Uno de los más influyentes bateristas de todos los tiempos, Steve Gadd establecer un nuevo estándar en el mercado contemporáneo. técnicas de percusión y rendimiento, y al hacerlo lanzó mil imitadores. Grabando tantos legendarios temas de batería como; «Aja», «Fifty Formas de dejar a tu amante» y «Nite Sprite», no hay tamborilero vivo de hoy que en de alguna manera no se ha efectuado por Steve Gadd. Su influencia sigue siendo se siente y se oye mucho en el juego de todo el mundo desde Vinnie Colaiuta a Carter Beauford. Y aún hoy en día no hay uno que puede meterse «dentro» de una melodía y encontrar el «bolsillo» bastante como el gran Steve Gadd.
Steve Gadd nació en Rochester, Nueva York, el 9 de abril de 1945.
El tío de Steve, un baterista del ejército, le animó a tomar clases de batería a la edad de siete años; para cuando Steve tenía 11 años ya se había sentado con Dizzy Gillespie. Estudió música en Eastman College, Rochester, tocando en conjunto de viento y banda de concierto, y por las noches en un club con Chick Corea, Chuck Mangione, Joe Romano y Frank Pullara. Después de la universidad, reclutado en el ejército y pasó tres años en una banda militar. Después del ejército, trabajó con una gran banda en Rochester. 1972, formó un trío con Tony Levin y Mike Holmes, yendo a Nueva York con él. El trío se desvaneció, pero Gadd comenzó a trabajar extensamente como músico de estudio. También jugó con el primer Return to Forever de Corea. 1970’s y 1980’s, de gira internacional, grabado con Paul Simon y con la Electric Rendezvous Band de Al DiMeola.
A finales de la década de 1970, Gadd era el baterista más solicitado y probablemente el más imitado del mundo. En Japón, las transcripciones de sus solos estaban a la venta, y todos los principales bateristas japoneses sonaban como él. Chick Corea comentó, «Todo baterista quiere tocar como Gadd porque toca perfecto…». . . Ha traído el pensamiento orquestal y compositivo a la batería, al mismo tiempo que tiene una gran imaginación y una gran habilidad para el swing».
Después de graduarse de Eastman, Steve fue reclutado en el Ejército. Mientras realizaba sus tres años de servicio, Steve terminó tocando la batería en la banda militar. Después de dejar el ejército, Steve comenzó a tocar con una gran banda en el área de Rochester y en 1972 formó un trío con Tony Levin y Mike Holmes. Fue después de mudarse a la ciudad de Nueva York que Steve se convirtió en uno de los músicos de estudio más solicitados de la ciudad. Fue como músico de estudio que Steve llegó a lo suyo y trabajó con músicos como Chick Corea, Paul Simon, Donald Fagen y Walter Becker, Aretha Franklin, Carly Simon, Bob James, Nancy Wilson y Joe Cocker, por nombrar algunos.
En los años 70 y 80, Steve grabó cinco álbumes con Chick Corea, varios álbumes con Al DiMeola incluyendo Al’s Electric Rendezvous, y grabó y realizó giras con Gato Barbieri, George Benson, Stanley Clarke, Steely Dan, Joe Cocker, Maynard Ferguson, Roberta Flack, Jim Hall y por supuesto, Paul Simon.
En 1976 Steve se convirtió en miembro del grupo Stuff con Gordon Edwards, Richard Tee, Eric Gale, Cornell Dupree y Chris Parker, mientras continuaba con su apretada agenda de trabajo en el estudio. Hacia finales de los años 70, Steve no sólo se había convertido en uno de los bateristas más solicitados, sino que también se había convertido en uno de los bateristas más imitados y venerados del mundo.Los años 90 vieron a Steve convertirse en el primer baterista de Eric Clapton, solidificando la reputación de Steve como uno de los bateristas más hábiles y consumados de su generación.
Hoy en día Steve está tan ocupado como nunca lo estuvo con uno de los horarios de grabación y giras más intensos del negocio, pasando tiempo en el estudio y en la carretera con Eric Clapton, Paul Simon y James Taylor.
La influencia de Steve en la la comunidad de tamborileros puede se oirá en reproductores de todos los ámbitos de la vida, ya sea lo saben o no. Su sensación, su imaginación, y habilidades son las firmas de sus sonido de marca registrada. Pocos otros pueden manejar para entrar en una melodía como Steve Gadd».
Considerada por los aficionados al jazz como una de las diez mejores cantantes femeninas de todos los tiempos, el fraseo detrás del compás, el control vocal impecable y la forma ingeniosa y a veces cáustica de transmitir una letra son lo que la distingue como una cantante singularmente grandiosa. Ella consideraba a la gran Billie Holiday del jazz como una mentora musical. Pero esta Queen of Cool tenía su propio sonido y estilo; incluyendo una asombrosa habilidad para dispersarse. La versátil McRae podía columpiarse con fuerza cuando se le pedía; luego podía sacar una balada, saboreando cada nota y sílaba sin perder la atención del público, estaba en una clase sola.
McRae tuvo la suerte de haber sido criado por una familia lo suficientemente próspera como para permitirse un piano y clases. Desde el principio expresó un gran interés en una carrera como actriz. A los veinte años, su interés por la música había tomado el relevo y comenzó a cantar y a tocar el piano. Ya de joven era una mujer con algo que decir y a lo largo de su vida fue reconocida no sólo por sus talentos musicales sino también por su inmenso amor por la expresión verbal a través de las letras musicales.
