Juan Carlos, autor en - Página 145 de 538

Jeff Beck ::: There & Back

There
&
Back

Jeff Beck

Epic | Junio 23, 1980

Lanzado en junio de 1980 (mamita!!, hace una eternidad!!) There & Back ocupa un rinconcito en mis atesorados recuerdos de mi juventud, recuerdo además haber sido uno de mis primeros vinilos importados, de esos bien gruesos y pesados, además de su sonido y propuesta atenta a mis expectativas.

Pero no tanto para la prensa internacional, muchos reviews de la época calificaron apenas por encima de la media esperada para una estrella del brillo del guitarrista comparandolo con Wired (1976) y Blow by Blow (1975), sus dos álbunes próximos anteriores, ubicando a nuestro Recomendado por debajo de estos.

La primer cara con tres composiciones del tecladista Jan Hammer las cuales, y acá me sumo a la crítica, tienen más la impronta del propio Hammer que de Jeff Beck, tal vez algo presumible teniendo en cuenta la autoria de los temas, pero suenan mucho al aburrido!! Jan Hammer. Beck ya había grabado antes con Hammer que sonaba mucho por entonces, por lo que no le restamos crédito al guitarrista quien seguro le vió más cualidades que algunos de nosotros (ya estoy sumando a alguien más para no quedar expuesto yo solito!!). Antes de dar vuelta el disco la cosa mejora muchisimo con The Pump, tema del bata Simon Phillips y el tecladista Tony Hymas, alentando las esperanzas sobre lo que viene...

El Lado B del álbum ya suena mucho mejor como lo anunciaban los ultimos minutos del Lado A, acá el guitarrista propone el único tema de su autoría, The Final Peace, el mejor cierre posible; el resto material escrito por Simon Phillips y Tony Hymas elevando el umbral del álbum a la altura del genial guitarrista.

Un gran álbum, no tanto para algunos pero en mi caso pesan los recuerdos de las épocas de sueños, aventuras, esperanzas, amoríos..., por ahí es por dónde se pegan a las páginas preferidas de nuestro álbum de recuerdos todo el entorno vivido. El mejor de los recuerdos para el guitarrista recientemente fallecido, gracias por la música, gracias por acompañarnos a todos los "pibes" en aquellos años de ensueños...

A1 Star Cycle 4:56
A2 Too Much To Lose 2:57
A3 You Never Know 4:03
A4 The Pump 5:45
B1 El Becko 3:59
B2 The Golden Road 4:54
B3 Space Boogie 5:04
B4 The Final Peace 3:36

Bass – Mo Foster (tracks: A4 to B3)
Design [Packge], Photography By – John Berg
Drums – Simon Phillips (tracks: A2 to B3)
Guitar, Producer [Co-producer] – Jeff Beck
Keyboards – Jan Hammer (tracks: A1 to A3), Tony Hymas (tracks: A4 to B4)
Producer [Co-producer] – Ken Scott
Written-By – J. Hammer* (tracks: A1 to A3), J. Beck* (tracks: B4), S. Phillips* (tracks: A4, B1 to B3), T. Hymas* (tracks: A4, B1 to B4)

Joe Pass ::: enero 13, 1929

JOE PASS ::: Enero 13, 1929

Nacido Joseph Anthony Jacobi Passalaqua, 13 de enero de 1929, en New Brunswick, NJ; muerto de cáncer de hígado, 23 de mayo de 1994; casado con su esposa Allison, 1963; casado con Ellen Luders, 1987; hijos: dos.

A lo largo de casi 50 años como guitarrista profesional, Joe Pass logró romper muchas barreras y obstáculos tanto en la música como en su propia vida. Nacido Joseph Anthony Anthony Jacobi Passalaqua, el mayor de cinco hermanos en New Brunswick, New Jersey, sus padres se mudaron a Johnstown, Pennsylvania, cuando aún era un niño. Pass se interesó por la guitarra cuando vio a Gene Autry en la película Ride Tenderfoot Ride. Autry despertó su curiosidad por el instrumento y lo motivó a pedir una guitarra para su cumpleaños.

Cuando cumplió nueve años en 1938, el padre de Pass, Mariano Passalaqua, le regaló una guitarra de cuerda de acero de $17 Harmony. Pronto, Passalaqua empujó a su hijo a practicar la guitarra durante al menos cinco horas al día. "Mi padre pensó que yo mostraba signos de poder jugar", dijo Pass en Down Beat. "Y su objetivo en la vida no era que sus hijos hicieran lo mismo que él: trabajar en una fábrica de acero. Quería que todos ellos tuvieran una mejor educación, o algún tipo de mejor forma de vida. Mi padre iba a la tienda de música, y si veía algún libro que dijera'guitarra' en él, lo traía a casa".

Para cuando Pass cumplió 14 años, se había unido a una banda llamada Gentlemen of Rhythm que se inspiraba en la música del legendario guitarrista gitano Django Reinhardt. El grupo se presentó en fiestas y bailes, y Pass ganó de tres a cinco dólares por noche. Su talento llamó la atención del saxofonista y director de orquesta Tony Pastor, quien le permitió tocar con su banda en un concierto local. Pastor quería llevarlo a la carretera con él, pero Pass no podía dejar la escuela para hacerlo.

