Juan Carlos, autor en - Página 3 de 538

Steve Swallow ::: Winter Songs

Winter Songs

Steve Swallow

ECM | Junio 26, 2026

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1 One 4:27
2 Two 4:39
3 Three 3:09
4 Four 4:52
5 Five 4:46
6 Six 5:24
7 Seven 4:26
8 Eight 5:11
9 Nine 4:41

Mike Rodriguez - Trumpet
Chris Cheek - Tenor Saxophone
Steve Cardenas - Guitar
Gil Goldstein - Piano
Steve Swallow - Bass
Adam Nussbaum - Drums

Recorded
September 2024, Sear Sound, New York

Estuve presente cuando se compuso esta música. De hecho, yo mismo sostenía el lápiz. Empecé con la necesidad de hacer algo para llenar cada largo día, y la música surgió para darme fuerzas. Antes de Winter Songs, le había dado a la música todo lo que podía, pero al grabar este álbum, todo cambió: me dio lo que necesitaba. La música es elemental, como el aire que respiramos.

Esta grabación surgió de una comunidad espontánea: mis queridos amigos los músicos y nuestro ingeniero, el afinador de pianos, el chico que nos trajo los sándwiches, el recepcionista atareado que me registró en mi habitación de hotel en la calle 48… El elenco creció hasta incluir a muchísimas personas. La música es omnipresente, y no me sorprende que Winter Songs haya llegado hasta ustedes.

Steve Swallow

Para Winter Songs, el primer álbum de Steve Swallow como líder en más de una década (Into The Woodworks, 2013) y su primera aparición grabada en el sello tras Swallow Tales de John Scofield y Life Goes On de Carla Bley en 2020, el maestro del bajo ha reunido a un grupo de colaboradores cercanos para acompañarlo en algunas de las piezas más intrínsecas y melódicamente inmediatas que jamás haya compuesto. Con la experta pero sutil sección de vientos formada por Chris Cheek al saxofón y Mike Rodriguez a la trompeta, Adam Nussbaum a la batería manteniendo la flexibilidad rítmica y el refinado perfil armónico del guitarrista Steve Cardenas y Gil Goldstein al piano, las nueve composiciones originales que conforman Winter Songs transmiten más una profunda reflexión y calma que un impulso de improvisación turbulenta.

Las propias observaciones de Swallow sobre la música y su origen (que se encuentran más arriba) se perciben claramente en el sonido: esta música no se interpreta como un medio para un fin, sino que se ha convertido en un fin en sí misma. El swing fluido, las baladas reflexivas y una sensibilidad espacial y de interacción propia de la música de cámara florecen aquí, guiando la suite de nueve canciones invernales sin título con una fuerte dirección.

El álbum fue grabado en el estudio Sear Sound de Nueva York en septiembre de 2024.

***

Modernista desde sus inicios, Steve Swallow, con apenas 20 años, tocaba en 1960 junto a Paul Bley en el Jimmy Giuffre 3, cuya música sutilmente radical y de libre contrapunto ejercería una poderosa influencia en las generaciones posteriores de músicos. Como Bley relató en su autobiografía: “Jimmy había sido tan vanguardista desde muy joven que estaba acostumbrado a la idea de que nadie iba a estar en su misma onda... Entonces llegó Steve y dejó a Giuffre boquiabierto haciendo exactamente lo que él esperaba de un bajista”. Las innovadoras grabaciones del trío, Fusion y Thesis, realizadas originalmente para Verve, fueron remezcladas por Manfred Eicher en 1992 y reeditadas por ECM como el álbum doble 1961, convirtiéndose así en las primeras grabaciones de jazz del catálogo del sello.

Durante su etapa con Gary Burton a finales de los 60, Swallow hizo la transición del contrabajo al bajo eléctrico. Hotel Hello, una grabación a dúo de 1974 para ECM con Gary Burton, incluía casi exclusivamente composiciones de Swallow, piezas escritas mientras el bajista vivía en Bolinas, California del Norte. Con Carla Bley, Swallow tocó en diversos formatos, desde dúo hasta big band, a lo largo de las décadas. Steve resumió su simbiótica relación musical: «Carla es compositora y también toca. Yo soy músico y también compongo».

