BlankFor.ms, Jason Moran, Marcus Gilmore ::: Refract

BlankFor.ms, Jason Moran, Marcus Gilmore ::: Refract

Refract

BlankFor.ms | Jason Moran | Marcus Gilmore

Red Hook Records | Sept 1, 2023

BlankFor.ms, Jason Moran, Marcus Gilmore - REFRACT

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1. Onset I 4:13
2. Onset II 3:26
3. Tape Loop A 3:11
4. Affectionate, Painful 5:19
5. Inward, Curve 4:11
6. Tape Loop B – I 5:45
7. Tape Loop B – II 3:00
8. Tape Loop B – III 3:20
9. Eighth Pose 4:03
10. Stir 5:33
11. Release 1:32
12. Little Known 3:36
13. Tape Loop C – I 4:49
14. Tape Loop C – II 2:15
15. Tape Loop C – III 2:37
16. Tape Loop D 5:07

 

BlankFor.ms: electronics, tape loops, processing
Jason Moran: piano
Marcus Gilmore: drums

Recorded: May 26-27, 2022
The Bridge Studio, Brooklyn NY
Engineers: Amon Drum
Mix: Rick Kwan
Mastering: Taylor Deupree
Cover Art: Laura Arteaga Charlton
Photos: Arianna Tae Cimarosti
Videos: Ingo J. Biermann
Design: Matthew Appleton
Produced by Sun Chung

 

«Esta colaboración a tres bandas en el estudio entre el pianista Jason Moran, el músico electrónico Blankfor.ms y el batería Marcus Gilmore es un experimento fascinante… Blankfor.ms siempre está trabajando para interrumpir y desviar la música, dejando que ondas brillantes de tono electrónico se cuelen».
Stereogum

 

«Un mundo borroso y cálido, como visto a través de ojos escarchados, el analógico tirando de delay, intervalos de microsegundos de descomposición alejados de la decadencia digital, la batería (de Marcus Gilmore) recubierta de capas de partículas como si una vez hubiera estado atrapada en una tormenta de arena, de polvo, de fuego.»
David Toop

 

«Tan acogedora como la proyección de agua que sabes que está ahí, fluyendo y sin detenerse nunca, así es la música que escucharás; se mecen con una rara delicadeza. Si estás listo para un verdadero viaje entre géneros, compruébalo».
Dark Blue Notes

 

«Existiendo en un género propio, hay un lavado panorámico a la pista que le da casi una sensación orquestal y un lento despliegue a gran escala de la pieza, notable teniendo en cuenta lo pequeño que es el conjunto.»
Stephen Graham – Marlbank

 

«…hay tramos vertiginosos que sorprenden por su novedad difícil de ubicar. Esperemos que Refract apunte hacia futuros lanzamientos de este más que interesante trío».
Fred Cisterna – Qobuz

Lo digital se une a lo analógico en Refract, el extraordinario nuevo álbum en trío del músico electrónico y especialista en bucles de cinta BlankFor.ms, el pianista Jason Moran, becario MacArthur, y el innovador batería Marcus Gilmore. Refract es una desinhibida maravilla sónica que combina electrónica, piano y batería en tiempo real. Grabando espontáneamente loops tomados sobre la marcha y reinfundiendo los planos sónicos con diversos efectos, los resultados que se desprenden de Refract son sonidos y energías pocas veces escuchados.

Tyler Gilmore, alias BlankFor.ms, es un artista único y muy respetado, conocido por su música emotiva y rica en texturas, creada a partir de su rara colección de cintas degradadas, sintetizadores analógicos y un viejo piano espineta. En cierto modo, toda su vida artística -hasta ahora- ha desembocado en este momento. «A estas alturas, he vivido varias vidas musicales», reflexiona Tyler. Comenzó su carrera como compositor de grandes conjuntos de jazz, asistiendo al New England Conversatory y estudiando con Moran, al tiempo que se interesaba por la música electrónica. «Siempre me había gustado la música electrónica y trataba de imitar las texturas eléctricas en las orquestaciones. Con el tiempo decidí simplemente ir a la fuente y trabajar con herramientas electrónicas, primero improvisando con gente usando delays, armonizadores, reverbs y feedback basados en DAW. Pero fue realmente el descubrimiento de la cinta de casete como medio creativo lo que espoleó mis creaciones electrónicas hasta convertirlas en algo más.» Esta estética eléctrica analógica cautivó el interés del productor Sun Chung, quien, al escuchar el trabajo de Tyler, le propuso la idea de un álbum que lo emparejara con improvisadores, una idea que Tyler calificó de «emocionante» y «aterradora» a la vez.

