El nuevo álbum de Veronica Swift, de título homónimo y tercero para Mack Avenue Records, es una magistral historia de superación personal. En sus álbumes anteriores, Confessions (2019) y This Bitter Earth (2021), ascendió al escalón superior de las cantantes de jazz de principios del siglo XXI por su brillantez virtuosística, su ingenio interpretativo, su vigorosa composición de canciones y sus agudos arreglos. En pocas palabras, Swift no sólo es una de las cantantes más deslumbrantes de su generación, sino también una de las más versátiles.

Aunque sus dos primeros álbumes consolidaron su posición en el jazz moderno, Veronica Swift demuestra que es más que una cantante de jazz, explorando la ópera francesa e italiana, la música clásica europea, la bossa nova, el blues, el rock industrial, el funk y el vodevil. Y lo consigue sin que los resultados suenen insulsos o pastiches. La expansiva voz artística de Swift permanece intacta independientemente del género.

Swift describe esta declaración artística personal en su nuevo álbum como «transgenre». «Crecí inmersa en la cultura de la música jazz, bendecida por haber tenido a algunos de los grandes como mentores, y sentí un profundo deber familiar de mantenerla», dice, reflexionando sobre sus padres: la cantante y educadora de jazz, Stephanie Nakasian, y el pianista de bebop, Hod O’Brien.

«Pero por muy arraigada que esté en el jazz, hay una fuerza visceral única en el rock y el soul que siempre ha alimentado mi pasión creativa, y en lugar de enmascarar o confinar esa parte de mi identidad, la gente que más admiro se muestra sin tapujos, y ése es el tipo de tradición de la que quiero formar parte».

Para el álbum, Swift cuenta con Brian Viglione, del dúo de cabaret punk The Dresden Dolls, como batería y coproductor junto con Swift y Mariano Aponte. También está a bordo un variopinto grupo de músicos que incluye al pianista, teclista y organista Adam Klipple de Blood, Sweat, and Tears, el pianista y arreglista Randy Waldman, los guitarristas Chris Whiteman y Samson Schmitt, el percusionista Luisito Quintero, el cantante Austin Patterson, el violinista y violista Antoine Silverman, el violinista Pierre Blanchard, los bajistas Phillip Norris, Alex Claffy, Antonio Licusati y Felix Maldonado, los saxofonistas Troy Roberts y David Leon, los trompetistas Benny Benack III y James Sarno, el trombonista Javier Nero, el percusionista Luisito Quintero, el acordeonista Ludovic Bier, la vocalista Carolynne Framil y el intérprete de viento madera y orquestador David Mann.

El álbum arranca con la extravagante interpretación de «I Am What I Am» de Jerry Herman, del musical de Broadway La Cage aux Folles. Swift impregna la contagiosa melodía de una alegría desbordante, especialmente cuando se lanza a una sublime excursión de scat que desemboca en una fuga inspirada en Johann Sebastian Bach. Para Swift, la canción se convierte en una declaración de libertad artística.

A partir de ahí, cambia de marcha en su tratamiento de «Closer» de Nine Inch Nails, anclado en un intrincado patrón de batería inspirado en Clyde Stubblefield, que recuerda su trabajo en el clásico de James Brown «Cold Sweat». A medida que las trompetas, el bajo pulverizador y las voces enérgicas se unen a la melodía, Swift canaliza su sensibilidad alt-rock antes de estallar sorprendentemente en otro sensacional pasaje de scat. Una celebración del hambre carnal, este afilado arreglo alude a su amor por el rock industrial de los 90.

Veronica Swift se vuelve aún más feroz con su racheado tratamiento del clásico de Duke Ellington y Bob Russell «Do Nothing Till You Hear from Me», en el que los lacerantes licks de guitarra de Whiteman canalizan tanto a Jimi Hendrix como a Albert King mientras Swift transforma la canción en un abrasador blues del Delta del Mississippi.

