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Eliane Elias ::: Ao Vivo

Ao Vivo

Eliane Elias

Candid | Mayo 22, 2026

Cuánto te gustó? 1 estrella

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1 Brasil (Aquarela do Brasil) 5:19
2 Você 4:23
3 Sambou Sambou 5:21
4 Você e Eu (You and I) 4:24
5 Eu Sambo Mesmo (I Really Samba) 3:07
6 Bahia Medley: Saudade da Bahia / Você Já Foi à Bahia 4:12
7 Esta Tarde Vi Llover 4:16
8 At First Sight 7:25
9 A Felicidade 8:05
10 Só Danço Samba 5:40

Eliane Elias, piano, vocals
Leandro Pellegrino, guitar
Marc Johnson, bass
Rafael Barata, drums

Grabado íntegramente durante una noche única en el Miner Auditorium del SFJAZZ Center, «Ao Vivo» es un retrato íntimo y vibrante de la multipremiada con los GRAMMY® Eliane Elias en su elemento.

Acompañada por su brillante cuarteto —el guitarrista Leandro Pellegrino, el baterista Rafael Barata y el bajista Marc Johnson—, Elias ofrece una clase magistral sobre el rico espectro rítmico de Brasil, desde la samba y la bossa nova de alto octanaje hasta el baião y los ritmos afrobrasileños.

El repertorio se nutre de la discografía de Elias, ganadora y nominada a los GRAMMY —incluidos Mirror Mirror, Made in Brazil y Quietude—, al tiempo que presenta un nuevo arreglo de «A Felicidade» de Jobim. Con obras de compositores emblemáticos como Antonio Carlos Jobim, Ary Barroso y Dorival Caymmi, el álbum también destaca la evocadora composición propia de Elias «At First Sight» y una pieza del célebre Armando Manzanero.

Con 33 álbumes y más de 500 millones de reproducciones en su haber, Elias sigue definiendo la intersección entre la brillantez del jazz y la sofisticación clásica. Ao Vivo captura la elegancia inconfundible y la energía estimulante de una artista de talla mundial que comparte un diálogo musical auténtico y de alto nivel con el público en directo.

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Eliane Elias, pianista, cantante, compositora y arreglista ganadora de múltiples premios GRAMMY® y LATIN GRAMMY®, posee un estilo musical distintivo, único e inconfundible en el jazz y la música brasileña. Combina sus raíces brasileñas y su cautivadora voz con su virtuosismo instrumental en jazz, música clásica y composición, demostrando constantemente su maestría pianística y su capacidad para integrar los diversos roles artísticos que desempeña.

Con el lanzamiento de su álbum de 2024, Time and Again, Eliane Elias reafirma su versatilidad como artista innovadora que continúa alcanzando nuevas cotas en una brillante trayectoria de décadas. La música de Time and Again refleja el mismo nivel de arte e ingenio que Elias ha demostrado a lo largo de su carrera. Nos sorprende una y otra vez con su creatividad, esta vez, presentando un álbum completo de composiciones propias con letras en inglés y portugués. Hasta la fecha, Eliane ha ganado dos premios GRAMMY® (2016 y 2022) y dos premios Latin GRAMMY® (2017 y 2022) y ha sido nominada en 5 categorías diferentes, habiendo recibido 11 nominaciones a los premios GRAMMY® y Latin GRAMMY® hasta el momento.

Con 32 álbumes y más de 2.5 millones de álbumes vendidos hasta la fecha, Eliane ha realizado giras en 78 países, ha recibido cuatro discos de oro, tres veces el premio al Mejor Álbum Vocal en Japón y el premio Edison a la Trayectoria Artística 2018 en Holanda, por mencionar algunos galardones. Sus álbumes de 2019 y 2021 (Love Stories y Mirror Mirror) fueron votados como "Mejor Álbum del Año - Obra Maestra" por Downbeat. Eliane recibió dos nominaciones a los premios LIBERA al Mejor Disco de Jazz Latino (2017 y 2023). Tiene una fuerte presencia en Spotify con casi 500 millones de reproducciones y más de 33 millones de escuchas de su canción "Little Paradise". Tres de sus álbumes más recientes debutaron en el número 1 en las listas Billboard Jazz y Billboard World Music.