Swallow se unió a la banda de Carla Bley en 1978, justo a tiempo para Musique Mécanique, y fue parte fundamental de todos sus grupos a partir de entonces. Carla compuso la música de Night-Glo para destacar el talento de Swallow como bajista; Swallow respondió con Carla, una especie de carta de amor musical, y la acompañó en proyectos extravagantes, desde Fancy Chamber Music y I Hate To Sing hasta Carla’s Christmas Carols. Las últimas grabaciones de Carla Bley fueron una serie de álbumes para ECM con Steve Swallow y el saxofonista Andy Sheppard: Trios, Andando el Tiempo y Life Goes On, que ganó el Jahrespreis der deutschen Schallplattenkritik 2020.

Into The Woodwork, grabado en 2011, buscaba una paleta textural más variada, ya que Swallow compuso música para una nueva formación con Chris Cheek al saxofón y Steve Cardenas a la guitarra, músicos con los que había trabajado en la Electric Bebop Band de Paul Motian. A ellos se unieron Carla Bley al órgano y Jorge Rossy a la batería, los impredecibles "comodines" del nuevo paisaje sonoro, que mantenían un ambiente lúdico. "El buen humor antes y después de que se encienda la luz roja es muy importante", comentó Swallow en aquel entonces.

Muchas de las relaciones musicales de Steve Swallow han sido de larga duración. La relación con Carla Bley se extendió por más de sesenta años, comenzando con la interpretación de su música en el Giuffre 3. Este trío, junto a Jimmy Giuffre y Paul Bley, tuvo una segunda etapa en la década de 1990, reuniéndose y realizando giras por Europa. Swallow fue miembro del Gary Burton Quartet durante más de 20 años y participó en numerosas grabaciones, incluyendo los álbumes de ECM Seven Songs for Quartet and Chamber Orchestra, Ring, Dreams So Real, Passengers, Times Square, Easy As Pie, Picture This, Real Life Hits y Whiz Kids.

Steve Swallow y John Scofield son amigos y colaboradores musicales desde 1975, cuando Swallow impartía clases en la Berklee School. Durante un tiempo colaboraron en el grupo de Gary Burton. Cuando John inició su carrera como líder, Steve se unió al trío del guitarrista, y su compenetración musical, documentada en numerosas grabaciones, es legendaria. Como dice Scofield: «A veces, cuando tocamos, es como si fuéramos una sola guitarra, con el bajo y mi parte juntos». Esto quedó patente en Swallow Tales, un álbum repleto de temas de Steve, grabado por Scofield, Swallow y el batería Bill Stewart una tarde de 2019 en Nueva York. «La sinergia musical es emocionante», afirmó la revista BBC Music Magazine.

ecmrecords.com

Cécile McLorin Salvant & Metropole Orkest :: With Every Breath I Take

With Every Breath I Take

Cécile McLorin Salvant & Metropole Orkest

Nonesuch | Junio 26, 2026

Cecile McLorin Salvant & Metropole Orkest - With Every Breath I Take

Cuánto te gustó? 1 estrella

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1 With Every Breath I Take 3:44
2 Sophisticated Lady 3:04
3 Send in the Clowns 6:47
4 Barbara Song 8:13
5 Left Over 5:03
6 Ever Since the One I Love’s Been Gone 3:14
7 Les Parapluies de Cherbourg 5:17
8 I’ll See You Again 3:28
9 Being Alive 6:20
10 Lush Life 5:51

Ce?cile McLorin Salvant - vocals
Metropole Orkest
Jules Buckley - conductor

Produced by Darcy James Argue and Cécile McLorin Salvant
Engineered by Todd Whitelock and Dirk Overeem
Recorded December 9th & 10th, 2025 at MCO Studio 1, Hilversum, NL
Mix studio, location: Amplified Art & Sound, New York, NY
Mastering by Mark Wilder and Chris Gold at Blue Engine Studio, New York, NY
Executive Producer: Tom Korkidis

Este disco, el primero de Salvant con orquesta, cuenta con la participación de la Metropole Orkest de los Países Bajos, dirigida por Jules Buckley. Salvant y la orquesta interpretan canciones atemporales con nuevos arreglos del compositor y director de orquesta Darcy James Argue.

Salvant, quien ha actuado con orquestas con regularidad durante la última década y media, tenía previsto grabar un álbum con una antes en su carrera, pero la logística y su abundante creatividad la llevaron a emprender otros proyectos. Finalmente, tras encontrar el tiempo necesario para grabar este álbum, With Every Breath I Take es un disco muy diferente al que podría haber sido hace tan solo diez años.

