Camila Meza ::: Portal

Camila Meza ::: Portal

Portal

Camila Meza

GroundUp Music LLC | Mayo 23, 2025

Camila Meza - Portal
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1 Utopia 4:25
2 The Nurturer 4:03
3 Harvesting Under The Moon 5:07
4 Transmutacio?n 5:12
5 Portal 5:29
6 Nieno La (La Eterna) 1:39
7 Uncovered Ground 3:59
8 Overgrowth 4:02
9 Remecer 3:36
10 Mandorla 2:47
11 Persistir 4:33

 

 

Camila Meza, vocals, guitar
Gretchen Parlato, vocals
Becca Stevens, vocals
Shai Maestro, piano
Gadi Lehavi, piano, synthesizer
Margaret Davis, harp
Ofri Nehemya, drums
Caleb Vangelder, drums
Faumelisa Manquepillán, spoken words

«Portal» es el sexto álbum y el debut en GroundUP de la polifacética vocalista, guitarrista y compositora Camila Meza. Producido por Meza y el pianista Shai Maestro, Portal cuenta con la participación del baterista Ofri Nehemya y la arpista Margaret Davis, y con invitados especiales como las vocalistas Gretchen Parlato y Becca Stevens, el baterista Caleb Vangelder, el pianista Gadi Lehavi y la artista de la palabra hablada Faumelisa Manquepillán.

Camila Meza es una rareza en el mundo actual: un tríptico cautivador de una artista conocida por componer brillantes paisajes musicales repletos de melodías e improvisaciones irresistibles, a los que da vida con su instrumento vocal de pureza conmovedora y su consumada destreza con la guitarra. Originaria de Santiago de Chile, ha despertado el interés de sus colegas, la prensa y el público de Sudamérica, Nueva York y el resto del mundo por su particular capacidad para combinar el jazz con su amplio mundo musical (que incluye música latinoamericana, brasileña, folk y pop) y por la profundidad emocional de su música. Esta estrella emergente de la escena mundial del jazz ha sido descrita por The New York Times como «una joven y brillante cantante y guitarrista con oído para la música de intención tanto folclórica como pop», y calificada por el pianista Aaron Goldberg como «un multitalento natural, una cantante y guitarrista improvisadora que es una de las mejores del mundo en ambos ámbitos creativos». Añadió que «une Norteamérica y Sudamérica en un megacontinente multilingüe, una Pangea de swing y armonía». Que te llamen para unirte a tus compañeros en el escenario y en el estudio sigue siendo una de las verdaderas pruebas a las que se enfrenta cualquier músico de jazz de Nueva York, y Camila la ha superado, summa cum laude, manteniéndose muy ocupada como músico de acompañamiento muy solicitado, trabajando con músicos de la talla de Ryan Keberle, Fabian Almazan, Aaron Goldberg, Sachal Vasandani, Dave Douglas, Arooj Aftab y muchos otros.

Seis años después del lanzamiento de su aclamado álbum Ámbar (Sony Masterworks), Camila Meza regresa con una declaración cada vez más fuerte y audaz - su obra musical más personal hasta la fecha. Su primer proyecto íntegramente de originales, Portal la encuentra en todo su poder como cantautora y compositora consumada y original, desvelando nuevos colores y texturas de su paleta. Grabado durante la pandemia y el viaje de Camila a través del embarazo y el parto, el álbum adquirió un significado más profundo y casi existencial para ella.

«La mayoría de las canciones fueron escritas en 2019 durante una juerga creativa para cumplir con un encargo de Jazz Gallery. Las compuse un poco en trance», reflexiona la artista. «Lo único que sabía realmente es que se trataba de un pasaje, una especie de transmutación. Quería retratar la capacidad humana de transformar nuestra realidad desde la evidente oscuridad que la rodea, hacia su potencial de luz, de belleza».

