Más conocido en todo el mundo por el grupo que lleva su nombre, Carlos Santana ha estado reinventando y remodelando el paisaje de la conocida cultura musical del universo durante casi cuatro décadas. Un artista visionario sin tener en cuenta los límites de los géneros, el sonido fluido de Carlos hace mucho tiempo reivindicó el concepto de «música del mundo» antes de que el término apareciera en el radar de la cultura pop. Después de haber evolucionado y expandido durante más de cuatro décadas, el sonido «Carlos» bien podría estar en camino de convertirse en música interplanetaria.
Nacido en Autlán de Navarro, México -donde ahora hay una calle y una plaza pública en su nombre-, hijo de un virtuoso violinista de mariachi, Carlos siguió los pasos musicales de su padre, tomando el violín a la edad de cinco años. Fue cuando su familia se mudó a Tijuana varios años después, sin embargo, que Santana comenzó su relación de toda la vida con el instrumento que lo haría un icono musical – la guitarra. Al principio emuló a sus héroes -John Lee Hooker, T. Bone Walker y B.B. King- a quienes escuchó en poderosas estaciones de radio estadounidenses cuando sus señales cruzaron la frontera.
En 1961, Carlos hizo la travesía por sí mismo, trasladándose de su México natal a San Francisco. Unos años más tarde, formó la Santana Blues Band allí, y los frescos y conmovedores riffs y ritmos de su sonido basado en el blues latino encontraron una audiencia ansiosa por sus innovadoras ideas musicales. Carlos y compañía emergieron como gigantes de la escena musical del Área de la Bahía a finales de los’60, y su fama creció mucho más allá de sus parámetros, mientras que su arte permaneció fiel a su espíritu de vuelo libre.
El éxito masivo siguió rápidamente. A finales de la década, Carlos había tocado en casas repletas de gente en una gira por todo el país, se había presentado en el venerable Ed Sullivan Show y había dejado una huella indeleble en todo el mundo con la legendaria actuación de Santana en el legendario festival de Woodstock en 1969.
Desde entonces no ha disminuido la velocidad.
Miembro del Salón de la Fama del Rock and Roll, Santana ha vendido más de 90 millones de discos y ha tocado ante más de 100 millones de personas en todo el mundo. Ha ganado diez premios GRAMMY®, incluyendo un récord de nueve por un solo proyecto para su 36º álbum, el exitoso disco Supernatural de 1999. Ahora superando los 25 millones en ventas, las citas de Supernatural incluían el Álbum del Año y el Disco del Año para el exitoso sencillo «Smooth».
Más recientemente, Santana obtuvo un GRAMMY por el éxito «The Game Of Love» de su álbum Shaman de 2001. Santana también ha ganado tres premios Latin GRAMMY y en el 2004 recibió el prestigioso premio «Persona del Año» de la Academia Latina de la Grabación. Su último álbum, y tercero para Arista, All That I Am, de 2005, continúa la tradición de Carlos de emocionantes colaboraciones con una mezcla diversa de otros artistas innovadores.
Y con cada premio, cada logro, cada elogio—Carlos Santana ha manejado su éxito con humildad, generosidad y gracia, características de su carácter como individuo y como ciudadano del mundo.
Menos publicitado, pero tan profundo como su legado artístico, es la larga historia de activismo social de Santana y sus contribuciones de tiempo y fondos a causas humanitarias. Como culminación de sus décadas de apoyo a innumerables organizaciones benéficas y agencias sin fines de lucro en todo el mundo, él y su esposa de más de 30 años, Deborah Santana, fundaron su Fundación Milagro en 1998. Con más de $1.8 millones en subvenciones hasta la fecha, Milagro apoya a organizaciones que promueven el bienestar de los niños desatendidos en las áreas de salud, educación y las artes.
Más recientemente, Santana se ha involucrado profundamente en la lucha contra la pandemia del SIDA en Sudáfrica a través de una asociación con ANSA – Artistas para la Nueva Sudáfrica. En 2003 él y Deborah donaron todas las ganancias de la gira americana de Santana a la causa. Otras organizaciones que ha defendido incluyen Hispanic Education and Media Group, Médicos sin Fronteras, Save the Children, Childreach, Rainforest Action Network, Greenpeace, American Indian College Fund, Amnistía Internacional y el Museo de la Tolerancia con sede en Los Ángeles.
