Uno de los más influyentes bateristas de todos los tiempos, Steve Gadd establecer un nuevo estándar en el mercado contemporáneo. técnicas de percusión y rendimiento, y al hacerlo lanzó mil imitadores. Grabando tantos legendarios temas de batería como; «Aja», «Fifty Formas de dejar a tu amante» y «Nite Sprite», no hay tamborilero vivo de hoy que en de alguna manera no se ha efectuado por Steve Gadd. Su influencia sigue siendo se siente y se oye mucho en el juego de todo el mundo desde Vinnie Colaiuta a Carter Beauford. Y aún hoy en día no hay uno que puede meterse «dentro» de una melodía y encontrar el «bolsillo» bastante como el gran Steve Gadd.
Steve Gadd nació en Rochester, Nueva York, el 9 de abril de 1945.
El tío de Steve, un baterista del ejército, le animó a tomar clases de batería a la edad de siete años; para cuando Steve tenía 11 años ya se había sentado con Dizzy Gillespie. Estudió música en Eastman College, Rochester, tocando en conjunto de viento y banda de concierto, y por las noches en un club con Chick Corea, Chuck Mangione, Joe Romano y Frank Pullara. Después de la universidad, reclutado en el ejército y pasó tres años en una banda militar. Después del ejército, trabajó con una gran banda en Rochester. 1972, formó un trío con Tony Levin y Mike Holmes, yendo a Nueva York con él. El trío se desvaneció, pero Gadd comenzó a trabajar extensamente como músico de estudio. También jugó con el primer Return to Forever de Corea. 1970’s y 1980’s, de gira internacional, grabado con Paul Simon y con la Electric Rendezvous Band de Al DiMeola.
A finales de la década de 1970, Gadd era el baterista más solicitado y probablemente el más imitado del mundo. En Japón, las transcripciones de sus solos estaban a la venta, y todos los principales bateristas japoneses sonaban como él. Chick Corea comentó, «Todo baterista quiere tocar como Gadd porque toca perfecto…». . . Ha traído el pensamiento orquestal y compositivo a la batería, al mismo tiempo que tiene una gran imaginación y una gran habilidad para el swing».
Después de graduarse de Eastman, Steve fue reclutado en el Ejército. Mientras realizaba sus tres años de servicio, Steve terminó tocando la batería en la banda militar. Después de dejar el ejército, Steve comenzó a tocar con una gran banda en el área de Rochester y en 1972 formó un trío con Tony Levin y Mike Holmes. Fue después de mudarse a la ciudad de Nueva York que Steve se convirtió en uno de los músicos de estudio más solicitados de la ciudad. Fue como músico de estudio que Steve llegó a lo suyo y trabajó con músicos como Chick Corea, Paul Simon, Donald Fagen y Walter Becker, Aretha Franklin, Carly Simon, Bob James, Nancy Wilson y Joe Cocker, por nombrar algunos.
En los años 70 y 80, Steve grabó cinco álbumes con Chick Corea, varios álbumes con Al DiMeola incluyendo Al’s Electric Rendezvous, y grabó y realizó giras con Gato Barbieri, George Benson, Stanley Clarke, Steely Dan, Joe Cocker, Maynard Ferguson, Roberta Flack, Jim Hall y por supuesto, Paul Simon.
En 1976 Steve se convirtió en miembro del grupo Stuff con Gordon Edwards, Richard Tee, Eric Gale, Cornell Dupree y Chris Parker, mientras continuaba con su apretada agenda de trabajo en el estudio. Hacia finales de los años 70, Steve no sólo se había convertido en uno de los bateristas más solicitados, sino que también se había convertido en uno de los bateristas más imitados y venerados del mundo.Los años 90 vieron a Steve convertirse en el primer baterista de Eric Clapton, solidificando la reputación de Steve como uno de los bateristas más hábiles y consumados de su generación.
Hoy en día Steve está tan ocupado como nunca lo estuvo con uno de los horarios de grabación y giras más intensos del negocio, pasando tiempo en el estudio y en la carretera con Eric Clapton, Paul Simon y James Taylor.
La influencia de Steve en la la comunidad de tamborileros puede se oirá en reproductores de todos los ámbitos de la vida, ya sea lo saben o no. Su sensación, su imaginación, y habilidades son las firmas de sus sonido de marca registrada. Pocos otros pueden manejar para entrar en una melodía como Steve Gadd».