Mientras escribe describe visiones de figuras arquetípicas, entre ellas La Madre -como una forma de describir el amor incondicional y la capacidad de crianza que tienen los humanos- y La Mujer Sabia, una figura que representa la sabiduría ancestral, las respuestas de nuestros antepasados en tiempos de desviación en los que se ha perdido la conexión con nuestra esencia. «Este álbum se convirtió en mi más profunda súplica y conjura de un mundo donde podamos manifestar nuestros ideales... donde podamos volver a recordar nuestra unidad con lo que llamamos Naturaleza y vivir más armoniosamente en ella, entre nosotros y dentro de nosotros mismos», comparte. «...donde podamos cuestionar el statu quo y encontrar respuestas diferentes que nos lleven a formas de vida más sanas, y donde las polaridades puedan encontrar el equilibrio, ayudándonos a reconsiderar lo que realmente es importante para nosotros. No lo sabía entonces, pero parte de aquello sobre lo que estaba escribiendo era también mi propio portal hacia convertirme en madre y experimentar yo misma ese amor sin límites, y lo relevante que sería intentar crear ese mundo vibrante y hermoso, ya que el futuro de mi hijo estaba ahora en él.»

Portal nació del alegre e inquisitivo viaje de Camila Meza, desde una joven y consumada músico en Chile (inspirada por Wes Montgomery, George Benson, Pat Metheny, Led Zeppelin, Ella Fitzgerald, Jimi Hendrix, Bjork, Elis Regina, Chet Baker entre otros), hasta su ascensión entre la nueva generación de aventureros músicos de jazz de Nueva York que están imponiendo sin miedo sus dispares influencias y experiencias con gloriosos resultados sonoros.

A lo largo de Portal Camila ofrece al oyente un regalo extraordinario; su verdadero yo y sus abundantes talentos, expresados a través de estas canciones, con no menos que luminosidad, pasión, honestidad y amor.

***

Camila Meza nació en Santiago de Chile en 1985. Comenzó a tocar música a los 15 años en su ciudad natal de Chile. En 2007 publicó su primer álbum, Skylark, y en 2009 se trasladó a Nueva York para estudiar en la New School for Jazz. Pronto se estableció en la escena neoyorquina como guitarrista, cantante y compositora. El estilo de Camila fusiona muchas influencias diferentes. Domina los estilos musicales sudamericanos, como la samba y la bossa. Con su vocecita flotante y su guitarra cargada de jazz, es una fuerza en sí misma. Su segundo álbum, Traces, cuenta con la colaboración de Kendrick Scott, Matt Penman y Shai Maestro, y ha sido muy aclamado. Además de publicar un buen montón de música, mantiene y dirige su propio octeto, el Nectar Ensemble. Otros músicos con los que ha tocado son Lucas Pino, Fabián Almazán y Steve Cárdenas.

Igualmente apreciada como vocalista, guitarrista y compositora, Meza ha levantado al público de todo el mundo con su canto seguro y bello, su guitarra altamente avanzada (tanto en el auto-acompañamiento como en un contundente trabajo en solitario), y una composición vívida y melódica que revela capas complejas con cada escucha. The New York Times la ha elogiado por su «atractiva combinación de ligereza y profundidad... cantando con una voz brillante y clara y con el ágil movimiento de una banda de primera. Su improvisación, con guitarra eléctrica o acústica, es un negocio serio....» En 2019 publicó su quinto álbum, Ambar, en Sony Music Masterworks, produciéndolo ella misma y estrenando con orgullo la Nectar Orchestra, una colaboración con el bajista y arreglista Noam Wiesenberg.

Meza se trasladó de Chile a Nueva York a los 23 años, graduándose en 2013 en The New School for Jazz and Contemporary Music, donde estudió con Peter Bernstein, Vic Juris, Sam Yahel, Steve Cardenas y Gil Goldstein, entre otros. Aportando desde entonces un sonido lleno de calidez y claridad a la escena jazzística neoyorquina, se ha distinguido como miembro del Catharsis de Ryan Keberle y del Rhizome de Fabian Almazan, y también ha trabajado con Paquito D'Rivera, Aaron Goldberg, Sachal Vasandani y muchos más. Ha aparecido en festivales de todo el mundo, así como en la serie Tiny Desk Concert de NPR y en The Checkout de WBGO, cosechando elogios de The Village Voice, The Wall St. Journal y muchos otros medios. En 2018, Pat Metheny la reclutó para actuar y actuar como directora musical en su ceremonia de inducción de NEA Jazz Masters en The Kennedy Center en Washington D.C. En 2022 fue nombrada «#1 Rising Star Female Vocalist» por Downbeat Magazine.

