Nacido en Nueva York en 1963, Benny Green creció en Berkeley, California, y comenzó sus estudios de piano clásico a la edad de siete años. Influenciado por su padre, saxofonista tenor, su atención pronto se convirtió en Jazz: «Empecé a intentar improvisar en el piano, imitando los discos que había escuchado de la colección de mi padre, que incluía mucho Monje y Pájaro… fue un proceso gradual de aprendizaje de mí mismo». Benny tocó en bandas escolares antes de enrollarse con la cantante de jazz Fay Carroll: «Fue un buen entrenamiento para mí en términos de acompañamiento y aprendizaje del blues, y también me dio la oportunidad de tocar en trío, abriendo para ella todas las noches».
En su adolescencia trabajó con Eddie Henderson, y adquirió experiencia en bandas grandes con un grupo de 12 músicos dirigido por Chuck Israels. Después de su graduación, Benny trabajó como freelance en el área de la bahía durante un año, y luego se mudó a Nueva York en la primavera de 1982. De vuelta en la Gran Manzana, conoció al veterano pianista Walter Bishop Jr: «Comencé a estudiar con él y me ayudó a orientarme en la dirección de desarrollar mi propio sonido, y también me animó a echar un vistazo y estudiar todo el alcance de la historia del piano de Jazz, para que pudiera tener una idea de cómo iba a encajar».
Después de una corta temporada con Bobby Watson, Green trabajó con Betty Carter entre 1983 y 1987. En 1987, se unió a la banda de Art Blakey. Permaneció como Mensajero de Jazz hasta finales de 1989, momento en el que comenzó a trabajar con el quinteto de Freddie Hubbard.
En 1993, Oscar Peterson eligió a Benny como el primer ganador del Premio Glen Gould de Música de la Ciudad de Toronto. Ese año, Green reemplazó a Gene Harris en el Trío de Ray Brown, trabajando con el veterano bajista hasta 1997. A partir de 1997, Benny retomó su carrera como freelance, dirigió sus propios tríos y se concentró en sus actuaciones como solista de piano.
Su carrera discográfica, que incluye más de cien sesiones, es muy impresionante: entre otras cosas, ha grabado con Betty Carter (incluyendo la ganadora del Grammy Look What I Got), Art Blakey & the Jazz Messengers, Freddie Hubbard, Bobby Watson, Milt Jackson, Diana Krall, la serie de tríos de CD’s de Ray Brown para Telarc: Bass Face (1993), Don’t Get Sassy (1994), Some of My Best Friends …. (1994), Seven Steps to Heaven (1995), Super Bass (1996) y Live at Sculler’s (1996).
Como líder de sus propios grupos, la carrera discográfica de Benny comenzó con dos discos para el sello holandés Criss Cross: Prelude (1988) y In This Direction (1989). En 1990, Green comenzó a grabar para Blue Note, lanzando Lineage (1990), Greens (1991), Testifiyin’ (1992), That’s Right! (1993), The Place To Be (1994), Kaleidoscope (1997) y These Are Soulful Days (1999). También ha grabado para Toshiba – Funky (1997) – y para Telarc con Oscar Peterson – Oscar & Benny (1997).
En el año 2000, se publicó su primera grabación en Telarc Jazz, Naturally, que incluía al bajista Christian McBride y al guitarrista Russell Malone (que también apareció en Kaleidoscope), músicos que lo han inspirado y desafiado a explorar nuevos territorios. Con el lanzamiento en 2002 de Green’s Blues, Benny volvió a sus raíces y actualizó la tradición con una emocionante colección en solitario de estándares de jazz de Fats Waller, Duke Ellington, Erroll Garner y George Gershwin, entre otros, con su estilo altamente personal.