«Es una oportunidad única poder grabar un álbum de esta magnitud, algo que he soñado durante muchos años», afirma Salvant. Darcy James Argue escribió arreglos impresionantes y la Metropole Orkest, dirigida por el extraordinario Jules Buckley, dotó a estas historias de una dimensión cinematográfica. Superamos numerosos obstáculos para poder entrar al estudio de grabación para este proyecto; nos llevó casi cuatro años lograrlo, y me siento increíblemente orgullosa de compartirlo.

«No elegí estas canciones por su belleza, sino porque son fundamentales para mí», añade.

Cécile McLorin Salvant, becaria MacArthur 2020 y ganadora de tres premios Grammy, es cantante y compositora, y aporta una perspectiva histórica, un renovado sentido dramático y una comprensión musical profunda tanto a los estándares de jazz como a sus propias composiciones originales. Con formación clásica, arraigada en el jazz, el blues y el folk, e inspirada en el teatro musical y el vodevil, Salvant abarca un amplio repertorio que amplía las posibilidades de sus presentaciones en vivo.

Las actuaciones de Salvant abarcan desde sencillos dúos para voz y piano hasta tríos instrumentales y conjuntos orquestales. Su obra inédita, Ogresse, es un ejemplo de ello. Es un ambicioso cuento de hadas musical de larga duración que se está adaptando a un largometraje de animación. Ha actuado en salas y festivales nacionales e internacionales, como el Festival de Jazz de Newport, el Festival de Jazz de Monterey, el Village Vanguard y el Festival de Jazz del Mar del Norte. Sus anteriores álbumes con Nonesuch, Ghost Song (2022), Mélusine (2023) y Oh Snap (2025), recibieron elogios de la crítica; los dos primeros fueron nominados a los premios Grammy. Salvant también es artista visual, y Oh Snap fue nombrado uno de los mejores álbumes de 2025 por The Guardian, Jazzwise, JazzTimes y la encuesta de críticos de jazz de Francis Davis.

La Metropole Orkest, fundada en 1945, actúa regularmente en reconocidos escenarios musicales holandeses como Tivoli Vredenburg, Melkweg y el Concertgebouw, así como en muchos otros lugares del país y países vecinos. A nivel internacional, la Orquesta Metropole es una invitada muy solicitada en importantes festivales como los BBC Proms y el Musikfest Bremen. Además, es invitada habitual en eventos como ADE, North Sea Jazz y el Festival de Holanda. La orquesta también ha actuado en Pinkpop, Lowlands, Noorderslag y los Premios 3FM, lo que la ha hecho muy conocida y apreciada por el público joven.

La orquesta ha compartido escenario con leyendas como Ella Fitzgerald, Dizzy Gillespie, Pat Metheny, Brian Eno, Herbie Hancock y Bono. También colabora con talentos contemporáneos como Kovacs, Within Temptation, Snarky Puppy, Gregory Porter, Jacob Collier, Cory Wong y DOMi & JD BECK. Junto con el director titular Jules Buckley, la orquesta explora los límites del pop sinfónico y el jazz contemporáneos. Además de sus numerosos conciertos, la orquesta graba regularmente álbumes con artistas internacionales. También ha participado en miles de emisiones de radio y televisión. A lo largo de los años, la Orquesta Metropole ha recibido veinticuatro nominaciones a los premios Grammy y ha trabajado en cuatro producciones galardonadas con este premio.

El compositor, orquestador y director de orquesta Jules Buckley es un pionero musical que expande los límites de los géneros contemporáneos. En 2004 cofundó la Heritage Orchestra, un conjunto de cámara flexible, dedicado a interpretar música nueva con un enfoque audaz que cruza y enlaza géneros musicales. Buckley ha liderado numerosos proyectos exitosos como director invitado con la Metropole Orkest desde 2007; fue nombrado director titular en 2013. En la Metropole Orkest, Buckley ha liderado proyectos con Snarky Puppy, Laura Mvula, Gregory Porter, Tori Amos, Markus Stockhausen, Michael Kiwanuka, Jonathan Jeremiah y el dúo británico de música house Basement Jaxx. Darcy James Argue, “uno de los mejores compositores de big band de nuestro tiempo” (Stereophile), es más conocido por Secret Society, un grupo de dieciocho músicos “reconocido en el mundo del jazz” (New York Times). Argue introduce una agrupación aparentemente anacrónica en el siglo XXI gracias a su habilidad para combinar su amor por el jazz clásico con sonidos más contemporáneos, y es reconocido como un creador sincrético que evita la imitación evidente (Pitchfork). Aclamado por The New Yorker como un innovador compositor, arreglista y director de big band, Argue ha recibido numerosos galardones, incluyendo múltiples nominaciones a los premios Grammy y un Grammy Latino, una beca Guggenheim, el premio Doris Duke Artist Award e innumerables encargos y becas.

