El cuatro veces ganador de Grammy™ Stanley Clarke es posiblemente el bajista acústico y eléctrico más famoso del mundo. Como intérprete, compositor, director de orquesta, arreglista, artista de grabación, productor y goleador de películas conocido por su feroz destreza y su consumada musicalidad, Clarke es un verdadero pionero del jazz y del bajo en sí. Incuestionablemente es una «leyenda viviente», elogiada con cada premio concebible disponible para un músico en sus más de 40 años de carrera como virtuoso del bajo.
La increíble competencia de Clarke ha sido recompensada con: cuatro Grammy, discos de oro y platino, nominaciones a los Emmy, un doctorado honoris causa de la Universidad de las Artes de Filadelfia y mucho más. Fue el primer Jazzman del año de Rolling Stone y bajista ganador del Playboy’s Music Award durante diez años consecutivos. Clarke fue honrado con el premio Bass Player Magazine’s Lifetime Achievement Award y es miembro de Guitar Player Magazine’s «Gallery of Greats». Incluso le dieron la llave de la ciudad de Filadelfia.
Escarbar entre la gran multitud de elogios otorgados a Stanley revela un fenómeno interesante. Es difícil recordar cuán limitada era la carrera potencial de un bajista antes de que apareciera en escena. Stanley casi sin ayuda sacó el bajo de las sombras y lo llevó a la parte delantera del escenario, literal y figurativamente.
El papel tradicional del bajo era en gran medida el de un cronómetro que llenaba sonorosamente el espectro. Clarke dice: «Antes de que yo llegara, muchos bajistas se paraban en la parte de atrás. Eran tipos muy callados que no parecían escribir música. Pero muchos de esos bajistas eran músicos serios. Todo lo que hice fue dar el paso y crear mi propia banda».
Ciertamente hubo grandes y célebres bajistas antes de Stanley como Ron Carter, Scott LaFaro, y el pionero compositor Charles Mingus. Pero Clarke se convirtió en el primer bajista de la historia en encabezar las giras mundiales agotadas y tener discos de oro. También fue el primero en doblar el bajo acústico y eléctrico con igual virtuosismo, potencia y fuego. A los 25 años ya era considerado como un pionero en el movimiento de fusión de jazz.
Clarke cita a Mingus como una gran influencia personal y profesional. «El mejor momento de mi vida que me cambió fue cenar con el gran Charlie Mingus. Tenía la personalidad de un revolucionario que podría haber dirigido un grupo paramilitar. Era muy intenso, pesado! Fue entonces cuando me di cuenta exactamente de lo que quería hacer con el bajo. Iba a enfocar mi carrera completamente como un revolucionario. Lo que sea que estuviera allí, yo iba a hacer lo contrario.» El resto, como dicen, literalmente es historia.
Interesantemente el bajo eléctrico, por el que Stanley es más conocido, no es su principal instrumento. Su primera pasión, que perdura hasta nuestros días, es el bajo acústico. «El bajo eléctrico es mi instrumento secundario. Cuando empecé a jugar a la electricidad era en las fiestas y sólo para divertirme. Pero hice discos y me hice famoso más como bajista eléctrico que como bajista acústico».
En 1971, Stanley Clarke, de 20 años de edad, estalló en el mundo del jazz, recién salido de la Academia de Música de Filadelfia. Al llegar a la ciudad de Nueva York, inmediatamente consiguió trabajo con directores de orquesta como Horace Silver, Art Blakey, Dexter Gordon, Joe Henderson, Pharaoh Saunders, Gil Evans, Stan Getz, y un joven pianista-compositor en ciernes llamado Chick Corea. Stanley dice: «Mi objetivo original era ser bajista clásico. Quería ser uno de los primeros músicos negros de la orquesta de Filadelfia. Chick Corea cambió mi opinión sobre eso.»
Clarke y Corea formaron la influyente banda de jazz fusión Return to Forever, un escaparate para cada una de las fuertes personalidades musicales del cuarteto, componiendo proezas y voces instrumentales. Grabaron ocho álbumes, dos de los cuales son de oro certificado (Return to Forever y Romantic Warrior). También ganaron un Grammy (No Mystery) y recibieron numerosas nominaciones durante su incesante gira.