Un estudiante perpetuo de la historia del piano de jazz, Benny Green menciona a Art Tatum, Erroll Garner, Hank Jones, Ahmad Jamal, Phineas Newborn, Bud Powell y Oscar Peterson como algunas de sus principales influencias. Su acercamiento al Jazz se puede resumir en sus propias palabras: «… para mí y para muchos músicos que admiro, el objetivo principal es simplemente columpiarme y divertirme, y compartir esos sentimientos con el público… y si soy capaz de transmitirlo, entonces siento que estoy haciendo algo positivo».
El lanzamiento en 2003 de Telarc, Jazz at the Bistro, un evento en vivo, marcó la primera de dos grabaciones a dúo con el guitarrista Russell Malone, dedicadas a la memoria del bajista de jazz Ray Brown. El segundo dúo de piano/guitarra que graba con Russell Malone es Bluebird (2004).
Rocco Scott LaFaro (1936-1961) fue un músico de primer orden, que encontró su’voz’ en el jazz a mediados de los años 50. Tocó el violín de contrabajo, más conocido hoy en día como el bajo acústico para diferenciar este instrumento del bajo eléctrico (o electrónico). Su vida fue interrumpida en un accidente automovilístico en el verano de 1961 cerca de Ginebra, Nueva York, su ciudad natal. Aunque sólo actuó durante seis años (1955-1961), su innovador enfoque del bajo asombró a sus contemporáneos, y hasta el día de hoy sus actuaciones grabadas siguen sorprendiendo y deleitando.
Aquellos que han encontrado el Bill Evans Jazz Resource en Internet saben de la profunda interacción entre Paul Motian, Scott LaFaro y Bill Evans en un trío de jazz que para muchos músicos hasta el día de hoy sigue siendo un modelo de sonoridad, complejidad y swing. El bajo de Scott LaFaro tocando’alchemy’ (para tomar prestado de una grabación de Ornette Coleman en la que actuó LaFaro) impulsó a Bill Evans a enfrentarse al reto artístico del equilibrio en un trío de jazz.
Los tríos de Art Tatum, Nat Cole y Oscar Peterson presentan al pianista. Bill Evans y Scott LaFaro y Paul Motian eran de una sola voz. Los tríos de Evans que siguieron a la trágica muerte de Scott LaFaro en 1961, continuaron la búsqueda de una interacción equilibrada pero, a pesar de las contribuciones de Chuck Israels y Larry Bunker, Gary Peacock, Eddie Gomez y Marty Morell y Elliot Zigmund, Marc Johnson y Joe LaBarbera, músicos con facilidad técnica y swing, la voz del pianista siguió siendo dominante.
Los tríos post-LaFaro de Bill Evans alcanzaron la madurez y el brillo, el resultado de muchos años de tocar juntos. Evans y LaFaro y Motian tocaron (y grabaron) como trío menos de dos años, desde diciembre de 1959 hasta junio de 1961. Es el sentido de la exploración y el descubrimiento armónico, el desafío y la respuesta, el flujo y reflujo del tiempo, lo que atrae a uno a escuchar una y otra vez a Portrait in Jazz, Explorations , Sunday at the Village Vanguard, y Waltz For Debby. Estas grabaciones son tan frescas hoy como cuando fueron hechas por primera vez, y juntas sirven como un arquetipo del trío de piano de jazz.
El dominio de Scott LaFaro del instrumento elegido comenzó después de su graduación de 1954 de la escuela secundaria. Aunque sólo tocó el bajo durante seis años, LaFaro sigue siendo un faro para los bajistas de jazz.
Nacido en Newark, New Jersey, LaFaro creció en una familia de músicos (su padre tocaba en muchas big bands). Comenzó a tocar el piano en la escuela primaria, comenzó a tocar el clarinete bajo en la escuela secundaria, cambiando al saxofón tenor cuando ingresó a la escuela secundaria. Él sólo tomó el contrabajo el verano antes de entrar en la universidad, ya que el aprendizaje de un instrumento de cuerda era necesario para las especialidades musicales. Alrededor de tres meses en la universidad, LaFaro decidió concentrarse en el bajo.
