Brad Mehldau ::: Your Mother Should Know: Brad Mehldau Plays The Beatles

Brad Mehldau ::: Your Mother Should Know: Brad Mehldau Plays The Beatles

Your Mother Should Know: Brad Mehldau Plays The Beatles

Brad Mehldau

Nonesuch | Febrero 10, 2023

Brad Mehldau - Your Mother Should Know

 

1 I Am The Walrus 4:14
2 Your Mother Should Know 2:18
3 I Saw Her Standing There 3:54
4 For No One 2:28
5 Baby's In Black 7:19
6 She Said, She Said 2:42
7 Here, There And Everywhere 3:58
8 If I Needed Someone 2:25
9 Maxwell's Silver Hammer 6:42
10 Golden Slumbers 8:17
11 Life On Mars? 4:09

 

Brad Mehldau, piano

 

Los Beatles tienen una universalidad indiscutible. Su música traspasa fronteras culturales y generacionales, ya que nuevos oyentes siguen descubriéndola. Hay una inmediatez e integridad en sus canciones que atrae a todo el mundo.

 

Si nos fijamos en los Beatles y en la multitud de artistas que se han visto influidos por una u otra faceta de su obra, esta paradójica receta para la longevidad es una forma de considerar su huella permanente. Porque hay mucho de extraño en gran parte de su música, sobre todo en la serie de álbumes que cambiaron el juego, desde Rubber Soul hasta su último disco, Let It Be.

El álbum en directo presenta las interpretaciones del pianista y compositor de nueve canciones de John Lennon y Paul McCartney y una de George Harrison. Aunque otras canciones de los Beatles son habituales en los conciertos en solitario y en trío de Mehldau, éste no había grabado antes ninguna de las canciones de Your Mother Should Know. El álbum termina con un clásico de David Bowie que establece una conexión entre los Beatles y los compositores pop que les siguieron. Your Mother Should Know se grabó en septiembre de 2020 en la Philharmonie de París.

"Hay una universalidad indiscutible en The Beatles", dice Mehldau. "Su música atraviesa líneas culturales y generacionales, ya que nuevos oyentes siguen descubriéndola. Hay una inmediatez y una integridad en sus canciones que atrae a todo el mundo".

"Cuando empecé a tocar el instrumento, los Beatles aún no estaban en mi radar, pero mucha de la música pop para piano que escuchaba en la radio surgió de ellos. Esa música se convirtió en parte de mi personalidad, y cuando más tarde descubrí a los Beatles, todo encajó. Su música, y su amplia influencia en otros artistas, sigue informando lo que hago".

Mehldau considera además: "En su libro The Western Canon, Harold Bloom se enfrentó a la cuestión de qué hace que determinados libros perduren: La respuesta, la mayoría de las veces, ha resultado ser la extrañeza, un modo de originalidad que, o bien no puede asimilarse, o bien nos asimila tanto que dejamos de verlo como extraño".

"Si nos fijamos en los Beatles y en la multitud de artistas que se han visto influidos por una u otra faceta de su obra, esta paradójica receta para la longevidad es una forma de considerar su huella permanente", prosigue Mehldau. "Porque hay mucho de extraño en gran parte de su música, sobre todo en la serie de álbumes que cambiaron el juego, desde Rubber Soul hasta su último disco, Let It Be". El debut de Brad Mehldau con Nonesuch fue el disco en solitario Live in Tokyo, de 2004. Sus dieciocho lanzamientos posteriores en el sello incluyen seis discos con su trío, así como álbumes en colaboración y en solitario.

Sus lanzamientos más recientes son un par de grabaciones con el Joshua Redman Quartet original de la década de 1990, RoundAgain (2020) y LongGone (2022); Variations on a Melancholy Theme (2021), encargado por la Orpheus Chamber Orchestra y grabado con ella; un álbum en solitario que grabó durante el cierre de COVID-19, Suite: April 2020; y Jacob's Ladder (2022), con música que reflexiona sobre las escrituras y la búsqueda de Dios a través de la música y que se inspira en el prog rock que Mehldau amaba cuando era un joven adolescente. El 15 de marzo de 2023, Equinox Publishing publicará las memorias de Mehldau Formation: Building a Personal Canon, Part I, una rara mirada al interior de la mente de un artista en la cima de su campo, en sus propias palabras.

