Juan Carlos, autor en - Página 182 de 538

Helge Lien Trio ::: Revisited

Revisited

Helge Lien Trio

Ozella | Feb 25, 2022

1 Hymne Revisited 6:36
2 Liten Jazzballong Revisited 6:12
3 Spiral Circle Revisited 6:38
4 Gamut Warning Revisited 5:37
5 Meles Meles Revisited 4:35
6 Folkmost Revisited 4:21
7 Jasmine Revisited 6:21
8 Krystall Revisited 6:29
9 Nipa Revisited 5:07

Helge Lien, piano
Johannes Eick, double bass
Knut Aalefjær, drums

La improvisación está en el corazón del jazz. También está en el corazón de Revisited de varias maneras sorprendentes. Tras la marcha de los miembros de la banda de toda la vida, Frode Berg (después de Guzuguzu) y Per Oddvar Johansen (después de 10), Helge Lien tuvo que replantearse y volver a montar su trío durante la pandemia, al tiempo que seguía grabando y actuando (virtualmente), lo que podría llamarse improvisación al cuadrado. En el acto de ensayar y tocar, la nueva formación llegó a interpretaciones que se sentían como una mirada hacia atrás y un nuevo punto de partida a la vez: esto no es una revolución, es pasión bajo el microscopio.

Revisited es un híbrido de grabaciones de estudio y de concierto. Sin embargo, milagrosamente, eso no se nota. Todas las pistas se funden en una pieza cohesionada de 50 minutos: No hay sonidos del público y las tomas de estudio parecen tan urgentes como las actuaciones en directo. Después de las sesiones íntimas en la iglesia Toyen de Oslo, que proporcionó la mitad del material, los músicos se dirigieron a su concierto en el Festival Anjazz en octubre de 2020, del que se incluyen aquí cinco piezas. Como resultado, Revisited es todo conexiones y contrastes: Entre la antigua formación y la actual; entre diferentes situaciones de actuación y diferentes espacios.

Sobre todo, documenta la fase de transición de una versión del grupo a la siguiente. Una razón esencial por la que el proceso resultó exitoso es que sólo el bajista Johannes Eick es un auténtico recién llegado. Knut Aalefjær, en cambio, fue el primer baterista del Helge Lien Trio a principios de la década de 2000. En Revisited, parece que nunca se ha ido: El groove elástico de "Gamut Warning" (de Hello Troll) tiene un flujo líquido que permite a Lien verter sus relucientes cascadas de piano por encima. "Jasmine", una de las piezas clave de Guzuguzu, se cuece a fuego lento en un impulso crepuscular, profundizando aún más que el original y ampliando cuidadosamente la paleta dinámica.

Estas sutiles maniobras reflejan la visión actual de Lien sobre la improvisación. Mientras que, hace más de una década, deconstruía radicalmente una pieza como "So What" de Miles Davis, su enfoque se ha desplazado hacia un sonido de grupo denso y sincronizado con precisión, y hacia recorridos de piano hipnóticos y rápidos. Sin embargo, sigue sin haber una red de seguridad. El arte de la improvisación siempre tiene lugar al borde del fracaso, y nadie lo sabe mejor que Helge Lien.

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Helge Lien, pianista y compositor noruego de jazz, es un músico de fama internacional que explora las fronteras entre distintos géneros musicales, pero cuyo sonido como pianista de jazz es siempre un rasgo distintivo.

Lien es licenciado en música por la Academia Noruega de Música, donde el pianista ruso Misha Alperin fue su mentor y profesor de improvisación.

El núcleo del trabajo de Lien ha sido desde 1999 el Helge Lien Trio, formado por la constelación clásica de jazz de piano, bajo y batería. En 2008, el trío ganó el Grammy noruego por su álbum Hello Troll, y ha alcanzado el reconocimiento internacional tras la publicación de nueve álbumes internacionales, así como numerosas giras y actuaciones en festivales en Japón, Canadá, Corea del Sur, Europa y Escandinavia.