Un año después, los padres de Pass lo enviaron a Nueva York para estudiar con el respetado guitarrista de estudio Harry Volpe. Cuando Volpe se dio cuenta de que Pass improvisaba mejor que él, se centró en enseñar a leer música a primera vista. Pero Pass se frustró con sus lecciones y regresó a Johnstown, aunque no por mucho tiempo. Cuando su padre se enfermó, abandonó el décimo grado y se mudó a Nueva York.

"Mi padre era muy estricto, pero se enfermó y ya no podía contenerse", dijo Pass a Rolling Stone. "Era mi oportunidad de salir. Vine a Nueva York, y estaba aquí en 1944 y en el'45 dando vueltas. Toqué en algunos conciertos, escuché a Bird[saxofonista Charlie Parker] y[pianista] Art Tatum. Luego, me involucré en las drogas."

La adicción a las drogas de Pass, de hecho, comenzó a llevar su vida. Se mudó a Nueva Orleans por un año, donde jugó al bebop para las strippers. "En Nueva Orleans, tuve una especie de crisis nerviosa", reveló Pass en Rolling Stone, "porque tenía acceso a todo tipo de drogas allí y estaba despierto durante días. Siempre empeñaba mi guitarra. Vendría mucho a Nueva York, luego me pondría nervioso y me iría".

Al año siguiente, Pass comenzó a viajar de un lugar a otro, actuando donde podía. En 1949 se unió al líder de la banda Ray McKinley, pero renunció cuando descubrió que los arreglos estaban más allá de sus habilidades de lectura. Durante los primeros años de la década de 1950, Pass jugó en Las Vegas y otras ciudades de todo el país. Al mismo tiempo, entraba y salía de la cárcel por violaciones de narcóticos. Mantenerme en lo alto era mi primera prioridad", dijo Pass a Robert Palmer en Rolling Stone, "jugar era segundo; las chicas eran terceras". Pero lo primero realmente me quitó toda mi energía".

En 1954 Pass fue arrestado por cargos de drogas y enviado al Hospital del Servicio de Salud Pública de los Estados Unidos en Fort Worth, Texas. Pasó cuatro años allí, luego regresó a Las Vegas para unirse al trío del acordeonista Dick Contino. A fines de 1960, ingresó a Synanon, un centro de rehabilitación de narcóticos en Santa Mónica, California. Dos años más tarde tocó en el recopilatorio Sounds of Synanon, publicado en World Pacific Records.

Después de tres años en Synanon, Pass se hizo más consciente y agradecido de sus habilidades musicales y comenzó a tomar su carrera más en serio. "Muchos niños piensan que para ser guitarristas tienen que salir y ser drogadictos durante 10 años, y eso no es cierto", dijo Pass a Down Beat. "No puedo acreditar nada de ese tiempo, diciendo que fue entonces cuando realmente aprendí. Pasé la mayoría de esos años siendo un vago, sin hacer nada. Fue una gran pérdida de tiempo".

Cuando Pass dejó Synanon en 1963, grabó Catch Me, su primer álbum como director de orquesta, con el baterista Colin Bailey, la pianista Clare Fischer y el bajista Albert Stinson. Al año siguiente, grabó un homenaje a Django Reinhardt llamado For Django, al que siguió Simplicity dos años más tarde. También realizó trabajos de estudio, tocó con bandas de televisión y, de 1965 a 1967, tocó con el pianista George Shearing.

Desde mediados de los años 60 hasta mediados de los 70, Pass puso en marcha su carrera. Grabó tres discos en Alemania y tocó en discos con los artistas de jazz Earl Bostie, Julie London, Eddie "Cleanhead" Vinson, Chet Baker y Carmen McRae. Trabajó como sideman para las estrellas del pop Frank Sinatra, Donald O'Connor, Della Reese, Leslie Uggams, Steve Allen y Johnny Mathis. Pase también sustituido en el Merv Griffin Show cuando el guitarrista regular Herb Ellis no pudo hacerlo.

En 1971 Pass sugirió una colaboración de sus guitarras bebop con el enfoque bluesista de Ellis. Los dos formaron un equipo y se convirtieron en uno de los conjuntos de dos guitarras más famosos e influyentes de la historia del jazz. Carl Jefferson invitó a Pass y Ellis a actuar en el Festival de Jazz Concord de 1972, lo que llevó a la grabación de Jazz Concord, el primer disco de Concord Records. En el Festival de Jazz Concord de 1973, Pass y Ellis grabaron Seven Come Eleven.

Ese año el legendario director de orquesta Benny Goodman le pidió a Pass que sustituyera a su guitarrista en un concierto. La actuación de Pass impresionó tanto a Goodman que le pidió que se uniera a su gira por Australia. Cuando regresó de la gira, Pass firmó un contrato discográfico con el recién formado sello Pablo de Norman Granz e inmediatamente comenzó a grabar Virtuoso, su primer álbum en solitario. El álbum lanzó una serie de LPs de Virtuoso e hizo de Pass el chico de oro del jazz en 1975. También en esa época, Pass se asoció con el pianista Oscar Peterson para una versión de jazz de Porgy and Bess de George Gershwin. En 1974 compartió el premio Grammy a la mejor interpretación de jazz de un grupo con Peterson y Neils-Henning Orsted Pederson por su trabajo en The Trio.