 

camilameza.com 

 

Keith Jarrett ::: New Vienna (Live)

Keith Jarrett ::: New Vienna (Live)

New Vienna

Keith Jarrett

ECM Records | Mayo 30, 2025

Keith Jarrett - New Vienna (Live)
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1 Part I 10:32
2 Part II 6:07
3 Part III 5:21
4 Part IV 5:39
5 Part V 10:12
6 Part VI 8:17
7 Part VII 8:14
8 Part VIII 2:43
9 Part IX 4:11
10 Somewhere Over the Rainbow 4:59

Keith Jarrett, piano

July 2016, Goldener Saal, Musikverein, Vienna

New Vienna, un concierto en el que la nueva música se forma en el momento, tiene una forma casi enciclopédica en el contexto de los modismos de Jarrett. El álbum se publica con motivo de su 80 cumpleaños.

New Vienna es la cuarta grabación de un concierto de la última gira europea en solitario de Keith Jarrett. Sigue a Munich 2016, Budapest Concert y Bordeaux Concert. ¿Por qué New Vienna? Como sabrán los aficionados a Jarrett, su discografía ya incluye un legendario Concierto de Viena (grabado en la Ópera Estatal de Viena) cuya música, según afirmó en una ocasión, hablaba «el lenguaje de la propia llama», tras largos años de «cortejar el fuego». El regreso de Keith Jarrett a la capital austriaca en 2016 llevó las llamas de la inspiración a otro lugar histórico de vivas propiedades acústicas, la Sala Dorada del Musikverein, donde, a principios del siglo anterior, Schoenberg, Berg y Webern habían estrenado obras que desafiaron y cambiaron el curso de la música moderna.

La Nueva Viena, que da forma a su nueva música en el momento, tiene un alcance casi enciclopédico. Las largas formas que caracterizaban los primeros conciertos en solitario de Jarrett -desde Bremen/Lausanne y Colonia hasta el primer Concierto de Viena y más allá- habían dado paso, en esta fase final de su vida interpretativa, a espectáculos compuestos por piezas más cortas, autónomas y contrastadas que, en su conjunto, alcanzaban a menudo un carácter de suite improvisada. Y así fue en el Musikverein el 9 de julio de 2016. La Parte I -la primera de nueve partes- es un torbellino espontáneo de sonido, arremolinado, denso y complejo -Impetuoso como fuerza de la naturaleza. La Parte II hace flotar acordes en silencio, y lentamente dibuja una melodía plangente. El ritmo está en primer plano en la Parte III, un ejemplo excepcional de la capacidad de Jarrett para desarrollar patrones separados y entrelazados con cada mano.

La Parte IV es hímnica, arrastrando nubes de gloria, la Parte V pura balada canalizada desde el éter. La Parte VI refracta el impulso lírico, volviéndolo más abstracto, y la Parte VII es una tierna canción que uno podría imaginar rescatada para el cuarteto Belonging. La Parte VIII se centra en lo básico con el blues, y la Parte IX, con sus toques de gospel y country, nos recuerda lo completas que podían ser las visiones musicales de Jarrett. Con «Somewhere Over The Rainbow», fraseada de forma diferente a las espléndidas versiones escuchadas en La Scala, a Multitude of Angels y Munich 2016, Jarrett concluye otra interpretación excepcional.

New Vienna se publica cuando Keith Jarrett cumple 80 años. Aunque no ha tocado en directo desde 2017, el interés del público por su música en solitario sigue siendo alto, y el 50 aniversario de The Köln Concert de este año también ha generado atención mediática en todo el mundo.