Ya en su cuarta década de grabación e interpretación, Carlos Santana está en la cúspide de su carrera, más vital y relevante que nunca. Él encarna magníficamente tanto el virtuosismo de la «vieja escuela» como la frescura de la «nueva escuela», llegando continuamente a las sucesivas nuevas generaciones de fans con su apasionada música. Su firma que fusiona el sonido -rock, jazz, blues, soul, modismos latinos, géneros multiculturales y más- es tan única como instantáneamente identificable. Con su vida de música y logros, Santana se ha convertido en un evento cultural – trascendiendo el género, cruzando culturas – creando la música que se ha convertido en la banda sonora del mundo.
Mamita…!!, que manera de llover, no sé por allá pero acá cae agua como abajo de la ducha. Un día perro para muchos, hermoso para mi, se puede hacer casi lo mismo si le ponés un poco de onda (menos colgar la pilcha afuera) y otras tantas cositas que lo dejamos a vuestra imaginación o necesidad. No me digas que no está genial para calzarte los auriculares (así no espantamos a la bruja!!) y escuchar buena música, como ésto: el saxofonista David Murray desde Blues For Memo (Motéma | Feb 16, 2018) junto al aclamado actor y poeta Saul Williams en una poderosa expresión política del blues, rindiendo homenaje a un pionero de la escena jazzera de Estambul, Mehmet «Memo» Ulug.
Seguimos con el cada vez más arriba en las encuestas y preferencias de criticos y melómanos: el guitarrista estadounidense Julian Lage desde Modern Lore (Mack Avenue | Feb 2, 2018) el muy celebrado y viejo pretendido proyecto de Lage, «un disco de jazz de la forma en que siempre había anhelado hacerlo» destaca el guitarrista. El bajista eléctrico y acústico Brian Bromberg, uno de los más populares defensores del Smooth Jazz un subgénero del movimiento muy menospreciado por su liviandad y débil propuesta musical, acaba de lanzar Thicker Than Water (Mack Avenue | Julio 13, 2018) tal vez no uno de sus mejores discos dentro de ésta categoría pero con pasajes de calidad. Bromberg posee lo que muchos colegas dentro del movimiento Smooth no, una tremenda ductilidad y talento que pasea tanto dentro de la línea mencionada como dentro del Mainstream Jazz donde brilla al mando el acústico.
Otra gran sorpresa es el pianista finlandés Alexi Tuomarila, su último registro Kingdom (Edition Records | Mayo 5, 2017) un discazo desde donde deslumbra y confirma los anticipos y proyecciones que sobre él hacían la prensa especializada como buena parte de consagrados colegas. Fenomenal…
Y hablando de sorpresas, la más increíble de las últimas semanas es la publicación de un disco cuyas cintas originales se dieron por perdidas durante 55 años. El sello Impulse! acaba de publicar Both Directions At Once: The Lost Album (Impulse! | Junio 29, 2018) con viejos registros originales de John Coltrane. Grabado por el legendario Rudy Van Gelder el 6 de Marzo de 1963 y 55 años después su lanzamiento inédito producido por su hijo, el saxofonista Ravi Coltrane, a generado un terremoto como el que pocas veces sacudió al movimiento.
Pasando a otra cosa…, estamos haciendonos una panzada con una serie de TV luego de que mi hijo menor insistiera con ello y resulto que tiene mucho de donde agarrarse: guión, actuaciones, calidad cinematográfica y una música fenomenal. Hablamos de Peaky Blinders, la serie inglesa ambientada en principio de siglo pasado y que narra la vida de una familia de gansters, como ésto es radio difundiremos algo de su música y si te pica podes verla por algun canal de streaming. Nos quedamos con Ball and Biscuit, un blues-rock de la banda norteamericana The White Stripes publicada originalmente en Elephant (XL Recordings | Marzo 19, 2003).
Los dos últimos: el celebradísimo dúo inglés Binker and Moses desde Alive in the East? (Gearbox Records | Junio 22, 2018). Batería y saxo tenor, uno de tantos raros matrimonios pero que, al menos éste, funciona de maravillas. Y cerramos con el quinteto japonés Rabbitoo desde National Anthem of Unknown Country (Naïve | Junio 23, 2014).
Nos estamos viendo…
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Yaron Herman – Y
Blue Note | Marzo 17, 2017
El 12 de julio último pasado cumplió 37 años el fenomenal pianista israelí Yaron Herman y para celebrarlo compartimos completito su último registro Y (Blue Note | Mar 17, 2017) su segundo álbum para Blue Note, el anterior Everyday (Blue Note | Agosto 28, 2015) significó un aumento notable en su popularidad a nivel internacional algo que ya marchaba a ritmo constante y seguro.