Su primer descanso fue ser contratada como pianista en el mundialmente famoso Minton’s Playhouse de Harlem, un club de jazz. Conoció a muchos de los mejores músicos de jazz moderno de la época. Una influencia importante fue la compositora Irene Wilson, quien le presentó a Billie Holiday. Wilson continuó animando a McRae a escribir música; uno de los primeros intentos de McRae de escribir canciones, «Dream of Life», fue grabado por Billie Holiday en 1939.
El primer compromiso importante de McRae fue como vocalista para la orquesta de Benny Carter en 1944, luego pasó a trabajar con las bandas de Count Basie y Earl Hines entre 1944-46. Los períodos de 1946-47, apareció y grabó con la banda de Mercer Ellington (Grabado bajo el nombre de «Carmen Clarke.»Se casó brevemente con el innovador del bebop Kenny Clarke en 1946-49, donde también adoptó el estilo técnicamente difícil del bebop como sólo unos pocos cantantes podían hacerlo en ese momento.
Aunque trabajaba regularmente frente a combos y se acompañaba a sí misma al piano en Minton’s, estaba en un concierto en Brooklyn cuando fue descubierta y firmada por Decca Records. Decca lanzó su primer álbum como líder, «Carmen McRae», en 1954, lo que llevó a la revista Down Beat a votar por su «Mejor nueva vocalista femenina de 1954», un año en el que hubo mucha competencia por ese puesto.
Sus cinco años de asociación con Decca sirvieron tanto para convertirla en una auténtica estrella de la canción como para producir lo que en última instancia resultaría ser la serie de grabaciones más excelente de toda su carrera de cuarenta años. Estos doce LPs, de hecho, se encuentran entre los mejores discos vocales de todos los tiempos. McRae es a la vez fresco y vanguardista, afilado, relajado y oscilante, colocando todo tipo de material en todo tipo de ambientes. Estos van desde tríos dirigidos por el pianista Ray Bryant en «After Glow», o su propio piano «By Special Request», hasta grandes bandas de swing dirigidas por Tadd Dameron en «Blue Moon», Ralph Burns en «Torchy», o Ernie Wilkins en «Something to Swing About»,»una orquesta de cuerdas de tamaño completo «Book of Ballads», «When You’re Away», y grupos experimentales de jazz con elementos tan inusuales como el acordeón «By Special Request» y el violonchelo «Carmen for Cool Ones».” También aborda temas tan inusuales para una cantante de jazz como, en «Mad About the Man», las canciones de Noël Coward, y, en «Birds of a Feather», canciones sobre nuestros amigos emplumados.
A medida que pasaron los años, desarrolló una actitud cada vez más cansada del mundo en su canto. Por el contrario, la frescura y vitalidad de estos, sus primeras grabaciones notables, es notable. Estos temas anunciaban la llegada de un nuevo e importante artista, cuya luz no se ocultaría más, y casi cincuenta años después conservaron su poder.
Ella continuaría grabando prolíficamente a un ritmo constante con un promedio de al menos un disco por año hasta 1990. En Decca, Carmen McRae se estableció como una perfeccionista versátil. Si el material era hard-bop outré o clásicos del Gran Cancionero Americano, ella hizo que el difícil negocio de comunicarse con el oyente en un nivel más profundo sonara como si fuera fácil.
La carrera de Carmen alcanzó grandes alturas, una gran hazaña para un músico de jazz. Grabó, actuó a nivel nacional y realizó giras internacionales por Europa y Japón. Fue elegida para participar en la audaz opereta de jazz de Dave Brubeck, «The Real Ambassadors». otros intérpretes en esta obra singular que fue básicamente una protesta política contra la guerra y en apoyo de los derechos civiles fueron Louis Armstrong y el trío de armonía de Lambert, Hendricks y Ross. «Dios bendiga al niño», de Brubeck, «Take Five», y «I’ve Got You Under My Skin» se convirtieron en sus melodías favoritas mientras cultivaba una gran base de fans internacionales.
El Great American Music Hall de San Francisco fue el lugar de dos de sus últimos grandes logros. 1987 trajo un álbum de dúos en vivo aclamado por la crítica con la cantante de jazz de vanguardia Betty Carter, y también hizo «Fine and Mellow, Live at Birdland West», el mismo año. Una de sus últimas grandes grabaciones fue «Carmen Sings Monk» de 1988, a la que siguió un homenaje a su íntima amiga Sarah Vaughan, «Sarah, Dedicated to You», en 1990. Dejó un legado grabado de más de cincuenta álbumes hasta el momento de su muerte, y luego hay más de veinte más publicados desde entonces, más de setenta y cinco en total, bastante impresionante por cualquier estándar.
Fumadora de toda la vida, diagnosticada con enfisema, anunció su jubilación en 1991, después de colapsar tras una actuación en el venerable club de jazz Blue Note de Nueva York. Ella sobrevivió sólo cuatro años más, muriendo en 1994.
En enero de 1994, Carmen recibió el Premio Jazz Master de la National Endowment for the Arts. Era una experta en ritmo, fraseo hábil y baladas personales agridulces. Su enigmática y oscura voz de contralto se basaba en la irónica interpretación de las letras que la ha colocado entre el panteón de las cantantes femeninas de jazz.
