GoGo Penguin ::: Everything Is Going to Be OK

GoGo Penguin ::: Everything Is Going to Be OK

Everything Is Going to Be OK

GoGo Penguin

XXIM Records | Abril 14, 2023

GoGo Penguin - Everything Is Going to Be OK

 

1 You’re Stronger Than You Think 1:16
2 Glimmerings 4:01
3 Saturnine 4:54
4 Glow 2:39
5 Friday Film Special 4:09
6 Soon Comes Night 3:14
7 An Unbroken Thread of Awareness 2:17
8 We May Not Stay 4:11
9 Everything Is Going to Be OK 4:47
10 Last Breath 2:01
11 You’re Stronger Than You Think (Revisit) 1:57
12 Parasite 5:49
13 Sanctuary 2:07

 

 

Chris Illingworth – piano
Nick Blacka – bass
Jon Scott – drums

«La idea de emular la electrónica con instrumentos acústicos, en este disco, sentíamos que ya la teníamos y es lo que se espera de nosotros. Así que cuando empezamos a experimentar con sintetizadores modulares, había una voz en el fondo de nuestras cabezas que decía: ‘¿Podemos hacer esto? ¿Qué va a decir la gente?»‘.

«En el pasado, hemos sido culpables de empeñarnos en nuestra música, pero esta vez, tuvimos la fe de darnos cuenta de que nos sentíamos bien y alejarnos de ello».

Everything Is Going to Be OK nace de una época de turbulencias y pérdidas. Durante un período personalmente difícil para la banda, que incluyó una profunda pérdida personal y el duelo, el estudio ofreció a la banda un santuario de la vida real. El proyecto resultante, al que se ha dado aquí una vida tan vibrante, extrae su fuerza de una comprensión y empatía compartidas. La vida tiene muchos aspectos maravillosos y, a pesar de los bajos, debemos ser conscientes y estar agradecidos de celebrar los altos en cada momento. Juntos saldremos fortalecidos de las dificultades; todo va a salir bien.

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Un equipo nuevo, un nuevo batería y los discos de DJ Shadow y Mo’Wax son algunos de los ingredientes sonoros que la banda mancuniana de future-jazz GoGo Penguin ha mezclado en su nuevo y alegre álbum.

«Hemos sido más audaces y valientes que nunca en lo que intentamos hacer con nuestra música», dice Chris Illingworth, pianista de GoGo Penguin, sobre el nuevo disco. «Supone un gran paso adelante para nosotros».

Everything Is Going to Be OK es el sexto álbum de la banda mancuniana y sobre el que Chris, junto al ingeniero de sonido/productor de larga trayectoria y cuarto miembro no oficial Joe Reisner, están debatiendo en Zoom. El disco, grabado con el bajista Nick Blacka y el nuevo batería Jon Scott, nació de lo que Chris describe como una época dura y difícil. La sombra de COVID-19 y el bloqueo se cierne sobre ellos, pero el título y las delicias musicales ofrecen algo de luz en medio de esta oscuridad. Los temas, cálidos y glitch, conmueven el corazón y la mente, y rodean con agilidad melódica la etiqueta de «jazz» que la banda les ha colgado.

«Como GoGo Penguin, el concepto siempre ha sido hacer música electrónica con instrumentos acústicos. Esa fue la banda durante mucho tiempo», dice Joe.

Chris está de acuerdo: «La idea de emular la electrónica con instrumentos acústicos, en este disco, sentíamos que ya la teníamos y es lo que se espera de nosotros. Así que cuando empezamos a experimentar con sintetizadores modulares, había una voz en el fondo de nuestras cabezas que decía: ‘¿Podemos hacer esto? ¿Qué va a decir la gente?»‘.

«En el pasado, hemos sido culpables de empeñarnos en nuestra música, pero esta vez, tuvimos la fe de darnos cuenta de que nos sentíamos bien y alejarnos de ello».

Con más máquinas e ideas musicales a su disposición que nunca, GoGo Penguin en 2023 avanzan con confianza, llenos de ambición.

«Nos pareció bien, la música era genial y nos dejamos llevar», dice Chris sobre el álbum. «No creo que hubiéramos tenido estas ideas hace unos años. Y si las hubiéramos tenido, probablemente no las habríamos adoptado de la misma manera.»

