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Cécile McLorin Salvant & Metropole Orkest :: With Every Breath I Take

Cécile McLorin Salvant & Metropole Orkest :: With Every Breath I Take

With Every Breath I Take

Cécile McLorin Salvant & Metropole Orkest

Nonesuch | Junio 26, 2026

Cecile McLorin Salvant & Metropole Orkest - With Every Breath I Take
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1 With Every Breath I Take 3:44
2 Sophisticated Lady 3:04
3 Send in the Clowns 6:47
4 Barbara Song 8:13
5 Left Over 5:03
6 Ever Since the One I Love’s Been Gone 3:14
7 Les Parapluies de Cherbourg 5:17
8 I’ll See You Again 3:28
9 Being Alive 6:20
10 Lush Life 5:51

 

Ce?cile McLorin Salvant - vocals
Metropole Orkest
Jules Buckley - conductor

Produced by Darcy James Argue and Cécile McLorin Salvant
Engineered by Todd Whitelock and Dirk Overeem
Recorded December 9th & 10th, 2025 at MCO Studio 1, Hilversum, NL
Mix studio, location: Amplified Art & Sound, New York, NY
Mastering by Mark Wilder and Chris Gold at Blue Engine Studio, New York, NY
Executive Producer: Tom Korkidis

Este disco, el primero de Salvant con orquesta, cuenta con la participación de la Metropole Orkest de los Países Bajos, dirigida por Jules Buckley. Salvant y la orquesta interpretan canciones atemporales con nuevos arreglos del compositor y director de orquesta Darcy James Argue.

Salvant, quien ha actuado con orquestas con regularidad durante la última década y media, tenía previsto grabar un álbum con una antes en su carrera, pero la logística y su abundante creatividad la llevaron a emprender otros proyectos. Finalmente, tras encontrar el tiempo necesario para grabar este álbum, With Every Breath I Take es un disco muy diferente al que podría haber sido hace tan solo diez años.

«Es una oportunidad única poder grabar un álbum de esta magnitud, algo que he soñado durante muchos años», afirma Salvant. Darcy James Argue escribió arreglos impresionantes y la Metropole Orkest, dirigida por el extraordinario Jules Buckley, dotó a estas historias de una dimensión cinematográfica. Superamos numerosos obstáculos para poder entrar al estudio de grabación para este proyecto; nos llevó casi cuatro años lograrlo, y me siento increíblemente orgullosa de compartirlo.

«No elegí estas canciones por su belleza, sino porque son fundamentales para mí», añade.

*

Cécile McLorin Salvant, becaria MacArthur 2020 y ganadora de tres premios Grammy, es cantante y compositora, y aporta una perspectiva histórica, un renovado sentido dramático y una comprensión musical profunda tanto a los estándares de jazz como a sus propias composiciones originales. Con formación clásica, arraigada en el jazz, el blues y el folk, e inspirada en el teatro musical y el vodevil, Salvant abarca un amplio repertorio que amplía las posibilidades de sus presentaciones en vivo.

Las actuaciones de Salvant abarcan desde sencillos dúos para voz y piano hasta tríos instrumentales y conjuntos orquestales. Su obra inédita, Ogresse, es un ejemplo de ello. Es un ambicioso cuento de hadas musical de larga duración que se está adaptando a un largometraje de animación. Ha actuado en salas y festivales nacionales e internacionales, como el Festival de Jazz de Newport, el Festival de Jazz de Monterey, el Village Vanguard y el Festival de Jazz del Mar del Norte. Sus anteriores álbumes con Nonesuch, Ghost Song (2022), Mélusine (2023) y Oh Snap (2025), recibieron elogios de la crítica; los dos primeros fueron nominados a los premios Grammy. Salvant también es artista visual, y Oh Snap fue nombrado uno de los mejores álbumes de 2025 por The Guardian, Jazzwise, JazzTimes y la encuesta de críticos de jazz de Francis Davis.