***

Reacciones de la prensa a las grabaciones de la gira de 2016

Múnich 2016 (ECM 2667/68)
Las grabaciones de conciertos en solitario de Jarrett constituyen un cuerpo de trabajo único y en continua evolución en su discografía. 'Munich 2016' actualiza esta historia con la grabación de un concierto que Jarrett ofreció en la ciudad donde nació el sello ECM. La intensidad única que emana de esta interpretación hace que este concierto de Múnich sea inmediatamente una de las actuaciones más intensas que el pianista haya ofrecido jamás.
Alex Dutilh, France Musique

Múnich 2016 presenta a Jarrett en su mejor momento de fluidez e inventiva (...) El pianista reconstituye los ingredientes centrales de su estética de maneras frescas e inesperadas.
Mike Hobart, Financial Times

Budapest Concert (ECM 2700/01)
El nuevo álbum muestra a un Jarrett en la cima de su arte... 'Budapest' puede ser su testamento, este concierto de gran versatilidad: diálogos polirrítmicos complejos y de gran amplitud entre la mano derecha y la izquierda; cuadros y caprichos pastorales de gran finura; cuasi-estándares de gran belleza e ingenio; interpretaciones electrizantes de la música de concierto; blues en varias formas de juego o estilo.
Peter Rüedi, Die Weltwoche

El 'Budapest Concert' de Keith Jarrett de 2016 abarca la destreza espontánea del músico de 71 años, desde la acechante improvisación disonante hasta el boogying irónico, con un impulso desenfrenado digno del mejor de sus espectáculos en solitario del siglo XXI.
John Fordham, The Guardian

Bordeaux Concert (ECM 2740)
Consistente en una suite de 13 partes puramente improvisada, este concierto íntimo viaja de lo atonal ('Parte I') a la búsqueda y la reflexión ('Parte II') a lo profundamente lírico y casi como un himno ('Parte III'), con paradas en lo alegremente contrapuntístico ('Parte V') y sublimemente tranquilo ('Parte VI'). Jarrett también se adentra en algunos blues gutbucket y florituras boogie-woogie ('Part VIII'), al tiempo que toca pasajes melódicos de una belleza desgarradora ('Part IX', 'Part XII') que rivalizan con sus momentos más conmovedores en 'The Köln Concert'. [...] Fascinante y catártico.
Bill Milkowski, Absolute Sound

El 'Bordeaux Concert' tiene varias meditaciones que parecen himnos y que parecen tan completas que se interpretarían como si hubieran sido compuestas por cualquier otra persona. [Keith Jarrett] pasa a exploraciones cortas como 'VI', que equilibra una armonía preciosa con una atonalidad punzante, y a improvisaciones algo más largas como 'V', llena de tanta interacción espinosa y movimientos opuestos que parece inspirada por Glenn Gould. Ha conseguido desgranar sus ideas musicales más convincentes. Como tal, «Part XII» suena tan plenamente realizada como algunas de las composiciones con nombre propio de «Facing You», de 1972: una balada rica y melancólica. Aunque es un reto no caer en la rumiación nostálgica, sabiendo que Jarrett probablemente nunca volverá a tocar, su compulsión por lanzarse a lo desconocido y confiar en su musa sigue siendo un concepto tan cautivador como siempre lo fue.
James Hale, Down Beat

ecmrecords.com 

 

MAYO 29

MAYO 29

Roxana Amed

MAYO 29 ::: Roxana Amed

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Roxana Amed - Todos los Fuegos
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1. Rhoda Scott - Ladies & Gentlemen - I've Got the World on a String

2. Snowpoet - Heartstrings - Host

3. Julia Hülsmann Quartet - Under the Surface - Milkweed Monarch

4. Roxana Amed - Todos los Fuegos - Vida siempre

5. Juraj Stanik Trio - Dream Sequence - Come Rain or Come Shine

6. Mikailo Kasha - Moment Noticed - One In This World

7. Navarrete·Monroy - Contienda - Altamar

8. José Pérez Vargas - Alienación (Eléctrico) - Pezuña

9. Varre Vartiainen - Head & Heart - Dark Size Life

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Salute amigos, cómo les va..., y yo de vuelta por acá después de un faltazo involuntario tratando de remediarlo con la propuesta de hoy. Que arranca con la legendaria organista Rhoda Scott desde Ladies & Gentlemen (Framboise Production | Oct 12, 2024), celebrando veinte años de aventuras con su Lady Quartet, ellas y ellos, las voces invitadas de Hugh Coltman, David Linx y Emmanuel Pi Djob.