Ahora, con un nuevo baterista Jon Scott y una sensibilidad electrónica mejorada, la banda está trabajando estrechamente con Joe y el productor Brendan Williams para refinar su forma de operar en el estudio.

«Los cambios han parecido graduales, ya que hemos estado trabajando constantemente con nuestra música», dice Chris. «Nick ha aportado mucho más, siempre hemos estado cerca de Joe y Brendan, que nos producen. No sólo trabajan en cómo enfocamos el aspecto técnico, sino que nos dan más perspectiva y nos ayudan a asumir mayores riesgos.»

En el nuevo álbum, la banda ha ido recopilando fragmentos de ideas de distintas fuentes, para luego encajarlas poco a poco en un todo. Inspirados por los discos llenos de humo y samples de DJ Shadow, el amor por Mo’Wax y los sellos discográficos Grand Central de Manchester constituyó uno de los pilares que sustentan el nuevo disco. Otro fue un renovado interés por incorporar más ritmos y síntesis.

«Tenía muchas ganas de explorar los módulos Eurorack, pero me resultaba difícil encontrar el camino», explica Chris. «No estaba seguro de cómo utilizarlos hasta que vi unos vídeos de Alessandro Cortini hablando de su configuración con Nine Inch Nails. Hablaba de ello como un músico que utiliza estas herramientas para hacer música, más que como alguien que sólo tiene muchos conocimientos sobre equipos.»

«La gente siempre tiene que encontrar sus propias cosas y coger lo que necesita. Es bueno que la música les haga sentirse bien, aunque por nuestra parte nada es demasiado rígido. Hay una apertura en nuestra música que nos gusta explorar y evolucionar».

Integrar la tecnología a la perfección en sus arreglos de piano y bajo fue una parte clave del disco. Este enfoque también se produjo en medio de un montón de material en el que la presencia de los miembros no oficiales realmente cosechó recompensas en la edición y los arreglos.

«Saturnine es el ejemplo perfecto de su aportación», dice Chris. «Todas las piezas estaban ahí, pero nos llevó mucho tiempo encontrar la mejor combinación. Ahí es donde Joe y Brendan han sido importantes: teniendo esos pares de oídos extra y ofreciendo una gran aportación.»

Otro tema, Glow, surgió de un esbozo de bucle y línea de bajo. Una vez añadidos los ritmos, se completó rápidamente la esencia del tema.

«Seguíamos pensando que podría haber algo más, pero al final, los ritmos fueron el toque final», dice Chris. «En el pasado, hemos sido culpables de esforzarnos en nuestra música, pero esta vez, tuvimos la fe de darnos cuenta de que nos sentíamos bien y seguir adelante».

Echando un vistazo a los títulos de las canciones, hay un claro hilo de optimismo que recorre el disco.

«Habíamos pasado un par de años muy difíciles y lo absorbimos en la música», explica Chris. «Aun así, también hay mucho brillo, nacido de ser creativos en el estudio, de un nuevo aliciente con la banda y de volver a tocar en directo después de COVID».

A pesar de que se trata de uno de sus discos más personales, la banda prefiere cubrir su música con una capa de abstracción en lugar de hacer nada demasiado obvio. La emoción está en primer plano, pero se invita a los oyentes a interpretar los temas de GoGo Penguin como quieran.

«La gente siempre tiene que encontrar sus propias cosas en ella y coger lo que necesite», dice Chris. «Es bueno que la música les haga sentirse bien, aunque, por nuestra parte, nada es demasiado rígido. Hay una apertura en nuestra música que nos gusta explorar y evolucionar».

Esta actitud flexible ante las percepciones que rodean a sus creaciones musicales es similar a su enfoque de la tecnología, con un amor por la experimentación nacido de los cierres pandémicos.

«Me he vuelto un poco loco comprando equipos», admite Chris.

«Puede que tenga que rehipotecar su casa para financiar su hábito modular», ríe Joe.

El tiempo de estudio del grupo se dedica a construir y esculpir el sonido de cada álbum. Con Everything is Going to be OK, el material se escribió principalmente con antelación, y luego entraron en este proceso en los Real World Studios de Peter Gabriel.