En los últimos años, Lien ha unido con éxito sus fuerzas con el violinista polaco Adam Baldych, que publicó el álbum "Adam Baldych & Helge Lien Trio - Bridges" en ACT en 2015.

helgelien.com
ozellamusic.com

Mário Laginha ::: Jangada

Jangada

Mário Laginha

Edition Records | Feb 25, 2022

1. Short Shore 8.59
2. Efedra 7.18
3. Chorale No.2 2.32
4. Disquiet 5.46
5. The Stone Raft (A jangada de pedra): Lowlands, Raft, Crossroads, South 17.00
6. Onagra 4.35
7. Speak 6.08
8. Seven 4.41
9. Ribeira da Barca 5.13
10. Kingfisher 5.39
11. Between Two Worlds 1.27

Mário Laginha - piano
Bernardo Moreira - double bass
Alexandre Frazão - drums

Recorded at Alântico Blue Studios, Lisbon, July 20th-22nd 2020.
Recorded, mixed and mastered by André Tavares.
Album artwork by Oli Bentley, Split.

La música de Mário se sitúa en un espacio entre los dos mundos del jazz y la música del continente africano, que ha tenido un profundo efecto en su escritura y ha moldeado su música tanto rítmica como sonoramente. La música clásica también ha desempeñado un papel importante en su forma de tocar el piano, con un maravilloso equilibrio flotante y una elegancia similar a la de Chopin.

Jangada, que significa balsa, tiene su origen en la idea de "recoger trozos de madera a la deriva y unirlos para formar un todo". Se trata de una bella metáfora que describe el conjunto orgánico de influencias que se canalizan en la música. El álbum, que consta de once composiciones originales de Mario, es armónicamente rico, con una delicada calidez. También hay algo muy exploratorio y de búsqueda, una sensación de aventura e inquietud impulsiva.

Jangada es el álbum que abrirá nuevos oídos y corazones a la música de Mario y lo pondrá en camino de convertirse en uno de los músicos europeos más legendarios de su generación.

Mário Laginha agradece a André, Olga, Francisca, Paulo Pires y la Câmara Municipal de Loulé.
Con el apoyo de la SPA - Sociedade Portuguesa de Autores.

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Mário Laginha es uno de los músicos de jazz contemporáneo más respetados y creativos de Portugal. Conocido en primer lugar por sus colaboraciones con la también cantante de jazz portuguesa Maria João, con la que grabó más de una docena de discos y realizó giras por todo el mundo. Otras colaboraciones famosas (seleccionadas) incluyen un dúo con el pianista clásico Pedro Burmester que se amplió a trío con el fallecido pianista y compositor de cine Bernardo Sassetti . Mário sigue explorando nuevos caminos para el jazz y la música portuguesa.

Con una carrera que ya abarca más de dos décadas, Mário Laginha suele estar asociado al mundo del jazz. Pero si bien es cierto que el inicio de su carrera tiene una impronta predominantemente jazzística -fue uno de los fundadores del Sexteto de Jazz de Lisboa (1984), creó el deceto Mário Laginha (1987) y aún dirige un trío con su nombre- el universo musical que ha construido con la cantante Maria João es un homenaje a la música que siempre le ha emocionado, empezando por el jazz y pasando por los sonidos brasileños, indios, africanos, el pop y el rock, sin olvidar las bases clásicas que presidieron su formación académica y que acabarían dictando su primer y último proyecto en solitario inspirado en Bach (Canções e Fugas, 2006).

Mário Laginha ha articulado una fuerte personalidad musical con una inmensa voluntad de compartir su arte con otros músicos y creadores. En primer lugar, con Maria João, que dio lugar a uno de los proyectos más consistentes y originales de la música portuguesa, con más de una docena de discos y muchos cientos de conciertos en salas y festivales de todo el mundo (Montreux, Mar del Norte, San Sebastián, festivales de jazz de Montreal...).