Seguimos con el dúo londinense Snowpoet desde Heartstrings (Edition Records | Mayo 23, 2025), Lauren Kinsella y Chris Hyson de nuevo con un muy refrescante álbum con aires pop pero de una muy rica expresividad emocional y sonora. El turno ahora de la gran pianista alemana Julia Hülsmann en cuarteto con Under the Surface (ECM Records | Enero 31, 2025), una formación que suma a la trompetista noruega Hildegunn Øiseth componiendo un nuevo muy interesante álbum.

LA CHICA DE TAPA: la gran cantante argentina Roxana Amed desde Todos los Fuegos (Sony Music Latin | Mayo 23, 2025) un álbum súper atractivo donde la cantante recrea clásicos del rock nacional desde una perspectiva contemporánea, increíblemente refrescante y novedosa. Acompañada de celebridades del movimiento logran juntos uno de los álbunes del año!!.

Un poco propuestas más clásicas pero muy interesantes, como el Juraj Stanik Trio desde Dream sequence (Challenge Records | Mayo 2, 2025), el pianista neerlandés se luce en este prolijo álbum. El bajista estadounidense Mikailo Kasha con Moment Noticed (Mikailo Kasha | Marzo 27, 2025), considerado como integrante del selecto «1% de los mejores bajistas del mundo» según Scotty Barnhart de la Count Basie Orchestra, al frente de un cuarteto refrendando sus calificaciones.

El Navarrete/Monroy Cuarteto con Contienda (Animales en la Vía | Marzo 31, 2025) abre un bloque con músicos chilenos. Flautista y pianista respectivamente acompañados por Milton Russell (contrabajo) y Cristian Baltazar (bata) más invitados. EL siguiente, un aporte de nuestra desinteresada colaboradora Yamila De La Fuente, José Pérez Vargas desde Alienación (Microscopi | Mayo 16, 2025), un álbum doble con una versión acústica y otra eléctrica del mismo repertorio. El bajista radicado en Buenos Aires se reúne de parte de lo más selecto dentro del panorama local.

Cerramos con el guitarrista finlandés Varre Vartiainen desde Head and Heart (Eclipse Music | Abril 25, 2025), un álbum recrea el sonido de la época dorada de la fusión de los '70 acompañado de parte de los protagonistas de aquellos tiempos como Mike Stern y su esposa Leni Stern.

 

Nos vemos...

Lynne Arriale ::: Marzo 29, 1957

CORTINAS Being Human
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Marc Ribot ::. Mayo 21, 1954

Marc Ribot ::. Mayo 21, 1954

Marc Ribot

Marc Ribot ::: Mayo 21, 1954

Marc Ribot (pronunciado REE-bow) nació en Newark, New Jersey en 1954. En su adolescencia, tocó la guitarra en varias bandas de garage mientras estudiaba con su mentor, el guitarrista clásico haitiano y compositor Frantz Casseus. Después de mudarse a la ciudad de Nueva York en 1978, Ribot fue miembro de los Realtones soul/punk, y de 1984 a 1989, de John Lurie's Lounge Lizards. Entre 1979 y 1985, Ribot también trabajó como músico acompañante con el hermano Jack McDuff, Wilson Pickett, Carla Thomas, Rufus Thomas, Chuck Berry y muchos otros.

Rolling Stone señala que "el guitarrista Marc Ribot ayudó a Tom Waits a refinar una nueva y extraña americana en "Rain Dogs" de 1985, y desde entonces se ha convertido en el guitarrista de referencia para todo tipo de aventureros de la música de raíz: Robert Plant y Alison Krauss, Elvis Costello, John Mellencamp". Otros créditos de grabación incluyen Soloman Burke, Neko Case, Diana Krall, Beth Orton, Marianne Faithful, Arto Lindsay, Caetano Veloso, Laurie Anderson, Susana Baca, McCoy Tyner, The Jazz Passengers, Medeski, Martin & Wood, Cibo Matto, Jamaaladeen Tacuma, James Carter, Vinicio Capposella (Italia), Auktyon (Rusia), Vinicius Cantuaria, Sierra Maestra (Cuba), Alain Bashung (Francia), Marisa Monte, Allen Ginsburg, Madeleine Peyroux, Sam Phillips, y más recientemente Joe Henry, Allen Toussaint, Norah Jones, Akiko Yano, The Black Keys, Jeff Bridges, Jolie Holland, Elton John/Leon Russell y muchos otros. Ribot colabora frecuentemente con el productor T Bone Burnett, especialmente en la obra "Raising Sand" de Alison Krauss y Robert Plant, ganadora de un Grammy, y trabaja regularmente con el compositor John Zorn.