Al igual que la mayoría de sus lanzamientos anteriores, su álbum de 2024, "Time and Again", alcanzó el número 1 en varias listas de jazz a nivel mundial, incluyendo iTunes y Amazon Best Seller en los EE. UU. Las presentaciones en vivo de Eliane muestran su habilidad con el piano, la voz, los arreglos y la composición, junto con su carismática personalidad, brindando un amplio espectro de experiencias musicales y presentaciones únicas al público con la música de su Brasil natal. Fusionando su inmenso talento en jazz, música brasileña, clásica y pop, Eliane Elias es, como la revista Jazziz la ha llamado, "una ciudadana del mundo" y "una artista sin categoría".

elianeelias.com

John Beasley & SWR Big Band ::: Invisible Piano

Invisible Piano

John Beasley & SWR Big Band

O-tone | Mayo 8, 2026

Cuánto te gustó? 1 estrella

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1 Concentric 5:05
2 Woman with Chariot 5:31
3 Galaha 5:16
4 Invisible Piano 7:25
5 Danseur Espagnol 5:46
6 Fire and Rain 4:37
7 Can't Hide Love 4:43

SWR Big Band
John Beasley, piano, musical director
Special Guest:
Magnus Lindgren, flute

John Beasley SWR Big Band Composed (Track 1-5), Arranged & Conducted by John Beasley
Mixing and Mastering: Klaus-Peter Schöpfer
Producers: John Beasley and Hans-Peter Zachary
Executive Producer: Uwe Hager
Production Coordinator: Lorna Chiu
Recorded 3-6 June 2023 at SWR Funkstudio, Stuttgart, Germany

«John Beasley, antiguo teclista de Freddie Hubbard y Miles Davis, cuya interpretación refleja una variedad de influencias generacionales, incorporando los enfáticos racimos de acordes de Herbie Hancock, la peculiaridad rítmica de Monk y la exuberante inteligencia de Art Tatum en
un estilo personal muy refinado».
Los Angeles Times

«Lo que se escucha en este disco es el sonido de una mente en movimiento: pensamientos musicales en bruto que alzan el vuelo y se convierten en algo orquestal, cinematográfico y profundamente humano. Es el espacio donde el intelecto se encuentra con la emoción, donde el riesgo se une al refinamiento. Se trata de una obra intrépida y nada menos que extraordinaria. Y es exactamente así como debería sonar el futuro de la música».
Terrence Blanchard

«Invisible Piano» es un viaje audaz entre bastidores a la mente creativa del pianista, compositor y arreglista ganador de un Grammy John Beasley. Por encargo de la SWR Big Band, Beasley recibió una invitación excepcional: comenzar al piano, improvisar sin límites y transformar esas chispas en bruto en obras orquestadas de gran envergadura.

Los primeros bocetos musicales surgieron en un lugar inesperado: el Museo Staatsgalerie de Stuttgart. Conmovido por el arte visual que le rodeaba, Beasley comenzó a cantar en voz baja ideas melódicas en su iPhone, capturando la inspiración en el mismo instante en que la emoción se unía a la imaginación. Entre las obras que encontró se encontraba un cuadro de Max Ernst titulado Invisible Piano. La imagen permaneció en su mente, convirtiéndose finalmente en el ancla conceptual y el título del álbum. Estos primeros fragmentos se convirtieron en las semillas de una exploración profundamente personal sobre cómo la música comienza a tomar forma.

En el corazón del proceso creativo se encuentra el Steinway Spirio, un revolucionario piano automático capaz de grabar y reproducir cada matiz de la interpretación. A medida que esta tecnología se fusionaba con el amplio pensamiento musical de Beasley, Invisible Piano evolucionó hasta convertirse en un estudio de cómo las ideas musicales resuenan, mutan y encuentran su forma, no solo en el sonido, sino también en la forma, el color y la estructura. Cada tema ofrece una ventana a esa transformación: el instinto convirtiéndose en arquitectura, el lenguaje del jazz desplegándose en un diálogo sinfónico. El álbum incluye cinco composiciones originales y dos arreglos de John Beasley, quien también ejerce de director y pianista junto a la SWR Big Band. Más que un álbum, Invisible Piano es un retrato inmersivo de la alquimia musical, donde los ecos se convierten en forma, las formas en sonido y la imaginación en realidad.