Clarke entonces disparó el «disparo escuchado ‘alrededor del mundo'» que comenzó la revolución del bajo de los 70 y allanó el camino para que todos los bajistas/solistas/líderes de banda lo siguieran. En 1974, lanzó el álbum homónimo de Stanley Clarke que incluía el exitoso sencillo, «Lopsy Lu.» Dos años más tarde, lanzó School Days, un álbum cuyo tema principal es ahora un himno de bajo de buena fe, un deber-aprender para casi todos los bajistas emergentes, independientemente del género.
Los aspirantes a bajistas también deben dominar la técnica del percussive slap funk en la que Clarke también fue pionero. Larry Graham, de Sly and the Family Stone, desarrolló por primera vez la rudimentaria técnica de la bofetada. Stanley tomó la idea y corrió con ella, adaptándola a complejas armonías de jazz.
Siempre en busca de nuevos desafíos, Clarke dirigió su energía creativa ilimitada al cine y a la televisión a mediados de la década de 1980. Ahora es un compositor de élite en demanda en Hollywood. Comenzó en la televisión con una partitura nominada al Emmy para Pee Wee’s Playhouse, hizo la transición a la pantalla grande y ahora tiene más de 65 créditos a su nombre.
Como compositor, orquestador, director de orquesta e intérprete ha realizado bandas sonoras para películas de éxito: El transportador, Romeo debe morir, Pasajero 57, Justicia poética y Los cinco latidos del corazón. También grabó el video de Michael Jackson Remember the Time, dirigido por Jon Singleton. Más recientemente se anotó el éxito de taquilla de 2013, Best Man Holliday. Ha sido nominado para tres Emmys y ganó un premio BMI por Boyz ‘N the Hood.
«El cine me ha dado la oportunidad de escribir grandes partituras orquestales y componer música con la que normalmente no estoy asociado», dice Clarke. «Me ha dado la oportunidad de dirigir orquestas y arreglar música para varios tipos de conjuntos. Ha enfocado mis habilidades y me ha hecho un músico más completo». Su lanzamiento en 1995, Stanley Clarke at the Movies, es un testimonio de ello. Stanley promete que encontrará tiempo para estrenar At the Movies Two, compilado a partir de los 20 años adicionales de partituras cinematográficas desde entonces.
Además de su propia banda, Clarke siempre ha disfrutado colaborando con otros artistas. Stanley se asoció con el tecladista George Duke en 1981 para formar el Proyecto Clarke/Duke. Juntos lograron un éxito pop, «Sweet Baby», y grabaron tres álbumes. Stanley trabajó con George en varias situaciones por más de 40 años hasta la prematura muerte de George en 2013.
Algunos de los otros proyectos notables de Stanley como miembro de la banda o co-líder incluyen: Jeff Beck, Los nuevos bárbaros de Keith Richards, Animal Logic (con Stewart Copeland), Superband (con Larry Carlton, Billy Cobham, Najee y Deron Johnson), Rite of Strings (con Jean-Luc Ponty y Al Di Meola), Vertu’ (con Lenny White), Trio! (con Bela Fleck y Jean Luc Ponty), y SMV (con Marcus Miller y Victor Wooten).
Clarke cree apasionadamente en ayudar a jóvenes músicos dignos. Él y su esposa Sofía establecieron la Fundación Stanley Clarke en el año 2000, una organización caritativa que ofrece becas de música. En 2007 Clarke lanzó un DVD muy elogiado por la crítica titulado Escuela Nocturna: Una noche con Stanley Clarke y sus amigos haciendo una crónica del tercer Concierto anual de la Beca Stanley Clarke con lo recaudado para el fondo. El concierto presenta a Stevie Wonder, Wallace Roney, Bela Fleck, Sheila E., Stewart Copeland, Flea from The Red Hot Chili Peppers, Wayman Tisdale y Marcus Miller.
Hasta el día de hoy Stanley Clarke sigue tan apasionado por la música como ese joven prodigio de Filadelfia con grandes sueños. Su viaje ya ha sido épico e histórico. Sin embargo, está lejos de haber terminado.