Marc ha publicado más de 20 álbumes bajo su propio nombre a lo largo de 40 años de carrera, explorando desde el jazz pionero de Albert Ayler con su grupo "Spiritual Unity" (Pi Recordings), hasta el hijo cubano de Arsenio Rodríguez con dos discos aclamados por la crítica en Atlantic Records bajo "Marc Ribot Y Los Cubanos Postizos". Su vanguardista banda de trío/post-rock, Ceramic Dog (Pi Recordings) de Marc Ribot, continúa el linaje de sus anteriores grupos experimentales sin onda/punk/ruido Rootless Cosmopolitans (Antillas Insulares) y Shrek (Tzadik). Sus grabaciones en solitario incluyen "Marc Ribot Plays The Complete Works of Frantz Casseus" (Les Disques Du Crepuscule), "John Zorn's The Book of Heads" (Tzadik), "Don't blame me" (DIW), "Saints" (Atlantic), "Exercises in Futility" (Tzadik), y sus últimas "Silent Movies" lanzadas en 2010 en Pi Recordings fueron descritas como una "obra maestra de boca abajo" por Village Voice y han aterrizado en varias listas de lo mejor de 2010, incluyendo el LA Times y los elogios de la crítica en general. 2014 fue el año del lanzamiento monumental: "Marc Ribot Trio Live at the Village Vanguard" (Pi Recordings), documentando el primer titular de Marc y el regreso de Henry Grimes a la sede histórica en 2012, incluido en varias listas de Lo Mejor de 2014, incluyendo Downbeat Magazine y los 50 Favoritos de NPR. 2018 comienza con el lanzamiento no de uno, sino de dos álbumes políticamente cargados: "¿"YRU todavía aquí"? (Northern Spy), el tan esperado tercer álbum del trío post-rock/ruido de Ribot, Ceramic Dog, y "Songs of Resistance" (con los vocalistas invitados Tom Waits, Steve Earle, Meshell Ndegeocello y otros), ambos expresando ira e indignación durante estos tiempos turbulentos.

Marc ha actuado en partituras como "The Kids Are All Right", "Where the Wild Things Are", "Walk The Line (Mangold)", "Everything is Illuminated" y "The Departed" (Scorcese). Marc también ha compuesto partituras originales incluyendo la película francesa Gare du Nord (Simon), el documental de PBS "Revolución: Cinco Miradas", la película "Borracho", protagonizada por John Malkovich y John Goodman, un documental de Greg Feldman titulado "Joe Schmoe", un largometraje del director Joe Brewster titulado "The Killing Zone", y piezas de danza "En la medida en que la vida es prestada", del célebre coreógrafo belga Wim Vandekeybus, y "Totalmente diferente" de Yoshiko Chuma. Marc también interpreta ocasionalmente su partitura en vivo para guitarra solista en "The Kid" de Charlie Chaplin, que fue comisionada por el Festival de Guitarra de Nueva York y estrenada en enero de 2010 en el Merkin Hall, así como partituras de películas en vivo para cortometrajes experimentales de Jennifer Reeves.

En 2009, Marc fue nombrado curador y director musical del Festival del Siglo de la Canción, parte de la Trienal del Ruhr en Alemania. La serie de conciertos provocó nuevas colaboraciones con Iggy Pop, Marianne Faithfull, David Hidalgo de Los Lobos, el maestro del cajón Juan Medrano Cotito, Carla Bozulich y Tine Kindermann.

Los talentos de Marc también han sido exhibidos con una orquesta sinfónica completa. El compositor Stewart Wallace escribió un concierto de guitarra con orquesta específicamente para Marc. La obra fue estrenada por la Orquesta Sinfónica Nacional en Washington DC en julio de 2004 y también se presentó en el Festival Cabrillo en Santa Cruz, CA en agosto de 2005.