A finales de los ochenta, en asociación con el pianista clásico Pedro Burmester, con quien grabaría un disco, dúo que se ampliaría a Bernardo Sassetti en 2007 en el proyecto "3 pianos", con la grabación de un CD y un DVD, así como una docena de conciertos con una muy fuerte repercusión en la crítica y el público. Hasta su inesperada desaparición, Bernardo Sassetti fue, además, compañero y cómplice de Mário Laginha en muchas decenas de conciertos y dos discos grabados, el último de ellos dedicado a la música de José Afonso.

Con una sólida formación clásica, Mário Laginha ha escrito para formaciones tan diversas como la Big Band de Radio Hamburgo, la Big Band de Frankfurt, la Orquesta Filarmónica de Hannover, la Orquesta Metropolitana de Lisboa, el Remix Ensemble de la Casa da Música, el Drumming Percussion Group y la Orquesta Sinfónica de Oporto. Y ha tocado, en escenario o en estudio, con músicos excepcionales como Wolfgang Muthspiel, Trilok Gurtu, Gilberto Gil, Lenine, Armando Marçal, Ralph Towner, Manu Katché, Dino Saluzzi, Kai Eckhardt, Julian Argüelles, Steve Argüelles, Howard Johnson, Django Bates, entre otros. También compone para el cine y el teatro.

El trabajo más reciente del trío compartido con Bernardo Moreira y Alexandre Frazão es "Mongrel", una obra que partió de temas originales de Chopin, transformados en el lenguaje personal del pianista. "Iridescente", grabado en la Fundación Calouste Gulbenkian, es su última aventura musical con la cantante Maria João. A finales de 2013, Mário Laginha y su Novo Trio, con el guitarrista Miguel Amaral y el bajista Bernardo Moreira, publicaron "Terra Seca", un disco que abre nuevos caminos para el jazz y la música portuguesa.

editionrecords.com
oncproducoes.com

Joe Farnsworth ::: Feb 21, 1968

Joe Farnsworth ::: Febrero 21, 1968

Joe, uno de los bateristas de jazz más apreciados de la escena actual, es conocido por su velocidad fulgurante, su precisión y su forma de tocar musical y melódica.

Nacido en South Hadley, Massachusetts, en 1968, Joe creció en una familia de músicos; su padre era educador musical y tiene cuatro hermanos mayores, dos de los cuales se convirtieron en músicos profesionales.

Estudió con Alan Dawson y Arthur Taylor antes de asistir y graduarse en el William Patterson College de Nueva Jersey en 1994, donde comenzó a tocar con el saxofonista Eric Alexander y el guitarrista Peter Bernstein.

Al mudarse a Nueva York, dirigió los combos de jazz de fin de semana en Augie's (ahora Smoke Jazz & Supper Club). Actuó con Junior Cook, Cecil Payne, John Ore, Big John Patton, Harold Mabern, Eddie Henderson, John Jenkins y sus hermanos, John y James.

La carrera de Joseph incluye la grabación de más de 100 CD como líder y acompañante, festivales de jazz y giras mundiales con Pharaoh Sanders, Horace Silver, Harold Mabern, McCoy Tyner, Cedar Walton, Diana Krall, Benny Golson, George Coleman, Johnny Griffin, Lou Donaldson, Benny Green, Barry Harris, Curtis Fuller, por nombrar algunos.

Actualmente es el baterista de McCoy Tyner y miembro del Pharaoh Sanders Quartet, Harold Mabern Trio, y es miembro fundador del renombrado One for All Quintet.