***

SWR Big Band

Con sede en Stuttgart, es una de las orquestas de jazz más destacadas de Europa y es reconocida por su maestría musical de primer nivel, su versatilidad estilística y sus colaboraciones con artistas de renombre de todo el mundo. Invisible Piano es el segundo álbum del conjunto con John Beasley, tras su aclamado proyecto Bird Lives, que recibió tres nominaciones a los Grammy y ganó el premio al Mejor Arreglo en 2021. Beasley y la SWR Big Band siguen ampliando los límites del jazz para grandes conjuntos con obras audaces e imaginativas, entre las que se incluye otro proyecto de próxima aparición titulado Secrets con Lionel Loueke.

John Beasley

El pianista, compositor y arreglista John Beasley ha forjado una carrera que abarca diversos géneros, tendiendo puentes entre el jazz, la música clásica, el pop y la música para cine y televisión. Un camaleón musical con profundas raíces en el jazz, saltó a la fama a los veinte años tocando con Miles Davis y Freddie Hubbard, y desde entonces ha colaborado con artistas como Dianne Reeves, Christian McBride, Chaka Khan, Chucho Valdés y Steely Dan.

Entre las aclamadas grabaciones de Beasley se incluyen la trilogía MONK’estra, ganadora de dos premios GRAMMY® y nominada en catorce ocasiones; Bird Lives, Returning to Forever, El Trio, Maria Mendes y Positootly!, así como dos nominaciones a los GRAMMY Latinos, lo que refleja su amplio impacto como compositor, arreglista y productor.

Como director musical del Herbie Hancock Institute of Jazz, Beasley dirige los conciertos de gala del Día Internacional del Jazz, retransmitidos a nivel mundial y celebrados en ciudades como Estambul, La Habana, Osaka y Tánger, siendo Chicago la sede en 2026. Su dirección musical para Jazz at the White House le valió una nominación a los Emmy.

En 2026, Beasley conmemorará los centenarios de Miles Davis y John Coltrane a través de cinco grandes proyectos. El más destacado de ellos es Unlimited Miles, un nuevo conjunto que dirigirá en una gira mundial que comenzará en marzo. En colaboración con Marcus Miller, Beasley reinterpretará Tutu y Amandla con la Metropole Orkest. Dirigirá a la NDR Big Band de Hamburgo interpretando su reinterpretación de Filles de Kilimanjaro, y con la HR Big Band de Fráncfort, con Isaiah Collier como solista, explorará la música de Coltrane. En Suecia, Beasley conmemorará el triple centenario de Miles, Coltrane y la sala de conciertos Konserthuset de Estocolmo revisitando el repertorio de los conciertos históricos que Miles y Coltrane ofrecieron en ese legendario recinto. Entre tanto, Beasley seguirá de gira con Dianne Reeves y sacará tiempo para un concierto con su propia MONK’estra.

Entre los próximos lanzamientos se incluyen Unlimited Miles: Live from Blue Note Tokyo (Mack Avenue Records). Cuando no está de gira, Beasley colabora estrechamente con el compositor Thomas Newman, 15 veces nominado al Óscar, contribuyendo a importantes bandas sonoras de películas como Skyfall y Spectre, y uniéndose a Newman en la próxima película de Star Wars.

johnbeasleymusic.com
swr.de

Chris Potter ::: Alive With Ghosts Today

Alive With Ghosts Today

Chris Potter

Edition Records | Mayo 8, 2026

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1 Alive With Ghosts Today 1 1:58
2 Osawatomie Brown 7:32
3 The Heavens In Scarlet 7:56
4 Sister Annie 5:50
5 This Earth Would Have No Charms For Me 6:37
6 Into Africa 8:28
7 Mine Eyes 8:56
8 Alive With Ghosts Today 2 2:25

Chris Potter, tenor and soprano saxophones
Bill Frisell, guitar
Burniss Travis, bass
Nate Smith, drums
Rane Moore, clarinet
Zekkereya El-magharbel, trombone
Sara Caswell, violin

Music composed by Chris Potter
Except D1 and D2:
D1 (Song of the Underground Railroad) – John Coltrane, Traditional
D2 (Going Home) – Excerpt from Dvo?ák: Symphony No. 9 in E-minor 'From the New World'

Produced by Chris Potter
Executive Producers: Dave Stapleton and Louise Holland
Recorded at Sear Sound, NYC on 24th - 26th March, 2025

Recorded by Chris Allen
Assistant Engineer: Maximilian Troppe
Mixed by Chris Allen at Second Take Sound Studio B
Mastered by Nate Wood

Album artwork by Oli Bentley, Split
Photos by Dave Stapleton

Alive With Ghosts Today de Chris Potter reúne a Bill Frisell, Nate Smith y Burniss Travis con Rane Moore (clarinete), Zekkereya El-Magharbel (trombón) y Sara Caswell (violín) en una formación deliberadamente atípica que sitúa el saxo tenor y soprano de Potter en un universo sonoro texturizado y de escala humana. Compuesto en torno a la historia del abolicionista John Brown y el asalto a Harper's Ferry en 1859, el álbum aborda un momento que expuso profundas fracturas en el corazón de la narrativa estadounidense. «Es una historia que concentra la complejidad y la tragedia de Estados Unidos en un solo instante», afirma Potter. «Me pareció importante abordarla ahora».

