Ishmael Wadada Leo Smith trompetista, multi-instrumentista, compositor e improvisador ha estado activo en la música creativa contemporánea del mundo durante más de treinta años. Su teoría del Jazz y de las Músicas del Mundo fue significativa en su desarrollo musical como artista y educador.
Nacido en Leland, Mississippi, la temprana vida musical de Smith comenzó en el concierto de la escuela secundaria y en las bandas de música. A la edad de trece años, se sumergió en las tradiciones musicales del Delta Blues y la Improvisación. Recibió su educación musical formal con su padre, el programa de bandas militares de los Estados Unidos (1963), la Escuela de Música de Sherwood (1967-69) y la Universidad Wesleyan (1975-76).
Como Improvisador-Compositor, Smith ha estudiado una variedad de culturas musicales (africanas, japonesas, indonesias, europeas y americanas) y ha desarrollado una teoría del jazz y de la música del mundo, así como un sistema de notación para expresar plenamente esta música que él llama "Ankhrasmation".
Ha enseñado en la Universidad de New Haven 1975-'76, el Estudio de Música Creativa en Woodstock, NY. 1975-'78, y Bard College 1987-'93. Actualmente es profesor de música en el California Institute of the Arts, y es el director del programa de maestría en improvisación afroamericana. Es miembro de la ASCAP Association for the Advancement of Creative Musicians.
Los premios del Sr. Smith incluyen: Islamic World Arts Initiative of Arts International 2004, Meet the Composer/ Lila Wallace-Reader's Digest Commissioning Program 1996, Asian Cultural Council Grantee to Japan June-Augast 1993; Meet the Composer/ Lila Wallace-Reader's Digest Commissioning Program 1990; New York Foundation on the Arts Fellowship in Music 1990; Numerous Meet the Composer Grants since1977; y National Eneowment for the Arts Music Grants 1972, 1974, 1981.
La filosofía musical del Sr. Smith Notas (8 Piezas) Fuente a Nueva. Música del mundo: Creative Music ha sido publicado por Kiom Press 1973, traducido y publicado en Japón por Zen-On Music Company Ltd. 1976.
En 1981, Notes fue traducido al italiano y publicado por Nistri-Litschi Editori. Fue invitado a una conferencia de artistas, científicos y filósofos "Third Culture Copenhagen" en Dinamarca en 1996, y presentó una ponencia sobre su teoría de la música de Ankhrasmation y su sistema de notación para músicos creativos. Su entrevista fue grabada para Denmark T.V., emitida en septiembre de 1996.
Ha compuesto música para solista, conjunto, orquesta clásica y creativa y obras escénicas. Su música para piano solo ha sido interpretada por la Sra. Ursula Opens, la Sra. Marilyn Crispell, el Sr. David Rosenboom y la Sra. Vickie Ray.
El conjunto Nda-Kulture del Sr. Smith ha interpretado la mayor parte de su música desde 1970. Sus composiciones han sido interpretadas por otros grupos de música contemporánea: AACM -Orquesta, Kronos Quartet, Da Capo Chamber Player, New Century Players, San Francisco Contemporary Music Players, Contemporary Chamber Players (University of Chicago), S.E.M. Ensemble y California E.A.R. Unit.
La música del Sr. Smith para multiensambles ha sido interpretada desde 1969, y su obra más grande, Odwira, para 12 multi-ensambles, fue interpretada en el California I stitute of the Arts, en marzo de 1995. Su pieza Noh Heart Reflections fue interpretada en Merkin Concert Hall, NY, en noviembre de 1996.
Algunos de los artistas con los que ha actuado el Sr. Smith son..: Muhal Richard Abrams, Anthony Braxton, Leroy Jenkins, Roscoe Mitchell, Lester Bowie, Richard Teitelbaum, Joseph Jarman, George Lewis, Cecil Taylor, Andrew Cyrill, Oliver Lake, Anthony Davis, Carla Bley, David Murray, Don Cherry, Jeanne Lee, Milton Campbell, Henry Brant, Richard Davis, Tadao Sawai, Ed Blackwell, Sabu Toyozumi, Peter Kowald, Kazuko Shiraishi, Han Bennink, Misja Mengelberg, Marion Brown, Kazutoki Umezu, Kosei Yamamoto, Charlie Haden, Kang Tae Hwan, Kim Dae Hwan, Tom Buckner, Malachi Favors Magoustous y Jack Dejohnette entre muchos otros.
Fuente: musicians.allaboutjazz.com
¿Quién es hoy, el niño prodigio que fue Biréli Lagrène?