Joe dice: «En el estudio, Brendan y yo nos dedicamos a encontrar el mundo sonoro en el que viven estas canciones. No es sólo capturar las canciones, sino crear todo a su alrededor».

Escucha un disco de GoGo Penguin y oirás la calidad prístina de los arreglos y la composición. Sin embargo, Joe insiste en que, por mucho que les guste que las canciones suenen increíbles, la interpretación es el elemento más importante.

«Es algo que los productores e ingenieros olvidan al centrarse tanto en el sonido, estaba escuchando Deja Vu, de Crosby, Stills, Nash and Young, y la guitarra acústica de la primera pista está sobrecomprimida. Pero es una melodía increíble y una interpretación endiablada».

La preparación es otra pieza del rompecabezas de la construcción de un disco. Chris subraya la importancia de estar listo para trabajar antes de entrar en el estudio, así como de tener una fe total en quienes forman parte de tu círculo creativo.

«Necesitas a alguien genial como productor e ingeniero, si puedes encontrar colaboradores en los que confíes como nosotros, eso puede marcar la diferencia en la calidad de la interpretación. Tuvimos mucha suerte y encontramos gente increíble con la que trabajar».

«Definitivamente se trata de construir relaciones efectivas como músicos y artistas», continúa Joe. «Formarlas puede tener una gran influencia en el resultado final».

«Me encantan muchas cosas. Estoy muy orgulloso de lo que hemos hecho con el nuevo disco», sonríe Chris. «Es GoGo Penguin, pero también hay muchas cosas ahí. Hay un tema llamado Last Breath, que es uno de los momentos más oscuros del álbum, pero me encantó el enfoque con Nick improvisando sin piano ni batería. El resultado suena realmente interesante».

Chris concluye: «Con este disco, hemos puesto nuestro granito de arena y ya no es nuestro. Los demás tendrán que decidir, pero piensen lo que piensen, ha sido muy divertido hacerlo juntos».

gogopenguin.co.uk
musictech.com

Brandee Younger ::: Brand New Life

Brandee Younger ::: Brand New Life

Brand New Life
Brandee Younger

Impulse! | Abril 7, 2023

Brandee Younger - Brand New Life

 

1 You’re a Girl for One Man Only 3:58
2 Brand New Life 4:32
3 Come Live with Me (Interlude) 2:22
4 Livin’ and Lovin’ in My Own Way 4:58
5 Running Game (Intro) 1:07
6 Running Game 4:39
7 Moving Target 4:21
8 Dust 4:36
9 The Windmills of Your Mind 2:56
10 If It’s Magic 3:29

 

 

Rashaan Carter Bass
De’Sean Jones Arranger, Flute
Makaya McCraven Drums, Percussion, Producer
Sharon McNease-Griggs Vocals
Linda Mcnease-Younger Vocals
Mumu Fresh Vocals
Meshell Ndegeocello Vocals
9th Wonder Drum Programming
Junius Paul Bass
Yuri Popowycz Strings
Pete Rock Drum Programming
Joel Ross Vibraphone, Xylophone
Brandee Younger Composer, Harp, Liner Notes, Primary Artist, Vocals

En su segundo álbum para Impulse, Brandee Younger rinde homenaje
al legado perdurable de Dorothy Ashby

En «Brand New Life» Brandee Younger rinde homenaje a su antepasada musical, la arpista de los sesenta Dorothy Ashby, al tiempo que se dirige a las generaciones más recientes. Es un álbum lleno de brillantes colores de neón, sobre vivir la vida al máximo.

Brandee Younger es una arpista sonoramente innovadora que está revolucionando el arpa en la era digital. Durante los últimos quince años ha trabajado incansablemente para ampliar las fronteras y los límites del instrumento en el jazz. En 2022 hizo historia al convertirse en la primera mujer negra nominada a un Grammy a la mejor composición instrumental. Ese mismo año también fue nominada a un premio NAACP Image Award.

Artista en constante evolución, ha trabajado con iconos como Common, Lauryn Hill, John Legend y Moses Sumney.