Durante las décadas de 1970 y 1980, Pass se convirtió en el guitarrista de jazz más grabado, produciendo discos en solitario y acompañando a otros grandes del jazz como Duke Ellington, Count Basie, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughn, Stephane Grappelli, Oscar Peterson, Milt Jackson, Zoot Sims, Ray Brown, y otros. En 1989 Pass se reunió con el grupo que había grabado For Django -el guitarrista John Pisano, el baterista Bailey y el bajista Jim Hugbart- para grabar Summer Night. En 1992 lanzaron Appassionato.

A principios de 1992 Pass descubrió que tenía cáncer de hígado. Al principio respondió bien al tratamiento, y continuó haciéndolo hasta principios de 1993. Pero su salud en declive le obligó a retirarse de su gira con Pepe Romero, Paco Peña y Leo Kottke. En 1993 lanzó su último álbum, Joe Pass & Co. con el guitarrista Pisano, el bajista Monty Budwig y Bailey. El 7 de mayo de 1994, Pass hizo su última actuación con Pisano en un club nocturno de Los Ángeles. Sonaba mejor que la mayoría de los guitarristas", dijo Pisano a Guitarrista, "pero después me miró con una lágrima en los ojos y dijo:'Ya no puedo tocar más'". Fue como un cuchillo en mi corazón."

Joe Pass murió el 23 de mayo de 1994. En un homenaje a un guitarrista, el escritor Jim Ferguson resumió la carrera de Pass como guitarrista: "Bebop, latín, baladas, blues, originales, solos, dúos, tríos, grandes conjuntos--Joe lo hizo todo. Ningún jugador en la memoria reciente ha hecho tantas grabaciones en tantos estilos y contextos…… Con toda probabilidad, Joe Pass [fué] el guitarrista más versátil, completo y convencional de la historia".

Thaddeus Wawro

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Carrera de Joe Pass

Comenzó tocando la guitarra profesionalmente con los Gentlemen of Rhythm, Johnstown, PA, c. 1943; tocó en la ciudad de Nueva York, 1944-45; tocó en Nueva Orleans, 1946; viajó por los Estados Unidos, 1947-54; grabó su primer álbum como director de orquesta, Catch Me, 1963; firmó con Pablo Records, 1973; editó su primer álbum en solitario, Virtuoso, 1974; editó más de 30 LPs y tocó en muchos más, 1974-93

Premios Joe Pass

Premio Grammy a la mejor interpretación de jazz por un grupo, con Oscar Peterson y Neils-Henning Orsted Pederson, 1974, por The Trio

musicianguide.com

Murió Jeff Beck…, guitarra vas a llorar…

Murió Jeff Beck

Guitarra vas a llorar...

Jeff Beck (1944-2023), guitarrista con una página en la historia del rock, muere a los 78 años
Su forma de tocar con los Yardbirds y como líder de sus propias bandas aportó un sentido de la aventura a sus rompedoras grabaciones.

The New York Times
Por Jim Farber

Jeff Beck, uno de los guitarristas más hábiles, admirados e influyentes de la historia del rock, falleció el martes en un hospital cercano a su casa de Riverhall, una finca rural del sur de Inglaterra. Tenía 78 años.

La causa fue una meningitis bacteriana, según informó Melissa Dragich, su publicista.

Durante las décadas de 1960 y 1970, ya fuera como miembro de los Yardbirds o como líder de sus propias bandas, Beck aportó un sentido de la aventura a su forma de tocar que contribuyó a que las grabaciones de esos grupos fueran revolucionarias.

En 1965, cuando se unió a los Yardbirds para sustituir a otro héroe de la guitarra, Eric Clapton, el grupo ya era uno de los más destacados del creciente movimiento británico de blues eléctrico. Pero sus punzantes licks y sus dardosos leads en canciones como "Shapes of Things" y "Over Under Sideways Down" añadieron un elemento expansivo a la música que ayudó a señalar la incipiente revolución del rock psicodélico.

Tres años más tarde, cuando Beck formó su propia banda, más tarde conocida como Jeff Beck Group -junto con Rod Stewart, un cantante poco conocido en aquella época, y el igualmente desconocido Ron Wood al bajo-, el peso de la música creó una plantilla temprana para el heavy metal. En concreto, el debut de la banda en 1968, "Truth", proporcionó un modelo que otro antiguo colega guitarrista de los Yardbirds, Jimmy Page, utilizó para fundar Led Zeppelin varios meses después.

En 1975, cuando el Sr. Beck inició su carrera en solitario con el álbum "Blow by Blow", reconfiguró la fórmula esencial del movimiento de fusión de aquella época, inclinando la balanza de sus influencias del jazz al rock y al funk, creando en el proceso un sonido que era a la vez sorprendentemente nuevo y de gran éxito. "Blow by Blow" se convirtió en un Top 5 de Billboard y, con la venta de un millón de copias o más, en un éxito de platino.

A lo largo de su carrera, Beck contribuyó a introducir o ampliar importantes innovaciones técnicas en su instrumento. Desarrolló el uso de los efectos de distorsión y realimentación, explorados anteriormente por Pete Townshend; intensificó el efecto de doblar las notas en la guitarra; y amplió la gama de expresión que podía obtenerse de dispositivos acoplados a la guitarra como la barra whammy.

Gracias a estas técnicas, Beck podía utilizar sus cuerdas como armas para golpear como una pistola eléctrica o acariciarlas para expresar lo que parecía un beso. Su trabajo también tenía humor, con licks que podían cacarear y leads que podían provocar.