Las grabaciones como líder incluyen: Drumspeak, Beautiful Friendship feat. Cedar Walton y Curtis Fuller, Prime Time, Super Prime Time y Make Someone Happy.

joefarnsworthdrums.com

TAMBIÉN HOY

ESTA SEMANA

Diego Rivera ::: Mestizo

Mestizo

Diego Rivera

Posi-Tone Records | Feb 11, 2022

1 Battle Fatigue 4:05
2 Rasquache 4:52
3 Teru 5:38
4 Bracero 4:38
5 Escapade 6:05
6 Canción De Cuna 5:22
7 Most From The Least 4:47
8 La Raza Cósmica 6:31
9 The Rose Window 6:57
10 Mestizo 5:02

Diego Rivera, tenor saxophone
Alex Sipiagin, trumpet
Art Hirahara, piano
Boris Kozlov, bass
Rudy Royston, drums, percussion

Con una impresionante mezcla de gracia y poder, el saxofonista tenor Diego Rivera trasciende las fronteras culturales para transmitir un enfático mensaje de inteligencia e inclusión en su último lanzamiento "Mestizo". Los oyentes críticos pueden apreciar estas interpretaciones como una serie de discusiones comprometidas que emplean la réplica del contexto y el contraste entre las voces principales de los vientos y el afectuoso apoyo y réplica de su inmaculada sección rítmica del pianista Art Hirahara, el bajista Boris Kozlov y el baterista Rudy Royston.

Este conjunto de momentos brillantes también se ve admirablemente reforzado por la presencia del fenómeno de la trompeta Alex Sipiagin, que se une a Rivera como su ayudante de primera línea, proporcionando ofertas musicales de intensidad incisiva que sirven constantemente para elevar todo el procedimiento a otro nivel. Sin embargo, si nos centramos demasiado en la interacción de elementos, corremos el riesgo de perder el sentido del diálogo y confundir el medio con el mensaje.

El talento inconfundible de Rivera como compositor es la verdadera historia, ya que transforma hábilmente este quinteto dinámico en un instrumento unificado y da rienda suelta a una poderosa combinación de explosiones oscilantes yuxtapuestas con incursiones en el lenguaje emocional de la conversación sutil. Desde la salva inicial hasta el último hurra, el mensaje melódico de "Mestizo" se mueve sin esfuerzo y afirma que Rivera es una estrella de brillo ilimitado a la que hay que prestar atención durante muchos años.

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Diego Rivera

Músico, compositor, arreglista y educador de talla mundial, Diego Rivera ha entretenido al público durante más de 20 años. Rivera es conocido por su tono muscular y su mezcla única de jazz directo fusionado con música inspirada en su origen y herencia latina. Es profesor titular de saxofón de jazz en la Universidad Estatal de Michigan, donde también es director asociado de estudios de jazz.

Rivera nació en Ann Arbor, MI, y se crió en East Lansing, MI. Nacido en el seno de una familia mexicano-estadounidense, su herencia chicana siempre ha sido importante para él y ha dado forma a sus esfuerzos creativos. Sus padres le pusieron el nombre del famoso muralista Diego Rivera. Un viaje al Instituto de Artes de Detroit a una edad temprana le inspiró a dejar su propia huella con el saxofón en lugar del pincel. Asistió a la Universidad Estatal de Michigan, donde estudió con Andrew Speight, Branford Marsalis, Ron Blake y Rodney Whitaker.

En 1999, comenzó su carrera profesional y de gira con la Jimmy Dorsey Orchestra en su gira Big Band '99. Desde ese viaje inaugural, ha dado conciertos en los lugares y festivales más prestigiosos de Estados Unidos, Canadá, Europa y Asia. Actualmente dirige su propio grupo, The Diego Rivera Quartet. Rivera también ha realizado giras con el vocalista ganador del premio GRAMMY, Kurt Elling, la vocalista de jazz canadiense ganadora del premio JUNO, Sophie Milman y The Rodney Whitaker Quintet. Es miembro de The Ulysses Owens Jr. Big Band (Nueva York, NY), la Jazz @ Dr. Phillips Center Orchestra (Orlando, FL) y la Gathering Orchestra (Detroit, MI). También ha actuado con artistas: Ellis Marsalis, Christian McBride, Wycliffe Gordon, PRISM Saxophone Quartet, la Gerald Wilson Big Band y la Lincoln Center Afro-Latin Jazz Orchestra.