Considerada por los aficionados al jazz como una de las diez mejores cantantes femeninas de todos los tiempos, el fraseo detrás del compás, el control vocal impecable y la forma ingeniosa y a veces cáustica de transmitir una letra son lo que la distingue como una cantante singularmente grandiosa. Ella consideraba a la gran Billie Holiday del jazz como una mentora musical. Pero esta Queen of Cool tenía su propio sonido y estilo; incluyendo una asombrosa habilidad para dispersarse. La versátil McRae podía columpiarse con fuerza cuando se le pedía; luego podía sacar una balada, saboreando cada nota y sílaba sin perder la atención del público, estaba en una clase sola.
McRae tuvo la suerte de haber sido criado por una familia lo suficientemente próspera como para permitirse un piano y clases. Desde el principio expresó un gran interés en una carrera como actriz. A los veinte años, su interés por la música había tomado el relevo y comenzó a cantar y a tocar el piano. Ya de joven era una mujer con algo que decir y a lo largo de su vida fue reconocida no sólo por sus talentos musicales sino también por su inmenso amor por la expresión verbal a través de las letras musicales.
Su primer descanso fue ser contratada como pianista en el mundialmente famoso Minton’s Playhouse de Harlem, un club de jazz. Conoció a muchos de los mejores músicos de jazz moderno de la época. Una influencia importante fue la compositora Irene Wilson, quien le presentó a Billie Holiday. Wilson continuó animando a McRae a escribir música; uno de los primeros intentos de McRae de escribir canciones, «Dream of Life», fue grabado por Billie Holiday en 1939.
El primer compromiso importante de McRae fue como vocalista para la orquesta de Benny Carter en 1944, luego pasó a trabajar con las bandas de Count Basie y Earl Hines entre 1944-46. Los períodos de 1946-47, apareció y grabó con la banda de Mercer Ellington (Grabado bajo el nombre de «Carmen Clarke.»Se casó brevemente con el innovador del bebop Kenny Clarke en 1946-49, donde también adoptó el estilo técnicamente difícil del bebop como sólo unos pocos cantantes podían hacerlo en ese momento.
Aunque trabajaba regularmente frente a combos y se acompañaba a sí misma al piano en Minton’s, estaba en un concierto en Brooklyn cuando fue descubierta y firmada por Decca Records. Decca lanzó su primer álbum como líder, «Carmen McRae», en 1954, lo que llevó a la revista Down Beat a votar por su «Mejor nueva vocalista femenina de 1954», un año en el que hubo mucha competencia por ese puesto.
Sus cinco años de asociación con Decca sirvieron tanto para convertirla en una auténtica estrella de la canción como para producir lo que en última instancia resultaría ser la serie de grabaciones más excelente de toda su carrera de cuarenta años. Estos doce LPs, de hecho, se encuentran entre los mejores discos vocales de todos los tiempos. McRae es a la vez fresco y vanguardista, afilado, relajado y oscilante, colocando todo tipo de material en todo tipo de ambientes. Estos van desde tríos dirigidos por el pianista Ray Bryant en «After Glow», o su propio piano «By Special Request», hasta grandes bandas de swing dirigidas por Tadd Dameron en «Blue Moon», Ralph Burns en «Torchy», o Ernie Wilkins en «Something to Swing About»,»una orquesta de cuerdas de tamaño completo «Book of Ballads», «When You’re Away», y grupos experimentales de jazz con elementos tan inusuales como el acordeón «By Special Request» y el violonchelo «Carmen for Cool Ones».” También aborda temas tan inusuales para una cantante de jazz como, en «Mad About the Man», las canciones de Noël Coward, y, en «Birds of a Feather», canciones sobre nuestros amigos emplumados.
A medida que pasaron los años, desarrolló una actitud cada vez más cansada del mundo en su canto. Por el contrario, la frescura y vitalidad de estos, sus primeras grabaciones notables, es notable. Estos temas anunciaban la llegada de un nuevo e importante artista, cuya luz no se ocultaría más, y casi cincuenta años después conservaron su poder.
Ella continuaría grabando prolíficamente a un ritmo constante con un promedio de al menos un disco por año hasta 1990. En Decca, Carmen McRae se estableció como una perfeccionista versátil. Si el material era hard-bop outré o clásicos del Gran Cancionero Americano, ella hizo que el difícil negocio de comunicarse con el oyente en un nivel más profundo sonara como si fuera fácil.