"Incluso en los Yardbirds, tenía un tono melódico pero directo, brillante, urgente y nervioso", escribió Mike Campbell, de Tom Petty and the Heartbreakers, para un artículo de la revista Rolling Stone que acompañaba una encuesta en la que se nombraba al Sr. Beck el quinto mejor guitarrista de todos los tiempos. "Es como si dijera: 'Soy Jeff Beck. Estoy aquí. No puedes ignorarme'".

"Todo el mundo respeta a Jeff", dijo el Sr. Page en un documental de 2018 titulado "Still on the Run: The Jeff Beck Story". "Es un músico extraordinario. Tiene una conversación contigo cuando está tocando".

A pesar de los elogios, el Sr. Beck nunca alcanzó las ventas o la popularidad de los guitarristas considerados sus pares, incluidos el Sr. Page, el Sr. Clapton y uno de los jugadores que más admiraba, Jimi Hendrix. Sólo dos de sus álbumes alcanzaron la categoría de platino en Estados Unidos, entre ellos "Wired", su continuación de "Blow by Blow" en 1976.

"Parte de la razón es no haber intentado nunca entrar en la corriente dominante del pop, el rock o el heavy metal ni nada por el estilo", declaró al sitio web de arte Elsewhere en 2009. "Cerrar esas puertas significa que sólo tienes un espacio limitado por el que colarte".

También le perjudicó que el voluble Beck trabajara a menudo sin vocalista y que sus grupos rara vez duraran mucho. Su primera banda, con Stewart y Wood, estuvo a punto de alcanzar el estrellato, con una invitación para tocar en Woodstock. Pero Beck rechazó la oferta y el grupo se disolvió poco después.

Otra banda que dirigió y que prometía comercialmente, Beck, Bogert & Appice (con la sección rítmica de Tom Bogert y Carmine Appice, ex componente de Vanilla Fudge), consiguió un álbum de oro en 1973, pero el Sr. Beck abandonó el proyecto al cabo de menos de dos años. No es que le importara su estatus en la industria.

"Nunca he hecho el gran momento, afortunadamente", dijo el Sr. Beck a Rolling Stone en 2018. "Cuando miras a tu alrededor y ves quién lo ha hecho enorme, es un lugar realmente podrido para estar".

Una foto en blanco y negro del Sr. Beck tocando la guitarra y mirando atentamente hacia la cámara.
Beck actuando en Londres en 1976, como telonero de Alvin Lee. "Nunca he llegado a lo más alto, por suerte", dijo a un periodista.Credit...Watal Asanuma/Shinko Music, via Getty Images

Grammy y oro
Aun así, consiguió ocho álbumes de oro a lo largo de más de seis décadas. También acumuló siete Grammys, seis en la categoría de mejor interpretación instrumental de rock y uno a la mejor colaboración pop con voz. Ingresó en el Salón de la Fama del Rock and Roll en dos ocasiones, como miembro de los Yardbirds en 1992 y en solitario en 2009.

"Jeff Beck estaba en otro planeta", dijo Stewart en un comunicado el miércoles. "Nos llevó a mí y a Ronnie Wood a Estados Unidos a finales de los 60 en su banda Jeff Beck Group, y desde entonces no hemos mirado atrás. Era uno de los pocos guitarristas que, cuando tocaba en directo, me escuchaba cantar y respondía. Jeff, eras el mejor, amigo mío".

Geoffrey Arnold Beck nació el 24 de junio de 1944 en el sur de Londres, hijo de Arnold y Ethel Beck. Su madre era fabricante de caramelos y su padre contable. El Sr. Beck contó a la revista Guitar Player en 1968 que su madre le había "obligado" a tocar el piano dos horas al día cuando era niño. "Eso fue bueno", dijo, "porque me hizo darme cuenta de que tenía madera de músico. Mi otro entrenamiento consistía en estirar gomas elásticas sobre latas de tabaco y hacer ruidos horribles".

Se sintió atraído por la guitarra eléctrica tras escuchar el trabajo de Les Paul y más tarde por el de Cliff Gallup, guitarrista principal de la banda de Gene Vincent, y el británico Lonnie Mack. Quedó fascinado no sólo por el sonido de la guitarra, sino también por su mecánica.

"A la edad de 13 años, construí dos o tres de mis propias guitarras", escribió el Sr. Beck en un ensayo para un libro sobre su carrera publicado en 2016 titulado "Beck 01: Hot Rods and Rock & Roll". "Era divertido simplemente mirarla y sostenerla. Sabía hacia dónde me dirigía".

Se matriculó en el Wimbledon College of Art, pero pasó más tiempo tocando en bandas. Al abandonar los estudios, empezó a hacer trabajos de sesión en estudios y en 1965 fue invitado a unirse a los Yardbirds a través de Jimmy Page, de quien el Sr. Beck se había hecho amigo cuando era adolescente y que acababa de rechazar ese trabajo.

Aunque sólo estuvo 20 meses con los Yardbirds, el Sr. Beck tocó en la mayoría de sus canciones de éxito, empezando por "Heart Full of Soul", que entró en el Top 10 de Billboard y llegó al nº 2 en Gran Bretaña. La encendió su ardiente línea de guitarra solista, que tomaba influencias de la música india y que servía de gancho a la canción.

