: menos adornos evidentes, un impacto más directo, pero aún bañada en la cambiante luz y sombra que ha dotado a los discos de Aarset de una cualidad tan singularmente cinematográfica.

Mientras que los álbumes anteriores a menudo llevaban la guitarra a la abstracción pura, este permite que las cuerdas, la madera y la piel reconocibles cobren protagonismo sin renunciar al toque alucinatorio. El violín de Övinge y el pullankulal de Thiruchelvam no se limitan a eclipsar el universo de Aarset; Se entrelazan con la música, distorsionando la perspectiva armónica y tiñendo el ambiente alrededor de la batería y el bajo. A lo largo del disco, el material compuesto y la improvisación libre se tratan con la misma importancia: los riffs se funden en textura, las texturas se transforman en melodía, y el sentido del ritmo y el espacio compartido por la banda cuenta tantas historias como cualquier solo.

El tema inicial, «Snow Crash», marca la pauta: figuras futuristas y cortantes brillan contra un ritmo insistente, que se acerca gradualmente al indie rock. Fragmentos melódicos de guitarra se deshilachan en los bordes, el groove falla y se fragmenta, para luego reformarse. Una pausa a mitad del tema, con una percusión resonante, casi gamelan, refresca el oído antes de que la banda lleve la pieza de vuelta a un terreno más áspero y electrificado, culminando en una especie de claustro resonante y de otro planeta.

En «Strange Hands», el ambiente se inclina hacia una tensión creciente y un movimiento lateral. Una figura de bajo oscura y constante marca el rumbo mientras la guitarra se desliza a su alrededor en líneas sinuosas, melodías que parecen girar en lugar de resolverse. La atmósfera es densa, nocturna; hay una sensación de ser perseguido, o de percibir movimiento justo más allá de la visión periférica. Es una pieza sutilmente cautivadora, que profundiza la sensación de inquietud y fascinación del álbum, como si la música estuviera guiada por manos desconocidas que, de alguna manera, aún conocen el camino.

Con «Slumberjack», el grupo se inclina hacia una sensibilidad atmosférica, casi indie-rock. Una figura simple y emotiva se despliega sobre una base paciente de batería y bajo, transmitiendo una leve sensación de caminos recordados y viajes nocturnos. La estructura es sutilmente dramática: la canción se deconstruye gradualmente en tonos y fragmentos dispersos, para luego reconstruirse en una nueva configuración, como si reescribiera su propia lógica emocional en tiempo real.

“Deep Green” comienza con un paisaje tenso y contenido. La guitarra de Aarset y el violín de Övinge trazan una melodía nocturna que se siente íntima y remota a la vez, como algo escuchado a través de los árboles. Cuando entra el pullankulal de Thiruchelvam, el horizonte se eleva: la música se inclina desde la soledad hacia algo radiante y deslumbrante, alegría y asombro fusionados en un arco ascendente. La guitarra de Aarset aparece y desaparece del foco —a veces claramente una guitarra, a veces disolviéndose en timbres que podrían ser sintetizador, cuerdas o un instrumento completamente desconocido— hasta que la guitarra lastimera regresa para guiar la pieza hacia un dosel más tranquilo y luminoso.

“Space BOB” deja pasar un toque de humor sin menoscabar la intensidad. Un riff asimétrico, casi caricaturescamente obstinado, insinúa funk y blues sin encasillarse en ninguno de los dos. La música se expande hacia afuera, con patrones de acordes que vagan en direcciones inesperadas antes de asentarse en un impulso propulsor de space rock. Bajo el torbellino cósmico, el bajo de Erlien y los dos percusionistas mantienen un movimiento implacable hacia adelante, dotando a la pieza de una urgencia narrativa incluso en sus momentos más caóticos.

El tema final, «What Drifts Below», llega casi ingrávido: pulsos apagados y armonías suaves se acumulan lentamente alrededor de una melodía apenas esbozada, con guitarra y violín entrelazándose en el paisaje sonoro. Las capas suben y bajan como la marea; lo que comienza como un murmullo submarino se revela gradualmente como una línea clara y melodiosa sin romper jamás el hechizo de suspensión, como si la música avanzara a tientas en la oscuridad. Se desvanece como una última caricia lenta, dejando ondas a su paso.

Como siempre, la música de Aarset evoca imágenes tanto como invita a una escucha analítica. Cada pieza se siente como un cortometraje sin diálogos, dejando solo la luz, los ángulos y los cortes. Los oyentes habituales reconocerán su sello personal de inmediato: la forma en que el tratamiento electrónico y el toque acústico se fusionan tan estrechamente que se convierten en un solo instrumento. Pero también se percibe una renovación sonora, el descubrimiento de nuevos colores y formas dentro de un lenguaje familiar.

Llevamos muchos años tocando juntos en esta banda, y con el tiempo hemos desarrollado un sonido propio, basado en una estética musical compartida. En este álbum quise explorar más a fondo esa esencia, pero también ir más allá, explorando sus límites para ver hacia dónde se dirige la música. Si sentimos que ya hemos estado aquí, es señal de que debemos cambiar de rumbo. La mayoría de las decisiones que tomamos en el estudio son intuitivas: nos guiamos por lo que suena y se siente bien. Al final, el objetivo es simple: crear música que nos resulte fresca, que nos emocione y que nos apetezca volver a tocar. La música misma siempre nos enseña qué viene después. Eivind Aarset

Quizás la conclusión más impactante, una vez que la última nota se desvanece, es que lo que define el trabajo de Aarset no es la tecnología a sus pies, sino las decisiones que toma con sus dedos: su sonido limpio, su fraseo, su instinto para saber exactamente dónde debe empezar y terminar una nota. Los efectos, las texturas, el elaborado diseño sonoro siguen siendo esenciales, pero están al servicio de un músico cuya identidad sería inconfundible incluso con solo un cable, una guitarra y un amplificador. "Strange Hands" subraya este hecho con serena seguridad, añadiendo un capítulo más a una obra que continúa volviéndose más coherente, más experimental y más profundamente personal.

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