Y, el título del álbum, podría tentarnos a pensar en una mera alusión a la inicial de su nombre sin embargo el pianista explica que Y representa a todas las influencias que ha recibido a lo largo de su carrera (una línea, un camino que se bifurca mostrandote dos opciones) y que como en ningúno de sus otros álbunes en éste se palpan todas ellas resultando un disco muy diferente y de hecho el nacimiento de un nuevo proyecto con nueva formación.
«Cuando miro la Y, veo un árbol», explica Yaron Herman. «Alcanza el cielo y termina en un tenedor. Aquí es donde el crecimiento y el juicio comienzan, pero también la separación y la división. Entonces, ¿qué otra opción tenemos aquí? ¿Quizás el que está entre el bien y el mal? ¿Entre el vicio y la virtud? Se supone que todos los opuestos y contradicciones tienen su lugar aquí. Pero, ¿debería la vida ser realmente tan binaria? ¿Cómo puede evitarse esta trampa de la dualidad? Una solución sería dar la vuelta al árbol para volver a su unidad inicial. Esto puede lograrse borrando las fronteras artificiales y reconciliando los llamados opuestos. He decidido «llegar hasta el final» en este álbum, siguiendo un enfoque que he estado cultivando durante mucho tiempo: reunir a gente con diferentes influencias musicales pero con raíces comunes. Gente que pertenece a la misma familia a pesar de las diferencias estilísticas».
Para ésto incluye a Bastien Burger, el bajista/guitarrista de la banda parisina de indie-pop The Dø y Ziv Ravitz, su viejo baterista y alter ego musical como miembros estables de su nuevo trio, además de su amigo Matthieu Chedid, estrella pop conocido bajo el seudónimo M, el productor francés de electro-pop Dream Koala y al blues-rocker británico Hugh Coltman que brilla en The Waker.
«En un mundo donde todo parece estar cada vez más fragmentado, nosotros – músicos, creativos, artistas de todo tipo – tenemos un papel especial que desempeñar: unir a la gente y dar sentido», concluye Yaron Herman. «Y con este disco quiero hacer mi aportación: se trata de unidad, de intercambio común y amor…»
01 First Dance 5:42
02 Legs to run 3:21
03 Phoenix 5:19
04 Saisons Contradictoires featuring -M- 3:49
05 Jacob 5:42
06 Silhouettes 3:26
07 Solaire featuring Dream Koala 4:12
08 Side Jump 4:35
09 The Waker featuring Hugh Coltman 3:48
10 Spark 6:42
11 Fun Groys Dasad 2:58
12 Dreamson 4:50
Yaron Herman – piano
Bastien Burger – bass
Ziv Ravitz – drums
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Both Directions at Once: The Lost Album es una adición importante al catálogo de Coltrane y el descubrimiento de jazz más importante de la memoria reciente.
Presenta composiciones originales e inéditas, grabado por el Cuarteto Clásico de Coltrane en 1963 en los Estudios Van Gelder
El 6 de marzo de 1963 John Coltrane y su Cuarteto Clásico -McCoy Tyner, Jimmy Garrison y Elvin Jones- grabaron un álbum entero de estudio en los legendarios Estudios Van Gelder. Esta música, que cuenta con originales inéditos, fué finalmente lanzado 55 años después. Este es, en definitiva, el santo grial del jazz.
La primera semana de marzo de 1963 fue muy ocupada para John Coltrane. Estaba en medio de una carrera de dos semanas en Birdland y se estaba preparando para grabar el famoso álbum de John Coltrane y Johnny Hartman, que hizo el 7 de marzo. Pero hubo una sesión el día anterior que era cosa de leyenda, hasta ahora.
El miércoles 6 de marzo, Coltrane y el cuarteto fueron a los estudios Van Gelder en Englewood, NJ y cortaron el material de un álbum completo, incluyendo varias composiciones originales que nunca fueron grabadas en otro lugar. Pasaban el día grabándolos, tomándose tiempo con algunos, ensayándolos dos o tres veces, tocándolos de diferentes maneras y en diferentes configuraciones.
Al final del día, Coltrane salió de los Estudios Van Gelder con una cinta de referencia y la trajo a la casa de Queens que compartió con su esposa, Naima. Estas cintas permanecieron intactas durante los siguientes 54 años hasta que Impulse! se acercó a la familia para finalmente lanzar este álbum perdido. Aunque la cinta maestra nunca fue encontrada -Rudy Van Gelder no era uno para el desorden- se descubrió que la cinta de referencia estaba en excelentes condiciones.
Como dijo el legendario saxofonista Sonny Rollins: «Es como encontrar una nueva habitación en la Gran Pirámide». Las implicaciones musicales de este disco, las composiciones originales, los arreglos, la banda, el año de grabación, todo ello supone un redescubrimiento y recontextualización de uno de los músicos más importantes de nuestro tiempo.