Ingresó a la universidad para estudiar música, pero se fue durante las primeras semanas de su segundo año, cuando se unió a Buddy Morrow y su big band. Dejó esa organización en Los Ángeles después de una gira por todo el país y decidió probar suerte en la escena musical de Los Ángeles. Allí, rápidamente encontró trabajo y se hizo conocido como uno de los mejores bajistas jóvenes. En 1959, después de muchos conciertos con luminarias como Chet Baker, Percy Heath, Victor Feldman, Stan Kenton y Benny Goodman, LaFaro se unió a Bill Evans, quien recientemente había dejado el Sexteto de Miles Davis. Fue con Evans y el baterista Paul Motian que LaFaro desarrolló y expandió el estilo contramelódico que llegaría a caracterizar su interpretación. Ornette Coleman también colaboró con él en esa época.
LaFaro murió en un accidente automovilístico en el verano de 1961 en Flint, cerca de Ginebra, Nueva York, dos días después de acompañar a Stan Getz en el Festival de Jazz de Newport. También fue sólo diez días después de grabar dos discos en vivo de las mismas actuaciones, el domingo en el Village Vanguard y Waltz para Debby con el Bill Evans Trio. Estos dos álbumes son a menudo considerados entre las mejores grabaciones de jazz jamás realizadas. Aunque sólo actuó durante seis años (1955-1961), el enfoque innovador de LaFaro hacia el bajo redefinió la interpretación del jazz trayendo consigo una «emancipación» que introdujo «tantas posibilidades diversas que se habrían considerado imposibles para el bajo poco tiempo antes»[1], e inspiró a una generación de bajistas que le siguieron.
La revista Musician lo nombró en su lista de los 100 mejores guitarristas y después de lanzar más de 60 álbumes como líder y tocar en docenas más como sideman en los últimos 40 años, Larry Coryell definitivamente se ganó ese honor. Explorando el sonido de las seis cuerdas en un número extraordinario de escenarios, ha hecho jazz directo, guitarra solista de influencia clásica, funk-rock fusión, dúos y tríos de guitarra y pop ligero con algunos de los nombres más importantes del jazz.
Nacido el 2 de abril de 1943 en Galveston , Texas, (falleció el 19 de febrero de 2017) Coryell creció en Richland, Washington, y comenzó su carrera musical en la escena rock y pop de Seattle. También estudió guitarra clásica, y desarrolló sus chuletas de jazz después de mudarse a la ciudad de Nueva York en 1965. Tocó con grupos dirigidos por Chico Hamilton y Gary Burton antes de empezar sus propias bandas. En 1973, formó The 11th House con Randy Brecker, Mike Mandel, Danny Trifan y Alphonse Mouzon, y su debut, Introducing The 11th House, fue uno de los álbumes pioneros de la fusión jazz-rock.
En una entrevista de 1997, Coryell le contó al periodista y músico Mike Starling sobre la atmósfera que llevó a los músicos de jazz a experimentar con la música rock: «Hoy en día, a todo el mundo le gusta el jazz directo, pero durante ese tiempo, el jazz directo era un poco plano comparado con todas las cosas emocionantes que estaban sucediendo en la música rock y pop», dijo. «Quiero decir, las barreras se estaban derribando a diestra y siniestra, los iconos se estaban rompiendo. Recuerdo que entré en (un club) y escuché a un tipo muy, muy, muy famoso – no diré quién fue – tocar’Round Midnight’ y me sonó aburrido como el infierno. Pero eso pasó. Después de que la parte emocionante de la era de la fusión se apagó, el directo empezó a sonar mejor otra vez».
Tres años y cuatro álbumes más tarde, el grupo se disolvió, y Coryell se centró durante un tiempo en la guitarra acústica, grabando una serie de sesiones en solitario, dúo y trío con guitarristas como Joe Beck, Steve Khan, Emily Remler y Philip Catherine. Las posteriores salidas acústicas incluyeron una gira con John McLaughlin y Paco de Lucía bajo el nombre de The Guitar Trio – una película llamada Meeting of Spirits documentó sus conciertos.