Brand New Life se basa en su ya rica obra y confirma el lugar del arpa en la cultura popular actual. Como sugiere el título del álbum pretende abrir nuevos caminos artísticos, personales, políticos y espirituales. «Estamos dando nueva vida a las composiciones de Dorothy Ashby. También estamos creando una nueva vida… para el instrumento», afirma Brandee.

En marzo de 2022, voló a Chicago y empezó a grabar en el estudio casero de su colaborador y amigo de toda la vida, Makaya McCraven, que produjo el álbum y tocó la batería. En la Ciudad del Viento, Younger esperaba recuperar parte de la energía funky de Dorothy Ashby, que había grabado en la Ciudad del Viento casi cincuenta años antes. Brandee reunió a artistas con una conexión real con Ashby: el bajista, cantante y rapero neo-soul Meshell Ndegeocello, su bajista de toda la vida Rashaan Carter, así como el legendario rapero y productor Pete Rock y el productor contemporáneo 9th Wonder.

Este último introdujo a Dorothy Ashby entre los aficionados al hip-hop y al R&B en los años 90 y principios de los 2000, con samples de calidad. El tema de Pete Rock y CL Smooth For Pete’s Sake, de 1992, incluye el éxito de Ashby Come Live With Me, de 1968. El remix de 9th Wonder del clásico de R&B Why Don’t We Fall in Love (2003) de la cantante Amerie también incluye un sample de Dorothy Ashby de Come Live With Me.

Al interpretar en solitario esta canción tan sampleada en «Brand New Life», Brandee tiende un puente entre generaciones. «Quería que todo el mundo en el álbum tuviera una conexión especial con Dorothy [Ashby]», explica. Para este proyecto, Brandee Younger también grabó varias composiciones inéditas de Ashby, así como sus propias composiciones originales.

El amor es un hilo conductor sutil pero insistente a lo largo de todo el álbum. La canción que abre el disco, You’re a Girl For One Man Only, es una composición original de Dorothy Ashby. Sonoramente, es tierna y evoca un primer beso o los comienzos de una nueva relación amorosa. Brandee Younger recuerda el mensaje más tradicional de la letra de la canción original sobre el anhelo romántico que aún hoy se escucha en la música popular. El chico persigue a la chica. La chica sucumbe. En la versión de Brandee Younger, hay una sensación de acción y exploración. Brandee Younger crea una atmósfera inquietante. En la segunda mitad de la pieza, hay una delicada danza entre Joel Ross al vibráfono y Brandee Younger al arpa, ambos instrumentos enternecen la melodía.

Brandee Younger nació y creció en Hempstead, Nueva York. De adolescente, a principios de los 90, le encantaban artistas como LL Cool J, Queen Latifah y Busta Rhymes. Entre estos grandes nombres del hip-hop, descubrió la música de Ashby a través de la leyenda Pete Rock. Empezó a tocar el arpa a los once años y acabó matriculándose en la Hartt School of Music de la Universidad de Hartford, en Connecticut, donde estudió música clásica. Fue animada por el saxofonista Jackie McLean, que impartía clases allí, cuando hizo su primera incursión en el jazz con el arpa.

Fue cuando escuchó por primera vez a Dorothy Ashby cuando vislumbró nuevas posibilidades para ella como arpista. «Ella interpretaba todos los temas populares y las partituras de las películas de la época, y yo quería hacer lo mismo. Tocaba pop, jazz y todo el mundo la sampleaba: DJ Premier, Pete Rock, J. Dilla. Escucharla, y luego verla como mujer afroamericana, cuando yo no era más que una solitaria negrita que tocaba el arpa en mi rincón, lo fue todo para mí».

Brandee trazó su camino con un pequeño pero poderoso grupo de arpistas negras –Sarah Lawrence, de su ciudad natal, Ann Hobson-Pilot, Dorothy Ashby y Alice Coltrane– que fueron fuentes constantes de inspiración.

En 2006, tras graduarse en la Hartt School, Brandee Younger se hizo un nombre en la escena del jazz de Nueva York. Como sidewoman, ha actuado junto a iconos del jazz como Pharoah Sanders, Ravi Coltrane, Jack DeJohnette y Reggie Workman. El compromiso de Brandee Younger de llevar la antorcha también es evidente en su trabajo como intérprete y educadora.