La Metropole Orkest, fundada en 1945, actúa regularmente en reconocidos escenarios musicales holandeses como Tivoli Vredenburg, Melkweg y el Concertgebouw, así como en muchos otros lugares del país y países vecinos. A nivel internacional, la Orquesta Metropole es una invitada muy solicitada en importantes festivales como los BBC Proms y el Musikfest Bremen. Además, es invitada habitual en eventos como ADE, North Sea Jazz y el Festival de Holanda. La orquesta también ha actuado en Pinkpop, Lowlands, Noorderslag y los Premios 3FM, lo que la ha hecho muy conocida y apreciada por el público joven.

La orquesta ha compartido escenario con leyendas como Ella Fitzgerald, Dizzy Gillespie, Pat Metheny, Brian Eno, Herbie Hancock y Bono. También colabora con talentos contemporáneos como Kovacs, Within Temptation, Snarky Puppy, Gregory Porter, Jacob Collier, Cory Wong y DOMi & JD BECK. Junto con el director titular Jules Buckley, la orquesta explora los límites del pop sinfónico y el jazz contemporáneos. Además de sus numerosos conciertos, la orquesta graba regularmente álbumes con artistas internacionales. También ha participado en miles de emisiones de radio y televisión. A lo largo de los años, la Orquesta Metropole ha recibido veinticuatro nominaciones a los premios Grammy y ha trabajado en cuatro producciones galardonadas con este premio.

El compositor, orquestador y director de orquesta Jules Buckley es un pionero musical que expande los límites de los géneros contemporáneos. En 2004 cofundó la Heritage Orchestra, un conjunto de cámara flexible, dedicado a interpretar música nueva con un enfoque audaz que cruza y enlaza géneros musicales. Buckley ha liderado numerosos proyectos exitosos como director invitado con la Metropole Orkest desde 2007; fue nombrado director titular en 2013. En la Metropole Orkest, Buckley ha liderado proyectos con Snarky Puppy, Laura Mvula, Gregory Porter, Tori Amos, Markus Stockhausen, Michael Kiwanuka, Jonathan Jeremiah y el dúo británico de música house Basement Jaxx. Darcy James Argue, “uno de los mejores compositores de big band de nuestro tiempo” (Stereophile), es más conocido por Secret Society, un grupo de dieciocho músicos “reconocido en el mundo del jazz” (New York Times). Argue introduce una agrupación aparentemente anacrónica en el siglo XXI gracias a su habilidad para combinar su amor por el jazz clásico con sonidos más contemporáneos, y es reconocido como un creador sincrético que evita la imitación evidente (Pitchfork). Aclamado por The New Yorker como un innovador compositor, arreglista y director de big band, Argue ha recibido numerosos galardones, incluyendo múltiples nominaciones a los premios Grammy y un Grammy Latino, una beca Guggenheim, el premio Doris Duke Artist Award e innumerables encargos y becas.

Dynamic Maximum Tension, el último álbum de Argue con Secret Society y su debut con el sello Nonesuch Records, ha sido descrito por Fred Kaplan de Slate como «su mejor trabajo hasta la fecha: una obra de asombroso eclecticismo y complejidad, pero totalmente accesible, elástica y con swing», y por Phil Freeman de Stereogum como «simplemente una de las músicas más emocionantes que se están creando actualmente». Dynamic Maximum Tension fue nombrado uno de los mejores álbumes de 2023 por DownBeat, NPR y muchos otros medios, y le valió a Argue su cuarta nominación consecutiva al Grammy al Mejor Álbum de Gran Conjunto de Jazz.