Dynamic Maximum Tension, el último álbum de Argue con Secret Society y su debut con el sello Nonesuch Records, ha sido descrito por Fred Kaplan de Slate como «su mejor trabajo hasta la fecha: una obra de asombroso eclecticismo y complejidad, pero totalmente accesible, elástica y con swing», y por Phil Freeman de Stereogum como «simplemente una de las músicas más emocionantes que se están creando actualmente». Dynamic Maximum Tension fue nombrado uno de los mejores álbumes de 2023 por DownBeat, NPR y muchos otros medios, y le valió a Argue su cuarta nominación consecutiva al Grammy al Mejor Álbum de Gran Conjunto de Jazz.

cecilemclorinsalvant.com
Metropole Orkest
nonesuch.com

Daniel García ::: The Hero’s Journey

The Hero's Journey

Daniel García

ACT Music | Junio 26, 2026

Cuánto te gustó? 1 estrella

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1 Life in a Crystal Bottle 3:15
2 The Call to Adventure 5:18
3 Refusal of the Call 1:16
4 Meeting the Mentor 3:05
5 Crossing the Threshold 1:59
6 Tests 3:21
7 Allies 2:59
8 Enemies 2:50
9 Approach to the Inmost Cave 4:19
10 The Ordeal 2:56
11 The Reward 1:25
12 The Sacrifice 3:23
13 The Resurrection 3:40

Daniel García (piano, sintetizadores, voz, palmas)

Composed and produced by Daniel García
Recorded at Camaleon Music Studio in
Madrid, Spain, on 17 - 18 June 2025
Mixed and mastered by Shayan Fathi
Photo by Rob Lewis

El diario español El País califica a Daniel García Diego como «una de las figuras más interesantes surgidas del jazz contemporáneo en la última década». Si bien el pianista nunca busca llamar la atención por sí misma —simplemente no forma parte de su personalidad—, hay cosas que hace excepcionalmente bien: su conocimiento, respeto y amor por el jazz y el flamenco son asombrosos, y combina estas dos herencias tan diferentes con fluidez, eficacia e incluso brillantez en su propia música.

Esa singularidad lo convierte en una figura clave, incluso en un embajador del jazz español. Sin duda, forma parte de la historia del auge que ha experimentado la escena en los últimos años. Sus tres álbumes para ACT —grabados hasta ahora en su trío de larga trayectoria, que continúa con gran éxito, junto a los músicos cubanos Reinier el Negrón Elizarde y Michael Olivera, afincados en Madrid— han cosechado elogios unánimes: Travesuras (2019) fue «algo realmente espectacular» (Jazz Journal, Reino Unido), Vía de la Plata fue «importante… esencial» (Paris Move) y Wonderland (2025) fue «brillante y emocionante» (Latin Jazz Network).

A finales de 2024, comenzaron las conversaciones con ACT sobre cuál podría ser su cuarto proyecto discográfico para el sello. «Cuando Andreas Brandis y Michael Gottfried me propusieron la idea de un álbum en solitario, me encantó». El pianista se puso manos a la obra con la composición, pero pronto el destino intervino: a principios de 2025, al padre de Daniel García le diagnosticaron inesperadamente un cáncer incurable, y su salud se fue deteriorando, sobre todo en sus últimos meses, antes de fallecer en diciembre de 2025. Así pues, prácticamente toda la composición y planificación, así como las sesiones de grabación —dos tardes y largas noches de junio de 2025, completamente solo al piano con sus grabaciones en los estudios Camaleón de Madrid—, tuvieron lugar en un momento en que García y su familia vivían sumidos en el dolor, sufriendo ante la inminencia de lo inevitable.