No es que Coryell se haya alejado de la electricidad. Se reunió con Mouzon en la Coryell/Mouzon Band a finales de los 70. En los 80, participó en una sesión de guitarra de cinco vías con John Scofield, Larry Carlton, John Abercrombie y Tal Farlow, uno de sus primeros héroes del jazz. En la década de los 90, grabó una serie de discos dirigidos al mercado del smooth jazz, un movimiento que más tarde calificó de «demasiado limitante». En 1997 se reunió con el baterista Billy Cobham (con quien grabó el disco de fusión Spaces 23 años antes) en una sesión llamada Spaces Revisited.
«El problema es que cuando tratas de meterte en esa nueva cosa adulta contemporánea, al menos en mi caso, bajas tus estándares musicales a tal grado que podrías llevar a Joe Schmo a la calle y hacer que tocara mi solo y no importaría», dijo Coryell a Starling después del lanzamiento de Spaces Revisited. «¡Y no puedo soportarlo! Fue como un mal necesario para entrar en esa nueva cosa de adultos contemporáneos por un tiempo, porque, ya sabes, es la única manera de obtener su nombre en frente del público a veces. Y es cierto que, a veces, algunas de esas cosas de Grover Washington y (otros) son interesantes, pero descubrí que eran demasiado blandas para ser el tipo de fusión que yo conocía. Es todo escala diatónica y unas cuantas ideas de blues y en el momento en que te salías de la escala, el productor en la cabina paraba la toma y decía,’¿Qué estás haciendo? «¡Eso no va a salir en la radio!» Así que, con «Espacios Revisitados», dije que tenía que hacer algo por mí mismo».
El álbum marcó su regreso a un sonido post-bop más aventurero, que desde entonces ha explorado con éxito con una amplia gama de colaboradores estelares. Monk, `Trane, Miles and Me (1999), Cedars of Avalon (2002) y Tricycles (2004) son sólo tres de los mejores álbumes que ha aportado al canon de jazz en los últimos años. También comenzó a enseñar en su alma mater, la Universidad de Washington, es autor de varios libros incluyendo una autobiografía, y diseñó una línea de instrumentos para guitarras Cort. Más de medio siglo después de haber empezado a tocar, el siempre ecléctico Coryell sigue explorando un nuevo territorio de seis cuerdas.
«Es uno de los pioneros de la fusión de jazz y de los campos de jazz rock, uno de los pioneros», dice el bajista Brian Torff.
Christian Scott, también conocido como Christian Scott aTunde Adjuah (nacido el 31 de marzo de 1983, en Nueva Orleans, Louisiana) es dos veces ganador del Premio Edison (2010 y 2012) y nominado al Grammy como trompetista, compositor, productor y ejecutivo musical. El debut discográfico internacional nominado al Grammy de Christian, Rewind That, fue calificado por la revista Billboard como «posiblemente el estreno más notable que el género ha visto en la última década», lo que le valió a Christian dos destacados artículos en su portada e inclusión en su lista de «Ones to Watch in 2006». En junio de 2015, Christian estableció una sociedad entre su recién formado sello Stretch Music y la elogiada familia Ropeadope Music. En el otoño de 2015, el debut de Christian en Stretch Music/Ropeadope, titulado Stretch Music, será lanzado junto con la primera aplicación interactiva de Stretch Music para esta generación de jóvenes improvisadores. La grabación y la aplicación se fijan para ser declaraciones profundamente impactantes del nuevo género.
Christian es sobrino del innovador del jazz y legendario saxofonista, Donald Harrison, Jr. Comenzó su tutela musical bajo la dirección de su tío a la edad de trece años. Después de graduarse del New Orleans Center for Creative Arts (NOCCA) en 2001, Christian recibió una beca completa para el Berklee College of Music, donde obtuvo un título treinta meses después.
