Nitai Hershkovits ::: Call On The Old Wise

Nitai Hershkovits ::: Call On The Old Wise

Call On The Old Wise

Nitai Hershkovits

ECM | Nov 10, 2023

Nitai Hershkovits - Call On The Old Wise

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1 The Old Wise 2:48
2 Enough To Say I Will 3:14
3 Mode Antigona 2:16
4 Of Trust and Remorse 2:47
5 Intermezzo No.3 2:25
6 Majestic Steps Glow Far 4:13
7 Dream Your Dreams 4:00
8 Placid In Africansque 3:52
9 Mode Brilliante 1:14
10 Single Petal Of A Rose 3:29
11 A Rooftop Minuet 3:48
12 Late Blossom 3:28
13Intermezzo No.4 1:46
14 In Satin 1:26
15 This You Mean To Me 2:56
16 Of Mentorship 1:52
17 For Suzan 1:49
18 River Wash Me 2:49

 

Nitai Hershkovits, piano

June 2022, Auditorio Stelio Molo RSI, Lugano

Call on the Old Wise es el primer disco de Nitai Hershkovits para ECM, en el que presenta su poderoso ingenio pianístico en un entorno solista en gran medida improvisado. Las improvisaciones de Nitai se desarrollan como composiciones creadas en tiempo real: «Es como si estuviera tocando con varios períodos de música a la vez, pero en una especie de entorno de realidad aumentada», afirma Nitai. «Para mí, el álbum es como un viaje a través de múltiples experiencias en un abrir y cerrar de ojos. Como saltar a través de marcos que contienen imágenes diferentes o mirar a través de ventanas a mundos distintos». Call on the Old Wise sigue a Isabela y Here Be Dragons, donde se ha podido escuchar a Nitai como miembro del cuarteto de Oded Tzur.

El álbum está dedicado en parte a la antigua profesora de piano de Nitai, Suzan Cohen, con la que estudió en Jerusalén y que, según Nitai, es la mentora a la que alude el término «sabio» del título del disco. Las piezas «The Old Wise», «Of Mentorship» y «For Suzan» se refieren directamente a ella. Pero Nitai bebe de influencias de gran alcance, que van desde su trabajo en contextos jazzísticos y exploraciones contemporáneas de vanguardia hasta su formación en música clásica. Este equilibrio inmaculado de lenguajes da lugar a una abundancia de colores y timbres, explorados por un pianista que se ha forjado con éxito su propia voz como improvisador y diseñador de formas.

En su enfoque de la improvisación, señala, las formas y las texturas marcan la dirección del desarrollo del material: «No quiero limitarme a una tonalidad o un compás, sino dejarme la libertad de reevaluar continuamente las cosas en tiempo real y verlas desde una nueva perspectiva una y otra vez. Por eso también intenté ir a la sesión con el menor número posible de ideas preconcebidas». A la luz de este sentido espontáneo de la creación, resulta sorprendente lo completamente formados que están muchos de los diseños miniaturescos del álbum. Nitai menciona inspiraciones tan aparentemente dispares como Chick Corea y los compositores rusos Rachmaninoff y Scriabin como guía en el proceso.

Grabado en el Auditorio Stelio Molo de Lugano en 2022, las propiedades acústicas específicas del estudio también influyen en la evolución musical de Nitai, al igual que sus intercambios con el productor Manfred Eicher. Nitai: «En el estudio se hablan muy pocas palabras. Con Manfred, es como si hubiera otro músico en la habitación, reflejando, reaccionando y remodelando la música en el momento». Call on the Old Wise es un testimonio de la inventiva única de Nitai Hershkovits, así como una adición esencial a la célebre línea de grabaciones de piano solo de ECM.

****

Nacido de madre marroquí y padre polaco, Nitai inició su trayectoria musical con el clarinete, antes de pasarse al piano a los 15 años. El jazz y la música improvisada fueron el centro de sus investigaciones musicales a lo largo de su adolescencia, con un interés especialmente fuerte por la idiosincrasia de Sonny Rollins. En este periodo, Nitai ganó varios concursos de jazz en la zona de Tel Aviv, antes de que su creciente interés por la música clásica tomara forma, lo que le llevó a estudiar tanto jazz -con Omer Avital y el bajista Avishai Cohen– como piano clásico, con Menahem Weisenberg y Amir Pedorovits.

Tras una etapa de cinco años en el trío de Avishai Cohen (2011-2016), Nitai se trasladó a Nueva York, donde tocó en numerosos grupos, entre ellos el cuarteto de Oded Tzur, del que sigue formando parte en la actualidad. Recientemente ha regresado a Israel, donde participa en diversos proyectos musicales, entre ellos colaboraciones con el músico electrónico Yuvi Havkin alias Rejoicer y el baterista Amir Bresler, a quienes se puede escuchar en su proyecto conjunto Apifera.

nitaihmusic.com 
ecmrecords.com 

 

Oded Tzur ::: Isabela

Oded Tzur ::: Isabela

Isabela
Oded Tzur

ECM | Mayo 13, 2022

Oded Tzur - Isabela

 

1 Invocation 1:52
2 Noam 6:37
3 The Lion Turtle 8:35
4 Isabela 10:50
5 Love Song for the Rainy Season 7:33

Oded Tzur, tenor saxophone
Petros Klampanis, double bass
Nitai Hershkovits, piano
Johnathan Blake, drums

All compositions by Oded Tzur.