En este contexto, no sorprende que El viaje del héroe esté impregnado de una asombrosa profundidad emocional. Y, sin embargo, no se trata de un álbum oscuro en absoluto. Como explica García: «Desde hace tiempo me atrae la figura del héroe; no me refiero a un superhéroe de película invencible, sino a la idea de una persona que se enfrenta constantemente a nuevos retos y necesita superarlos». El pianista se ha sentido fascinado por el concepto de arquetipos y el «monomito» desarrollado por Joseph Campbell en su libro El héroe de las mil caras. La teoría de Campbell sobre un arco narrativo universal sirvió de base para la saga de Star Wars. «Lo que me gusta es que esta forma de ver el mundo nos dice que, en esencia, los seres humanos no somos diferentes entre nosotros».

Esa idea de afrontar los desafíos uno a uno determina la estructura de un álbum diseñado para ser escuchado como una experiencia continua, y que se interpretará en directo a partir de finales de 2026. «Lo que hice fue asignar una música con un carácter diferente a cada una de esas etapas. Se trata de lo que siento en cada una de ellas, un reflejo de mi propio camino». Ese enfoque también le sienta bien al pianista, pues es un auténtico omnívoro musical: «Me resulta difícil clasificar mi música. Es como intentar meter el mar en una caja: ¡es inmenso! Me encanta la música clásica, la música de Oriente Medio, el rock, ¡los cantautores! ¡La inspiración puede venir de cualquier parte!».

En sus 13 secciones, El viaje del héroe es una historia unificada que transporta al oyente a través de una amplia gama de experiencias y estados de ánimo. Todas las piezas tienen un trasfondo, como por ejemplo: la primera, Vida en una botella de cristal, trata sobre un mundo sencillo, ordinario e inocente en el que aún no ha ocurrido nada extraordinario. La cuarta pieza, Encuentro con el mentor, es un retrato afectuoso de una figura paterna bondadosa, con delicadas voces internas que sugieren un lugar seguro y el placer de tocar el piano. La décima pieza, con aires de toccata, La prueba, es la única del conjunto compuesta íntegramente de principio a fin. Se trata de la fuerza interior, la motivación y la movilización que provienen de tener un motor interno sólido. Y el tema final, «La Resurrección», trata sobre haber cerrado el círculo... y estar listo para afrontar nuevos e inesperados desafíos.

Hay un tema de autosuficiencia en la forma en que se ha creado el álbum: todos los sonidos que el oyente escucha han sido creados por el propio Daniel García Diego. «Todo soy yo», sonríe. «Está hecho de tal manera que pueda interpretarlo en vivo. Ese ha sido parte del propósito desde el principio». Junto al piano hay samples de palmas y canto pregrabados... y samples procesados ??de los sonidos de un violín pregrabado en bucle... o samples generados electrónicamente por un sintetizador Moog. Todos se usan con mucha moderación, con el piano como protagonista principal. «Sing the Threshold» hace un uso particularmente atmosférico de estos sonidos, que García ha empleado para retratar la idea de encontrarse a uno mismo en un mundo totalmente desconocido y ajeno. Aunque «El viaje del héroe» se creó en un contexto sombrío, se erige como una declaración profundamente optimista sobre la naturaleza de la resiliencia humana.

danielgarciadiego.com
actmusic.com

Joey Alexander ::: Junio 25, 2003

Joey Alexander nació en la isla de Bali, en la ciudad de Denpasar, el 25 de junio de 2003. A los seis años, tuvo su primer contacto con el piano y, de inmediato, fue capaz de reproducir de oído la melodía de «Well, You Needn't», de Thelonious Monk, y otros estándares del jazz de la colección de discos de su padre. Su padre, un músico aficionado, fomentó el talento de Joey para el swing y la improvisación mostrándole grabaciones clásicas de jazz y llevándolo a sesiones improvisadas con músicos experimentados en Bali y Yakarta. A partir de ahí, su intuición musical floreció, al igual que su amor por tocar jazz.