“No quería una gran orquesta ni una orquesta sinfónica; quería algo intermedio, casi como una banda de pueblo un poco rebelde”, explica Potter. Inspirándose en la espontaneidad de Copland, el blues, el góspel y los ritmos africanos, la instrumentación crea una atmósfera claramente estadounidense, arraigada pero sutilmente innovadora. Compuesto pensando en voces específicas y moldeado por la seriedad y la concentración de los músicos, el proyecto comenzó, como dice Potter, “como una esperanza y una plegaria”, antes de convertirse en algo colectivo, “más grande que cualquiera de nosotros”.

Extracto de las notas del álbum:

Como muchos estadounidenses, me cuesta comprender todas las complejidades y contradicciones de nuestro país. Mirar al pasado a menudo nos ayuda a entender el presente. Con ese espíritu, compuse esta música, explorando el legado de la incursión de John Brown.

La noche del 16 de octubre de 1859, John Brown lideró a un grupo birracial de 22 hombres para tomar el Arsenal de los Estados Unidos en Harper’s Ferry, Virginia. Su intención era iniciar una revuelta de esclavos y lograr la libertad para todos los esclavos del Sur. Diez de los asaltantes murieron durante la incursión, seis fueron juzgados y ejecutados, y cinco escaparon. Los asaltantes también mataron a seis personas. El propio Brown fue ahorcado el 2 de diciembre de 1859.

Brown era profundamente religioso y absolutamente decidido. Siendo blanco, dedicó su vida a la causa abolicionista y estaba dispuesto a usar la violencia para lograrla. Aunque la incursión de Harper's Ferry fracasó, tras su captura, sus declaraciones de condena de la esclavitud lo convirtieron en un héroe en el Norte y prepararon el terreno para la Guerra Civil menos de dos años después.

Chris Potter

chrispottermusic.com
editionrecords.com

Jason Moran, BlankFor.ms, Marcus Gilmore ::: Shards

Shards

Jason Moran, BlankFor.ms, Marcus Gilmore

Red Hook Records | Mayo 1, 2026

Cuánto te gustó? 1 estrella

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1. Shard I 8:01
2. Tape Loop A Echo 5:43
3. Shard II 4:30
4. Shard III 6:42
5. Barbershop 5:52
6. And The Pieces Are Falling 2:48
7. Shard IV 6:06
8. Shard V 4:52

Jason Moran - piano
BlankFor.ms - electronics, tape loops, processing
Marcus Gilmore - drums

Recorded: 19-20 October 2024
The Bridge Studio, Brooklyn NY
Engineer: Amon Drum, Greg Tock
Mixing: Rick Kwan
Mastering: Taylor Deupree
All photos: Ingo J. Biermann
Cover Art: Laura Charlton
Design: Matthew Appleton

Produced by Sun Chung

La interpretación y la transformación se funden en una sola entidad en Shards, el esperado segundo álbum del pianista Jason Moran, el músico electrónico BlankFor.ms y el baterista Marcus Gilmore. Con lanzamiento previsto para el 1 de mayo de 2026 a través de Red Hook Records, Shards continúa la exploración sonora que el trío inició en Refract (2023), profundizando en las posibilidades del diseño y la construcción de eventos musicales en tiempo real.

Mientras que Refract exploraba la intersección entre los mundos analógico y digital, en Shards el grupo se muestra cómodamente asentado en su sonido y se toma su tiempo, desarrollando los eventos a lo largo de piezas más extensas. Mientras Moran y Gilmore tocan, BlankFor.ms captura microfragmentos de sonido —acelerados, ralentizados, invertidos, granulados— y los devuelve a sus colaboradores como destellos en un espejo roto. El trío recibe ecos de su pasado inmediato, o incluso de épocas más lejanas, y reúne estos fragmentos temporales en improvisaciones que poseen la unidad orgánica de las pinturas al tiempo que funcionan como collages sonoros.