Fuente: allaboutjazz.com
Traducción: DeepL.com/Translator
Dolphy fue uno de los varios músicos de jazz alto que alcanzó prominencia en la década de 1960. También fue el primer solista importante de clarinete bajo en el jazz, y uno de los primeros solistas importantes de flauta; se puede decir que es el mejor improvisador de jazz en cualquiera de los dos instrumentos. En sus primeras grabaciones, ocasionalmente tocaba el tradicional clarinete en si bemol soprano. Su estilo de improvisación se caracterizó por un flujo de ideas casi volcánico, utilizando amplios intervalos basados en gran medida en la escala de 12 tonos, además de utilizar una serie de efectos de tipo animal que casi hicieron hablar a sus instrumentos. Aunque el trabajo de Dolphy a veces se clasifica como free jazz, sus composiciones y solos tenían una lógica poco característica de muchos otros músicos de free jazz de la época; incluso como tal, era definitivamente vanguardista. En los años posteriores a su muerte su música fue descrita más acertadamente como «demasiado fuera para estar dentro y demasiado dentro para estar fuera».
Dolphy nació en Los Angeles y se educó en Los Angeles City College. Tocó localmente durante varios años, sobre todo como miembro de la big band dirigida por Roy Porter. Dolphy finalmente tuvo su gran oportunidad como miembro del quinteto de Chico Hamilton, con Hamilton se hizo conocido por un público más amplio y pudo hacer giras extensivas hasta 1958, cuando se separó de Hamilton y se mudó a la ciudad de Nueva York.
Dolphy perdió poco tiempo al establecerse en la ciudad de Nueva York, formando rápidamente varias asociaciones musicales fructíferas, siendo las dos más importantes con las leyendas del jazz Charles Mingus y John Coltrane, músicos que había conocido durante varios años. Mientras que su colaboración musical formal con Coltrane fue corta (menos de un año entre 1961-62), su asociación con Mingus continuó intermitentemente desde 1959 hasta la muerte de Dolphy en 1964. Mingus consideraba a Dolphy como su intérprete más talentoso y Coltrane lo consideraba su único igual musical.
Coltrane había ganado audiencia y crítica con el quinteto de Miles Davis. Aunque los quintetos de Coltrane con Dolphy (incluyendo las sesiones de Village Vanguard y Africa/Brass) son ahora legendarios, provocaron a la revista Down Beat a marcar la música de Coltrane y Dolphy como’anti-jazz’. Coltrane dijo más tarde de esta crítica «hicieron parecer que ni siquiera sabíamos nada de música (…) me dolió ver (Dolphy) salir herido en esta cosa».
El lanzamiento inicial de la estancia de Coltrane en el Vanguard seleccionó tres temas, de los cuales sólo uno era Dolphy. Después de haber sido publicado al azar durante los siguientes 30 años, Impulse! lanzó en 1997 una completa caja con toda la música grabada de la Vanguardia. The Complete 1961 Village Vanguard Recordings transportó más de 15 temas con Dolphy en saxofón alto y clarinete bajo, añadiendo una nueva dimensión a estas grabaciones ya clásicas. Un posterior set de Pablo de las giras europeas de Coltrane a principios de los años sesenta recogió más grabaciones con Dolphy para el público comprador.
Durante este período, Dolphy también tocó en un número de escenarios desafiantes, notablemente en grabaciones clave de Ornette Coleman (Free Jazz: A Collective Improvisation), Oliver Nelson (The Blues and the Abstract Truth) y George Russell (Ezz-tetic), pero también con Gunther Schuller y Max Roach entre otros.
La carrera discográfica de Dolphy como líder comenzó con el sello Prestige. Su asociación con el sello se extendió a través de 13 álbumes grabados desde abril de 1960 hasta septiembre de 1961, aunque no fue el líder de todas las sesiones. Prestige finalmente lanzó una caja de nueve CD que contenía toda la producción grabada de Dolphy para el sello.
Los dos primeros álbumes de Dolphy como líder fueron Outward Bound y Out There. El primero es más accesible y arraigado en el estilo del bop que algunos lanzamientos posteriores, pero todavía ofrecía actuaciones desafiantes, lo que al menos en parte explica la elección de la discográfica de incluir «out» en el título. Out There está más cerca de la tercera corriente de música que también formaría parte del legado de Dolphy, y recuerda también a la instrumentación del grupo Hamilton con Ron Carter en violonchelo. Far Cry también fue grabado para Prestige en 1960 y representó su primera pareja con el trompetista Booker Little, un espíritu de ideas afines con el que continuó haciendo un conjunto de legendarias grabaciones en vivo (At the Five Spot) antes de la trágica muerte de Little a la edad de 23 años.