Un músico maravilloso, uno de los magos de la guitarra más deslumbrantes, un "coreógrafo" de seis cuerdas como se les cuenta actualmente con los dedos de una mano.
Biréli Lagrène es un guitarrista gitano de jazz, nacido el 4 de septiembre de 1966, en Alsacia, en el municipio de Soufflenheim. Procedente de una familia Manouche, aprendió el repertorio de Django Reinhardt de su hermano y padre.
Desde el principio, la música fue su lengua, y la de Reinhardt fue su escuela. Un destino inevitable cuando uno nace, como él, en Alsacia (en 1966), que uno viene de la gran familia Manouche, y que la suerte le designa como un dotado en la materia.
Espíritu de plata brillante, Biréli entenderá rápidamente la historia. Más allá del rigor de su aprendizaje (con su padre, luego con su hermano), de esta increíble mezcla de fuerza y precisión, Lagrène tendrá la gracia de insignia de no descuidar nunca lo esencial: "Django me ayudó a ir a ver lo que ocurre en otro lugar", le gusta recordar.
Sus primeras grandes actuaciones públicas (especialmente en Montreux, en 1981, LINK) ofrecen un testimonio sorprendente de esta formidable lección de libertad, que fue capaz de captar como ningún otro.
El joven Lagrène se convirtió rápidamente en un virtuoso de la guitarra y conoció a Stéphane Grappelli, un ilustre violinista de jazz del siglo XX. Además de los conciertos con la violinista, durante su adolescencia Biréli participó en varias giras con artistas de renombre como Benny Carter, el contrabajista danés Niels-Henning Ørsted Pedersen, y muchos otros.
Su estilo ha evolucionado con los años y a través de sus encuentros. Al principio, el toque Reinhardt se sintió, pero el joven guitarrista pronto descubrió nuevos horizontes con músicos como Jimi Hendrix y George Benson, y una nueva tendencia musical de fusión de jazz.
Su encuentro con Jaco Pastorius en 1985 le invitó a mejorar como bajista, un instrumento con el que Biréli a veces podía tocar en directo. Cuatro años más tarde, con Larry Coryell y Al di Meola, formó un trío de destacados guitarristas.
Los años 90 fueron para Biréli los años de reconocimiento y consagración, obtenidos jugando con las normas ("Vivir en Marciac", 1994). Vertu de clasicismo (ya que Lagrène también tiene esta tarjeta en stock).
En cuanto a sus álbumes, Biréli Lagrène prueba suerte en varios universos, un periodo acústico con el álbum Acoustic Moments en 1990, una fusión del periodo jazzístico con los álbumes Inferno y Foreign Affairs en 1988 y 1989, y una reinterpretación de los estándares del jazz en 1992 con el álbum Standards. De nuevo en 1994, compuso un trío con Chris Mink Doky y André Ceccarelli, ex baterista de Les Chats Sauvages.
Django d'Or en 1993, Victoire de la Musique en 2001 y 2002, Biréli recogió trofeos, y asumió un reto increíble en los albores de la década de 2000: reproducir la música de sus orígenes, sin dejar de ser él mismo. En este juego normalmente peligroso, es (solo, frente al espejo) uno de los pocos que no se hunde en la trampa del narcisismo.
La epopeya del "Proyecto Gitano", un ejercicio de alto vuelo y una verdadera proeza, es un triunfo (que culmina con un "Live in Vienna" absolutamente desaliñado). Así que el círculo se ha completado, y cuando llegue el momento de que uno de los más grandes guitarristas de esta época vaya a nuevas orillas. Nueva fórmula, nueva inspiración y nueva música para explorar, más cerca del blues, para un hombre definitivamente "en movimiento".
En 1999, en colaboración con el guitarrista Sylvain Luc, trabajó en el álbum Duet. Gipsy Project muestra el regreso de Biréli a sus primeras emociones. El año 2006 vio dos discos del guitarrista gitano, pero en diferentes registros para él, To Bi Or Not To Bi un álbum en solitario y Djangology con la WDR Big Band.
Vuelve al jazz fusión en 2008 con el álbum Electric Side. Este álbum cubre algunas de sus composiciones con la colaboración de un DJ. En 2009, Gipsy Trio marca su regreso al jazz gitano con colaboraciones ya refinadas, entre las que destacan el contrabajista Diego Imbert, el guitarrista Hono Winterstein y el saxofonista Franck Wolf.