En 1966, el single de los Yardbirds "Shape of Things", que llegó al nº 11 en Estados Unidos (nº 3 en Gran Bretaña), incluía un frenético solo a doble tiempo del Sr. Beck que se convirtió en uno de los más célebres lucimientos de la banda.

A sugerencia de su mánager, Beck grabó en mayo de 1966 una pieza instrumental para un posible proyecto en solitario titulada "Beck's Bolero". En ella participaron a la guitarra rítmica el Sr. Page (que recibió el crédito de autor de la canción), Keith Moon de The Who a la batería, el futuro bajista de Led Zeppelin John Paul Jones y el solicitado pianista de sesión Nicky Hopkins.

La canción, un instrumento emblemático con una estructura compleja, no se publicó en su momento, lo que frustró la esperanza de Beck de que esta formación formara parte de su próxima banda. En su lugar, continuó con los Yardbirds, que añadieron al Sr. Page, primero al bajo y más tarde en un duelo de guitarras con el Sr. Beck. Aquella fugaz formación quedó inmortalizada en "Blow Up", la película de la era Mod del director Michelangelo Antonioni, en la que interpretaron una maníaca versión de su canción "Train Kept A-Rollin'", refundida como "Stroll On".

Las tensiones que se habían ido gestando entre el Sr. Beck y el resto de los Yardbirds llegaron a un punto de ebullición en una agotadora gira por Estados Unidos ese otoño, lo que le obligó a abandonar. Más tarde consideró este periodo el punto más bajo de su carrera.

"De repente, no eres nadie", dijo a Rolling Stone en 2016. "Como la banda pudo seguir adelante" con el señor Page, "fue casi como si me hubieran borrado del mapa".

Aun así, en marzo de 1967 se publicó un sencillo con su propio nombre, "Hi-Ho Silver Lining", que incluía una rara voz del Sr. Beck, que él aborrecía. "Sueno insoportablemente mal", dijo a Music Radar en 2021.

Aún así, la canción llegó al nº 15 en Gran Bretaña, y su cara B proporcionó un hogar para "Beck's Bolero".

Encontró más satisfacción formando el primer Jeff Beck Group, con los señores Stewart, Wood y Hopkins junto con el batería Mickey Waller. Columbia Records les contrató y publicó su debut, "Truth", en el verano de 1968. Contenía una nueva versión, más heavy, de "Shapes of Things" de los Yardbirds, junto con "Beck's Bolero".

"Truth" alcanzó el nº 15 en Billboard y se convirtió en disco de oro, impulsado por su fresca mezcla de rock atronador y soul emotivo. Su continuación, "Beck-Ola", que sustituyó al Sr. Waller por el batería Tony Newman, se publicó un año más tarde e igualó el éxito del debut. Pero la banda implosionó casi inmediatamente después.

"No sé qué pasó", dijo Beck a Music Radar. "Fue la falta de material", dijo, además, conjeturó, el Sr. Stewart "quería ver su nombre ahí arriba en lugar del mío".

Una banda, luego otra
En otoño de 1969, el Sr. Beck intentó recuperarse planeando un nuevo grupo con el Sr. Bogert y el Sr. Appice, pero aquello se vino abajo después de que el Sr. Beck se fracturara el cráneo en un accidente de coche. Mientras tanto, los otros dos músicos formaron la banda de blues-rock Cactus.

Tras una larga convalecencia, en 1971 surgió una nueva versión del Jeff Beck Group, con el cantante de soul Bobby Tench, el batería Cozy Powell y el teclista Max Middleton, que animó al Sr. Beck a explorar el jazz.

Su debut, "Rough and Ready", publicado en octubre, incluía más composiciones originales del Sr. Beck que de costumbre, pero apenas entró en el Top 50 de Billboard. Su sucesor, "Jeff Beck Group", que se inclinaba hacia el lado más soul de su sonido, obtuvo mejores resultados, superando el Top 20 de Billboard y convirtiéndose en disco de oro.

De nuevo, sin embargo, el mercurial Sr. Beck anhelaba algo nuevo, así que cuando Cactus se disolvió, volvió a reunirse con el Sr. Bogert y el Sr. Appice -la sección rítmica que había considerado anteriormente- para formar el poderoso trío Beck, Bogert & Appice.

Un tema destacado de su álbum de debut de 1973, "Beck, Bogert & Appice", era una versión de "Superstition" de Stevie Wonder, una canción en cuya creación participó Beck. Había conocido al Sr. Wonder cuando éste grababa su álbum de 1972, "Talking Book", y durante aquellas sesiones el Sr. Beck creó un ritmo de batería que, según cuentan, inspiró al Sr. Wonder para escribir "Superstition", uno de sus mayores éxitos.

Pero el Sr. Beck no estaba satisfecho ni con la versión de la canción ni con el propio grupo y, durante la grabación de un segundo álbum, disolvió el grupo. Más tarde, en 1975, se publicó un álbum en directo, "Beck, Bogert & Appice Live in Japan", un año que cambió la carrera de Beck.

El Sr. Beck se atrevió a dedicar la mayor parte del álbum en solitario "Blow by Blow", grabado en 1974 y publicado en 1975, a temas instrumentales inspirados en la creatividad de la Mahavishnu Orchestra y en el elevado trabajo del guitarrista de fusión de la banda, John McLaughlin.