Desde el principio, Jason Moran pareció el más adecuado. «En el tiempo que pasé con Jason, primero como estudiante y luego arreglando y orquestando para algunos de sus proyectos, siempre me asombró su receptividad al momento presente… tiene una capacidad casi agresiva para escuchar y asimilarlo todo, y una fe en que había más cosas que encontrar si escuchaba aún más», dice Tyler. «La idea de combinar mi vocabulario electrónico con la forma de tocar [de Jason] fue terriblemente inspiradora. No tenía ni idea, literalmente ni idea, de cómo tocaría al enfrentarse a bucles de cinta, o resonancias de feedback, o bucles armonizados y retorcidos de lo que acaba de tocar.» Con Marcus Gilmore, fue aún más misterioso. Tyler y Sun estaban de acuerdo en que era necesaria una presencia percusiva para que el álbum funcionara y, de nuevo, Marcus era el candidato ideal.

Sun y Tyler pasaron por un importante periodo de preproducción antes de la grabación. Tyler preparó varios caminos diferentes para el trío y trató de mantenerse al margen de cualquier rama que pudiera dar más frutos. Preparó piezas compuestas (con melodías y acordes), esbozos musicales con mucha pista de aterrizaje y varios bucles de cinta que podían servir de punto de partida para la improvisación. «Cada composición servía como punto de partida», reflexiona Jason Moran. «La capacidad de Tyler para minar la canción a medida que se hacía creaba otra dimensión. Era como si parte de nuestra realidad musical se refractara hacia nosotros. En ese sentido, la intencionalidad era especialmente importante, porque cualquier momento podía volver exponencialmente más grande». Refract es la primera vez que Jason trabaja con un músico electrónico y cumple un viejo deseo del artista nominado a los Grammy. «Siempre he anhelado que una fuerza exterior manipulara mi canción a piano y arrastrara el sonido a una cisterna llena de arcilla blanda».

Las piezas más destacadas del álbum, «Affectionate, Painful» e «Inward, Curve», proceden de ideas más compuestas, mientras que las primeras, «Onset I», «Onset II» y «Stir», son el resultado de un marco abierto. En las diversas improvisaciones en bucle de cinta, el trío alza realmente el vuelo. Tyler dejó todos sus bucles de cinta preparados sin etiquetar para que no supieran cuál era cuál cuando empezaran. «Las improvisaciones resultantes de este proceso fueron algunos de los mejores momentos de la sesión», dice Tyler. «Jason y Marcus estuvieron sublimes en su habilidad para componer instantáneamente dentro, fuera y alrededor de los loops. Yo improvisaba utilizando pedales de efectos, dispositivos modulares y máquinas de cinta, y tenía una señal del piano y la batería fluyendo hacia mis efectos. Creaba texturas, gestos y motivos a partir de lo que tocaban. A menudo me encontraba intentando coger los momentos interesantes y mantenerlos en silencio (doblados, invertidos, granulados, retrasados) esperando y escuchando un momento de pivote natural para reintroducirlos».

La espontaneidad fue uno de los pilares de la sesión y se inculcó en cada toma. De hecho, el misterio de «lo que saldría» fue la fuerza creativa que impulsó todo el proyecto. «Uno de los aspectos que más me gustan de este álbum es lo interactivos que son todos los elementos sonoros», afirma Sun Chung. «Gran parte se grabó en tiempo real, así que hay una sensación real de inmediatez en la energía de la música que uno puede percibir mientras la escucha». Combinado con otros temas compuestos, este programa de 16 pistas es una experiencia increíblemente equilibrada.