La interacción entre los instrumentos acústicos y la electrónica da lugar a fascinantes ambigüedades sonoras. BlankFor.ms navega entre extremos, generando en ocasiones texturas de ruido ásperas y complejas y, en otras, creando paisajes sonoros exuberantes y hermosos. Moran pasa de pasajes delicados y rapsódicos a un terreno más áspero y angular, mientras que Gilmore impulsa ritmos contagiosos junto a momentos de pura abstracción y espacio. La mezcla de timbres a menudo oscurece sus fuentes, creando un paisaje sonoro envolvente donde el piano, la batería y el sonido procesado se entrelazan en un único todo multidimensional.

El marco conceptual del álbum se centra en la fragmentación y la reconstrucción. Como señalan las notas del disco, «el piano y la batería se pliegan entre sí y sobre sí mismos, dando vueltas entre sonido, datos, pasado y futuro: información que se mueve a la velocidad del rayo de las mentes de los músicos». Cada gesto musical de estos intérpretes deja una huella en tres dimensiones virtuales, dando forma a un número infinito de imágenes a medida que suena el disco.

Tras la acogida de la crítica a Refract, que The New York Times elogió por su trabajo «a través de medios y estilos, con elementos compuestos y bucles preparados», Shards representa una maduración del lenguaje colaborativo del grupo. El espectro de ideas es amplio. Los pasajes meditativos dan paso a la abstracción exploratoria, y los ritmos angulares coexisten con la melodía lírica.

A lo largo de todo el álbum, la calidad de la producción mantiene la meticulosa atención a los detalles sonoros característica de Red Hook Records, presentando la intrincada interacción del trío con una claridad y una presencia notables.

Shards crea una música de expansividad íntima a partir de historias encarnadas, el tiempo y la tecnología, un disco en el que el proceso de endurecimiento, fractura y reconstrucción ocurre en directo, con cada astilla de tiempo llevada a la superficie de la percepción.

«Lo más llamativo es lo consolidados que suenan. *Refract* fue el apretón de manos; *Shards* es la conversación».
UK Vibe - Steve Williams

?«Prepárate para ser transportado a otro mundo».
Lament For A Straight Line - Jim Macnie

«En Refract, de 2023, los resultados fueron casi mágicos, redefiniendo prácticamente el difuso término denominado nu jazz. El trío se reúne de nuevo para Shards y retoma el hilo justo donde lo dejaron».
The Big Takeover - Michael Toland

??«Shards es el sonido de tres músicos que han encontrado un lenguaje común y lo hablan con fluidez».
Jazz Views - Tim Larsen

«El nuevo álbum es una extensión natural de Refract. Escúchalos juntos. Emocionante y hermoso, sin duda alguna».
The Moderns

Elina Duni, Rob Luft ::: Reaching for the Moon

Reaching for the Moon

Elina Duni & Rob Luft

ECM | Abril 24, 2026

Cuánto te gustó? 1 estrella

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1 Reaching for the Moon 4:57
2 Cammina Cammina 5:19
3 Les Berceaux 2:58
4 Ani More Nuse 3:14
5 Foolish Flame 4:02
6 Leili Lullaby 5:38
7 Zambaku i Prizrenit 5:08
8 Yumeji's Theme / Sleep Safe and Warm 2:54
9 Magnolia 2:54
10 Your Arms 4:52
11 Lonely Woman 4:48

Elina Duni - Voice, Percussion
Rob Luft - Guitars, Electronics

Recorded June 2025, Studios La Buissonne, Pernes les Fontaines

Reaching for the Moon es el sexto álbum de Elina Duni con ECM y el tercero con Rob Luft. La cantante suizo-albanesa y el guitarrista británico han estado desarrollando su proyecto musical desde 2017, cuando se conocieron en un taller del Festival de Jazz de Montreux. Comparten intereses en un amplio espectro musical, como se refleja en sus álbumes de cuarteto Lost Ships (2020) y A Time To Remember (2023). El nuevo álbum, que presenta únicamente al dúo principal de voz y guitarra, es el más íntimo hasta la fecha y, a su manera sutil, tan aventurero y de gran alcance como sus predecesores. Su atmósfera silenciosa a menudo evoca la noche, y las letras de las composiciones originales del dúo y las piezas que han elegido interpretar aluden frecuentemente a aspectos nocturnos. El programa comienza con «Reaching for the Moon» de Irving Berlin y concluye con «Lonely Woman» de Ornette Coleman, cuya letra de Margo Guryan empieza con «Sola en la noche vaga…».