En 2012, el Ministro de Cultura, Frédéric Mitterrand, le otorgó el Chevalier de l'Ordre des Arts et des Lettres (Caballero de la Orden de las Artes y las Letras), un premio que reconoce a Biréli Lagrène en su campo artístico favorito, la música.
Desde 2015, Lagrène alterna entre el Proyecto Gitano y el cuarteto de Antonio Farao.
Fuente: bireli-lagrene.fr
Benjamin David Goodman nació el 30 de mayo de 1909 en Chicago, Illinois. Fue el octavo hijo de los inmigrantes David Goodman y Dora Grisinsky Goodman, que abandonaron Rusia para escapar del antisemitismo. La madre de Benny nunca aprendió a hablar inglés. Su padre trabajaba para un sastre para mantener a su numerosa familia, que finalmente llegó a tener un total de 12 hijos, y tenía problemas para llegar a fin de mes.
Cuando Benny tenía 10 años, su padre lo envió a estudiar música en la Sinagoga Kehelah Jacob en Chicago. Allí, Benny aprendió el clarinete bajo la tutela del miembro de la Sinfónica de Chicago Franz Schoepp, mientras que dos de sus hermanos aprendieron tuba y trompeta. También tocó en la banda en el famoso asentamiento social de Jane Addams, Hull-House.
La aptitud de Benny para el clarinete se hizo evidente de inmediato. Cuando aún era muy joven, se convirtió en músico profesional y tocó en varias bandas en Chicago. Tocó con su primera banda de foso a la edad de 11 años, y se convirtió en miembro de la Federación Americana de Músicos cuando tenía 14, cuando dejó la escuela para continuar su carrera en la música. Cuando su padre murió, Benny, de 15 años, usó el dinero que ganó para ayudar a mantener a su familia. Durante estos primeros años en Chicago, tocó con muchos músicos que más tarde serían reconocidos a nivel nacional, como Frank Teschemacher y Dave Tough.
Cuando Benny tenía 16 años, fue contratado por la banda de Ben Pollack y se mudó a Los Ángeles. Permaneció con la banda durante cuatro años, y se convirtió en un solista destacado. En 1929, el año que marcó el inicio de la Gran Depresión y un tiempo de angustia para Estados Unidos, Benny dejó la banda de Ben Pollack para participar en sesiones de grabación y programas de radio en la ciudad de Nueva York.
Luego, en 1933, Benny comenzó a trabajar con John Hammond, un promotor de jazz que más tarde ayudaría a lanzar las carreras de grabación de Billie Holiday y Count Basie, entre muchos otros. Hammond quería que Benny grabara con el baterista Gene Krupa y el trombonista Jack Teagarden, y el resultado de esta sesión de grabación fue el inicio de la popularidad nacional de Benny. Más tarde, en 1942, Benny se casaría con Alice Hammond Duckworth, la hermana de John Hammond, y tendría dos hijas: Rachel, que se hizo concertista de piano, y Benji, que se hizo violonchelista.
Benny dirigió su primera banda en 1934 y comenzó unos meses en el Music Hall de Billy Rose, tocando los arreglos de Fletcher Henderson junto con los miembros de la banda Bunny Berigan, Gene Krupa y Jess Stacy. La música que tocaban tenía sus raíces en las formas de jazz sureño de ragtime y Dixieland, mientras que su estructura se adhería más a la música arreglada que a sus contrapartes de jazz más improvisadas. Esto le dio una accesibilidad que atrajo a audiencias americanas en una escala amplia. Estados Unidos comenzó a escuchar a la banda de Benny cuando se aseguró un compromiso semanal para su banda en el programa de radio de la NBC «Let’s Dance», que fue grabado con público en vivo.
La nueva música swing hizo bailar a los niños cuando, el 21 de agosto de 1935, la banda de Benny tocó en el Palomar Ballroom de Los Ángeles. El concierto fue sensacional y marcó el comienzo de los años en que Benny reinará como King: la Era del Swing.
Adolescentes y estudiantes universitarios inventaron nuevos pasos de baile para acompañar la nueva sensación musical. La banda de Benny, junto con muchos otros, se convirtió en un gran éxito entre oyentes de diferentes orígenes en todo el país.