 

bradmehldaumusic.com
nonesuch.com

Jim Snidero ::: Far Far Away

Jim Snidero ::: Far Far Away

Far Far Away

Jim Snidero

Savant | Febrero 3, 2023

Jim Snidero - Far Far Away

 

1. Far Far Away
2. Infinity
3. It Might As Well Be Spring
4. Nowhere to Hide
5. Obsession
6. Pat
7. Search for Peace
8. Little Falls

Jim Snidero, alto saxophone, leader
Kurt Rosenwinkel, guitar
Orrin Evans, piano
Peter Washington, bass
Joe Farnsworth, drums

 

"Solos deslumbrantes"
New York Times

"Virtuoso del saxofón alto"
Downbeat Magazine

 

"Maestro de la música"
Downbeat Magazine

 

"Snidero tiene una cualidad que te hace confiar en él implícitamente: el gusto"
Stereophile Magazine

 

"Figura genuinamente significativa en la composición de jazz"
Penguin Guide to Jazz

Far Far Away es una potencia sonora que aprovecha todos los aspectos de este magnífico quinteto de estrellas. Kurt Rosenwinkel toca de forma abrasadora e innovadora, Jim Snidero demuestra un sonido de espada, y la sección rítmica de Orrin Evans, Peter Washington y Joe Farnsworth se mueve e interactúa a los más altos niveles artísticos. Basándose en el éxito de 5 estrellas (Downbeat Magazine) de Live at The Deer Head Inn, que incluía a Evans, Washington y Farnsworth, Snidero echa más leña al fuego añadiendo el influyente estilo de guitarra de Rosenwinkel.

El resultado es una actuación inspirada, rebosante de musicalidad y dinamismo. Los seis temas originales de Jim Snidero crean la mezcla perfecta de tendencias actuales y tradición. Swing, Latin y Euro grooves están todos representados, pero el álbum es sorprendentemente cohesivo, fluyendo de una melodía a la siguiente. Los clásicos "It Might as Well be Spring" y la profundamente relevante "Search for Peace" de McCoy Tyner completan esta increíble grabación.

*****

En los últimos treinta y cinco años, Jim Snidero ha llegado a ser conocido como uno de los mejores músicos de jazz de su generación. Como saxofonista alto, compositor, arreglista, autor y educador, Snidero ha sido llamado tanto "músico maestro" como "virtuoso del saxofón alto" por Downbeat Magazine, y colocado en el Downbeat Critic's Poll de 2017, lo que demuestra su continuo impacto en la escena internacional del jazz.

Jim Snidero creció en Camp Springs, Maryland, a las afueras de Washington, DC . Nutrido musicalmente desde una edad temprana, tanto en casa como en el programa de música de su escuela, Snidero comenzó a mostrarse rápidamente prometedor como músico. De adolescente, Snidero estudió con el gran Phil Woods y fue miembro de la famosa One O'Clock Lab Band del mundialmente conocido programa de jazz de la Universidad del Norte de Texas. Los estudios con otro gran saxofonista -Dave Liebman- ayudaron a Snidero a alcanzar el siguiente nivel como músico y, en última instancia, le ayudaron a tomar la decisión de trasladarse a Nueva York al finalizar sus años universitarios.

Tras llegar a la Gran Manzana en 1981, a la edad de 23 años, Snidero apareció por primera vez en el radar del jazz cuando se unió a la banda del hermano Jack McDuff, grabando 3 álbumes con un gigante del jazz. Aquél fue el primero de muchos trabajos como músico de acompañamiento para el saxofonista. Rápidamente se corrió la voz de sus habilidades, lo que llevó a Snidero por otros caminos con la Mingus Big Band, el icono del saxofón Frank Wess, la Toshiko Akiyoshi Jazz Orchestra, Eddie Palmieri y Frank Sinatra (Duets II, Capitol), por nombrar sólo algunos.

Snidero se convirtió en líder discográfico con On Time (Toshiba/EMI 1984), la primera de muchas fechas notables que grabaría con su propio nombre. A lo largo del cuarto de siglo que siguió, creó una obra envidiable construida con coherencia musical y diversidad estilística. Destacan Mixed Bag (Criss Cross, 1987), su primer disco de amplia difusión, Blue Afternoon (Criss Cross, 1989), considerado uno de los mejores discos de jazz de la historia en The Penguin Jazz Guide: The History Of The Music In The 1001 Best Albums, y Strings (Milestone, 2003), que compuso y arregló para orquesta de cuerda y fue calificado de "obra maestra" por varios medios de comunicación.