La carrera de Carmen alcanzó grandes alturas, una gran hazaña para un músico de jazz. Grabó, actuó a nivel nacional y realizó giras internacionales por Europa y Japón. Fue elegida para participar en la audaz opereta de jazz de Dave Brubeck, «The Real Ambassadors». otros intérpretes en esta obra singular que fue básicamente una protesta política contra la guerra y en apoyo de los derechos civiles fueron Louis Armstrong y el trío de armonía de Lambert, Hendricks y Ross. «Dios bendiga al niño», de Brubeck, «Take Five», y «I’ve Got You Under My Skin» se convirtieron en sus melodías favoritas mientras cultivaba una gran base de fans internacionales.
El Great American Music Hall de San Francisco fue el lugar de dos de sus últimos grandes logros. 1987 trajo un álbum de dúos en vivo aclamado por la crítica con la cantante de jazz de vanguardia Betty Carter, y también hizo «Fine and Mellow, Live at Birdland West», el mismo año. Una de sus últimas grandes grabaciones fue «Carmen Sings Monk» de 1988, a la que siguió un homenaje a su íntima amiga Sarah Vaughan, «Sarah, Dedicated to You», en 1990. Dejó un legado grabado de más de cincuenta álbumes hasta el momento de su muerte, y luego hay más de veinte más publicados desde entonces, más de setenta y cinco en total, bastante impresionante por cualquier estándar.
Fumadora de toda la vida, diagnosticada con enfisema, anunció su jubilación en 1991, después de colapsar tras una actuación en el venerable club de jazz Blue Note de Nueva York. Ella sobrevivió sólo cuatro años más, muriendo en 1994.
En enero de 1994, Carmen recibió el Premio Jazz Master de la National Endowment for the Arts. Era una experta en ritmo, fraseo hábil y baladas personales agridulces. Su enigmática y oscura voz de contralto se basaba en la irónica interpretación de las letras que la ha colocado entre el panteón de las cantantes femeninas de jazz.
Gerry Mulligan creció en Filadelfia y primero aprendió piano, que tocaba ocasionalmente. Durante su adolescencia, escribió arreglos para la banda de radio de Johnny Warrington (1944) y tocó instrumentos de lengüeta profesionalmente. Después de mudarse a Nueva York en 1946, se unió a la big band de Gene Krupa como arreglador de personal, atrayendo la atención con su Disc Jockey Jump (1947). Luego se involucró con el naciente movimiento de cool-jazz en Nueva York, participando en las actuaciones (1948) y sesiones de grabación (1949-50) del noneto de Miles Davis y contribuyendo con partituras a las grandes bandas de Elliot Lawrence y Claude Thornhill. Para entonces, se especializaba en saxofón barítono y tocaba en grupos con Kai Winding y otros. También escribió partituras para la banda de Stan Kenton y grabó con su propio tentet (1951), que fue modelado en el conjunto de Davis.
En 1952, Mulligan, entonces con sede en Los Ángeles, formó su primer cuarteto "sin piano", con Chet Baker a la trompeta. El grupo tuvo éxito instantáneamente y trajo la aclamación internacional de Baker y Mulligan. Mulligan lideró un nuevo tentempié y varias versiones del cuarteto a mediados de los años 50. Hizo una aparición sensacional en la Salle Pleyel de París en 1954 y comenzó a dominar las encuestas de opinión del jazz para su instrumento. En 1960, organizó su propia banda de jazz de concierto de 13 piezas con la que realizó una gira por Europa en ese año y por Japón en 1964. Después de su disolución, se convirtió en un sideman activo, trabajando a menudo con Dave Brubeck (1968-72) y como arreglista freelance para otros grupos de jazz. Formó una nueva big band de 14 músicos, la Age of Steam, en 1972, y fue artista residente en la Universidad de Miami en 1974.
De 1974 a 1977, Mulligan dirigió un sexteto que incluía a Dave Samuels, y durante este período trabajó regularmente en Nueva York e Italia. Más o menos al mismo tiempo que comenzó a tocar el saxofón soprano. Formó una banda de 14 músicos en 1978 y viajó con ella hasta el año siguiente. A principios de la década de 1980 grabó como líder en Nueva York experimentando con una big band de 20 músicos (1980) e instrumentos electrónicos (1982-1983), pero en 1986 regresó a un formato más familiar como líder de un quinteto con Scott Hamilton y Grady Tate.
