Dominic Miller Guitar Santiago Arias Bandoneon Mike Lindup Keyboard Nicolas Fiszman Bass Manu Katché Drums
ECM | Marzo 1, 2019
Segundo álbum para ECM luego del debut en solo guitarra con Silent Light, ahora al frente de un quinteto con la colaboración del gran baterista y percusionista Manu Katché con quien ha compartido sesiones durante años incluso juntos como miembros de las bandas de Sting para quien Miller trabajo durante tres décadas.
"Para mis dos álbumes de ECM, y especialmente este nuevo, mi idea inicial de una melodía puede ser como una simple melodía propia. Pero una vez que terminamos de trabajar juntos en ella, la pieza se convierte en un rico fotograma, con toda la luz y la sombra de la vida en ella. Manfred ayuda a sacar a relucir la esencia de la música, a menudo empujándonos fuera de nuestras zonas de confort en el proceso. Pero estoy dispuesto a hacerlo, hemos repensado, rediseñado y reinterpretado todos los temas del estudio. He hecho alrededor de 250 discos de pop y rock a lo largo de los años, y eso es a menudo un proceso para lograr la llamada perfección. Pero Manfred no está detrás de este tipo de perfección", explica Miller.
Nacido en Argentina de padre estadounidense y madre irlandesa, Miller se crió en Estados Unidos a partir de los 10 años y luego se educó allí y en Inglaterra. La mentalidad internacional del guitarrista sólo se ha profundizado a través de décadas de giras por el mundo, trabajando con gente como Paul Simon, The Chieftains, Plácido Domingo y, más a menudo, Sting. Miller es conocido desde hace mucho tiempo como la mano derecha de este último en la guitarra - y co-escritor de "Shape of My Heart", entre otros. "He sido influenciado por el sentido lateral de armonía de Sting y cómo forma canciones", dice el guitarrista. "Trato de hacer lo mismo creando una narrativa con música instrumental, que trato y arreglo como canciones, con versos, coros, puentes. He absorbido mucho de él sobre el concepto y el arreglo, así como la concisión al contar una historia".
In-House Science Arild Andersen, Paolo Vinaccia & Tommy Smith
ECM | marzo 23, 2018
El trío del maestro bajista noruego Arild Andersen con el tenorista Tommy Smith y el baterista Paolo Vinaccia es uno de los grupos pequeños de jazz más visceralmente excitantes del momento actual. Se podría decir que sus energías se capturan mejor en un contexto en vivo, y aquí los tres músicos ofrecen una actuación típicamente ahumada en la Villa Rothstein de Bad Ischl, Austria, grabada en septiembre de 2016. Su anterior grabación de conciertos en vivo en Belleville, fue publicada hace una década con excelentes críticas y una lluvia de premios. «Absoluta e irrestrictamente maravilloso», dijo la revista BBC Music Magazine. «¿Con qué frecuencia sólo tres músicos producen música tan vasta y panorámica en su escala y visión?» preguntó Jazzwise, asombrado.
Antecedentes
El trío del bajista noruego Arild Andersen con el tenorista escocés Tommy Smith y el baterista italiano Paolo Vinaccia es uno de los pequeños grupos de jazz más visceralmente excitantes del momento actual. Se podría decir que algunas de sus energías se capturan mejor en un contexto en vivo, y aquí los tres músicos ofrecen una actuación característicamente ahumada, grabada en la Villa Rothstein del PKS en Bad Ischl, Austria, en septiembre de 2016.
La grabación anterior del trío, Live At Belleville, se emitió hace una década con excelentes críticas y una lluvia de premios. «Absoluta e irrestrictamente maravilloso», dijo la revista BBC Music Magazine. «¿Con qué frecuencia sólo tres músicos producen música tan vasta y panorámica en su escala y visión?» preguntó Jazzwise retóricamente.
En entrevistas recientes, Andersen ha reflexionado sobre el método de trabajo del grupo. «En el trío todos son iguales. Tommy puede tocar el instrumento melódico, pero también puede ser un acompañante, y Paolo y yo somos la sección rítmica, pero también podemos ser la voz principal… Todos somos solistas o sección rítmica, los tres simultáneamente. Todo tiene que ver con la interacción, y como trío hemos desarrollado una gran química. Tommy es muy bueno escuchando el bajo y la batería cuando toca solo, y nos deja espacios para que nos pongamos al frente otra vez». Esto es evidente a lo largo de este programa de composiciones de Andersen, y no en último lugar en el tema más largo del álbum, «Science», que vuela a un ritmo vertiginoso y sigue cambiando su ángulo de ataque. El control férreo de Smith sobre sus ritmos giratorios es tan profundo como el de sus compañeros y Andersen, igualmente, es un solista tan elocuente como el destacado saxofonista.