En los últimos diez años ha publicado una serie de discos muy bien recibidos para el destacado sello discográfico Savant. Snidero se centró inicialmente en una formación centrada en la guitarra, entre otras cosas formando equipo con jóvenes modernistas como la bajista Linda Oh y el baterista Rudy Royston para deslumbrantes esfuerzos como Stream Of Consciousness (Savant, 2013), lo que resultó en la colocación de Snidero en la encuesta del lector 2014 de Downbeat Magazine. A continuación, pivotó hacia el trío de piano con Main Street (Savant, 2015) y el quinteto con MD66 (Savant, 2016) inspirado en el segundo gran quinteto de Miles' Davis, lo que le valió ser elegido por la crítica en la revista Jazz Times.

En 1996, Jim Snidero revolucionó la enseñanza del jazz al escribir los primeros libros Jazz Conception. Con el tiempo, estos libros superventas dieron lugar a las series Easy e Intermediate, que cubrían las lagunas existentes para músicos de distintos niveles; hasta la fecha, la serie Jazz Conception contiene más de cuarenta libros y sigue siendo un recurso educativo de jazz increíblemente popular. En 2013, Snidero amplió su papel como visionario de la educación del jazz, creando The Jazz Conception Company, que explora una nueva frontera en el mundo de la tecnología y la educación.

Jim Snidero es profesor adjunto en la New School de Nueva York y en la New Jersey City University, y ha sido profesor visitante en algunas de las mejores instituciones musicales del mundo, como la Universidad de Indiana y la Universidad de Princeton. Además, Snidero patrocina los saxofones Selmer y las cañas D'Addario.

 

jimsnidero.com

Ron Carter & Daniele Cordisco ::: Bitter Head

Ron Carter & Daniele Cordisco ::: Bitter Head

Bitter Head

Ron Carter & Daniele Cordisco

Stunt Records | Febrero 3, 2023

Ron Carter, Daniele Cordisco - Bitter Head

 

1. Canadian Sunset 5.50
2. Tangerine 5.46
3. Mr. P. B. 6.15
4. Angel Eyes 5.11
5. Come Rain or Come Shine 5.15
6. F.R.C 4.25
7. Bitter Head 6.24
8. Autumn In New York 7.47

Daniele Cordisco, chitarra
Ron Carter, contrabbasso
Jeb Patton, pianoforte
Luca Santaniello, batteria

FB https://www.facebook.com/cordiscodaniele
IG https://www.instagram.com/daniele.cordisco/

Recorded by David Stoller
Assistant Engineer: Grady Bajorek
The Samurai Hotel Recording Studio – New York

'Bitter Head', que se presentará oficialmente en concierto en el Ronnie Scott de Londres el 22 de febrero, es un álbum que aúna tradición, estilo y elegancia...

El guitarrista Daniele Cordisco y la leyenda del jazz mundial Ron Carter presentan el álbum 'Bitter Head', que saldrá en el sello Nuccia el 3 de febrero de 2023.

'Bitter Head', que se presentará oficialmente en concierto en el Ronnie Scott de Londres el 22 de febrero, es un álbum que combina tradición, estilo y elegancia, y que además se ve realzado por el piano de Jeb Patton y la batería de Luca Santaniello. Este último desempeñó un papel especial en la realización del álbum y en la participación de Carter como colíder.

Con los años, Daniele empezó a colaborar con varios artistas estadounidenses, entre ellos: Pat Bianchi, Jerry Weldon, Benny Benack III, Itai Kriss, Bruce Harris, Nick Hampton y otros, creando un verdadero puente entre Italia y Nueva York. El cómplice en esta aventura fue Luca Santaniello, de Molise, un batería que se trasladó a Nueva York en 2001 y posteriormente se graduó en la prestigiosa Juilliard School. Fue el propio Luca, que había conocido a Ron Carter en Juilliard y mantenía una estrecha relación con él, quien decidió proponerle los trabajos musicales de Daniele, que fueron tan apreciados por el Maestro que respondió al correo electrónico con un seco: "Me interesa este proyecto, ¿cuándo viene Daniele a Nueva York?