Mulligan es una de las figuras más versátiles del jazz moderno. A pesar de su lento desarrollo como instrumentista, ha sido reconocido como el saxofonista barítono más importante en el jazz desde Harry Carney. Además del buen lenguaje que ayudó a crear, se encuentra igualmente a gusto en un contexto de big-band, bop, o incluso Dixieland (tocando el clarinete en este último), y sus excelentes grabaciones con músicos tan variados como Johnny Hodges y Thelonious Monk muestran una adaptabilidad musical inusual. Inicialmente, sin embargo, Mulligan hizo su reputación como arreglador de partituras de bandas con intrincadas partes internas, un cuidadoso balanceo de timbres, baja dinámica y swing ligero, todo lo cual está presente en sus composiciones de Jeru, Godchild y Venus de Milo para el nonet de Davis. Más tarde, abstrajo estas cualidades en sus grupos sin piano, donde el bajo volumen y la ausencia de apuntalamientos cordales liberó a los músicos de viento para improvisar en un delicado contrapunto de dos partes. Algunas de las mejores interpretaciones de Mulligan pueden ser escuchadas en sus grabaciones con Chet Baker, Bob Brookmeyer, y más notablemente con Paul Desmond, con quien comparte un talento inusual para la contra melodía improvisada.
Robert Glasper creció en Houston, Texas. Su madre fue su primera y más fuerte influencia musical. La Sra. Glasper no sólo tocaba el piano y cantaba música gospel en la iglesia de la familia, sino que también dirigía una banda que trabajaba en el circuito de clubes de jazz y blues de la ciudad. A la edad de doce años, el joven Robert tocaba el piano en esa iglesia. "La música evangélica se basa en la emoción y la espiritualidad; uno va a la iglesia y se va llorando", dice. "Definitivamente me dio esa sensibilidad y saber cómo llegar a la gente y saber cómo estar en sintonía con tus sentimientos y la emoción de la música. Lo mío es que me ayuda a relacionarme con el público porque te van a dar lo que tú les das. Cuando traes a la multitud a tu mundo, puedes hacer lo que quieras".
Cuando llegó a la adolescencia, Robert sabía que su destino era ser músico de jazz. Fue aceptado en la famosa Escuela Secundaria de Artes Escénicas de Houston ("Jason Moran fue allí antes que yo"). Después de graduarse, Glasper se matriculó en la New School University en Manhattan. Poco después de su llegada, se reunió con el futuro miembro de la banda Reid y el vocalista Bilal, un antiguo compañero de escuela. Como estudiante, Glasper actuó con Christian McBride, Russell Malone y Kenny Garrett. La vida profesional después de la Nueva Escuela fue aún más dulce: estuvo con Nicholas Payton, Roy Hargrove, Terence Blanchard, Carmen Lundy y Carly Simon.
La conexión Bilal trajo al pianista de vuelta al hip-hop. Las contribuciones de Glasper al debut y posterior gira de Bilal lo llevaron a la atención de Q-Tip (A Tribe Called Quest). "Tip venía a mis conciertos, y un día me llamó y me dijo:'Estoy haciendo esta gira y necesito que toques las teclas'. "¿Puedes hacerlo?" Desde entonces también ha jugado con Mos Def, y ocupa un lugar destacado en el próximo lanzamiento de Bilal en su segundo año de carrera.
En 2003, el primer álbum de Glasper, Mood, fue lanzado en el sello independiente Fresh Sound New Talent, y dos años más tarde, Blue Note llamó. En Blue Note, Glasper se une a un legado de piano de jazz que se remonta a 1939, comenzando por Albert Ammons y Meade Lux Lewis, y continuando por Thelonious Monk, Bud Powell, Herbie Hancock, McCoy Tyner, Chick Corea, Andrew Hill, Cecil Taylor, Gonzalo Rubalcaba, Jacky Terrasson, Jason Moran y Bill Charlap. Impávido, Glasper reflexiona: "Estoy feliz de formar parte de la familia Blue Note y su rica historia."