«Cuando Tyler era alumno mío en el Conservatorio de Nueva Inglaterra, escuchábamos mucha música electrónica y recuerdo que le pregunté cómo transpondría esas ideas a instrumentos analógicos», reflexiona Jason. «En este sentido, ésta es su respuesta».

Refract es el último lanzamiento de la aventurera Red Hook Records, fundada en 2020 por Sun Chung tras una década en ECM. «Me encanta combinar mundos sónicos y géneros – especialmente mezclar electrónica y acústica». Refract sigue los pasos de Two Centuries, una atrevida colaboración entre Wadada Leo Smith, Qasim Naqvi y Andrew Cyrille, publicada el año pasado, que también combinaba instrumentos electrónicos y acústicos de forma igualmente magnífica.

 

blankfor-ms.com 
jasonmoran.com 
redhookrecords.com 

Chris Potter ::: Got the Keys to the Kingdom: Live at the Village Vanguard

Chris Potter ::: Got the Keys to the Kingdom: Live at the Village Vanguard

Got the Keys to the Kingdom: Live at the Village Vanguard

Chris Potter

Edition Records | Febrero 17, 2023

Chris Potter - Got the Keys to the Kingdom

 

1 You Gotta Move 14:01
2 Nozani Na 10:53
3 Blood Count 9:01
4 Klactoveedsedstene 7:26
5 Olha Maria 6:22
6 Got the Keys to the Kingdom 13:36

 

Chris Potter, tenor saxophone
Craig Taborn, piano
Scott Colley, bass
Marcus Gilmore, drums

You Gotta Move (Mississippi Fred McDowell)
Nozani Na (Amazonian folk tune, transcribed by Edgar Roquette-Pinto and Heitor Villa-Lobos)
Blood Count (Billy Strayhorn)
Klactoveedsedstene (Charlie Parker)
Olha Maria (Antonio Carlos Jobim/Chico Buarque/Vinicius De Moraes)
Got the Keys to the Kingdom (traditional/spiritual)

Executive producer Dave Stapleton and Louise Holland
Recorded by Tyler McDiarmid and Geoff Countryman at the Village Vanguard
Mixed by Chris Allen at Sear Sound
Mastered by Nate Wood at Kerseboom Mastering

Album artwork by Oli Bentley, Split
Photo by Luke Marantz

Uno de los mejores saxofonistas del planeta se une a una banda de pesos pesados en el famoso local neoyorquino en una serie de versiones. Se trata de la música en directo más clásica y emocionante de un conjunto moderno de banda pequeña que se puede escuchar hoy en día.

‘Got the Keys to the Kingdom’ es el nuevo álbum del saxofonista de renombre mundial Chris Potter, grabado en vivo en el Village Vanguard en febrero de 2022. Desde que se unió a Edition Records en 2019, ha publicado dos álbumes con su Circuits Trio (con James Francies y Eric Harland), así como el disco en solitario multipista: ‘There Is A Tide’. El último álbum de Chris cuenta con una banda de estrellas formada por Craig Taborn, Scott Colley y Marcus Gilmore, grabada en directo en el que posiblemente sea el club de jazz más famoso y venerado del mundo.

El nuevo disco rebosa energía, es directo y libre. La lista de temas incluye exclusivamente versiones, a menudo canciones espirituales sencillas y alegres, a medio camino entre el aumento de la música y la no pérdida de la crudeza del original. Melodías folclóricas reinterpretadas (Nozani Na, Olha Maria), poderosos espirituales (Got the Keys to the Kingdom) y estándares de jazz poco comunes (Blood Count, Klactoveedsedstene) conforman el corte final de la residencia de varias noches. Se trata de una lista de canciones que desafía las convenciones y permite a la banda explorar algunas melodías que quizá no resulten tan familiares a los aficionados a la música; como dice el propio Chris, «son melodías que la gente no suele tocar».