Recorded by Stefano Amerio at Auditorio Stelio Molo in Lugano, Switzerland, September 2021. Produced by Manfred Eicher.

Cover photo by Sebastião Salgado.

 

 

El exquisito y tierno lirismo, compuesto e improvisado, está salpicado de crescendos cuidadosamente controlados de pasión vocalizada a todo pulmón. Es una combinación embriagadora y edificante de un estilista idiosincrásico al frente de una banda maravillosamente empática… una pequeña obra maestra perfecta.

All About Jazz

«Me llevó un tiempo desarrollar el valor para explorar también el otro extremo, ver qué ocurre cuando sigues la explosión en el otro extremo del espectro dinámico. Para este álbum me sentí finalmente cómodo para explorar la totalidad del rango dinámico, el silencio pero también las erupciones, los colores brillantes».

Oded Tzur

El cuarto álbum de Oded como líder es la culminación de todo su viaje musical en forma de carta de amor. Después de publicar Here Be Dragons en 2020, el líder de la banda comenzó un proyecto de composición que se basaría en el concepto de Raga, el sistema indio de estructuras melódicas, como plataforma para el retrato musical. Cada una de las composiciones de Isabela resalta un aspecto diferente de la misma Raga, mientras que la propia canción del título es su pieza central.

Los músicos indios suelen describir una Raga como una personalidad abstracta, incluso un dios o una diosa, con la que el músico conecta en el momento de tocar. Al igual que una persona, una Raga es un conjunto infinito de posibilidades más que una narrativa estricta: un mundo en el que pueden existir innumerables melodías, todas ellas remitiendo a la misma fuente.

Durante el proceso de composición, Oded también profundizó en el Blues y consideró el espacio que ocupa su propia música en el eje entre la música clásica americana y la india. Su redescubrimiento de los artistas del Delta Blues le inspiró una interpretación personal del género como un tipo de Raga, un universo propio que es a la vez infinito e inconfundible. Isabela es el intento del saxofonista de tejer un hilo a través del tejido de sus influencias musicales, un tejido singularmente diverso, contando la historia de una persona individual.

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En su continuación de Here Be Dragons, el saxofonista israelí Oded Tzur y sus colaboradores aplican su sutil dialecto en un espacio más intenso, explorando los matices y colores del raga que el saxofonista se ha creado a sí mismo en una secuencia de meditaciones tranquilas y poderosas exclamaciones. A lo largo de Isabela prevalece un elevado sentido de la urgencia, ya que Oded vuelve con su cuarteto inalterado para tejer una idea musical subyacente a través de una serie de elaborados y apasionados diseños. Desde su primera aparición para ECM, la interacción del grupo se ha hecho más íntima en el camino y la profunda confianza entre el líder y sus acompañantes es una fuerza impulsora y vinculante detrás del alcance conceptual de la música.

Oded ha forjado un enfoque particularmente idiosincrásico de la composición en su trayectoria musical, mezclando el raga y el jazz de una manera en la que el saxofonista no toma prestados ni imita modismos musicales de otros lugares, sino que aplica un concepto musical-filosófico global a nivel universal. Según Oded, un raga va más allá de un conjunto de parámetros ligados a los compases o las notas: «Una forma de definir un raga es verlo como una personalidad abstracta hecha de sonido. Algún músico se referiría incluso a ella como una presencia a la que hay que dar vida. Ahí es donde ya no es una escala, sino algo mucho más que una secuencia de notas. En ese sentido, el blues es exactamente como una raga. Tiene una escala, pero no es simplemente una escala. Es una personalidad abstracta que es tan distinta que puedes escuchar una frase de ella y ya decir: ‘eso es blues’ – Como una persona que reconoces de lejos».

Una vez más, se unen a Oded en su viaje musical el pianista Nitai Hershkovits, el bajista Petros Klampanis y el batería Johnathan Blake, que infunden a las invenciones del líder una musicalidad sin esfuerzo y una vívida imaginación. Cada uno de ellos es un pilar en la escena del jazz contemporáneo y con vínculos que van más allá del formato tradicional del género, los colaboradores del saxofonista tienen «libertad para desarrollar la música como quieran», dentro de las estructuras y posibilidades que ofrecen las composiciones. El grupo descubre constantemente nuevas formas de comunicarse entre sí y de ampliar su vocabulario musical en el proceso: «Es como si estuviéramos en un río con árboles alrededor de las orillas, por lo que no podemos distinguir realmente hacia dónde nos dirigimos, pero podemos estar seguros de que nos llevará a un buen lugar». Ese lugar está marcado por las delicadas pinceladas de Nitai al piano, el feroz y seguro trabajo de percusión de Johnathan y los más que fiables cimientos de Petros en la parte profunda.