Dolphy grabaría varios cortes no acompañados en saxofón, que en ese momento sólo habían hecho Coleman Hawkins y Sonny Rollins antes que él. El álbum Far Cry contiene una de sus actuaciones más memorables en el estándar de Gross-Lawrence Tenderly en saxofón alto, pero fue su posterior gira por Europa que rápidamente estableció altos estándares para la interpretación en solitario con sus excitantes interpretaciones de clarinete bajo de Billie Holiday’s God Bless The Child. Se realizaron numerosas grabaciones de las actuaciones en vivo de Dolphy, que han sido emitidas por muchos sellos discográficos, a veces dudosos, y que han ido entrando y saliendo de la imprenta desde entonces.
La música clásica del siglo XX también jugó un papel importante en la carrera musical de Dolphy, habiendo interpretado y grabado la Densidad 21.5 de Edgard Varèse para flauta solista, así como otras obras clásicas, y participó en gran medida en los esfuerzos de la Tercera Corriente de la década de 1960.
En julio de 1963, Dolphy y el productor Alan Douglas arreglaron sesiones de grabación en las que sus compañeros estuvieron entre los principales músicos emergentes de la época. Los resultados fueron sus LPs Iron Man y Conversaciones.
En 1964, Dolphy firmó con el legendario sello Blue Note y grabó Out to Lunch (una vez más, el sello insistió en usar «out» en el título). Este álbum estaba profundamente arraigado en la vanguardia, y los solos de Dolphy son tan disonantes e impredecibles como cualquier cosa que haya grabado. Out to Lunch es a menudo considerado no sólo como el mejor álbum de Dolphy, sino también como una de las mejores grabaciones de jazz jamás realizadas.
Después de Out to Lunch y una aparición como sideman en Point of Departure de Andrew Hill, Dolphy se fue de gira por Europa con el sexteto de Charles Mingus (una de las bandas más subestimadas de Mingus y sin duda una de las más excitantes) a principios de 1964. A partir de ahí se instaló en Europa con su prometida, que trabajaba en la escena del ballet en París. Después de dejar Mingus, tocó y grabó con varias bandas europeas y se estaba preparando para unirse a Albert Ayler para una grabación.
En la noche del 28 de junio de 1964, Dolphy se derrumbó en las calles de Berlín y fue llevado a un hospital. Los médicos del hospital que lo atendieron, que no tenían ni idea de que Dolphy era diabético, pensaron que él (como tantos otros músicos de jazz) había tomado una sobredosis de drogas, por lo que lo dejaron acostado en una cama de hospital hasta que las «drogas» siguieran su curso.
Las notas del set de nueve discos del Prestige dicen que «colapsó en su habitación de hotel y cuando lo llevaron al hospital le diagnosticaron un coma diabético. Después de ser administrado una inyección de insulina (aparentemente un tipo más fuerte que lo que entonces estaba disponible en los EE.UU.) él cayó en un shock de insulina y murió».
Dolphy moriría al día siguiente en un coma diabético, dejando un corto pero tremendo legado en el mundo del jazz, que fue inmediatamente honrado con su incorporación al Salón de la Fama de la revista Down Beat ese mismo año. Coltrane rindió homenaje a Dolphy en una entrevista: «Cualquier cosa que yo dijera sería un eufemismo. Sólo puedo decir que mi vida mejoró mucho conociéndolo. Era una de las mejores personas que he conocido, como hombre, amigo y músico».
La presencia musical de Dolphy influyó profundamente en el «quién es quién» de los jóvenes músicos de jazz que se convertirían en leyendas por derecho propio. Dolphy trabajó intermitentemente con Ron Carter y Freddie Hubbard a lo largo de su carrera, y en años posteriores contrató a Herbie Hancock, Bobby Hutcherson y Woody Shaw en varias ocasiones para trabajar en sus bandas en vivo y de estudio. Out to Lunch presentó a otro joven león que acababa de empezar a trabajar con Dolphy en el baterista Tony Williams, justo cuando su participación en la sesión Point of Departure puso su influencia en contacto con el prometedor tenor Joe Henderson.
Carter, Hancock y Williams se convertirían en una de las secciones rítmicas vanguardistas por excelencia de la década, tanto en sus propios álbumes como en la columna vertebral del segundo gran quinteto de Miles Davis. Esta parte del segundo gran quinteto es una nota a pie de página irónica para Davis, a quien no le gustaba la música de Dolphy pero sí absorbió una sección rítmica que había trabajado bajo la dirección de Dolphy y creado una banda cuyo estilo de «out» era, como era de esperar, muy similar al de Dolphy.