La banda toca con unidad y espíritu, inyectando ímpetu y fluidez sin fisuras. Las majestuosas láminas de sonido de Craig Taborn, la terrenalidad de Scott Colley y el ardiente pulso de Marcus Gilmore son imponentes y convincentes cuando se fusionan con la mordacidad y los matices distintivos de Chris Potter.

No cabe duda de que Chris Potter está entrando en una nueva fase de su carrera; desde que los cierres pusieron fin a su incesante calendario de giras, Chris ha tenido más horas para practicar y componer. El resultado es una interpretación del más alto nivel que se pueda escuchar, con la máxima humildad y carácter.

El álbum está situado en el histórico Village Vanguard, y el sonido de esta increíble sala y la energía del público son palpables. Cierre los ojos, sintonice y casi podrá imaginar que está sentado entre las paredes sagradas de uno de los locales más emblemáticos del mundo. Espere alta energía, intensidad, brillantez técnica, alegría efervescente y una instantánea de uno de los mejores saxofonistas del mundo en su elemento.

 

 

chrispottermusic.com
editionrecords.com

Melanie Charles ::: Y’all Don’t (Really) Care About Black Women

Melanie Charles ::: Y’all Don’t (Really) Care About Black Women

Y’all Don’t (Really) Care About Black Women
Melanie Charles
Verve Records | Nov 12, 2021
Melanie Charles - Y’all Don’t (Really) Care About Black Women
1 God Bless The Child 4:35
2 Perdido (Reimagined) 2:20
3 Detour Ahead (Reimagined) 3:54
4 All Africa (The Beat) 2:03
5 The Music Is The Magic 1:15
6 Pay Black Women Interlude 2:03
7 Woman Of The Ghetto (Reimagined) 4:58
8 Jazz (Ain’t Nothing But Soul) (Reimagined) 3:06
9 Go Away Little Boy 2:50
10 What A Difference (Reimagined) 2:24
11 Beginning to See The Light (Reimagined) 2:45

 

Melanie Charles, vocals, keyboards, flute
Dezron Douglas, bass
Tony Garnier, bass
Marcus Gilmore, drums
Rogerst Charles, saxophones, flute

Produced by Melanie Charles

Hay muy pocos artistas cuyo sonido puede captar los sentimientos de una generación. Melanie Charles, nacida y criada en Brooklyn, es una de estas artistas. A lo largo de las últimas décadas, se ha hecho un nombre gracias a sus dinámicos compromisos con el jazz, el soul y el R&B. Su audaz estilo de mezcla de géneros ha sido adoptado por una serie de artistas como Wynton Marsalis, SZA, Mach-Hommy, Gorillaz y The Roots. En 2021, apareció en el Tiny Desk de NPR y sorprendió con su estilo ecléctico. A pesar de todo, ha mantenido su compromiso de hacer música que empuje a los oyentes a considerar nuevas posibilidades, tanto sonoras como políticas. «Make Jazz Trill Again», un proyecto que puso en marcha en 2016, demuestra su fidelidad a la gente corriente, especialmente a los jóvenes, y se centra en llevar el jazz del museo a la calle. «Me encanta el jazz, realmente me enamoré profundamente de él. Pero me interesaba que los jóvenes interactuaran con él», dice Charles. El álbum Y’all Don’t (Really) Care About Black Women refleja la enorme versatilidad e imaginación de Charles como artista, pero también su profunda preocupación por la comunidad.

El planteamiento inicial de Charles para el álbum era sencillo: encontrar música en el catálogo de Verve que le sonara. Como proyecto de remezcla de Verve, con Y’all Don’t (Really) Care About Black Women se propuso tomar este grupo de canciones e insuflarles nueva energía. Enseguida se sintió atraída por las voces arrebatadoras de Billie Holiday y Sarah Vaughn, que la inspiraron para grabar arreglos de «God Bless the Child» y «Detour Ahead». Cuando estuvo preparada para avanzar en la grabación del resto del álbum, el mundo se había transformado en un lugar muy diferente. Cuando llegó la pandemia, Charles se enfrentó a una nueva serie de preocupaciones. Ya no tenía acceso a los mismos recursos y se vio obligada a hacer el álbum desde casa. Charles no se desanimó. «Esto es el centro de nuestra experiencia como personas morenas y negras, hacer algo de la nada», dice.