«Mira» fue el título del álbum de estudio del trío en 2014, concebido originalmente por Arild como «Sunday morning album». Se abre In-House Science, transformada por el impulso de la actuación nocturna en directo. Lo mismo ocurre con «Blussy», ya de por sí potente en la versión de estudio, que se eleva a un nuevo nivel de intensidad en la fascinante y dinámica interpretación, rematada por un saxofón sobredimensionado.
El compromiso de Andersen con la música que quema energía no es, por supuesto, una novedad, sino una continuación: a principios de la década de 1970, tocó música de urgencia en tríos de saxofón/bajo/batería con Sam Rivers y Barry Altschul, con Juhani Aaltonen y Edward Vesala, y con Jan Garbarek y Vesala (ver Triptkyon). El trío con Smith y Vinaccia extiende esta distinguida tradición en sus propios términos.
«North of the North Wind», relacionado temáticamente con un ciclo anterior de Andersen -véase el lanzamiento de 1997 de Hyperborean- comienza con Arild tocando el bajo junto con un sampler para crear ricas sonoridades cuasi orquestales antes de que Smith entre y la pieza se adentra en territorio de balada libre, con conmovedoras afirmaciones desde el saxo tenor y el contrabajo.
«In-House», en su exultación a todo pulmón una especie de pieza asociada a «Outhouse» en el set Live At Belleville, lleva el álbum a un final triunfal, incorporando a lo largo del camino solos de cada uno de los miembros del trío.
(Además de poner entre paréntesis dos títulos de canciones juntos, el título del álbum In-House Science alude al lugar donde se documentó esta ardiente música, el PKS Villa Rothstein, cuya historia tiene una conexión con la investigación científica, el «PKS» significa Pythagoras Kepler System. La organización PKS se dedica a fomentar el estudio de la energía natural, tal como lo han señalado Viktor Schauberger y otros investigadores no convencionales.
El lanzamiento de In-House Science se celebra con conciertos en Japón, donde el trío está acompañado por el pianista invitado Makoto Ozone para actuaciones en Tokio, Nagoya y Yokohama.
Arild Andersen nació en Oslo en 1945. Ha sido un artista de ECM durante casi 50 años, primera grabación para el sello en 1970 sobre Afric Pepperbird con Jan Garbarek, Terje Rypdal y Jon Christensen. En el mismo período trabajó con los residentes escandinavos Don Cherry y George Russell, y apoyó una larga línea de visitas a los estadounidenses – desde Sonny Rollins hasta Chick Corea. Después de una estancia en Nueva York a principios de los 70 que lo encontró trabajando con Sam Rivers, Paul Bley, Steve Kuhn y Sheila Jordan, regresó a Noruega y comenzó a dirigir sus propias bandas. Sus primeras fechas como líder de ECM fueron revisitadas en el box set Green In Blue: Early Quartets en 2010. Arild Andersen ha publicado más de 20 álbumes como líder o co-líder de ECM, dando a conocer a los oyentes talentos como Jon Balke, Tore Brunborg, Nils Petter Molvaer y Vassilis Tsabropoulos, todos los cuales llegaron a la atención internacional como jóvenes músicos con bandas de Andersen. En 2008 recibió el premio al Músico de Jazz del Año de la Académie du Jazz de Francia.
Paolo Vinaccia nació en Italia en 1954 y reside en Noruega desde 1979. Ha realizado giras y grabaciones con músicos como Terje Rypdal, Jon Christensen, Bendik Hofseth, Ketil Bjørnstad, Palle Mikkelborg, David Darling, Dhafer Youssef, Mike Mainieri y muchos otros. En ECM aparece en los álbumes de Terje Rypdal’s Crime Scene, Vossabrygg, y Skywards, así como en Arild Andersen’s Hyperborean, Electra y Live at Belleville. Entre los lanzamientos bajo su propio nombre se encuentra el live box set Very Much Alive (Jazzland, 2010) con Rypdal, Mikkelborg, Wesseltoft y Ståle Storløkken.