Joey aprendió escuchando, y entre sus primeras influencias se encuentran Duke Ellington, Thelonious Monk, Bill Evans y John Coltrane, además de sentir una especial afinidad por trompetistas como Clifford Brown, Lee Morgan, Miles Davis y Wynton Marsalis. A pesar de carecer de formación jazzística formal, Joey desarrolló una técnica magistral y, gracias a su profunda musicalidad, ascendió rápidamente en la escena jazzística indonesia y más allá. A los 8 años, la UNESCO invitó a Joey a tocar el piano en solitario ante el icono del jazz Herbie Hancock durante su visita a Indonesia. Joey se inspiró mucho en la entusiasta respuesta de Herbie a su interpretación. A los 10 años, Joey participó en festivales de jazz en Yakarta y Copenhague, y ganó el concurso internacional de improvisación en Odessa, Ucrania, superando a más de 200 profesionales del jazz de 17 países. En 2014, Joey actuó en galas repletas de estrellas en la ciudad de Nueva York para Jazz at Lincoln Center en Rose Hall, la Jazz Foundation of America en el Apollo y el Arthur Ashe Learning Center en Gotham Hall.

El 12 de mayo de 2015, Joey Alexander lanzó su esperado álbum debut, «My Favorite Things», con el sello Motema Music, ganador de un Grammy y con sede en Harlem. En su primer disco, Alexander interpreta temas clásicos de Coltrane a Rodgers & Hammerstein con un toque hábil, espíritu aventurero y entusiasmo improvisador. «My Favorite Things» fue producido por el productor ganador de un Grammy Jason Olaine. Acompañan a Joey en el álbum el bajista Larry Grenadier y el baterista Ulysses Owens, ganador de dos premios Grammy, así como tres jóvenes músicos de gran talento de la escena neoyorquina: Russell Hall (bajo), Sammy Miller (batería) y Alphonso Horne (trompeta). La imaginación de Alexander, sus sofisticados arreglos y su deslumbrante interpretación hacen de «My Favorite Things» una aventura musical llena de alma y alegría. También es una declaración de intenciones, una presentación convincente de un joven líder, intérprete y compositor en ciernes, que toca con fuerza y euforia. Desde su introducción impresionista a «Giant Steps» hasta la animada interacción con sus compañeros de banda en «It Might As Well Be Spring», pasando por su notable interpretación de «Over the Rainbow», Joey demuestra ser un auténtico y distintivo profesional del jazz.

Joey ya ha sido invitado a actuar en lugares como el Festival de Jazz de Rochester, el Festival de Jazz de Newport, Jazz at Lincoln Center y una conferencia TED. El cielo parece ser el límite para este joven artista lleno de sentimiento.

joeyalexandermusic.today

JUNIO 25

junio 25 ::: Andrew Moorhead

Cuánto te gustó? 1 estrella

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1. Ghalia Volt - Burn the House Down - Let Yo' Hair Down

2. Scott Lee Ensemble - Greetings from Florida - Big Waters

3. Emil Brandqvist - Three Songs - Part IV - Sigge The Farmdog

4. Eleonora Strino - Lumithia - Montenuovo

5. Andrew Moorhead - Mirage - Mirage

6. Steve Wilson - Enduring Sonance - Pieces of Dreams

7. Emmet Cohen - Universal Truth - My Funny Valentine

8. Le Boeuf Brothers - Off Center - In Captivity

9. Skullcap - Snakes of Albuquerque - Pine Trees of Tennessee

10. Thorbjørn Risager & The Black Tornado - Live At Hotel Cecil - Hold My Lover Tight

11. Joe Bonamassa - The Spirit Of Rory Live From Cork - Cradle Rock

Amigos, cómo les va, espero que bien como también que este pequeño espacio de encuentro favorezca cada situación aunque séa un momentito. Arrancamos con la blusera estadounidense Ghalia Volt desde Burn The House Down (Ruf Records | Mayo 15, 2026), su sexto álbum, un ejercicio de autenticidad buscando no encajar con lo que el mercado demanda, sino ser ella misma y su historia. "No buscamos una joya pulida", dice sobre el disco, "sino más bien un diamante en bruto".

Seguimos con Scott Lee Ensemble desde Greetings From Florida: Postcards From Paradise (Sunnyside Records | Abril 17, 2026), donde destaca la guitarrista y cantante chilena Camila Meza. Un álbum desde donde el líder del ensamble, el compositor Scott Lee, denuncia el deterioro del estado de Florida por la sobreexplotación turística e inmobiliaria y la contaminación.