Danny Bennett, Presidente y CEO del Grupo Verve Label y cuna de los discos Impulse!, dice: «El jazz es más relevante hoy que nunca. Se está convirtiendo en la música alternativa del siglo XXI, y nadie encarna la esencia rompedora del jazz más que John Coltrane. Fue un visionario que cambió el curso de la música, y este álbum perdido es un descubrimiento único en la vida. Nos da una idea de su proceso creativo y nos conecta con su arte. Este álbum es un momento cultural y coincide perfectamente con el relanzamiento del sello Impulse!».
En este álbum, hay dos originales completamente desconocidos y nunca antes escuchados. «Untitled Original 11383» y «Untitled Original 11386», ambos tocados con saxo soprano. «11383» incluye un solo de arco bajo de Jimmy Garrison, una rareza relativa, y «11386» marca un cambio estructural significativo para el cuarteto, en el sentido de que siguen volviendo al tema entre solos, no típico en el repertorio del cuarteto.
Además de los dos originales inéditos, «One Up, One Down» – que antes sólo se publicaba en una grabación pirata de Birdland – se escucha aquí como una grabación de estudio por primera y única vez. Contiene un fascinante intercambio entre Elvin Jones y Coltrane.
«Impressions», una de las composiciones más famosas y grabadas de Coltrane, se toca aquí en un trío sin piano. De hecho, McCoy Tyner expone varias veces durante esta sesión de grabación. Es uno de los aspectos más interesantes de esta sesión y refleja las posibilidades armónicas que se sabía que Coltrane estaba discutiendo regularmente con Ornette Coleman en esa época.
Esta sesión de estudio también produjo la primera grabación de Coltrane de «Nature Boy», que volvería a grabar en 1965, y las dos versiones difieren enormemente. El que conocemos es exploratorio, serpenteante. Esta versión es ajustada, sin soldaduras y dura poco más de tres minutos. La otra composición no original del álbum es «Vilia», de la opereta «The Merry Widow» de Franz Lehár. La versión para soprano de la Edición Deluxe es la única canción de esta sesión que ha sido lanzada previamente.
Este increíble descubrimiento único en la vida revela una serie de equilibrios creativos en el trabajo, como el desarrollo de melodías originales mientras se repensaban los estándares familiares. Como probar algunas melodías primero con saxofón tenor y luego con soprano. Usando técnicas antiguas como el arpegio de sus «hojas de sonido» mientras experimenta con digitaciones falsas y otros sonidos más nuevos. Esta sesión fue fundamental, aunque al llamarla así se pasa por alto el hecho de que Coltrane siempre estuvo en pivote, siempre presionando el pedal hacia abajo mientras seguía llamando a ideas y dispositivos más antiguos y probados.
Both Directions at Once: The Lost Album es una adición importante al catálogo de Coltrane y el descubrimiento de jazz más importante de la memoria reciente.
¡Impulse! Records fue fundado en 1960 por Creed Taylor y fue el hogar de John Coltrane, uno de los primeros fichajes del sello. Conocido a veces como «la casa que Trane construyó», el legendario sello firmó con artistas de jazz como Pharoah Sanders, McCoy Tyner, Alice Coltrane, Charlie Haden y la Liberation Music Orchestra, entre otros. Hoy, Impulse! está bajo el paraguas de Verve Label Group, una división de Universal Music Group. Entre los artistas firmantes de Impulse! se encuentran el saxofonista Shabaka Hutchings y sus grupos Sons of Kemet, The Comet Is Coming, y Shabaka & The Ancestors, y el pianista Sullivan Fortner.
Fuente: Impulse!
Both Directions At Once: The Lost Album
John Coltrane
Verve | Junio 29, 2018
1.Untitled Original 11383 (Take 1) 5:41
2. Nature Boy 3:24
3. Untitled Original 11386 (Take 1) 8:43
4. Vilia (Take 3) 5:32
5. Impressions (Take 3) 4:36
6. Slow Blues 11:28
7. One Up, One Down (Take 1) 8:01
8. Vilia (Take 5) 4:37
9. Impressions (Take 1) 4:06
10. Impressions (Take 2) 4:37
11. Impressions (Take 4) 3:40
12. Untitled Original 11386 (Take 2) 8:41
13. Untitled Original 11386 (Take 5) 8:23
14. One Up, One Down (Take 6) 7:17
Yaron Herman nació el 12 de julio de 1981 en Tel Aviv. Comenzó una prometedora carrera como jugador de baloncesto en la selección juvenil israelí, pero se vio interrumpida por una grave lesión de rodilla que acabó con sus ambiciones deportivas. Sólo decidió empezar a tocar el piano a la edad de 16 años. Su maestro fue el renombrado Opher Brayer, famoso por sus métodos basados en la filosofía, las matemáticas y la psicología. Yaron pronto dio sus primeras presentaciones en las salas de conciertos más prestigiosas de Israel.