El resto del álbum se grabó durante el verano de 2020, mientras la pandemia continuaba y los estadounidenses estaban inmersos en un ajuste de cuentas racial provocado por las muertes de George Floyd, Breonna Taylor y otros. La muerte de Taylor, en particular, tuvo un impacto en el proceso creativo de Charles. «Me recordaron bruscamente que las mujeres negras son y siempre han sido infravaloradas, desatendidas, desprotegidas y abandonadas. Decidí centrarme en canciones escritas o cantadas por las mujeres negras que me allanaron el camino», dice Charles. Y’all Don’t (Really) Care About Black Women es una carta de amor al trabajo no reconocido de las mujeres negras. Al mismo tiempo, pide a los oyentes que, mientras consumen la producción artística de las mujeres negras -como Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan, Abbey Lincoln y Dinah Washington, entre otras-, sean responsables y se preocupen también por ellas.

Aunque Charles puede ser nueva para algunos, ha mantenido una larga relación con la música que se remonta a su infancia. Fue criada por una madre haitiana en Brooklyn, donde las ondas sonoras de su casa estaban llenas de artistas como Johnny Hodges, Frank Sinatra, Chaka Khan, Anita Baker, John Coltrane y Nat King Cole. Asistió al famoso instituto de artes, LaGuardia High School for the Performing Arts, donde estudió flauta y canto. Su vida temprana estuvo llena de actuaciones en el escenario; de niña participó en teatro musical, concursos y concursos de talentos en la ciudad de Nueva York. Con el tiempo, aterrizó en la Escuela de Jazz y Música Contemporánea de la New School, donde conoció a artistas como el cantante, compositor y productor discográfico Jesse Boykins III y la saxofonista alto Lakecia Benjamin. Aunque es más conocida como cantante, Charles se ha ganado el título de flautista de pura cepa. Su forma de tocar añade vibrantes franjas de color y textura emocional a su música.

El álbum se abre con una impresionante interpretación de «God Bless the Child» de Billie Holiday. Esta canción, y el álbum en general, muestra las impresionantes habilidades de Charles para los arreglos. La canción cuenta con un potente grupo de músicos: Benjamin Julia a la guitarra eléctrica, Dezron Douglas al bajo vertical, Anwar Marshall a la batería, Shedrick Mitchell al órgano y Tayzaro al chelo. En la flauta y la voz, Charles flota por encima de la corriente conmovedora de la banda, cantando la canción sobre un manto dramático de sonido electrónico. La letra suena con la misma fuerza que la música. Cuando Charles canta los versos «Yes, the strong get more/ While the weak one’s fade», la conexión con la lucha de las mujeres negras es palpable. «Mi experiencia al moverme por el mundo como chica negra siempre ha sido que tengo que ser fuerte. Tengo que mantener la compostura; tengo que estar a la altura», dice Charles.

 

En el fondo, Y’all Don’t (Really) Care About Black Women es una llamada de atención a una visión más interseccional del mundo en la que las mujeres negras puedan vivir más libremente y expresar su plena humanidad… El interludio «Pay Black Women» ofrece la instrucción más explícita sobre algunas de las formas en que puede expresarse el cuidado. Contiene una muestra de un proyecto cinematográfico producido por Charles en 2021, titulado Love Letter to Black Jazz Girls. A través de las voces de tres mujeres negras, el tema llama la atención sobre la brecha salarial de género racial, pero también sobre el trato que reciben las productoras artísticas negras en general.

«Go Away Little Boy» es una interpretación inventiva de una melodía que fue grabada originalmente por la cantante de soul Marlena Shaw a finales de la década de 1960. Charles transforma el capricho de la versión de Shaw en un lento y sensual ritmo de R&B de los 90. La canción aborda algunas de las dimensiones más íntimas de la feminidad negra: el anhelo romántico, el deseo y el amor difícil. Asimismo, en «Perdido» Charles canta sobre el amor perdido con la voz de Dinah Washington hábilmente muestreada en todo momento. La voz de Washington se desliza a lo largo de la melodía mientras Charles nos conduce a través de un brillante giro de ritmo en el estándar de jazz.