 

cecilemclorinsalvant.com 
Metropole Orkest 
nonesuch.com 

 

Daniel García ::: The Hero’s Journey

Daniel García ::: The Hero’s Journey

The Hero's Journey

Daniel García

ACT Music | Junio 26, 2026

Daniel García - The Hero's Journey
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1 Life in a Crystal Bottle 3:15
2 The Call to Adventure 5:18
3 Refusal of the Call 1:16
4 Meeting the Mentor 3:05
5 Crossing the Threshold 1:59
6 Tests 3:21
7 Allies 2:59
8 Enemies 2:50
9 Approach to the Inmost Cave 4:19
10 The Ordeal 2:56
11 The Reward 1:25
12 The Sacrifice 3:23
13 The Resurrection 3:40

 

Daniel García (piano, sintetizadores, voz, palmas)

Composed and produced by Daniel García
Recorded at Camaleon Music Studio in
Madrid, Spain, on 17 - 18 June 2025
Mixed and mastered by Shayan Fathi
Photo by Rob Lewis

 

El diario español El País califica a Daniel García Diego como «una de las figuras más interesantes surgidas del jazz contemporáneo en la última década». Si bien el pianista nunca busca llamar la atención por sí misma —simplemente no forma parte de su personalidad—, hay cosas que hace excepcionalmente bien: su conocimiento, respeto y amor por el jazz y el flamenco son asombrosos, y combina estas dos herencias tan diferentes con fluidez, eficacia e incluso brillantez en su propia música.

Esa singularidad lo convierte en una figura clave, incluso en un embajador del jazz español. Sin duda, forma parte de la historia del auge que ha experimentado la escena en los últimos años. Sus tres álbumes para ACT —grabados hasta ahora en su trío de larga trayectoria, que continúa con gran éxito, junto a los músicos cubanos Reinier el Negrón Elizarde y Michael Olivera, afincados en Madrid— han cosechado elogios unánimes: Travesuras (2019) fue «algo realmente espectacular» (Jazz Journal, Reino Unido), Vía de la Plata fue «importante… esencial» (Paris Move) y Wonderland (2025) fue «brillante y emocionante» (Latin Jazz Network).

A finales de 2024, comenzaron las conversaciones con ACT sobre cuál podría ser su cuarto proyecto discográfico para el sello. «Cuando Andreas Brandis y Michael Gottfried me propusieron la idea de un álbum en solitario, me encantó». El pianista se puso manos a la obra con la composición, pero pronto el destino intervino: a principios de 2025, al padre de Daniel García le diagnosticaron inesperadamente un cáncer incurable, y su salud se fue deteriorando, sobre todo en sus últimos meses, antes de fallecer en diciembre de 2025. Así pues, prácticamente toda la composición y planificación, así como las sesiones de grabación —dos tardes y largas noches de junio de 2025, completamente solo al piano con sus grabaciones en los estudios Camaleón de Madrid—, tuvieron lugar en un momento en que García y su familia vivían sumidos en el dolor, sufriendo ante la inminencia de lo inevitable.

En este contexto, no sorprende que El viaje del héroe esté impregnado de una asombrosa profundidad emocional. Y, sin embargo, no se trata de un álbum oscuro en absoluto. Como explica García: «Desde hace tiempo me atrae la figura del héroe; no me refiero a un superhéroe de película invencible, sino a la idea de una persona que se enfrenta constantemente a nuevos retos y necesita superarlos». El pianista se ha sentido fascinado por el concepto de arquetipos y el «monomito» desarrollado por Joseph Campbell en su libro El héroe de las mil caras. La teoría de Campbell sobre un arco narrativo universal sirvió de base para la saga de Star Wars. «Lo que me gusta es que esta forma de ver el mundo nos dice que, en esencia, los seres humanos no somos diferentes entre nosotros».

Esa idea de afrontar los desafíos uno a uno determina la estructura de un álbum diseñado para ser escuchado como una experiencia continua, y que se interpretará en directo a partir de finales de 2026. «Lo que hice fue asignar una música con un carácter diferente a cada una de esas etapas. Se trata de lo que siento en cada una de ellas, un reflejo de mi propio camino». Ese enfoque también le sienta bien al pianista, pues es un auténtico omnívoro musical: «Me resulta difícil clasificar mi música. Es como intentar meter el mar en una caja: ¡es inmenso! Me encanta la música clásica, la música de Oriente Medio, el rock, ¡los cantautores! ¡La inspiración puede venir de cualquier parte!».