Para ayudar a capturar el sentimiento de ese grupo, Beck contrató al productor George Martin, que había supervisado el álbum "Apocalypse" de Mahavishnu el año anterior (y que había alcanzado su mayor renombre con los Beatles). El Sr. Beck dijo a la revista The New Statesman en 2016 que el Sr. Martin le había proporcionado "un enorme par de alas".

"El mero hecho de saber que alguien con oídos tan sensibles aprobaba lo que estaba pasando te hacía volar", dijo.

El siguiente álbum de Beck, "Wired", incluyó a dos músicos de Mahavishnu: el batería Narada Michael Walden y el teclista Jan Hammer, ampliando el elemento de fusión en la música. Más tarde, Beck realizó una gira con la banda de Hammer que dio lugar al álbum "Jeff Beck with the Jan Hammer Group Live", que se convirtió en disco de oro en 1977.

Hammer también contribuyó al álbum de Beck de 1980, "There & Back", que alcanzó el número 21 en la lista Billboard. En 1985, Beck volvió a trabajar con vocalistas para su álbum "Flash", en el que Stewart cantó una versión de "People Get Ready" de Curtis Mayfield. (Otra grabación instrumental, "Jeff Beck's Guitar Shop", publicada en 1989, se convirtió en su último álbum de oro.

A partir de la década de 1990, el Sr. Beck comenzó a realizar prodigiosos trabajos de sesión, proporcionando solos en álbumes de Jon Bon Jovi, Roger Waters, Kate Bush, Tina Turner y otros. Mostró la amplitud de su estilo con su álbum "Emotion & Commotion" en 2010, que incluía el estándar "Over the Rainbow" y "Nessun Dorma" de Puccini. Este último tema ganó un Grammy, y el álbum alcanzó el nº 11 en Billboard.

En las décadas siguientes, Beck siguió haciendo giras y grabando discos, el último de los cuales fue una colaboración con el actor y guitarrista Johnny Depp, titulado "18", en 2022.

Beck se casó en 2005 con Sandra Cash, que le sobrevive.

Para sus fans, y para él mismo, el Sr. Beck estaba tan profundamente identificado con su guitarra -en particular con la Fender Stratocaster- que parecía inseparable de ella.

"Mi Strat es otro brazo", dijo a Music Radar. "Me he soldado a ella. O ella se ha soldado a mí, una cosa o la otra".

Y añade: "Es una herramienta de gran inspiración y tortura al mismo tiempo. Siempre está ahí, retándote a encontrar algo más en ella. Pero está ahí si realmente buscas".

Alex Traub contribuyó con éste reportaje.

nytimes.com

Dave Weckl ::: enero 8, 1960

Dave Weckl ::: Enero 8, 1960

Durante más de 20 años, Dave Weckl ha desarrollado y mantenido una reputación entre los fans, compañeros y la comunidad musical internacional como uno de los grandes bateristas vivos. Por ello, ha recibido numerosos elogios y honores; Modern Drummer incorporó a Dave a su Salón de la Fama y lo nombró "uno de los 25 mejores bateristas de todos los tiempos".

Pero estos honores, además de muchos más otorgados por la comunidad musical, son el producto del compromiso inquebrantable de Dave de hacer grandes composiciones. La increíblemente dinámica y diversa batería de Dave, que ha inspirado a músicos de todo el mundo, se basa en una sólida base de conocimiento y respeto por la música.

Nacido en St. Louis, Missouri, el 8 de enero de 1960, de una madre que amaba la música y un padre que tocaba el piano como pasatiempo, Dave comenzó a tocar la batería a la edad de 8 años.

Durante sus años de bachillerato, Dave recibió muchos premios de la NAJE (Asociación Nacional de Educadores de Jazz) por su destacada actuación en la banda de jazz ganadora del concurso de su escuela secundaria. Estuvo involucrado con numerosos grupos locales desde muy joven mientras estudiaba con los maestros del área de St. Louis, Bob Matheny y Joe Buerger.

A los 16 años, Dave comenzó a trabajar profesionalmente con grupos locales de pop y jazz. En 1979, se trasladó a la costa este para estudiar música en la Universidad de Bridgeport en Connecticut. A los 19 años de edad, Dave estaba siendo reconocido.

Mientras tocaba en la escena de los clubes de la ciudad de Nueva York con una banda llamada Nite Sprite, Dave comenzó a recibir elogios de músicos de estudio establecidos como Steve Kahn, Michael Brecker y, especialmente, el gran baterista Peter Erskine. Fue Peter quien recomendó a Dave para su primer'gran concierto' en la ciudad con un grupo llamado French Toast, precursor de la banda de Michel Camilo, que ha sido grabado ampliamente a lo largo de los años.

De este grupo, el legendario bajista Anthony Jackson recomendó a Dave para la prestigiosa gira de la reunión de Simon y Garfunkel en 1983. Después de esta gira, no pasó mucho tiempo antes de que Dave fuera llamado regularmente para escuchar jingles de radio y televisión, sesiones de bandas sonoras y las mejores fechas de grabación con artistas como George Benson, Peabo Bryson, Diana Ross y Robert Plant, por nombrar algunos.

En 1985, Michael Brecker le sugirió a Chick Corea que investigara los servicios de Dave para su nueva banda Elektric Band. Ese fue el comienzo de una relación de siete años con las bandas Elektric y Akoustic, donde se produjeron nueve grabaciones y tres videos, incluyendo un Grammy por el primer lanzamiento de la banda Akoustic Band.