Desde 2002 Christian ha publicado siete grabaciones de estudio aclamadas por la crítica y dos álbumes en vivo. Según NPR, «Christian Scott inaugura una nueva era del jazz». Ha sido anunciado por la revista JazzTimes como «el Arquitecto de una nueva fusión comercialmente viable» y «El Dios del estilo joven del Jazz». Christian es conocido por desarrollar la convención armónica conocida como la «célula de pronóstico» y por el uso de un tono sin voz al tocar, enfatizando la respiración sobre la vibración en la boquilla, ampliamente conocida como su «técnica del susurro». Christian también es ampliamente reconocido como uno de los progenitores de «Stretch Music», una forma musical arraigada en el jazz, ciega al género, que intenta «estirar» las convenciones rítmicas, melódicas y armónicas del jazz para abarcar tantas otras formas musicales, lenguajes y culturas como sea posible.
A través de su asociación, Adam’s Instruments Christian, con la línea de trompetas: la Trompeta Sirena, Sirenita y Flugelhorn Inversa, están revolucionando el diseño de instrumentos de latón en todo el mundo.
El director ganador del Oscar, Jonathan Demme, incluyó una de las canciones de Christian en su lanzamiento de junio de 2015, protagonizada por Merril Streep, Ricki y Flash. Uno de los próximos proyectos de Christian incluye la banda sonora del premiado escritor-director y protegido de Spike Lee, el debut de Kiel Adrian Scott en el largometraje Epilogue. Christian también hizo la banda sonora de la premiada película de Kiel, The Roe Effect y la película Samaria, finalista del premio de la Academia Estudiantil de 2015. Kiel Adrian es el hermano gemelo idéntico de Christian y es la musa de canciones en su nombre en dos grabaciones, Rewind That y Christian aTunde Adjuah. Christian también se anotó el recientemente publicado una Historia Inesperada – La Historia de Hennessy y Afroamericanos por el aclamado documentalista, Llew Smith.
Desde 2006, Christian ha trabajado con McCoy Tyner, Prince, Marcus Miller, Eddie Palmieri, Mos Def (Yasin Bey), Thom Yorke y Solange Knowles, entre otros talentos notables.
Christian, es descendiente de la primera familia de arte y cultura de Nueva Orleans, sobrino del saxofonista Donald Harrison Jr. y nieto del legendario Gran Jefe, Donald Harrison padre, el único hombre que ha sido jefe de cuatro tribus de indios negros de Nueva Orleans. La serie HBO, Tremé, tomó prestado el nombre de «Guardianes de la Llama» de la nación negra india Scott comenzó a «enmascararse» como miembro de su abuelo en 1989.
Christian también se dedica a un número de causas que impactan positivamente a las comunidades. Da su tiempo y talento a un número de organizaciones que le otorgaron un lugar en los 30 Jóvenes Líderes Menores de 30 años de la Revista Ebony. Su familia es una organización sin fines de lucro, Guardians Institute, ubicada en el 9th Ward de Nueva Orleans, está dedicada a la lectura y a la alfabetización fiscal, a la retención cultural y a un firme compromiso con la participación de los ancianos y artistas de la comunidad en el mejoramiento y el apoyo a la juventud en áreas desatendidas de Nueva Orleans. Christian ha estado a la vanguardia de la programación juvenil y ha impartido clases privadas de música, ha encabezado el programa «give-a-way», ha recaudado fondos y ha comprado instrumentos musicales en apoyo del Guardians Institute. Desde su fundación después del huracán Katrina en 2006, Guardians Institute ha comprado y distribuido más de 44,000 libros nuevos a los niños de Nueva Orleáns.