En 2008 obtuvo un máster en música por la Steinhardt School de la Universidad de Nueva York. Fue entonces cuando empezó a trabajar en serio como pedagoga. Ha sido invitada a dar clases y conferencias en numerosas universidades, entre ellas Berklee College of Music, Princeton University, Howard University y Tulane University. Actualmente enseña en la Universidad de Nueva York y en The New School.

En 2020 fue nombrada ganadora de la DownBeat Critics Poll en la categoría de arpista «Nuevo Talento». En los últimos años, ha contribuido a álbumes de Lakecia Benjamin, Robert Glasper, Jeremy Pelt, The Baylor Project y Makaya McCraven, por nombrar algunos. Además de estas contribuciones, el compromiso de Brandee Younger de honrar el legado de las arpistas afroamericanas queda patente en su labor de comisaria.

 

brandeeyounger.com

Makaya McCraven ::: Deciphering the Message

Makaya McCraven ::: Deciphering the Message

Deciphering the Message
Makaya McCraven
Blue Note | Nov 19, 2021
Makaya McCraven - Deciphering the Message
1 A Slice Of The Top 3:12
2 Sunset 3:48
3 When Your Lover Has Gone 2:11
4 Ecaroh 2:57
5 Tranquillity 3:39
6 Wail Bait 2:09
7 Coppin’ The Haven 2:35
8 Frank’s Tune 3:37
9 Autumn In New York 5:55
10 Monaco 2:24
11 Mr. Jin 2:57
12 C.F.D. 3:17
13 Black Rhythm Happening 3:34

 

Makaya McCraven, drums, bass, keyboards, percussion
Jeff Parker, guitar
De’Sean Jones, flute
Marquis Hill, trumpet
Matt Gold, guitar
Junius Paul, bass
Jack Wilson, piano
Lee Morgan, trumpet
Garnett Brown, trombone
Jackie McLean, alto saxophone
Bob Cranshaw, bass
Billy Higgins, drums
Art Blakey, spoken Word
Joel Ross, vibraphone

McCraven llega a este proyecto tras haber remezclado el último álbum de Gil Scott-Heron, I’m New Here, de 2010, en un LP igualmente emotivo titulado We’re New Again, que reimagina la lucha del poeta con la pérdida, la existencia cotidiana y el arrepentimiento. Aunque el barítono distintivo de Scott-Heron seguía siendo el centro de atención, McCraven creó un álbum más cercano a la estética natural del vocalista, el soul y el jazz. Para Deciphering The Message, McCraven quería mantener la integridad de la música original de Blue Note, pero con un toque moderno, para atraer a aquellos que sólo conocen el sello por la vieja colección de vinilos de sus abuelos.

Sin embargo, estos artistas no siempre fueron leyendas; a propósito, McCraven los atrapa en su camino. «Quería centrarme un poco en el catálogo más antiguo y en una época determinada», dice. «Desde el principio, me inspiró esta idea de estos jóvenes músicos pasando por las bandas, casi como un rito de paso». En aquella época, era habitual escuchar a estos artistas tocar melodías similares en distintos grupos a través de varios discos y dar su propio giro a los estándares del género. McCraven quería explorar el concepto de sampling dentro del ámbito del jazz tradicional. «Para mí, todo forma parte de un hilo conductor más amplio», dice. «Escogí temas que me hablaban, pero todo se unió de esa manera».

Aunque Deciphering The Message recoge canciones de varios años de la historia de Blue Note, se reproduce como un conjunto continuo que tiene lugar en un solo espectáculo en un local. «Pee Wee» Marquette, maestro de ceremonias del Birdland Jazz Club de 1949 a 1965, narra este álbum, y su inclusión sitúa el LP en algún lugar de la línea de tiempo entre la transición de la música de jazz del bebop al hard bop. Hay una frialdad predominante en este álbum, que no sorprenderá a nadie que haya seguido el trabajo de McCraven hasta este punto. Pero mientras que los discos In The Moment y Universal Beings captaban lo que ocurría en paisajes más recientes, éste marca el período que informa el arte de McCraven. Esta yuxtaposición es más frecuente en «Tranquillity» (también conocida como «Corner of the World»), donde, tras una introducción sampleada de Marquette, McCraven entra con toques de batería contemporáneos y vientos en capas que arrastran «Tranquillity» de Bobby Hutcherson -del álbum Components de 1965 del vibrafonista- a este siglo.