La Elektric Band mostró la batería de vanguardia de Dave y el uso innovador de la batería electrónica y acústica, lo que le valió el reconocimiento mundial. Aunque la banda de Elektric se fue en un paréntesis de 10 años a principios de los 90, la banda está de nuevo de gira de vez en cuando. También lanzó un álbum conceptual de 17 partes titulado "To The Stars" a mediados de 2004.

Como solista, Dave ha grabado y producido nueve grabaciones hasta la fecha, incluyendo GRP/MCA solo publica Masterplan, Heads Up, y Hardwired. En 1998, Dave se dio cuenta de su meta de muchos años de formar una banda de gira mundial. Hasta la fecha, la Dave Weckl Band ha publicado cinco discos de estudio, incluyendo: Ritmo del Alma, Sinergia, Transición, Movimiento Perpetuo y Multiplicidad. La banda también lanzó su álbum en vivo, LIVE (y muy enchufado) y una compilación de DWB y videos instructivos titulados The Zone.

La DWB mantiene a Dave muy ocupado, pero aún así disfruta del trabajo de sideman. Dave se une regularmente al guitarrista Mike Stern, entre otros. Cuando está fuera de la carretera, Dave se mantiene ocupado con las sesiones y el trabajo de producción en su estudio en Los Ángeles. También acepta un número limitado de estudiantes privados y ofrece clases a través de la Virtual Drummer School. Además, Dave tiene muchos videos/DVDs instruccionales y paquetes de reproducción en el mercado (ver el menú desplegable "instruccional" en la parte superior de la página).

Estudiante constante del arte de la percusión y la música, Dave devuelve cada oportunidad que tiene a través de clínicas y clases en todo el mundo. De la enseñanza, dice Dave:

"Mi objetivo es inspirar al mayor número posible de jóvenes (y no tan jóvenes) para que quieran tocar música, ya sea en la batería o en otro instrumento. Con todos los negativos en el mundo de hoy, siento que esta es mi manera de contribuir a una acción positiva hacia la felicidad espiritual, de la cual la música puede ser una gran parte, si lo dejas. Así que, padres, si su hijo tiene talento para la música, ¡por favor permítanle la oportunidad de desarrollar ese talento!

Por supuesto, un tipo tan ocupado necesita moverse por la ciudad eficientemente. Un fanático de los automóviles, Dave se mantiene a tiempo conduciendo un Lingenfelter Camaro de 440 caballos de fuerza (lea sobre ello aquí). Con un tiempo de 0-60 de 4.2 segundos, no es probable que lo veas en las autopistas de Los Ángeles - ¡pero seguro que lo escucharás!

Es una cosa de bateristas….

Pero más allá de toda la grabación, producción, giras, enseñanza, trabajo con compañías que él respalda para construir mejores productos y destrozar la carretera de vez en cuando, la pasión de Dave es pasar tiempo de calidad con su hija, Claire, Sophie (su Golden Retriever), y amigos.

Para esto es todo el trabajo duro - la inspiración para seguir haciéndolo - y esa perspectiva es probablemente el mayor activo de Dave.

daveweckl.com

Nadje Noordhuis ::: Full Circle

Full Circle

Nadje Noordhuis

Newvelle Records | Dic 9, 2022

1. Little Song 4:53
2. Hudson 4:33
3. Northern Star 3:28
4. Entwine 6:31
5. Full Circle 5:59
6. Ventura 4:43
7. Braidwood 5:52
8. Nebula 3:03
9. The Closer (Bonus track) 4:22

Nadje Noordhuis - Flugelhorn, Trumpet
Fred Hersch - Piano
Thomas Morgan - Bass
Rudy Royston - Drums

Al escuchar la música de Nadje Noordhuis tengo la sensación de que, después de todo, puede que todo vaya bien. No es por exagerar, pero es un consuelo que necesitaba desesperadamente.

Esta banda es incontenible, una clase magistral de tono, claridad y precisión. Fred Hersch, Thomas Morgan y Rudy Royston necesitan poca presentación, pero es una revelación escucharlos en este contexto. Nadje escribió la mayor parte de la música pensando en este conjunto en particular y se nota. La generosidad de espíritu y la facilidad con la que Nadje toca y escribe brillan con luz propia. Durante la sesión, Nadje le cantó a Fred un ejemplo rápido que me dejó claro de inmediato que tiene una afinación perfecta. No sólo una asombrosa capacidad para reconocer y reproducir notas, sino algo aún más excepcional. El segundo día de esta sesión, nos reunimos para repasar la mezcla. Nadje llegó diciendo que había algo en uno de sus solos que quería arreglar. Algo que le llamó la atención cuando estaba "escuchando de nuevo". Pensé. "Vale, no hay problema", antes de recordar que aún no había escuchado ninguna de las mezclas preliminares del día anterior. Estaba "escuchando" de memoria, todo un día de improvisaciones. Así que sí, ese sonido sin esfuerzo lo consigue con honestidad.

Nadje creció en Sydney. Su primer instrumento fue el piano, que empezó a tocar a los dos años. A los siete ya daba clases a otros niños antes de ir al colegio. En tercer curso cogió la trompeta durante la banda del colegio y fue capaz de tocar una escala de Do mayor la primera vez que puso un dedo en el instrumento. Esto suele llevar meses, a veces años. Al año siguiente, el director la contrató para tocar en la banda comunitaria de adultos.