En esta nueva recopilación, Charles deja a los oyentes con una poderosa declaración sobre cómo puede ser la solidaridad con las mujeres negras. Incluye no sólo el cuidado y la atención a las luchas cotidianas que animan la vida de las mujeres negras, sino también la belleza y la alegría. El álbum se cierra con su interpretación de «Beginning to See the Light», cantada originalmente por Ella Fitzgerald. En esta última provocación, Charles transforma el relajado swing de Fitzgerald en un paseo a la moda. «Veo a la gente haciendo twerking», dice Charles.

melaniecharles.com

Gilad Hekselman ::: Homes

Gilad Hekselman ::: Homes

Gilad Hekselman
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Homes

Gilad Hekselman
Jazz Village | Nov 3, 2015
Embeber
IVOOX

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Cuantas veces hemos comentado sobre la particular condición de muchos músicos israelíes quienes en bandada han surgido los últimos años ensombreciendo el firmamento jazzero opacando la lúz de muchos consagrados, ofreciendo al mismo tiempo la posibilidad de nuevos descubrimientos iluminados por su propia incandescencia.

«Homes, no se supone que sea un lugar o una ciudad especial, es más bien una búsqueda para encontrar tu hogar, en cualquier lugar».

Homes cuenta la historia de alguien que se transformó casi abruptamente en un ciudadano del mundo, de las raíces que te fijan al suelo donde naciste hasta la permanente búsqueda de nuevos hogares…  Esta búsqueda no trata sobre el inconformismo de alguien que no cabe en ningún lugar, mas bien se trata del peregrinar del profeta sembrando el encantamiento que provoca su música.

Y bajo ése influjo cayeron sus actuales compañeros de banda, el bajista Joe Martin y el bata Marcus Gilmore, quienes permanecen junto al nuevo maestro desde desde el álbum debut de Gilad. Afincado en Nueva York desde el 2004 año de arribo promovido por una beca de intercambio entre ambos países que lo ubicó en un pupitre en The New School, una enorme universidad privada situada en el barrio Greenwich Village, en el Bajo Manhattan, donde completó su Bachelor of Fine Arts en artes escénicas en 2008.

Pero apenas llegado su guitarra empezó a sonar y de a poco inundar cada rincón de los consagrados clubes y boliches neoyorkinos. Talento llama al talento, fué así que prontito estaba tocando con las principales figuras de la escena local, apenas dos años después ya debutaba en el sello Smalls Records con SplitLife, junto a Joe Martin (bass) y Ari Hoenig (drums), grabado en vivo en el Fat Cat, un club en Greenwich Village.
Un gran comienzo que auguró la actual consagración del jóven y aún muy prometedor guitarrista…

CORTINA FINAL Gilad Hekselman - Further Chaos
Gilad Hekselman – Homes
 

1 Homes 0:32
2 Verona 7:51
3 Keedee 7:37
4 Home E-Minor 1:29
5 Space 0:37
6 Cosmic Patience 11:16
7 Eyes To See 4:29
8 Parisian Thoroughfare 5:40
9 Samba Em Prelúdio 7:12
10 Last Train Home 5:28
11 Dove Song 5:06
12 Place Like No Home 1:45

 

Bass – Joe Martin (6)
Composed By – Gilad Hekselman (tracks: 1 to 7, 12)
Drums – Jeff Ballard (tracks: 3, 10), Marcus Gilmore (tracks: 1 to 9, 11, 12)
Guitar – Gilad Hekselman
Voice [Voice Overdub By] – Katie Lower (tracks: 7)

Recorded May 10-11, 2014.