Durante este período Benny también se hizo famoso por ser daltónico cuando se trataba de segregación racial y prejuicios. El pianista Teddy Wilson, afroamericano, apareció por primera vez en el Ben ny Goodman Trio en el Congress Hotel en 1935. Benny agregó a Lionel Hampton, que más tarde formaría su propia banda, a su Cuarteto Benny Goodman al año siguiente. Aunque estos grupos no fueron los primeros en presentar tanto a músicos blancos como negros, la popularidad nacional de Benny ayudó a hacer que los grupos racialmente mezclados fueran más aceptados en la corriente principal. Benny dijo una vez: «Si alguien lo tiene, que se lo dé». Vendo música, no prejuicios».
El éxito de Benny como icono de la Era del Swing llevó a la revista Time en 1937 a llamarlo el «Rey del Swing». Al año siguiente, en la cúspide de la Era del Swing, la banda de Benny Goodman, junto con los músicos de las bandas Count Basie y Duke Ellington, hicieron historia como la primera banda de jazz en tocar en el prestigioso Carnegie Hall de Nueva York.
Después del concierto en el Carnegie Hall, la banda de Benny Goodman tuvo muchos cambios en su alineación. Gene Krupa dejó la banda, entre otros, y versiones posteriores de la banda incluyeron a Cootie Williams y Charlie Christian, así como Jimmy Maxwell y Mel Powell, entre otros.
La Era del Swing comenzó a llegar a su fin a medida que Estados Unidos se involucraba más en la Segunda Guerra Mundial. Varios factores contribuyeron a su decreciente éxito, incluyendo la pérdida de músicos en el draft y los límites que el racionamiento de gas puso a las bandas de gira. Sin embargo, aunque los días de las big band estaban llegando a su fin y nuevas formas de música estaban emergiendo, Benny continuó tocando música en el estilo swing. Se adentró en el movimiento «bop» de los años cuarenta, pero nunca sucumbió, como el resto del mundo, al encanto de las influencias del rock and roll en los años cincuenta y sesenta. En lugar de eso, Benny probó la música clásica, haciendo solos con las principales orquestas y estudiando con el aclamado clarinetista clásico Reginald Kell.
Estas apariciones demostraron aún más el rango de Benny como músico. Su talento era incuestionable desde que tenía 10 años, y en las sesiones de grabación a lo largo de su carrera, rara vez cometió errores. Krell le había ayudado a mejorar algunas de sus técnicas, haciendo que el juego de Benny fuera aún más fuerte.
En 1953, la banda de Benny planeó unirse a Louis Armstrong y a sus All Stars en una gira juntos, pero los dos líderes de la banda discutieron y la gira nunca abrió en el Carnegie Hall, como se había planeado. No es seguro si la gira fue cancelada debido a la enfermedad de Benny o al conflicto entre los líderes de la banda. El resto de la década marcó la difusión de la música de Benny a nuevas audiencias alrededor del mundo. La historia de Benny Goodman, una película que narra su vida, se estrenó en 1955, exponiendo a un público nuevo y más joven a su música. Benny también recorrió el mundo, llevando su música a Asia y Europa. Cuando viajó a la URSS, un escritor observó que «la música swing que una vez había puesto a los jitterbugs bailando en los pasillos de Paramount casi hizo estallar el Telón de Acero».
A finales de los años 60 y 70, Benny apareció en reuniones con los otros miembros de su cuarteto: Teddy Wilson, Gene Krupa y Lionel Hampton. En 1978, la banda de Benny Goodman también se presentó en el Carnegie Hall para conmemorar el 30 aniversario de su primera presentación en un concierto de jazz.
En 1982, Benny fue honrado por el Centro Kennedy por sus logros de toda una vida en la música swing. En 1986, recibió un doctorado honoris causa en música de la Universidad de Columbia y el Grammy Award for Lifetime Achievement. Continuó tocando la música que definió su vida en conciertos ocasionales hasta su muerte en junio de 1986, por paro cardíaco. Fue sepultado después de un breve servicio no sectario con alrededor de 40 familiares y amigos presentes el 15 de junio de 1986 en el cementerio de Long Ridge en Stamford, Connecticut. A través de su asombrosa carrera, Benny Goodman no cambió su estilo para ajustarse a las últimas tendencias, sino que retuvo el sonido original que definió la Era del Swing y lo convirtió en el rey del Swing de renombre mundial.
Fuente: allaboutjazz.com
Traducción: deepl.com
La revista Musician lo nombró en su lista de los 100 mejores guitarristas y después de lanzar más de 60 álbumes como líder y tocar en docenas más como sideman en los últimos 40 años, Larry Coryell definitivamente se ganó ese honor. Explorando el sonido de las seis cuerdas en un número extraordinario de escenarios, ha hecho jazz directo, guitarra solista de influencia clásica, funk-rock fusión, dúos y tríos de guitarra y pop ligero con algunos de los nombres más importantes del jazz.