Saludos gente…, comenzamos una nueva etapa de nuestro ciclo, como sabrán Gervi arrancó anoche con su propio ciclo, Radio Kaos, estuve presente haciendole el aguante con otro invitado que lo acompañará en su emprendimiento, nos divertimos y la pasamos rebien, les auguramos toda la suerte que se merecen…
Un poco de tutti en la noche de hoy, muchas novedades, tantas que no nos alcanza una salida semanal por ahora ni pienso en ampliarla tendría que mudarme si lo intento (léase, me hechan de casa!!). Arrancamos con la potente voz del cantante italiano Mario Biondi desde Brasil (Columbia | Mar 9, 2018), su homenaje a la música carioca, entretenido como casi todo lo mostrado hasta ahora por el cantante. Una gran sorpresa: lo nuevo del legendario The Manhattan Transfer, The Junction (BMG | Mar 30, 2018), el primero desde la muerte de Tim Hauser, su creador en 1969, en 2014 y el primero también con su remplazo, el vocalista Trist Curless. Ecléctico, divertido y con garantía sin fecha de vencimiento del mítico grupo vocal.
Ya empezaste con los nórdicos, diría Gervi, no le dí bola antes menos ahora así que sin que nadie se queje presentamos al Daniel Karlsson Trio desde 5 (Brus&Knaster | Mar 23, 2018), su quinto álbum como grupo (de ahí su nombre) formado en 2013 y que desde entonces acapara la atención del mundillo con variados premios y nominaciones. Por momentos con aires al desaparecido e.s.t., pero como deshacerse de ése influjo… El guitarrista francés Romain Pilon sorprende otra vez con Copper (Jazz&People | Mar 30, 2018). Otro músico egresado de la Berkley pero no uno de tantos, conoció allí a Pat Metheny quien lo eligió de entre más de mil aspirantes a su taller. Con Cooper Romain rinde homenaje a sus primeras influencias como Led Zeppelin, Weather Report, HerbieHancock Headhunters… Otro buen guitarrista, Mike Moreno con Three For Three (Criss Cross | Oct 12, 2017) y otro sobre quién el mismísimo Pat Metheny fijó su atención, en una entrevista para JazzTimes describe a Moreno como «un tipo realmente talentoso que me impresionó más allá de las notas, por su sentimiento general y por lo que está buscando».
Un bloque más jazzero con el más reciente del, pianista italiano Enrico Pieranunzi con André Ceccarelli & Diego Imbert, Monsieur Claude (A Travel with Claude Debussy) (Bonsai Music | Mar 23, 2018). Monsieur Claude (A Travel with Claude Debussy) reúne once piezas compuestas principalmente por Enrico Pieranunzi de varias obras importantes de Claude Debussy como Valse Romantique, Ballade, La fille aux cheveux de lins que se convierten en Bluemantique, L’autre ballade y Cheveux respectivamente. Destaca la voz de Simona Severini. Discazo…
Bajamos el ritmo un poco más con el contrabajista noruego Arild Andersen desde In-House Science (ECM | mar 23, 2018) junto al baterista italiano Paolo Vinaccia y al tenorista escocés Tommy Smith conforman uno de los trios más excitantes de la actualidad, con climas sobrecogedores, energía y lirismo te arrastra y eleva lejos allí donde cuesta regresar. Tercer álbum para ECM como trio (Andersen es artista del sello desde hace una pila de años) y segundo en vivo.
Otro reciente y muy esperado lanzamiento: Jakob Bro con Returnings (ECM | Mar 23, 2018) otro álbum con un clima abrazador, tercer gran trabajo del guitarrista danés para el sello alemán. Antiguo miembro de la Electric Bebop Band de Paul Motian (donde seguramente se le pegó algo bastante de la poesía del legendario fallecido baterista) y actual integrante del Tomasz Stanko Quintet, revalida sus créditos como uno de los más poéticos narradores de melodías de la escena. Una escapada al pasado con Desempolvando el Vinilo para disfrutar una vez más de otro gran poéta, el guitarrista noruego Terje Rypdal desde Odyssey In Studio & In Concert (ECM | Junio 22, 2012) un álbum triple que recopila Odyssey grabado en agosto de 1975 en Arne Bendiksen Studio, Oslo y Unfinished Highballs, Junio de 1976, Estrad, Sodertalje.
Los dos últimos: el contrabajista francés Henri Texier con Sand Woman (Label Blue | Feb 2, 2018) y el grupo de fusión húngaro Djabe With Steve Hackett & Gulli Briem desde It Is Never The Same Twice (GR1993 Records | feb 15, 2018) nueva colaboración del grupo con el guitarrista británico ex Génesis.
Los espero luego a las 21hs, salute…
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