El saxofonista Tommy Smith, nacido en Edimburgo en 1967, dejó su huella en la escena del jazz escocés con su primer álbum Giant Strides, grabado a los dieciséis años, en 1983. Ese mismo año ganó una beca para asistir al Berklee College of Music de Boston. Allí formó el grupo Forward Motion, y también se unió a la banda de Gary Burton, con la que apareció en el álbum de ECM Whiz Kids en 1986. Desde entonces ha publicado más de veinte álbumes bajo su propio nombre para numerosos sellos, incluyendo su propio sello Spartacus. Smith ha trabajado en pequeños grupos y grandes bandas, grabando y haciendo giras con Joe Lovano, David Liebman, Benny Golson, Gary Burton, Chick Corea, Tommy Flanagan, John Scofield, Miroslav Vitouš, Jack DeJohnette y muchos más. Ha compuesto e interpretado con orquestas y conjuntos clásicos como la Orquesta de St. John’s Square, el Scottish Ensemble, la Joven Orquesta de Edimburgo y el Paragon Ensemble. Smith fundó la Scottish National Jazz Orchestra en 1995, y sigue siendo su director. La orquesta se escucha en el álbum de ECM Celebration, con Arild Andersen como solista principal.
1 Mira 09:50
2 Science 11:10
3 Venice 08:44
4 North Of The Northwind 08:35
5 Blussy 08:59
6 Inhouse 08:10
Arild Andersen – Double Bass
Paolo Vinaccia – Drums
Tommy Smith – Tenor Saxophone
Tras más de veinticinco años grabando y publicando en el sello muniqués, el saxofonista vuelve a Blue Note para lanzar su proyecto Wild Man Dance a mediados del próximo mes de abril.
El binomio Lloyd-Blue Note no es nuevo aunque sí lejano en el tiempo: el último registro del saxofonista para ese sello, A Night in Copenhagen, data de 1983. Y el primero para ECM, Fish out of Water, de 1989. Después, más de quince grabaciones para el sello de Manfred Eicher, muchas de ellas con las mejores críticas; por ejemplo, el registro con Jason Moran, Hagar’s Song, con Maria Farantouri, Athens Concert, o con su cuarteto en Mirror.
Para la vuelta a Blue Note ha elegido una grabación en directo: una suite creada por encargo del Jazztopad Festival de Breslavia, Polonia, interpretada allí en la edición de 2013. En paralelo a la salida del disco que marca su vuelta a Blue Note, la obra se presentará por primera vez en EE.UU. en el Metropolitan Museum Temple of Dendur, en Nueva York, luego en San Francisco y finalmente en el New Orleans Jazz & Heritage Festival, a primeros del mes de mayo.
Wild Man Dance Suite consta de seis movimientos: el concierto que dio lugar a su presentación y a esta grabación contó con el pianista Gerald Clayton, con Joe Sanders en el contrabajo y Gerald Cleaver en la batería, además del griego Sokratis Sinopoulos en lira y el húngaro Miklós Lukács en cimbalom.
En paralelo a la salida y presentación del proyecto, Charles Lloyd será galardonado con el NEA Jazz Masters en una ceremonia que tendrá lugar en el Jazz at Lincoln Center neoyorquino. Éste es uno de los mayores reconocimientos que se concede a los artistas de jazz, creado en 1965 por el Congreso de los EE.UU. a través de una agencia independiente del gobierno dedicada a promover la capacidad creativa de su comunidad facilitando la participación y oportunidades en el arte. Se ha otorgado a más de ochenta artistas hasta ahora, desde el recientemente fallecido Buddy DeFranco (1923-2014) a Carla Bley, por citar alguno.
[audio:Terje_Rypdal-Melodic_Warrior-Easy_Now.mp3|titles=Easy Now |artists=Terje Rypdal]
Podría decirse que estamos todos de festejos no solo el reciente cumpleañero, el guitarrista noruego Terje Rypdal quien el 23 de agosto cumplió 68 años, también el sello ECM para quien ha grabado casi la totalidad de su carrera discográfica que acaba de publicar Melodic Warrior (ECM | agosto 6, 2013) una grabación de algunos años guardada para alguna buena ocasión como ésta y por supuesto todos nosotros quienes amamos la musica del genial guitarrista y compositor.
Melodic Warrior es un disco que contiene dos obras realizadas por Rypdal a pedido, la primera, Melodic Warrior, Op. 79 por encargo del cuarteto vocal británico The Hilliard Ensemble en 2003 con la Bruckner Orchester Linz dirigida por Dennis Russell Davies; la segunda And The Sky Was Coloured With Waterfalls And Angels, Op. 97 con la Wroclaw Philharmonic Orchestra dirigida por Sebastian Perloswski, presentada en el Jazztopad Festival, Wroclaw, Polonia, en 2009, obra inspirada en las impresiones registradas por Rypdal viendo los fuegos artificiales en al Festival Internacional de Fuegos Artificiales de Cannes.