El álbum se calma con la conmovedora extrapolación que hace Swift de la estrofa de «The Show Must Go On» de Queen, que refuerza con contagiosos ritmos afrocubanos. La canción también sirve como otro ejemplo de su concepto «transgenre», ya que utiliza el arreglo de Nat King Cole del aria de Ruggero Leoncavallo «Vesti la Giubba» de su ópera Pagliacci.

El álbum vuelve al amor de Swift por el teatro musical americano con la dramática lectura de la balada de vodevil de Harry Carroll y Joseph McCarthy «I’m Always Chasing Rainbows», que se fusiona con la «Fantasie-Impromptu» de Frédéric Chopin. Esto da paso a una composición original, «In the Moonlight», una impresionante balada de antorcha en la que Swift adapta la «Sonata Claro de Luna» de Ludwig van Beethoven e incluye un guiño oculto a la estructura armónica del «Concierto para piano nº 2» de Sergei Rachmaninoff en los coros.

Swift continúa con otro magnífico original, «Severed Heads», una suave bossa que contiene una letra sarcástica y amorosa. De nuevo la brillantez de Swift como arreglista irradia a través de la melodía, que incorpora fragmentos de «Perché Tarda la Luna?» de Giacomo Puccini de su ópera de 1924, Turandot (originalmente adaptada de la popular canción popular china, «Mo Li Hua (Jasmine Flower Song).»

Demuestra su maestría cantando en francés y portugués, respectivamente, con sus estremecedoras lecturas del aria de Charles-François Gounod «Je Veux Vivre», de su ópera de 1867, Roméo et Juliette, y de la joya de la bossa nova de 1957 de Antônio Carlos Jobim y Vinícius de Moraes «Chega de Saudade».

Swift regresa al canon del hard rock con una versión ganadora del himno de Queen de 1973 «Keep Yourself Alive» antes de cerrar el multifacético álbum con una interpretación punk de «Don’t Rain on My Parade» de Bob Merrill y Jule Styne del musical Funny Girl de 1964.

Swift acaparó por primera vez una gran atención internacional en 2015, cuando ganó el segundo puesto en el Concurso Internacional de Canto del Thelonious Monk Institute of Jazz. Cuatro años después, Mack Avenue Records publicó su aclamado álbum Confessions cuando solo tenía 25 años. Demostró sus dotes para los ciclos de canciones conceptuales en su siguiente álbum, This Bitter Earth, que no solo dejaba entrever sus influencias rockeras, sino que abordaba temáticamente algunas de las verdades más duras de ser mujer, sobre todo en lo que se refiere al maltrato doméstico.

Swift cuenta que para su nuevo álbum llevaba unos dos años y medio explorando su concepto de «transgenre». Durante la pandemia de Covid-19, ideó la estrategia de revelar al público esta versión de sí misma más desnuda artísticamente, al tiempo que era consciente de lo conservadora que puede llegar a ser la industria del jazz mainstream.

«A menudo he sufrido la reacción de algunos de los miembros más «puristas» de la comunidad del jazz cuando exploraba fuera de los parámetros del straight-ahead. Al principio, la gente (bienintencionada) quería vestirme con vestidos vaporosos y convertirme en la abanderada del Gran Cancionero Americano, pero he cambiado los vestidos por trajes de flecos».

Forjó y perfeccionó la mayor parte del material de Veronica Swift en la carretera. Para su deleite, el público acogió con entusiasmo la nueva dirección. «Mis conciertos en directo han sido el experimento que me ha permitido comprobar la disposición del público a aceptar todo lo que soy, y es alentador saber que puedo seguir impulsándome creativamente e invitar a la gente a participar en el proceso».

«Recuerdo a la gente que cualquier exploración de la música fuera del jazz directo es una adición, no una sustracción», continúa Swift. «Sólo espero que este álbum ayude a la gente a abrazar cada aspecto de lo que son, y dejar que guíe su propia autoexpresión».

veronicaswift.com