In-House Science
Arild Andersen, Paolo Vinaccia & Tommy Smith
ECM | marzo 23, 2018
El trío del maestro bajista noruego Arild Andersen con el tenorista Tommy Smith y el baterista Paolo Vinaccia es uno de los grupos pequeños de jazz más visceralmente excitantes del momento actual. Se podría decir que sus energías se capturan mejor en un contexto en vivo, y aquí los tres músicos ofrecen una actuación típicamente ahumada en la Villa Rothstein de Bad Ischl, Austria, grabada en septiembre de 2016. Su anterior grabación de conciertos en vivo en Belleville, fue publicada hace una década con excelentes críticas y una lluvia de premios. «Absoluta e irrestrictamente maravilloso», dijo la revista BBC Music Magazine. «¿Con qué frecuencia sólo tres músicos producen música tan vasta y panorámica en su escala y visión?» preguntó Jazzwise, asombrado.
Antecedentes
El trío del bajista noruego Arild Andersen con el tenorista escocés Tommy Smith y el baterista italiano Paolo Vinaccia es uno de los pequeños grupos de jazz más visceralmente excitantes del momento actual. Se podría decir que algunas de sus energías se capturan mejor en un contexto en vivo, y aquí los tres músicos ofrecen una actuación característicamente ahumada, grabada en la Villa Rothstein del PKS en Bad Ischl, Austria, en septiembre de 2016.
La grabación anterior del trío, Live At Belleville, se emitió hace una década con excelentes críticas y una lluvia de premios. «Absoluta e irrestrictamente maravilloso», dijo la revista BBC Music Magazine. «¿Con qué frecuencia sólo tres músicos producen música tan vasta y panorámica en su escala y visión?» preguntó Jazzwise retóricamente.
En entrevistas recientes, Andersen ha reflexionado sobre el método de trabajo del grupo. «En el trío todos son iguales. Tommy puede tocar el instrumento melódico, pero también puede ser un acompañante, y Paolo y yo somos la sección rítmica, pero también podemos ser la voz principal… Todos somos solistas o sección rítmica, los tres simultáneamente. Todo tiene que ver con la interacción, y como trío hemos desarrollado una gran química. Tommy es muy bueno escuchando el bajo y la batería cuando toca solo, y nos deja espacios para que nos pongamos al frente otra vez». Esto es evidente a lo largo de este programa de composiciones de Andersen, y no en último lugar en el tema más largo del álbum, «Science», que vuela a un ritmo vertiginoso y sigue cambiando su ángulo de ataque. El control férreo de Smith sobre sus ritmos giratorios es tan profundo como el de sus compañeros y Andersen, igualmente, es un solista tan elocuente como el destacado saxofonista.
«Mira» fue el título del álbum de estudio del trío en 2014, concebido originalmente por Arild como «Sunday morning album». Se abre In-House Science, transformada por el impulso de la actuación nocturna en directo. Lo mismo ocurre con «Blussy», ya de por sí potente en la versión de estudio, que se eleva a un nuevo nivel de intensidad en la fascinante y dinámica interpretación, rematada por un saxofón sobredimensionado.
El compromiso de Andersen con la música que quema energía no es, por supuesto, una novedad, sino una continuación: a principios de la década de 1970, tocó música de urgencia en tríos de saxofón/bajo/batería con Sam Rivers y Barry Altschul, con Juhani Aaltonen y Edward Vesala, y con Jan Garbarek y Vesala (ver Triptkyon). El trío con Smith y Vinaccia extiende esta distinguida tradición en sus propios términos.
«North of the North Wind», relacionado temáticamente con un ciclo anterior de Andersen -véase el lanzamiento de 1997 de Hyperborean- comienza con Arild tocando el bajo junto con un sampler para crear ricas sonoridades cuasi orquestales antes de que Smith entre y la pieza se adentra en territorio de balada libre, con conmovedoras afirmaciones desde el saxo tenor y el contrabajo.
«In-House», en su exultación a todo pulmón una especie de pieza asociada a «Outhouse» en el set Live At Belleville, lleva el álbum a un final triunfal, incorporando a lo largo del camino solos de cada uno de los miembros del trío.