Además, su trabajo con el productor de jazz y rock Alan Douglas permitió que la marca única de expresión musical de Dolphy se extendiera póstumamente a los músicos en los ambientes de jazz fusión y rock, más notablemente con los artistas John McLaughlin y Jimi Hendrix. Frank Zappa, un intérprete ecléctico que se inspiró en la música jazz, rindió homenaje al estilo de Dolphy en el instrumental The Eric Dolphy Memorial Barbecue.
Fuente: allaboutjazz.com
Traducción: deepl.com/translator
Benjamin David Goodman nació el 30 de mayo de 1909 en Chicago, Illinois. Fue el octavo hijo de los inmigrantes David Goodman y Dora Grisinsky Goodman, que abandonaron Rusia para escapar del antisemitismo. La madre de Benny nunca aprendió a hablar inglés. Su padre trabajaba para un sastre para mantener a su numerosa familia, que finalmente llegó a tener un total de 12 hijos, y tenía problemas para llegar a fin de mes.
Cuando Benny tenía 10 años, su padre lo envió a estudiar música en la Sinagoga Kehelah Jacob en Chicago. Allí, Benny aprendió el clarinete bajo la tutela del miembro de la Sinfónica de Chicago Franz Schoepp, mientras que dos de sus hermanos aprendieron tuba y trompeta. También tocó en la banda en el famoso asentamiento social de Jane Addams, Hull-House.
La aptitud de Benny para el clarinete se hizo evidente de inmediato. Cuando aún era muy joven, se convirtió en músico profesional y tocó en varias bandas en Chicago. Tocó con su primera banda de foso a la edad de 11 años, y se convirtió en miembro de la Federación Americana de Músicos cuando tenía 14, cuando dejó la escuela para continuar su carrera en la música. Cuando su padre murió, Benny, de 15 años, usó el dinero que ganó para ayudar a mantener a su familia. Durante estos primeros años en Chicago, tocó con muchos músicos que más tarde serían reconocidos a nivel nacional, como Frank Teschemacher y Dave Tough.
Cuando Benny tenía 16 años, fue contratado por la banda de Ben Pollack y se mudó a Los Ángeles. Permaneció con la banda durante cuatro años, y se convirtió en un solista destacado. En 1929, el año que marcó el inicio de la Gran Depresión y un tiempo de angustia para Estados Unidos, Benny dejó la banda de Ben Pollack para participar en sesiones de grabación y programas de radio en la ciudad de Nueva York.
Luego, en 1933, Benny comenzó a trabajar con John Hammond, un promotor de jazz que más tarde ayudaría a lanzar las carreras de grabación de Billie Holiday y Count Basie, entre muchos otros. Hammond quería que Benny grabara con el baterista Gene Krupa y el trombonista Jack Teagarden, y el resultado de esta sesión de grabación fue el inicio de la popularidad nacional de Benny. Más tarde, en 1942, Benny se casaría con Alice Hammond Duckworth, la hermana de John Hammond, y tendría dos hijas: Rachel, que se hizo concertista de piano, y Benji, que se hizo violonchelista.
Benny dirigió su primera banda en 1934 y comenzó unos meses en el Music Hall de Billy Rose, tocando los arreglos de Fletcher Henderson junto con los miembros de la banda Bunny Berigan, Gene Krupa y Jess Stacy. La música que tocaban tenía sus raíces en las formas de jazz sureño de ragtime y Dixieland, mientras que su estructura se adhería más a la música arreglada que a sus contrapartes de jazz más improvisadas. Esto le dio una accesibilidad que atrajo a audiencias americanas en una escala amplia. Estados Unidos comenzó a escuchar a la banda de Benny cuando se aseguró un compromiso semanal para su banda en el programa de radio de la NBC «Let’s Dance», que fue grabado con público en vivo.
La nueva música swing hizo bailar a los niños cuando, el 21 de agosto de 1935, la banda de Benny tocó en el Palomar Ballroom de Los Ángeles. El concierto fue sensacional y marcó el comienzo de los años en que Benny reinará como King: la Era del Swing.
Adolescentes y estudiantes universitarios inventaron nuevos pasos de baile para acompañar la nueva sensación musical. La banda de Benny, junto con muchos otros, se convirtió en un gran éxito entre oyentes de diferentes orígenes en todo el país.