No hace falta decir -dice Cordisco- cuánta emoción, miedo y alegría sentí antes, durante y después de la grabación de este álbum. Un vestido que tuve que coser a un gran Maestro como Ron Carter. El repertorio que elegí para este disco está obviamente en consonancia con la historia musical de Carter, cuyas obras discográficas todos conocemos y apreciamos. Me pareció una gran forma de respeto y gratitud ofrecerle la grabación de piezas en sus acordes, junto a piezas originales que sin duda han adquirido, gracias a las manos que las interpretaron, un encanto especial.

Aquí empieza el trabajo de composición y arreglo. La idea principal era, sin duda, hacer un disco que representara lo mejor posible la idea musical de Daniele: firmemente anclado en la tradición (una especie de Hard Bop contemporáneo) y, al mismo tiempo, con una selección de composiciones originales de fuerte impacto y con melodías siempre refinadas.

Encontramos en el álbum muchos estándares tradicionales, hábilmente arreglados y con un nuevo look. "Tangerine" y "Come Rain Or Come Shine" son el ejemplo perfecto: una dosis concentrada de swing, citas rítmicas y 'patterns' al unísono que personalizan enormemente estas canciones. "Canadian Sunset" - inspirada en el groove de Vernel Fournier en "Poinciana" - y finalmente una íntima "Autumn In New York", interpretada a dúo de guitarra y contrabajo, en la que Daniele rinde homenaje a la colaboración de Ron Carter con Jim Hall. Entre los temas originales se encuentran 'Bitter Head', un blues con algunas influencias gospel, 'Mr. P.B.', en el mood 'a la Elvin Jones' con una sección central al estilo latin jazz (nota del editor: típico del periodo Hard-Bop) y 'F.R.C.', un uptempo dedicado a Ron Carter.

Bitter Heard fue grabado en abril de 2022 en el Samurai Hotel Recording Studio de Nueva York, mezclado y masterizado por Vadalà y Roy Bortoluzzi, con la colaboración de Federica Ugo, en los Nuccia Studios de Roma.

************

RON CARTER es uno de los bajistas más originales, prolíficos e influyentes del jazz. Ha grabado más de 2.200 álbumes y tiene un récord Guinness que lo demuestra.

En jazz: A lo largo de sus 60 años de carrera, ha grabado con muchos de los grandes del jazz: Lena Horne, Bill Evans, B.B. King, Dexter Gordon, Wes Montgomery, Bobby Timmons, Eric Dolphy, Cannonball Adderley y Jaki Byard, por nombrar algunos. De 1963 a 1968, fue miembro del aclamado Miles Davis Quintet.

En otros géneros: Tras abandonar el quinteto, se embarcó en una prolífica carrera de 50 años como free-lance que abarcó géneros musicales muy diferentes y que continúa en la actualidad. Grabó con Aretha Franklin, apareció en el álbum seminal de hip-hop Low End Theory con a Tribe Called Quest, escribió y grabó piezas para cuartetos de cuerda y corales de Bach para 2-8 bajos y acompañó a Danny Simmons en un álbum de spoken word.

Como líder Carter pasa al menos la mitad del año de gira por todo el mundo con sus diversos grupos. The Ron Carter Trio, The Ron Carter quartet, the Ron Carter Nonet y Ron Carter's Great Big Band. Ha grabado múltiples álbumes con sus grupos.

Como autor: Carter comparte su experiencia en la serie de libros de su autoría, donde explica su proceso creativo y enseña a bajistas de todos los niveles a mejorar sus habilidades y desarrollar su propio sonido único. También escribió su autobiografía "Finding the Right Notes", que está disponible en versión impresa y también como audiolibro leído por el propio Maestro.

Como profesor: Carter ha dado conferencias, dirigido y actuado en clínicas y clases magistrales, instruyendo a conjuntos de jazz y enseñando el negocio de la música en numerosas universidades. Fue Director Artístico del Instituto Thelonious Monk de Estudios de Jazz cuando éste se encontraba en Boston y, tras 18 años en el cuerpo docente del Departamento de Música del City College de Nueva York, ahora es Profesor Emérito Distinguido, actualmente imparte clases en la Manhattan School of Music.

Formación: Carter se licenció en música en la Eastman School de Rochester y obtuvo un máster en contrabajo en la Manhattan School of Music de Nueva York. También ha recibido cinco doctorados honoris causa, del Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra, la Escuela de Música de Manhattan, la Universidad de Rochester, Juilliard y Berklee, y en 2002 recibió el prestigioso Premio Hutchinson de la Escuela Eastman de la Universidad de Rochester.