En sus 13 secciones, El viaje del héroe es una historia unificada que transporta al oyente a través de una amplia gama de experiencias y estados de ánimo. Todas las piezas tienen un trasfondo, como por ejemplo: la primera, Vida en una botella de cristal, trata sobre un mundo sencillo, ordinario e inocente en el que aún no ha ocurrido nada extraordinario. La cuarta pieza, Encuentro con el mentor, es un retrato afectuoso de una figura paterna bondadosa, con delicadas voces internas que sugieren un lugar seguro y el placer de tocar el piano. La décima pieza, con aires de toccata, La prueba, es la única del conjunto compuesta íntegramente de principio a fin. Se trata de la fuerza interior, la motivación y la movilización que provienen de tener un motor interno sólido. Y el tema final, «La Resurrección», trata sobre haber cerrado el círculo... y estar listo para afrontar nuevos e inesperados desafíos.

Hay un tema de autosuficiencia en la forma en que se ha creado el álbum: todos los sonidos que el oyente escucha han sido creados por el propio Daniel García Diego. «Todo soy yo», sonríe. «Está hecho de tal manera que pueda interpretarlo en vivo. Ese ha sido parte del propósito desde el principio». Junto al piano hay samples de palmas y canto pregrabados... y samples procesados ??de los sonidos de un violín pregrabado en bucle... o samples generados electrónicamente por un sintetizador Moog. Todos se usan con mucha moderación, con el piano como protagonista principal. «Sing the Threshold» hace un uso particularmente atmosférico de estos sonidos, que García ha empleado para retratar la idea de encontrarse a uno mismo en un mundo totalmente desconocido y ajeno. Aunque «El viaje del héroe» se creó en un contexto sombrío, se erige como una declaración profundamente optimista sobre la naturaleza de la resiliencia humana.

 

danielgarciadiego.com 
actmusic.com 

Avishai Cohen Trio ::: Eternal Child

Avishai Cohen Trio ::: Eternal Child

Eternal Child

Avishai Cohen Trio

naïve | Mayo 29, 2026

Avishai Cohen - Eternal Child
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1. Simchover 5:37
2. El Bazita 4:01
3. My Brues 6:12
4. Tonight 6:32
5. Mr Good Sir 5:59
6. Humbly Yours 6:22
7. Lookie 4:58
8. Eternal Child 5:07
9. Sliv El 3:37
10. Closure 4:09

Avishai Cohen - Bass (Piano track #9)
Itay Simhovich - Piano
Eviatar Slivnik - Drums
Jeff Ballard - Drums (tracks #5, #6, #8 & #9)

Producers: Avishai Cohen, Nico Pflug
Executive producers: Razdaz Recordz for Believe/naïve

Mastering by: Lars Nilsson, Michael Dahlvid
Recorded on January 8th – 12th 2026 at Studio De Meudon (France)

Cover Publisher: Juliette Meiller

 

“¡Eternal Child es un ciclo completo!
Representa mi trayectoria desde los 90, cuando estaba en Nueva York y conocí a Chick Corea a través de un amigo. En esa época, también conocí al baterista Jeff Ballard y formé mi propia banda, tocando música que compuse con Jeff y otros grandes músicos de Nueva York. Cuando Chick decidió grabar mi banda y nuestro primer álbum, creó su propia banda, Origin, con una formación compuesta casi en su totalidad por miembros de mi banda, lo cual fue un gran halago para mí. Desde entonces, he grabado más de 20 álbumes y nunca he parado. Eternal Child refleja toda mi trayectoria musical y me trae hasta aquí. Espero que lo disfruten.”
Avishai Cohen

“Lo que noto en esa foto es la capacidad de asombro en mis ojos. Era un soñador. Amaba la naturaleza. Hoy, sigo fascinado por ella, por la música y por todo lo mágico. Y en esos ojos de niño, ya puedo ver un entusiasmo por la vida, por el juego y una sed insaciable de curiosidad”
Avishai comentando la foto de portada

«Por una vez», confiesa Avishai, «el título del álbum no es una composición mía». Ese título, Eternal Child, fue escrito por el legendario Chick Corea, una figura que sigue siendo uno de los encuentros más decisivos y transformadores de la carrera de Avishai. Para él, el nombre tiene un profundo significado.
«Seguir siendo un niño eterno es el destino de muchos artistas», afirma. «Esos son los afortunados».