Para Melodic Warrior, Op. 79 Rypdal se inspiró en textos extraidos de poemas de las culturas de los pueblos originarios norteamericanos Chippewa, Navajo, Pima y Papago, cuya belleza cautivó al guitarrista, y porqué no, reconociéndose como parte de ésas culturas cuyo visión universal sobrepasa la interpretación mundana del hombre frente a la naturaleza y su papel. Es que el sonido lírico de Rypdal suena a éso, un universo sonoro que nos remite, al menos a mí me pasa ésto, a paisajes soñados, silenciosos, con ecos lejanos de sonidos del viento, la naturaleza, sus fantasmas y sus ángeles…
Hace tiempo que Rypdal se destaca como compositor para grandes bandas y orquestas sinfónicas siendo un personaje muy respetado dentro del ambiente clásico europeo, su primer obra fue estrenada en 1971, Eternal Circulation, con la Filarmónica de Oslo y el grupo de Jan Garbarek. En Whenever I Seem To Be Far Away (ECM | 1974) con la Orquesta Sinfónica de Südfunk, Rypdal combina la improvisación con la música de cámara, una jugada sorprendentemente original que ha desarrollado a la actualidad. Mientras alternaba su participación en los grupos de Jan Garbarek y George Russell como liderando sus propias formaciones, el sello distintivo y fascinante del guitarrista ya es marca registrada dispuesta en varios discos de fusión hasta la aparición de Undisonus (ECM | 1990) grabado en septiembre de 1986 en la St. Peter’s Church, Morden, Londres, con la Royal Philharmonic Orchestra de Londres, una composición original votada como Composición del Año por la Asociación Noruega de Compositores en 1984.
Luego le siguieron Q.E.D. (ECM | 1993) con el Ensemble Borealis;Double Concerto/5th Symphony (ECM | 2000), con la Orquesta del Festival de Riga;Lux Aeterna (ECM |2002) con la Bergen Chamber Ensemble y Crime Scene (ECM | 2009) con la Bergen Big Band.
[audio:Terje_Rypdal-Skywards-It’s_Not.mp3|titles=It’s Not Over Until The Fat Lady Sings!|artists=Terje Rypdal]
Skywards Terje Rypdal
ECM | 1997
Si le preguntaramos a alguien que no frecuenta la música que nos convoca sobre su parecer de la mezcla entre la música clásica y el jazz y más precisamente entre la fusión de una guitarra eléctrica con un cello y violín, interpretando sonidos con aires celestiales y con climas que nos remiten a imágenes muy lejanas de las primeras presunciones, ciertamente lo pondríamos en un apuro y casi seguro pediría pruebas de semejante osadía.
Lo más probable sería que nuestro ocasional interlocutor con las apabullantes pruebas de la genial convivencia lograda por la maestría de los interpretes, termine por reconocer su belleza convencido, seguramente, que no todo está dicho, establecido, y que aprendió algo que no imaginaba. Quizá no lo convensamos de pasarse a nuestras filas, pero quizá habremos facilitado el camino hacia una actitud más abierta y sin etiquetas.
La música no resiste las etiquetas, solo su pormenorizada escucha decidirá sobre su futuro entre nosotros. Pero éso es un camino muy personal… Mientras tanto álguien como Terje Rypdal, quien hace rato se despreocupó de las etiquetas (y de todos los muy preocupados por ellas) para centrarse exclusivamente en la búsqueda del alma y la belleza de la música, que para fortuna de todos cuanto lo apreciamos, ha logrado reunir a todos los ángeles y dioses obteniendo de ellos su bendición con el resultado esperado: música celestial y angelical…
De un pasado rockero a un presente muy ligado a la composición e interpretación de obras clásicas, el guitarrista noruego a sabido ganarse un lugar en la consideración respetuosa de la comunidad clásica, sus obras rayanas con la genialidad logran la increíble comunión dificil de visualizar, incluso para el melómano más experimentado, entre dos mundos tan aparentemente discímiles. Pero no veamos ésto como un obstáculo, centrémonos en la música y las repercusiones de sus imágenes…, subiéndonos al vuelo propuesto por los increíbles climas y paisajes sonoros de la música de Terje Rypdal…
Melodic Warrior es un disco que contiene dos obras realizadas por Rypdal a pedido, la primera, Melodic Warrior, Op. 79 por encargo del cuarteto vocal británico The Hilliard Ensemble en 2003 con la Bruckner Orchester Linz dirigida por Dennis Russell Davies; la segunda And The Sky Was Coloured With Waterfalls And Angels, Op. 97 con la Wroclaw Philharmonic Orchestra dirigida por Sebastian Perloswski, presentada en el Jazztopad Festival, Wroclaw, Polonia, en 2009, obra inspirada en las impresiones registradas por Rypdal viendo los fuegos artificiales en al Festival Internacional de Fuegos Artificiales de Cannes.
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