A pesar de su extraordinaria habilidad natural, Nadje se fue alejando de la música y abandonó sus estudios de piano y trompeta en el instituto. Mirando atrás, Nadje dice que ni siquiera se planteó ser trompetista. No había ninguna mujer trompetista a la que pudiera aspirar y nunca le pareció una opción viable. Sin embargo, su amor por la música la llevó a especializarse en ingeniería musical en una escuela de "un pueblecito hippy" a 400 millas al norte de Sydney. Al licenciarse en ingeniería musical, descubrió que las oportunidades para las mujeres ingenieros eran limitadas. Cuando el productor jefe dejó el estudio en el que acabó trabajando, le dijeron que tenía que buscar otro trabajo porque "una mujer no puede dirigir el estudio". Tras perder ese puesto, y casi por capricho, Nadje se presentó al programa de licenciatura en interpretación de trompeta del Victorian College of the Arts de Melbourne. Por aquel entonces llevaba años sin tocar la trompeta y tenía una formación muy limitada en música de improvisación. Se preparó para la audición tocando la trompeta con los únicos discos de jazz que conocía: Kind of Blue, de Miles Davis, y Time Out, de Dave Brubeck, dos de los discos de jazz instrumental más populares de todos los tiempos.

Nadje estuvo en el programa un año entero antes de que llegara su momento "ajá". Asignada a transcribir "Kind Folk" de la obra maestra de Kenny Wheeler Angel Song (1998), Nadje se encontró de repente con el mundo de la música que quería crear. Fue entonces cuando empezó a escribir música y a crear sus propios grupos.

Más tarde, Nadje fue aceptada en el programa de máster de la prestigiosa Manhattan School of Music. Pero tras años luchando por llegar a fin de mes y sintiendo que la gente no quería "escuchar lo que tenía que decir", Nadje volvió a dejar la música y aceptó un trabajo de administración en la Manhattan School. Al final, Nadje se dio cuenta de que ese camino no le satisfacía y decidió volver a darle una oportunidad a la música. El espacio para las trompas femeninas seguía siendo limitado, pero ella siguió adelante, creando sus propias bandas y creando sus propias oportunidades. Esta vez encontró un hogar (y giras por todo el mundo) en algunos de los conjuntos más alabados y exitosos de Nueva York.

Para mí, la música que escribe Nadje lleva toda su historia dentro. Hay un punto de vista muy claro en esta música. Una perspectiva ganada a pulso, pero en absoluto hastiada. Impregnada de la certeza de que todo irá bien. Si aportamos belleza al mundo, el mundo vendrá a recibirla.

Elan Mehler

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Descrita como "una de las voces más convincentes que han surgido en su instrumento en los últimos años" (Dan Bilawksy, All about Jazz), la trompetista y compositora australiana afincada en Nueva York Nadje Noordhuis ("Nadia Nord-house") posee una de las voces más inolvidablemente líricas de la música moderna. Su profundo y clarificador tono y su evocador don para la composición fusionan el rigor clásico, la expresión del jazz y los acentos de las músicas del mundo en un sonido que es inconfundiblemente suyo.

Noordhuis fue una de los diez semifinalistas del Concurso Internacional de Trompeta de Jazz Thelonious Monk de 2007 y fue seleccionada como Joven Artista del Carnegie Hall en 2010. Afincada en Nueva York desde 2003, es miembro de la Maria Schneider Orchestra, ganadora de varios Grammy, de la Darcy James Argue's Secret Society, nominada a los Grammy, y del Anat Cohen Tentet, nominado a los Grammy.

Tiene cuatro álbumes de composiciones originales en su sello discográfico, Little Mystery Records. Su álbum homónimo de debut con un quinteto de jazz, en el que también participan los nominados al Grammy Sara Caswell y Geoffrey Keezer, fue publicado en 2012 con gran éxito de crítica. Su álbum contemplativo de miniaturas a dúo de 2015 con el pianista Luke Howard, Ten Sails, ha cosechado una gran atención internacional, con varios millones de streams en Spotify y YouTube. Su álbum de 2017 con el vibrafonista y sintesista James Shipp, Indigo, se estrenó en el Festival de Jazz de Wangaratta (Australia).

Su nuevo quinteto, con Maeve Gilchrist (arpa celta), Jesse Lewis (guitarra eléctrica), Ike Sturm (bajo eléctrico) y James Shipp (sintetizadores, percusión), mezcla con frialdad instrumentos acústicos y eléctricos, tejiendo a la perfección sus melodiosas composiciones con hilos de improvisación. Presentando su trompeta de tono puro con efectos electrónicos, este grupo lanzó un álbum grabado en vivo en Suiza, como parte de una caja solo en vinilo en Newvelle Records en 2019. Este álbum, Gullfoss, se publicó digitalmente en Little Mystery Records en septiembre de 2021.

Noordhuis imparte clases en la Manhattan School of Music, Berklee College of Music, Hunter College, y mantiene un ajetreado estudio privado, impartiendo clases presenciales y de Zoom a nivel internacional. Actualmente está realizando un doctorado, estudiando la influencia pedagógica y el linaje de su difunta profesora Laurie Frink.

nadjenoordhuis.com