La elección se hizo innegable en el momento en que vio una fotografía suya de cuando tenía cuatro o cinco años, la misma imagen que ahora adorna la portada del álbum. La gasa es inconfundible; cincuenta años después, esa misma chispa sigue brillando con la misma intensidad.

"Lo que percibo en esa foto es la admiración en mis ojos. Era un soñador. Amaba la naturaleza. Hoy, sigo fascinado por ella, por la música y por todo lo mágico. Y en esos ojos de niño, ya puedo ver un entusiasmo por la vida, por el juego y una sed insaciable de curiosidad." Comenta Avishai.

En el corazón de este disco se encuentra un joven trío: el pianista Itay Simhovich (22) y el baterista Eviatar Slivnik (30). Lo que llama la atención de inmediato es el evidente regreso de Avishai Cohen al jazz, un regreso que él abraza y reivindica plenamente. “Es el álbum más jazzístico que he hecho hasta la fecha. No fue intencional, pero tiene mucho que ver con la personalidad de los músicos." Si bien Itay Simhovich y Eviatar Slivnik pertenecen a una nueva generación, su esencia está profundamente arraigada en las contundentes tradiciones de Miles Davis, los Jazz Messengers y los tríos de Bill Evans o Ahmad Jamal. Sin embargo, dentro de esta sonoridad clásica, la continuidad del universo musical de Avishai se mantiene impecable y sorprendentemente moderna.

La guinda del pastel es la presencia de un segundo baterista, Jeff Ballard. “Quería que la elección entre Jeff y Eviatar no estuviera predeterminada. Evolucionó durante las sesiones de grabación. Jeff se unió a nosotros al tercer día. En Sliv El, el trío comenzó con Eviatar y terminamos como dúo: Jeff a la batería y yo al piano. Imaginé reunir a ambos bateristas al menos una vez, solo para romper con la rutina.”

"También fue una forma de recordar el comienzo de mi historia con Jeff; después de presentárselo a Chick, solíamos ensayar a dúo en su apartamento de Brooklyn. Tenía un Fender Rhodes allí, y así fue como le presenté mis composiciones por primera vez."

Las diez pistas del álbum comparten un hilo conductor: cada una corresponde a alguien del círculo de Avishai o a una historia íntima… Simchover está, por supuesto, dedicada a Itay Simhovich. Lo mismo ocurre con Sliv El, para Eviatar Slivnik. La balada El Bazita es un apodo cariñoso para la pareja de Avishai, derivado de su apellido. My Brues no tiene nada que ver con "nueras", es un juego de palabras sobre cómo su querido público japonés pronuncia "blues", y está dedicada exclusivamente a ellos. En Tonight, evoca el mundo de Wayne Shorter y Lee Morgan dentro de los Jazz Messengers. Mr Good Sir está dedicada a su manager, que ha estado al lado de Avishai durante casi 25 años. Humbly Yours es un guiño a todos aquellos que proyectan sus propios pensamientos en los silencios de una composición.

Lookie es un juego de palabras que comienza con "cookie", elegido simplemente por el placer del sonido. "Es una de las últimas composiciones que traje para esta grabación. Es una melodía divertida y con mucho ritmo que demuestra la alegría que sentimos como trío al tocar juntos." «Eternal Child» fue compuesta por Chick Corea, con una fuerte influencia de la música clásica, evocando las Fugas de Bach; es la única versión del álbum. El disco concluye con «Closure», un broche de oro que se siente como un final triunfal y, a la vez, como una apertura hacia un nuevo horizonte. Estas diez variaciones están impregnadas de un jazz radiante, que gira en torno a los dos pilares fundamentales de Avishai Cohen: el ritmo y la melodía.

 

avishaicohen.com 

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