Durante este período Benny también se hizo famoso por ser daltónico cuando se trataba de segregación racial y prejuicios. El pianista Teddy Wilson, afroamericano, apareció por primera vez en el Ben ny Goodman Trio en el Congress Hotel en 1935. Benny agregó a Lionel Hampton, que más tarde formaría su propia banda, a su Cuarteto Benny Goodman al año siguiente. Aunque estos grupos no fueron los primeros en presentar tanto a músicos blancos como negros, la popularidad nacional de Benny ayudó a hacer que los grupos racialmente mezclados fueran más aceptados en la corriente principal. Benny dijo una vez: «Si alguien lo tiene, que se lo dé». Vendo música, no prejuicios».
El éxito de Benny como icono de la Era del Swing llevó a la revista Time en 1937 a llamarlo el «Rey del Swing». Al año siguiente, en la cúspide de la Era del Swing, la banda de Benny Goodman, junto con los músicos de las bandas Count Basie y Duke Ellington, hicieron historia como la primera banda de jazz en tocar en el prestigioso Carnegie Hall de Nueva York.
Después del concierto en el Carnegie Hall, la banda de Benny Goodman tuvo muchos cambios en su alineación. Gene Krupa dejó la banda, entre otros, y versiones posteriores de la banda incluyeron a Cootie Williams y Charlie Christian, así como Jimmy Maxwell y Mel Powell, entre otros.
La Era del Swing comenzó a llegar a su fin a medida que Estados Unidos se involucraba más en la Segunda Guerra Mundial. Varios factores contribuyeron a su decreciente éxito, incluyendo la pérdida de músicos en el draft y los límites que el racionamiento de gas puso a las bandas de gira. Sin embargo, aunque los días de las big band estaban llegando a su fin y nuevas formas de música estaban emergiendo, Benny continuó tocando música en el estilo swing. Se adentró en el movimiento «bop» de los años cuarenta, pero nunca sucumbió, como el resto del mundo, al encanto de las influencias del rock and roll en los años cincuenta y sesenta. En lugar de eso, Benny probó la música clásica, haciendo solos con las principales orquestas y estudiando con el aclamado clarinetista clásico Reginald Kell.
Estas apariciones demostraron aún más el rango de Benny como músico. Su talento era incuestionable desde que tenía 10 años, y en las sesiones de grabación a lo largo de su carrera, rara vez cometió errores. Krell le había ayudado a mejorar algunas de sus técnicas, haciendo que el juego de Benny fuera aún más fuerte.
En 1953, la banda de Benny planeó unirse a Louis Armstrong y a sus All Stars en una gira juntos, pero los dos líderes de la banda discutieron y la gira nunca abrió en el Carnegie Hall, como se había planeado. No es seguro si la gira fue cancelada debido a la enfermedad de Benny o al conflicto entre los líderes de la banda. El resto de la década marcó la difusión de la música de Benny a nuevas audiencias alrededor del mundo. La historia de Benny Goodman, una película que narra su vida, se estrenó en 1955, exponiendo a un público nuevo y más joven a su música. Benny también recorrió el mundo, llevando su música a Asia y Europa. Cuando viajó a la URSS, un escritor observó que «la música swing que una vez había puesto a los jitterbugs bailando en los pasillos de Paramount casi hizo estallar el Telón de Acero».
A finales de los años 60 y 70, Benny apareció en reuniones con los otros miembros de su cuarteto: Teddy Wilson, Gene Krupa y Lionel Hampton. En 1978, la banda de Benny Goodman también se presentó en el Carnegie Hall para conmemorar el 30 aniversario de su primera presentación en un concierto de jazz.
En 1982, Benny fue honrado por el Centro Kennedy por sus logros de toda una vida en la música swing. En 1986, recibió un doctorado honoris causa en música de la Universidad de Columbia y el Grammy Award for Lifetime Achievement. Continuó tocando la música que definió su vida en conciertos ocasionales hasta su muerte en junio de 1986, por paro cardíaco. Fue sepultado después de un breve servicio no sectario con alrededor de 40 familiares y amigos presentes el 15 de junio de 1986 en el cementerio de Long Ridge en Stamford, Connecticut. A través de su asombrosa carrera, Benny Goodman no cambió su estilo para ajustarse a las últimas tendencias, sino que retuvo el sonido original que definió la Era del Swing y lo convirtió en el rey del Swing de renombre mundial.
Fuente: allaboutjazz.com
Traducción: deepl.com