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  • Erland Dahlen - Clocks
  • Ricky Peterson – Drop Shot
  • Michel Petrucciani – Playground
  • Kevin Eubanks, Stanley Jordan – Duets
  • Anna Margolina - One Endless Night
Pat Metheny ::: Side-Eye NYC (V1.IV)

Pat Metheny ::: Side-Eye NYC (V1.IV)

Side-Eye NYC (V1.IV)
Pat Metheny
Pat Metheny - Side-Eye NYC (V1.IV)

Modern Recordings | Sept 10, 2021

1. It Starts When We Disappear 13:47
2. Better Days Ahead 5:26
3. Timeline 7:12
4. Bright Size Life 5:34
5. Lodger 6:17
6. Sirabhorn 5:07
7. Turnaround 7:43
8. Zenith Blue 11:38

 

Organ, Piano, Synthesizer: James Francies
Drums: Marcus Gilmore
Guitar, Orchestrionics, Producer, Synthesizer: Pat Metheny
Bass Guitar: Pat Metheny
Recording: Pete Karam
Producer: Steve Rodby
Arranger, Composer: Pat Metheny

 

A diferencia de casi cualquier otro músico moderno, Pat Metheny sigue siendo singularmente imprevisible. Un nuevo disco de Metheny podría ser casi cualquier cosa, ya que es el único músico que ha ganado doce de sus veinte premios Grammy en doce categorías diferentes. Su reciente grabación Road To The Sun causó sensación en el mundo de la música clásica por sus intrincadas y emocionalmente satisfactorias composiciones de música de cámara. Al mismo tiempo, su predecesor inmediato From This Place fue el Disco de Jazz del Año de la revista Downbeat por ser una obra expansiva y atemporal a gran escala.

 

PAT METHENY SIDE-EYE - NYC, una nueva plataforma emocionante, vibrante y llena de energía para Metheny, presentada en una grabación que presenta 30 minutos de intrincada música nueva junto a algunas inesperadas y creativas reelaboraciones de clásicos de Metheny reimaginados.

¿Qué es Side-Eye?

Pat explica: "Quería crear una plataforma continua para acoger a un elenco rotativo de las nuevas generaciones de músicos que han captado particularmente mi interés a lo largo del camino. Desde mis primeros días en Kansas City, fui el beneficiario de que muchos músicos mayores me contrataran, lo que me dio la oportunidad de desarrollarme a través del prisma de sus experiencias y de las exigencias particulares de lo que implicaba su música."

Continúa: "He sentido que quería tener un escenario específico para centrarme en algunos de los músicos más jóvenes de Nueva York que he disfrutado recientemente y en los que parece haber algún tipo de parentesco. Cada diez o doce años, más o menos, parece haber una cosecha de músicos que encuentran una cierta resonancia con lo que sea que mi cosa parece representar para ellos. La última vez que ocurrió fue la generación de Josh Redman, Christian McBride, Brad Mehldau y Antonio Sánchez, y parece que está ocurriendo de nuevo ahora".

"Al igual que entonces, he estado escuchando a estos nuevos músicos de la escena cuando llegan a la ciudad que se ponen en contacto para hablar de la influencia que algunos de mis discos y melodías han tenido en ellos. Cuando hay tiempo, siempre intento invitarlos a mi casa para que toquen un poco. Muy a menudo, es algo natural y orgánico para mí tocar con ellos; literalmente, han crecido escuchando las grabaciones y tocando esas composiciones desde sus inicios, al igual que yo lo hice con mucha de la gente con la que finalmente también acabé tocando."

"Mi buen amigo, el gran baterista Eric Harland me llamó un día para hablarme de James Francies y de que quería reunirse conmigo. Le propuse que consiguiéramos un bajista y que hiciéramos una sesión. Eric dijo: "¡No necesitas un bajista con James!". Ese fue un día increíble, y a partir de ahí se formó la idea de construir una primera edición del concepto alrededor de James y su increíble talento".

Metheny ha dado a este concepto de banda el nombre de Side-Eye y espera que se convierta en un grupo rotativo de músicos que puedan ir y venir en diferentes combinaciones. Hasta ahora, ha habido cuatro iteraciones, de ahí el subtítulo V.1-IV del disco.

Modern Recordings
patmetheny.com