Ahora el pianista noruego Emil Brandqvist con Three Songs (Part 4) (Skip Records | Junio 5, 2026), la cuarta entrega de una serie de EPs en trio o solitario, un proyecto paralelo a su celebrado trio desde donde explora nuevos colores, texturas y atmósferas. En este se rodea de sus colegas del trio.

La guitarrista italiana Eleonora Strino desde Lumithia (CamJazz | Junio 5, 2026), un álbum en solo de guitarra acústica, su nuevo proyeto inspirado en "...una historia diferente, la mayoría de ellas extraídas de algunos de los libros que me han acompañado en el arte y en la vida a lo largo de estos años." Cuenta la guitarrista.

EL CHICO DE TAPA

Otro álbum que explora la búsqueda de "la liberación total" al piano, Mirage (OA2 Records | Mayo 22, 2026) del pianista y Dr. en Matemáticas Andrew Moorhead quien destaca por fusionar el jazz contemporáneo y el minimalismo con complejas estructuras derivadas de la combinatoria matemática. "Creía haber escuchado prácticamente todas las formas de abordar el piano, hasta que llegó el nuevo álbum de Andrew Moorhead... es un gran recordatorio de que la verdadera originalidad aún existe." Comenta Scott Kinsey, el ex Tribal Tech de Scott Henderson, que masteriza el álbum.

Seguimos con el saxofonista estadounidense Steve Wilson desde Enduring Sonance (Smoke Sessions Records | Mayo 1, 2026), un álbum con un sutil y muy elegante sonido, un sonido que resuena en las profundidades de su ser permaneciendo inborrables al paso del tiempo. «Algunas de las melodías de este disco me han acompañado durante, en algunos casos, más de 50 años desde la primera vez que las escuché», afirma Wilson. «Quería crear música con la que la gente pudiera conectar, independientemente de sus gustos».

En el año del centenario del natalicio de Miles, Coltrane y Jimmy Heath, el pianista estadounidense Emmet Cohen lo celebra a su manera con Universal Truth (Mack Avenue Records | Mayo 29, 2026), un álbum con el que pretende separarse de los típicos homenajes por la conmemoración de la fecha, que por cierto él participa de las giras de celebración, centrandose en la propia búsqueda de Coltrane sobre la "Verdad Universal". «Mientras seguía estudiando a John Coltrane y leyendo sobre su filosofía, esa frase aparecía una y otra vez: Verdad Universal. Cuando Trane hablaba de música y propósito, siempre buscaba esa verdad. Para mí, representa un poder superior, su comprensión personal de Dios, o quizás esa conexión con la Fuente que une a todos los seres vivos en la Tierra», explicó Cohen.

Ahora Le Boeuf Brothers desde Off Center (SoundSpore Records | Junio 5, 2026), los gemelos californianos ganadores de dos GRAMMYs y otras nueve nominaciones por sus innovadores proyectos compositivos, que abarcan una amplia gama de estilos. Off Center fue calificado por la prestigiosa Downbeat como «un trabajo completamente acústico en el que el grupo se entrega a la espontaneidad y la elasticidad en busca de lo poco convencional, llevando las composiciones mucho más allá de lo escrito en la partitura, en una deliciosa aventura de riesgo compartido y confianza mutua».

Ya levantando el ritmo con un power trio diferente, Skullcap desde Snakes of Albuquerque (Cuneiform Records | Mayo 30, 2025). Cello, guitarra y bata, un trio un tanto extraño pero con un sonido contundente.

LOS DOS ÚLTIMOS

Thorbjørn Risager & The Black Tornado desde Live At Hotel Cecil (Provogue Records | Junio 19, 2026), el blusero danés al frente de un octeto en na presentación en vivo en un popular escenario de la capita danesa. Risager dice: "El álbum realmente tiene esa increíble energía en vivo que siempre es difícil de crear en un estudio. Cuando estás parado frente a una multitud tan maravillosa en tu propia ciudad natal, instintivamente das todo lo que tienes".

CERRAMOS CON Joe Bonamassa desde The Spirit Of Rory: Live From Cork (J&R Adventures | Junio 19, 2026), el homenaje del blues-rocker estadounidense a Rory Gallagher (1948–1995), el héroe irlandés del blues rock y pionero del Power Trio.

Nos vemos...

Joey Alexander ::: Junio 25, 2003