A los 16 años, Yaron se fue a Boston, donde planeaba matricularse en la Berklee College School of Music. Descubrió que no satisfacía su ansia de conocimiento y descubrimiento y decidió regresar a Tel Aviv. En el camino de regreso hizo escala en París, esa noche conoció a algunos músicos durante una jam session y al día siguiente le dieron un contrato. Nunca dejó París desde entonces. Fue un período de intercambios musicales y de conocimiento de la gente, mientras que comenzó a hacerse un nombre en la escena musical parisina.
Su entusiasmo y talento, sorprendente en alguien tan joven, hizo que rápidamente se convirtiera en el pianista del que todo el mundo hablaba con admiración y estupefacción. Fue galardonado con el Trofeo Sunside «Nuevos Talentos» por unanimidad. A los 21 años, grabó su primer álbum » Takes 2 to know 1 » en el Sketch Label junto a Sylvain Ghio. Desarrolló una teoría de la improvisación musical llamada «Real Time Composition» que le valió la oportunidad de dar una serie de conferencias en la Sorbona.
En octubre de 2005 grabó su primer disco en solitario de piano » Variations » con el nuevo sello LaBorie Jazz Label en el que presenta su concepto » Themes and Variations «. Así, cada melodía, cada tema de nuestra memoria colectiva puede servir de excusa para la innovación lúdica y creativa, la improvisación y la invención. Sorprendentemente original y lírico.
El álbum recibió particularmente buenas críticas y Yaron comenzó a dar sus primeras actuaciones como solista en Europa, Sudamérica, Estados Unidos y China, donde fue el primer pianista de Jazz en tocar en la Ciudad Prohibida de Beijing.
En 2007 fue elegido Adami Jazz Talent por la comunidad artística francesa. El mismo asombro cada vez que toca, su carisma, su entusiasmo y su lirismo dejan al público profundamente conmovido. Después de más de cien conciertos en solitario alrededor del mundo, Yaron grabó su primer álbum como trío » A Time for Everything » (lanzado en octubre de 2007 en el sello LaBorie Jazz Label) junto con Matt Brewer (el renombrado contrabajista de Gonzalo Rubalcapa) y Gerald Cleaver (baterista de Miroslav Vitous y Jacky Terrasson) una sutil mezcla de jazz, pop y sus propias composiciones personales. Su versión muy original de «Tóxico» de Britney Spears y su portada del «Mensaje en una botella» de la policía llevaron su música a un público más amplio y rápidamente se la ganaron. El álbum fue aclamado por la crítica con el premio » Choc Jazzman » del año y » Disque d’émoi Jazz Magazine «.
En 2008, el trío realizó una gira por Europa, Estados Unidos y Brasil con resultados impresionantes. Por mencionar sólo algunos: el Festival de Monterrey, el Festival de Jazz de Montreal, el Festival de San Francisco, el Weiner Konzert-Haus, el Auditori de Barcelona, el Festival Juan Les Pins, el Festival Vittoria Gasteiz. Al mismo tiempo Yaron Herman trabajaba en colaboración con Michel Portal, Bertrand Chamayou, Lars Danielsson, Yael Naim y otros, como Dominic Miller, guitarrista de Sting.
En septiembre de 2008, Yaron ganó el premio al mejor instrumentista novelesco del año en las Victoires du Jazz. Su concierto en Belgrado, en octubre, fue retransmitido en directo en 39 países por el canal musical de televisión Mezzo, un increíble acontecimiento mediático en el calendario del jazz. El trío regresó al estudio de grabación después de haber realizado más de un centenar de conciertos juntos. Esta vez han invitado a un cuarteto de cuerdas, el » Quatuor Ebène «, nuevos y sensacionales artistas del mundo de la música clásica, a tocar en su álbum » Muse «, que saldrá a la venta en marzo de 2009 con el sello LaBorie Jazz Label.
En 2009, Yaron Herman actuará en el Teatro de los Campos Elíseos de París en marzo, en el Sumida Triphony Hall de Tokio en abril, en China y en numerosos festivales de Europa y Estados Unidos. Su impresionante calendario de conciertos en todo el mundo (más de 100 conciertos en 30 países diferentes), su popularidad entre el público más joven y su deslumbrante carrera hasta la fecha confirman que es un fenómeno excepcional, único en la historia de la interpretación del piano.