Nacido el 2 de abril de 1943 en Galveston , Texas, (falleció el 19 de febrero de 2017) Coryell creció en Richland, Washington, y comenzó su carrera musical en la escena rock y pop de Seattle. También estudió guitarra clásica, y desarrolló sus chuletas de jazz después de mudarse a la ciudad de Nueva York en 1965. Tocó con grupos dirigidos por Chico Hamilton y Gary Burton antes de empezar sus propias bandas. En 1973, formó The 11th House con Randy Brecker, Mike Mandel, Danny Trifan y Alphonse Mouzon, y su debut, Introducing The 11th House, fue uno de los álbumes pioneros de la fusión jazz-rock.
En una entrevista de 1997, Coryell le contó al periodista y músico Mike Starling sobre la atmósfera que llevó a los músicos de jazz a experimentar con la música rock: «Hoy en día, a todo el mundo le gusta el jazz directo, pero durante ese tiempo, el jazz directo era un poco plano comparado con todas las cosas emocionantes que estaban sucediendo en la música rock y pop», dijo. «Quiero decir, las barreras se estaban derribando a diestra y siniestra, los iconos se estaban rompiendo. Recuerdo que entré en (un club) y escuché a un tipo muy, muy, muy famoso – no diré quién fue – tocar’Round Midnight’ y me sonó aburrido como el infierno. Pero eso pasó. Después de que la parte emocionante de la era de la fusión se apagó, el directo empezó a sonar mejor otra vez».
Tres años y cuatro álbumes más tarde, el grupo se disolvió, y Coryell se centró durante un tiempo en la guitarra acústica, grabando una serie de sesiones en solitario, dúo y trío con guitarristas como Joe Beck, Steve Khan, Emily Remler y Philip Catherine. Las posteriores salidas acústicas incluyeron una gira con John McLaughlin y Paco de Lucía bajo el nombre de The Guitar Trio – una película llamada Meeting of Spirits documentó sus conciertos.
No es que Coryell se haya alejado de la electricidad. Se reunió con Mouzon en la Coryell/Mouzon Band a finales de los 70. En los 80, participó en una sesión de guitarra de cinco vías con John Scofield, Larry Carlton, John Abercrombie y Tal Farlow, uno de sus primeros héroes del jazz. En la década de los 90, grabó una serie de discos dirigidos al mercado del smooth jazz, un movimiento que más tarde calificó de «demasiado limitante». En 1997 se reunió con el baterista Billy Cobham (con quien grabó el disco de fusión Spaces 23 años antes) en una sesión llamada Spaces Revisited.
«El problema es que cuando tratas de meterte en esa nueva cosa adulta contemporánea, al menos en mi caso, bajas tus estándares musicales a tal grado que podrías llevar a Joe Schmo a la calle y hacer que tocara mi solo y no importaría», dijo Coryell a Starling después del lanzamiento de Spaces Revisited. «¡Y no puedo soportarlo! Fue como un mal necesario para entrar en esa nueva cosa de adultos contemporáneos por un tiempo, porque, ya sabes, es la única manera de obtener su nombre en frente del público a veces. Y es cierto que, a veces, algunas de esas cosas de Grover Washington y (otros) son interesantes, pero descubrí que eran demasiado blandas para ser el tipo de fusión que yo conocía. Es todo escala diatónica y unas cuantas ideas de blues y en el momento en que te salías de la escala, el productor en la cabina paraba la toma y decía,’¿Qué estás haciendo? «¡Eso no va a salir en la radio!» Así que, con «Espacios Revisitados», dije que tenía que hacer algo por mí mismo».
El álbum marcó su regreso a un sonido post-bop más aventurero, que desde entonces ha explorado con éxito con una amplia gama de colaboradores estelares. Monk, `Trane, Miles and Me (1999), Cedars of Avalon (2002) y Tricycles (2004) son sólo tres de los mejores álbumes que ha aportado al canon de jazz en los últimos años. También comenzó a enseñar en su alma mater, la Universidad de Washington, es autor de varios libros incluyendo una autobiografía, y diseñó una línea de instrumentos para guitarras Cort. Más de medio siglo después de haber empezado a tocar, el siempre ecléctico Coryell sigue explorando un nuevo territorio de seis cuerdas.
«Es uno de los pioneros de la fusión de jazz y de los campos de jazz rock, uno de los pioneros», dice el bajista Brian Torff.