Por otra parte, el tema de hard bop «Frank’s Tune» del pianista Jack Wilson -del álbum Easterly Winds de 1967- se convierte en «De’Jeff’s Tune», un arreglo inspirado en el R&B de los años 80 con un ritmo de baile de dos pasos, unos acordes de guitarra flotantes cortesía de Jeff Parker y la delicada flauta de De’Sean Jones. Otra joya de este conjunto es «Autumn In New York» (también conocida como «Spring In Chicago»), un triunfo de casi seis minutos que cambia el original de Kenny Burrell -del álbum Blue Lights, Vol. 1 de 1958 del guitarrista- de una balada romántica y tranquila a un hipnótico zapateado de vientos apagados y suaves vibraciones, capturando perfectamente un paseo por el lago Michigan. Con la canción «A Slice Of The Top» (también conocida como «Sliced Off The Top») -un remake del tema principal de una sesión de Hank Mobley de 1966- McCraven intercambió los solos entre el saxofonista y el trompetista Lee Morgan y puso una batería más pronunciada en la parte superior de la mezcla. «Al juntar todo, quería crear una narrativa que hiciera sentir al oyente que estaba cayendo en este espacio o en un movimiento», dice McCraven. «Realmente intentaba hacer un disco, no sólo una serie de pistas».

McCraven empezó a recopilar el álbum a principios de 2020, antes de que empezara COVID-19. «Íbamos a hacer grandes conciertos y giras», recuerda, «y empecé a probar cosas y a concebir parte del proceso porque quería tomarme un tiempo con ello». Cuando llegó la pandemia y se suspendieron los conciertos y los viajes, se tomó un tiempo y se trasladó con su familia a Hawai. Allí eligió los temas que quería reimaginar y terminó el disco de vuelta en Chicago, donde se reencontró con su equipo de músicos de cabecera y añadió nuevos elementos en directo a estas canciones clásicas. McCraven siempre ha sido un artista colaborativo que prefiere la energía de las sesiones en persona al aislamiento de crear en solitario. Esto no es diferente aquí: Deciphering The Message cuenta con el vibrafonista Joel Ross, el trompetista Marquis Hill, el saxofonista alto Greg Ward, los guitarristas Matt Gold y Jeff Parker, el bajista Junius Paul y De’Sean Jones al saxo tenor y la flauta. «Hay un aspecto social y de camaradería en la música», dice McCraven sobre este álbum y su método creativo en general. «Para mí, eso es inspirador y está en el espíritu de la colaboración. Hay líderes de bandas, pero el colectivo de voces y sonidos individuales y la forma en que se influyen mutuamente, ese es el tejido de lo que hace una escena.»

De este modo, Deciphering The Message conecta el pasado y el presente, demostrando que los músicos se convierten en leyendas al recorrer los mismos caminos con creadores de ideas afines que avanzan hacia el mismo objetivo. La cohorte de McCraven, Parker, Paul, Ross y Hill no es diferente de, por ejemplo, Blakey & The Jazz Messengers, cuyo objetivo era simplemente crear buena música; que se convirtiera en un arte fundamental era una ventaja. Para ello, McCraven espera que el álbum sea a la vez educativo y una buena escucha. «Siempre quiero hacer música que conecte con la gente de una manera, que les haga asentir o sentir algo o que les transporte a algún lugar», dice. «También espero que esto les haga comprobar la fuente de esta música si la tienen. La música que hacemos ahora forma parte de la misma ruta y está conectada, así que quiero honrar la tradición y lanzar algo con lo que la gente pueda vibrar.»

«Hay 13 experimentos de este tipo en total aquí -desde un triposo «Otoño en Nueva York» que se originó en un título de Kenny Burrell hasta Clifford Brown como nunca lo habías imaginado- cada uno un pastiche impresionantemente reconfigurado». (Jeff Tamarkin, JazzTimes)

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