Marc se encuentra actualmente de gira con varios proyectos incluyendo su poderoso trío Ceramic Dog con el bajista Shahzad Ismaily y el baterista Ches Smith, el alma de Filadelfia conoce a los harmolodicos de The Young Philadelphians de Ornette Coleman con Jamaaladeen Tacuma y Calvin Weston, y con Caged Funk, un proyecto de arreglos funk de la música de John Cage.

 

marcribot.com

Billy Cobham | Mayo 16, 1944

Billy Cobham | Mayo 16, 1944

BillyCobham ::: Mayo 16, 1944

Generalmente aclamado como el mejor baterista de la fusión, la técnica explosiva de Billy Cobham impulsó algunas de las primeras grabaciones más importantes del género, incluyendo los innovadores esfuerzos de Miles Davis y la Orquesta Mahavishnu, antes de que se convirtiera en un consumado líder de banda por derecho propio. En su mejor momento, Cobham aprovechó su asombrosa destreza en estruendosos híbridos de alto octanaje de complejidad jazzística y agresión rock & roll. Era capaz de hacer ritmos más sutiles y funky por un lado, y de improvisaciones en solitario impresionantes por el otro; de hecho, su virtuosismo técnico era tal que su destello podía a veces abrumar su música. Después de debutar como líder con el clásico Spectrum en 1973, Cobham pasó la mayor parte de los días de gloria de la fusión grabando para Atlantic; le siguieron breves estancias en CBS, Elektra y GRP, y a mediados de los 80, Cobham estaba dejando de poner énfasis en sus propias bandas en favor del trabajo de sesión y de sideman. Aún así, continuó grabando para varios pequeños sellos con cierta regularidad.

Bitches Brew

William C. Cobham nació el 16 de mayo de 1944 en Panamá, donde desde muy pequeño se fascinó con los instrumentos de percusión que tocaban sus primos. Cuando Cobham tenía tres años, su familia se mudó a la ciudad de Nueva York, y a los ocho años debutó con su padre. Perfeccionó sus habilidades de percusión en un grupo del cuerpo de tambores y cornetas llamado St. Catherine's Queensmen, y asistió a la prestigiosa Escuela Superior de Música y Arte de Nueva York, graduándose en 1962. De 1965 a 1968, sirvió como percusionista en la Banda del Ejército de los Estados Unidos, y después de su lanzamiento, fue contratado como nuevo baterista en la banda del pianista de hard bop Horace Silver. Cobham realizó una gira por los Estados Unidos y Europa con Silver en 1968, y también hizo un segundo trabajo con Stanley Turrentine, Shirley Scott y George Benson. Después de ocho meses con Silver, Cobham partió para unirse al temprano combo de jazz-rock Dreams en 1969, que también incluía a los hermanos Brecker y al guitarrista John Abercrombie. A partir de ahí, consiguió un trabajo en el nuevo conjunto de fusión de Miles Davis, y desempeñó un pequeño papel en las sesiones seminales de Bitches Brew; también apareció de forma más destacada en varios otros álbumes de Davis de la época, incluyendo clásicos más agresivos como Live-Evil y A Tribute to Jack Johnson.

Cobham y el guitarrista John McLaughlin se separaron del grupo de Davis para buscar una fusión más dura en la Mahavishnu Orchestra, que debutó en 1971 con la seminal The Inner Mounting Flame. Con Mahavishnu, la ardiente intensidad de Cobham recibió su mayor difusión hasta el momento, y su extraordinaria técnica influyó no sólo en innumerables fusionistas a su paso, sino también en bastantes bateristas de rock progresivo que aspiraban a un territorio musical igualmente desafiante. La continuación de Birds of Fire en 1972 consolidó su reputación, y para entonces ya se había convertido en algo así como un baterista interno no oficial para el sello CTI de Creed Taylor, conocido por un estilo de fusión más suave y pulido; aquí Cobham apoyó a músicos como George Benson, Stanley Turrentine, Freddie Hubbard, Hubert Laws y Grover Washington, Jr. Desafortunadamente, la volátil química del grupo que hizo tan excitantes las grabaciones de Mahavishnu también se trasladó a la vida real y la alineación original se disolvió en 1973.

 

 

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