Rivera tiene varios créditos a su nombre como artista de grabación, compositor y arreglista. Su último proyecto en solitario, Indigenous, salió a la venta en 2021 en Posi-Tone Records. Según el productor ejecutivo y copropietario del sello, Marc Free, Indigenous "...explora las raíces multiculturales 'indígenas' de nuestra familia humana...". Indigenous alcanzó el número 7 en las listas de radio de JazzWeek. Su primer lanzamiento en Posi-Tone, Connections, ganó rápidamente la atención cuando llegó a las listas de JazzWeek Radio como el "Debut más alto". La primera grabación de Rivera, Hercules, se publicó en 2006 en su sello discográfico, Rivera Records. Su segundo lanzamiento, The Contender (D- Clef Records 2013) recibió la aclamación de la crítica nacional alcanzando el Top 10 en las listas de JazzWeek Radio. También ha aparecido en varias grabaciones como acompañante en los sellos Posi-Tone, Mack Avenue y Detroit Music Factory Record.

Ávido compositor y arreglista, Rivera ha escrito arreglos para varias grabaciones, proyectos y artistas, sobre todo para el concierto "Motor City Jazz" de Jazz at Lincoln Center. Un homenaje a la música y los músicos de Detroit. Su trabajo de arreglos se puede escuchar en grabaciones de: Carl Allen-Rodney Whitaker, Get Ready (2007) y Work To Do (2008); Ulysses Owens Jr, Onward & Upward (2014); The New Century Quintet, The Time Is Now (2014); Michael Dease, Decisions (2015)/Bonafied (2018) y más recientemente en la grabación de debut de la Ulysses Owens Jr. Big Band, Soul Conversations (2021).

Rivera es un educador apasionado y ha presentado clases magistrales en escuelas y universidades tanto en Estados Unidos como en el extranjero. Es profesor asociado de saxofón de jazz y director asociado de estudios de jazz en la Facultad de Música de la Universidad Estatal de Michigan. En 2019 fue galardonado con el premio Dortha J. y John D. Withrow Teaching Award, el más alto honor del College of Music por la excelencia en la enseñanza y los logros académicos. Es director musical del galardonado conjunto, MSU Jazz Octet I, el principal Combo de Jazz de la Facultad de Música formado por los estudiantes-músicos más talentosos del Programa de Estudios de Jazz. Varios de los antiguos alumnos del profesor Rivera disfrutan de carreras como músicos profesionales actuando con artistas como: Wynton Marsalis y el Jazz at Lincoln Center, The Birdland Big Band, The Count Basie Orchestra, The DIVA Jazz Orchestra y el grupo ganador de varios premios GRAMMY, Snarky Puppy.

diegoriverajazz.com

Philip Catherine, Paulo Morello, Sven Faller ::: Pourquoi

Pourquoi

Philip Catherine, Paulo Morello, Sven Faller

Enja Yellowbird | Febrero 11, 2022

1. Pourquoi 6:33
2. Robert's Waltz 4:01
3. To Martine 4:18
4. Chateau Plagne 4:47
5. Frontera 4:07
6. Inútil Paisagem 3:00
7. Ozone 6:14
8. La Valse du Flipper 5:41
9. Méline 5:10
10. First Waltz 3:21
11. Louisella 3:51

Philip Catherine – guitar
Paulo Morello – guitar
Sven Faller – bass

Segundo álbum de Philip Catherine con Paulo Morello y Sven Faller. Tras su primer cd "Manoir de mes rêves" (2019) y más de cincuenta conciertos, su arte de trío ha madurado, como un buen vino. El repertorio está escrito por Catherine y Morell, con la excepción de "First Waltz" de Frédéric Devreese (1929-2020) y "Frontera" de Nicola Andrioli.