La canción que da título al álbum, versionada en numerosas ocasiones y compuesta originalmente por Irving Berlin para la película homónima de 1930, ha cautivado a muchos cantantes de jazz a lo largo de las décadas, entre los que destacan las interpretaciones de Frank Sinatra y Ella Fitzgerald. La versión de «Reaching for the Moon» de Duni/Luft es minimalista y evocadora, con la guitarra acompañando y apoyando la voz de delicada frase, embelleciendo la melodía y subrayando el significado de la letra.

Dos melodías adicionales asociadas a las películas son hábilmente entrelazadas por el dúo: el tema de Yumeji, del compositor japonés Shigeru Umebayashi, da paso a «Duerme tranquilo y a salvo», del polaco Krzysztof Komeda. Esta última melodía, una inquietante nana de El bebé de Rosemary de Polanski, resultará familiar para los oyentes de ECM gracias a las interpretaciones de Tomasz Stanko y el Marcin Wasilewski Trío . El melancólico tema de Umebayashi, que acompaña las apariciones fantasmales en la película japonesa Yumeji, también fue ampliamente reutilizado por Wong Kar Wai para Deseando amar. Elina Duni interpreta los temas de las películas sin palabras, utilizando su voz como un instrumento puro.

La canción artística «Les Berceaux», del compositor francés Gabriel Fauré, habría encajado a la perfección en «Lost Ships», con sus imágenes de hombres atraídos por mares traicioneros y mujeres abandonadas a mecer cunas en el muelle. «Cammina Cammina», del cantautor italiano Pino Daniele, también nos transporta al puerto, donde un anciano aguarda la muerte bajo la luz de la luna…

La cantante multilingüe Duni añade sutiles ritmos de tambor a «Ani More Nuse», una pieza tradicional de Kosovo, y a «Leili Lullaby», compuesta por la cantante persa Mahsa Vadat. La nana también incluye un elegante y melódico solo de guitarra de Luft.

Las composiciones originales de Duni y Luft —«Foolish Flame», «Magnolia» y «Your Arms»— son canciones de amor que se sitúan entre el jazz, el folk y la chanson. La flexibilidad vocal de Duni le permite moverse con facilidad entre diferentes estilos, y Luft no es menos ingeniosa, recurriendo a influencias que incluyen a Nick Drake y a Bill Frisell.

Nacida en Tirana, Albania, en 1981, Elina Duni dio sus primeros pasos en el escenario a los cinco años, cantando para la Radio y Televisión Nacional. En 1992, se instaló en Ginebra, donde comenzó a estudiar piano clásico y posteriormente descubrió el jazz. Sus estudios de jazz en la Hochschule der Künste de Berna la llevaron a formar su cuarteto con Colin Vallon, Patrice Moret y Norbert Pfammatter, un grupo que duró más de 10 años. La fusión de canciones folclóricas balcánicas e improvisaciones del grupo en álbumes como Matanë Malit (Más allá de la montaña) y Dallëndyshe (La golondrina), publicados por ECM, fue ampliamente elogiada por su sutileza y destreza.

En 2017, Duni grabó el extraordinario álbum en solitario Partir, en el que tocó todos los instrumentos y cantó en nueve idiomas. Sus primeros conciertos con Rob Luft dieron continuidad al proyecto Partir, donde el guitarrista expandió el universo sonoro atmosférico de las canciones con electrónica y efectos. Esto derivó en una colaboración donde ambos músicos establecieron sus propios parámetros creativos.

Rob Luft nació en el sur de Londres en 1993. Comenzó a tocar con la Orquesta Nacional Juvenil de Jazz de Gran Bretaña a los 15 años, antes de estudiar en la Real Academia de Música. Tras graduarse en 2016, recibió el Premio de Jazz Kenny Wheeler de la academia y, desde entonces, ha sido galardonado con numerosos premios, entre los que destacan los Premios Parlamentarios de Jazz del Reino Unido 2025, donde fue elegido Instrumentista del Año.

Además de «Lost Ships» y «A Time To Remember» con Elina Duni, Rob Luft también ha colaborado con el cuarteto de John Surman en el álbum «Words Unspoken» de ECM.

elinaduni.com
robluft.co.uk