(Además de poner entre paréntesis dos títulos de canciones juntos, el título del álbum In-House Science alude al lugar donde se documentó esta ardiente música, el PKS Villa Rothstein, cuya historia tiene una conexión con la investigación científica, el «PKS» significa Pythagoras Kepler System. La organización PKS se dedica a fomentar el estudio de la energía natural, tal como lo han señalado Viktor Schauberger y otros investigadores no convencionales.
El lanzamiento de In-House Science se celebra con conciertos en Japón, donde el trío está acompañado por el pianista invitado Makoto Ozone para actuaciones en Tokio, Nagoya y Yokohama.
Arild Andersen nació en Oslo en 1945. Ha sido un artista de ECM durante casi 50 años, primera grabación para el sello en 1970 sobre Afric Pepperbird con Jan Garbarek, Terje Rypdal y Jon Christensen. En el mismo período trabajó con los residentes escandinavos Don Cherry y George Russell, y apoyó una larga línea de visitas a los estadounidenses – desde Sonny Rollins hasta Chick Corea. Después de una estancia en Nueva York a principios de los 70 que lo encontró trabajando con Sam Rivers, Paul Bley, Steve Kuhn y Sheila Jordan, regresó a Noruega y comenzó a dirigir sus propias bandas. Sus primeras fechas como líder de ECM fueron revisitadas en el box set Green In Blue: Early Quartets en 2010. Arild Andersen ha publicado más de 20 álbumes como líder o co-líder de ECM, dando a conocer a los oyentes talentos como Jon Balke, Tore Brunborg, Nils Petter Molvaer y Vassilis Tsabropoulos, todos los cuales llegaron a la atención internacional como jóvenes músicos con bandas de Andersen. En 2008 recibió el premio al Músico de Jazz del Año de la Académie du Jazz de Francia.
Paolo Vinaccia nació en Italia en 1954 y reside en Noruega desde 1979. Ha realizado giras y grabaciones con músicos como Terje Rypdal, Jon Christensen, Bendik Hofseth, Ketil Bjørnstad, Palle Mikkelborg, David Darling, Dhafer Youssef, Mike Mainieri y muchos otros. En ECM aparece en los álbumes de Terje Rypdal’s Crime Scene, Vossabrygg, y Skywards, así como en Arild Andersen’s Hyperborean, Electra y Live at Belleville. Entre los lanzamientos bajo su propio nombre se encuentra el live box set Very Much Alive (Jazzland, 2010) con Rypdal, Mikkelborg, Wesseltoft y Ståle Storløkken.
El saxofonista Tommy Smith, nacido en Edimburgo en 1967, dejó su huella en la escena del jazz escocés con su primer álbum Giant Strides, grabado a los dieciséis años, en 1983. Ese mismo año ganó una beca para asistir al Berklee College of Music de Boston. Allí formó el grupo Forward Motion, y también se unió a la banda de Gary Burton, con la que apareció en el álbum de ECM Whiz Kids en 1986. Desde entonces ha publicado más de veinte álbumes bajo su propio nombre para numerosos sellos, incluyendo su propio sello Spartacus. Smith ha trabajado en pequeños grupos y grandes bandas, grabando y haciendo giras con Joe Lovano, David Liebman, Benny Golson, Gary Burton, Chick Corea, Tommy Flanagan, John Scofield, Miroslav Vitouš, Jack DeJohnette y muchos más. Ha compuesto e interpretado con orquestas y conjuntos clásicos como la Orquesta de St. John’s Square, el Scottish Ensemble, la Joven Orquesta de Edimburgo y el Paragon Ensemble. Smith fundó la Scottish National Jazz Orchestra en 1995, y sigue siendo su director. La orquesta se escucha en el álbum de ECM Celebration, con Arild Andersen como solista principal.
1 Mira 09:50
2 Science 11:10
3 Venice 08:44
4 North Of The Northwind 08:35
5 Blussy 08:59
6 Inhouse 08:10
Arild Andersen – Double Bass
Paolo Vinaccia – Drums
Tommy Smith – Tenor Saxophone