Downbeat ha descrito la forma de tocar de Oded como «silenciosamente fantástica y llena de fintas narrativas», al tiempo que ha perfilado su tono como «ligero y dulce, con una ligereza susurrada», y la técnica microtonal de flexión de notas del saxofonista, inspirada en los instrumentos clásicos indios y que roza lo «apenas audible», está de nuevo en el corazón de su voz y de las melodías que sobresalen en Isabela.

La raga que impregna el álbum de principio a fin se introduce en el acto de apertura, «Invocation», que funciona como un chalan en la música clásica india, el esqueleto de una raga que esboza la estructura de la raga de la forma más breve posible, como lo hace una sinopsis de una obra de teatro. Oded y su cuarteto desarrollan la materia musical concentrada de «Invocation» y la transforman en nuevas formas en amplios estudios de temperamento, pasando de la introspección pensativa en un momento a la improvisación extrovertida y libre en el siguiente. «Me llevó un tiempo desarrollar el valor para explorar también el otro extremo, ver qué ocurre cuando sigues la explosión en el otro extremo del espectro dinámico. Para este álbum me sentí finalmente cómodo para explorar la totalidad del rango dinámico, el silencio pero también las erupciones, los colores brillantes».

Ni el silencio ni los colores brillantes que sumergen el álbum en múltiples matices podrían surgir sin las distintivas contribuciones de los compañeros de viaje de Oded, y la interpretación del grupo se ve resaltada por la acústica cristalina del Auditorio Stelio Molo RSI de Lugano, donde se grabó el álbum en septiembre de 2021.

Isabela fue producido por Manfred Eicher. 

ecmrecords.com 
odedtzur.com 

Avishai Cohen ::: Almah

Avishai Cohen ::: Almah

Avishai Cohen
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Almah

Avishai Cohen
Parlophone | Nov 4, 2013
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Cincuenta y un años cumple hoy, 20 de abril, el contrabajista israelí Avisahi Cohen, quien culminó a fines del año 2019 una gira mundial en celebración de sus cincuenta años, con cincuenta conciertos en diferentes locaciones. Las giras se grabaron y sus fans eligieron los 50 temas que se publicaron bajo el nombre de The 50 Gold Selection (Näive | Nov 27, 2020), más una posterior edición «comentada» por el bajista tema por tema.

Pero eso fué para sus 50, hoy en el día de su cumple 51 elegimos para celebrarlo juntos Almah (Parlophone | Nov 4, 2013), el álbum que podría indicarse como su declaración de amor formal con la música clásica y el comienzo de una relación que nos lleva al día de hoy con la reciente publicación de Two Roses (Naïve | Abril 16, 2021) con la Gothenburg Symphony Orchestra conducida por Alexander Hanson.

Previo a ésto y como una continuidad de Almah, durante ese mismo año Cohen presento su nuevo proyecto Avishai Cohen with Strings, adosando a su trio estable un cuarteto de cuerdas con una ligera modificación sustituyendo uno de los violines por una viola para beneficiarse de su timbre más oscuro y crear más profundidad, una configuración que generó «un entorno clásico con una fuga hacia el jazz», según declaró. También se añadió un oboísta al conjunto que se unió al trío principal.

Más adelante durante todo 2019 y 2020 Cohen desarrolló An Evening with Avishai Cohen, una serie de conciertos en trio con orquesta sinfónica con repertorio de jazz contemporáneo, World Music y composiciones propias.

Con Almah, su decimocuarto álbum como líder, el bajista y compositor israelí ha vuelto a las raíces de su primera experiencia musical: la escritura y la armonía clásicas desarrollandola con el experimento logrado ese año: un cuarteto de cuerdas y un oboe unidos al trio base, configuración con la que giraría en 2014 por todo el mundo con su reciente proyecto Almah: Trío con Cuerdas.

CORTINA FINAL
Avishai Cohen – Almah
1 Overture ‘Noam’ Op.1 3:53
2 Song For My Brother 4:55
3 On A Black Horse/Linearity 4:17
4 A Child Is Born 6:25
5 Arab Medley 4:11
6 Southern Lullaby 2:38
7 Hayo Hayta 6:09
8 Shlosre 3:52
9 Kefel 3:28
10 Kumi Venetse Hasadeh 3:45

 

Cello – Yael Shapira
Double Bass – Avishai Cohen
Drums – Amir Bresler (10)
– Ofri Nehemya (2 to 9)
Electric Bass – Avishai Cohen
English Horn – Yoram Lachish
Oboe – Yoram Lachish
Piano – Nitai Hershkovits
Viola – Amit Landau, Galia Hai
Violin – Cordelia Hagmann (pistas: 1 to 9)
Vocals – Avishai Cohen
Illustration – Seb Jarnot

All tracks arranged by Avishai Cohen
Recorded by Lars Nilsson at Kicha Studios, Tel Aviv, Israel on 2nd to 9th June 2013 except #10 recorded on 4th and 5th September 2012 by Marko Gurka.

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