*****

Daniele Cordisco, nacido en Campobasso en 1988, se acercó a la música desde muy joven gracias a su padre, un importante guitarrista de jazz en Italia.

Hoy tiene un currículum como músico profesional, de hecho ha tenido la oportunidad de compartir escenario con algunos de los músicos/artistas más importantes de la escena musical italiana y de fuera de ella, entre ellos: Jeff Young (organista de Sting), Fabrizio Bosso, Danilo Rea, Max Ionata, Stefano Di Battista, Gary Smulyan, Godwin Louis, Jerry Weldon, Gege' Munari, Giorgio & Dario Rosciglione, Jimmy LaRocca, Julian Oliver Mazzariello, hermanos Deidda, Lorenzo Tucci, Gregory Hutchinson, Pierre Boussaguet, Sarah McKenzie, Gregory Generet, Michael Rosen, Ronnie Cuber, Daniele Scannapieco, Roberto Gatto, Donna McElroy, Christian Maurer, Roy Hargrove, Esperanza Spalding.

Ha actuado regularmente con Renzo Arbore y sus Swing Maniacs. Entre los principales premios que recibió son: la beca para el "Berklee College of Music de Boston", 1er premio en el "Chicco Bettinardi" (Piacenza 2011, logrado con Daniele Basirico y Giovanni Campanella), 1er premio en el Concurso Internacional "Jóvenes Talentos de la Guitarra de Jazz" (Turín, 2007), el premio al mejor guitarrista en el "Tuscia Jazz Contest" en el verano de 2010 y ha coronado el sueño de poder mostrar delante de una de las estrellas de la guitarra de jazz de todos los tiempos, Jim Hall.

El encuentro 'tuvo lugar en el concurso "The Genius Of Eddie Lang" (Isernia), donde el guitarrista estadounidense fue invitado como presidente del jurado. Daniele Cordisco ganó el 1er premio y la oportunidad habría sido sólo el voto decisivo de Jim Hall.Grabó su primer álbum, "This Could Be The Start", para el sello italiano "Nuccia" en 2014 y desde entonces ha grabado con: Jerry Weldon, Ben Paterson, Benny Benack Denise King, Stjepko Gut y muchos otros. Hoy enseña guitarra de jazz en el "Conservatorio di Musica G. Da Venosa" de Potenza y en el Centro Ottava de Roma.

roncarterjazz.com
momentosera.it

Armel Dupas Trio ::: Lookin’ Up

Armel Dupas Trio ::: Lookin’ Up

Armel Dupas
Internet Archive Ivoox Itunes App Móvil

Lookin' Up

Armel Dupas Trio

Armel Dupas | Nov 25, 2022

El jóven pianista francés expone su rico mundo interior en este muy entrador álbum de alto impacto emocional, de esos discos que facilitan la escucha, por su poca pretención de complejidad que muchas veces poco tiene que ver con la música como la entiende la mayoría de los escuchas, pero hay que aclarar que esta pretendida facilidad de acceso no desprecia a la música como debe ser. No todo lo raro, complejo o intelectual es «lo serio» y en la música de Dupas encontramos los ingredientes que todo músico busca, belleza, originalidad e impacto…

Además también el pianista ocupa su tiempo en un emprendimiento cuasi terapéutico en el sentido de la formalidad del término, porque convengamos que la música es de por sí terapéutica, el lo explica así:

Durante mi vida como pianista en el escenario, siempre me he esforzado por acercarme a las personas que me escuchan para sentir mejor su vibración e improvisar una música que resuene perfectamente con cada una de ellas. Mientras hacía conciertos a domicilio, me di cuenta de que cada oyente percibe la música de forma diferente.

Así que me imaginé tocando para una sola persona con la emisión y la recepción del sonido en un estado de equilibrio. La idea era atractiva pero incompleta.

Fue entonces cuando surgió la noción de «lo sagrado»: lo sagrado que es precioso, íntimo, poderoso e intangible. ¿Podrían percibirse las notas emitidas por el instrumento de otra manera que no sea a través del oído (y la vista…)? ¿Y si ofreciera a mi invitado tumbarse sobre el piano para sentir las vibraciones del instrumento a través de su cuerpo? Así nació «Le Piano Sacré».