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"Pourquoi" es una composición de Philip Catherine que da nombre al segundo encuentro en estudio con su compañero de guitarra Paul Morello y Sven Faller al bajo. Un "Pourquoi" que -sí, han leído bien- va bastante bien sin el signo de interrogación, un juego de palabras y de títulos a través del cual el decano de la guitarra de jazz Philip Catherine (nacido en 1942) se presenta como un bromista ingenioso y un bromista en la vida y en el escenario; una leyenda viva y joven del jazz, que cumplirá ochenta años en 2022; un gran músico, apreciado como un héroe nacional en Bélgica, el pequeño país con la gran escena del jazz.

Estos tres artistas de primera línea interpretan su música -con seguridad en sí mismos, con un flujo prácticamente natural; con seguridad estilística a través de todos los géneros; a veces con un swing vivaz, otras contemplativo y condensado como una partitura cinematográfica de éxito- sin un signo de interrogación. En más de cincuenta conciertos con sólo su primer álbum "Manoir de mes rêves", Catherine, Morello y Faller dejaron madurar el arte y el repertorio de su trío. Como un buen vino.

Y han desarrollado una interacción de calidad camerística que nunca se ha ido de las manos como una "batalla de guitarras", sino que vive constantemente de la escucha y la reacción. Y que el contrabajo de Sven Faller acompaña con pulso seguro, contra-melodías canónicas y rellenos.

Mientras que el álbum de debut seguía centrándose en la estimación del trío por Django Reinhardt, Antonio Carlos Jobim y las interpretaciones jazzísticas de las chansons francesas de los años 50 y 60, "Pourquoi" pone en el punto de mira las composiciones originales. Con la excepción de "First Waltz" del compositor cinematográfico belga Frédéric Devreese (1929-2020) y la mediterránea "Frontera" de Nicola Andrioli, el repertorio de "Pourquoi" procede de la obra compositiva de Catherine y Morello.

Una especie de leitmotiv son los valses, como el "Robert's Waltz" de Morello, un número melodioso y alegre, dedicado a un amigo de Sinto en Hamburgo, que retoma la tradición del vals francés de la musette.

Por su parte, "La Valse du Flipper" de Catherine no trata, por supuesto, del delfín de la televisión estadounidense, sino de una máquina de pinball que domina el compás de tres por cuatro.

La canción "Louisella", que pasa de un pasaje de rubato a una ligera samba de raíces a la Cartola, está dedicada a la nieta de Catherine.

"Meline" lleva el nombre de otra nieta, y aquí Faller, Morello y Catherine emprenden otro viaje musical a Brasil como país de samba.

"Chateau Plagne" de Morello se pasea por el sur de Francia, mientras que "Ozone" de Catherine marca la composición más jazzística del álbum - y aclara el refinamiento rítmico del trío en el puente. En contraste, está la canción que da título al disco, espesa, laminar y vasta, que ambos guitarristas extienden en el espacio como una gran pintura eléctrica de Delay y Sound. Sven Faller toca aquí uno de los solos de bajo más arqueados.

La música de este trío domina el arte de evocar lugares, personas y estados de ánimo con tanta intensidad que, al escucharlos, se vuelven repentinamente familiares, aunque no se haya probado el vino del "Chateau Plagne" ni se haya conocido a "Louisella".

Es la vivacidad evocadora y la intensidad atmosférica de esta música en gran parte bajo las manos de Philip Catherine, este gran melodista y chansonnier de la guitarra de jazz, que puede, dice Paulo Morello, "hacer que la guitarra cante y suene como nadie". Una excelencia melódica que abarca a todo el trío y que penetra en cada uno de los solos, desde el tono eléctrico de Catherine, de forma más fuerte, con el inquietante vibrador y los trémolos que recuerdan de vez en cuando a Django Reinhardt, hasta Paul Morello, que para este álbum adopta la parte más acústica y brasileña.

Todo había comenzado con una jam de ambos guitarristas en el backstage de la "International Jazzwoche Burghausen" allá por 2010. Doce años más tarde - y sin el signo de interrogación - esto se convirtió en uno de los mejores escenarios de trío que Europa puede ofrecer. En directo y en dos álbumes.

philipcatherine.com