Le Piano Sacré, …el proceso

«Le Piano Sacré» es un encuentro de 2 horas. Lo recibiré en mi chalet de Saffré, en el corazón de la campiña de Nantes, para pasar unos momentos de convivencia y compartir.

Mientras tomamos un té o un café, hablaremos de tu trayectoria vital y de las expectativas que tienes en relación con la sesión de tratamiento vibracional y musical.

Este es un momento importante para mí, porque en él estableceremos una base y una relación de confianza entre nosotros que alimentará la improvisación que seguirá.

Y en una hipotética conversación entre el piano y el pianista…

Le Piano Sacré, …¿qué música toca usted?

Voy a improvisar sobre lo que siento de tu personalidad, de tu historia y de la vibración que surge de nuestro encuentro. Para apoyar mi improvisación, he inventado una baraja de cartas que corresponden a las 24 tonalidades mayores y menores.

Te invito a sacar 3 cartas correspondientes a ayer (tu pasado), hoy (el momento presente) y mañana (tu futuro): son esos 3 tonos sobre los que voy a jugar. Escucho mi voz interior y me dejo guiar por ella.

Le Piano Sacré, …¿por qué se acuesta en su piano?

He afinado mi Kawai en la frecuencia La-432Hz, que ayuda a armonizar los dos hemisferios del cerebro potenciando así la creatividad, la lucidez y la conciencia plena.

Estar tumbado te permite sentir las vibraciones del piano y estar en un estado de relajación absoluta, como si te envolviera el sonido. Te dejas llevar por la música y la emoción y yo me dejo guiar por tus reacciones y tu respiración. Incluso puedes cantar.

Le Piano Sacré, …¿qué hace?

La vibración del instrumento actúa como un masaje integral de todo el cuerpo simultáneamente: todos los puntos de contacto (cabeza, omóplatos, columna vertebral, coxis, nalgas, pantorrillas, talones) están sincronizados. Esto nos permite desconectar gradualmente nuestra mente para sumergirnos en el corazón de nuestras sensaciones y en nuestra esfera emocional profunda.

Tras el momento de la música, que dura unos 40 minutos, nos permitiremos un tiempo para «aterrizar», para compartir lo que hemos sentido. A veces las palabras no son suficientes, así que podemos dibujar, dar un paseo o tomarnos el tiempo de meditación que sea necesario para integrar esta extraordinaria experiencia. Saldrás sintiéndote liberado de una carga emocional y cargado de buenas energías.

Desde que empecé a practicar El Piano Sagrado, me siento más en sintonía conmigo mismo y con los que se animan a recibir la música de esta manera.

 

armeldupas.com

CORTINA FINAL An angel called Vinnie - Armel Dupas
Armel Dupas Trio - Lookin' Up

 

1 Lookin' Up 3:02
2 Habanera 4:48
3 Babycat Please Come Back Home 5:12
4 Follow the Light 5:03
5 Paranoia Purple 5:13
6 Links 3:52
7 When We Meet Halfway 5:37
8 La Madrague 3:18
9 Where or When 3:50

 

Armel Dupas, piano
Jules Bille?, double bass
Christophe Piot, drums

 

 

Armel Dupas es un pianista atípico. En trío o en solitario, cuenta la historia de su vida en la música y comparte con su público historias que invitan a todos a conectar con su interior. 

 

El abanico de emociones que genera la música del trío es amplio: desde la ternura de una nana hasta la animalidad de un ritmo trepidante. Con sus compañeros Christophe Piot a la batería y Jules Billé al contrabajo, Armel está en perpetuo equilibrio al borde del yin y el yang. Una verdadera experiencia sensorial…

Internet Archive Ivoox Itunes App Móvil
Anteriores

  • Gary Burton – Reunion
  • Taylor Eigsti - Plot Armor
  • Viktoria Tolstoy - Shining on You
  • Russell Malone – Heartstrings
  • Alyssa Giammaria - In Time
Diego Rivera ::: Love and Peace

Diego Rivera ::: Love and Peace

Love and Peace

Diego Rivera

Stunt Records | Febrero 3, 2023

Diego Rivera - Love and Peace

 

1 Lovely 3:56
2 Ganas 3:53
3 Gracias A La Vida 4:13
4 Soul Purpose 4:13
5 Anticipation 4:05
6 Alabama 10:11
7 Composure 4:18
8 Simo?n 5:54
9 La Malinche 5:42
10 Battle Fatigue 4:43
11 Peace 6:26

 

 

Diego Rivera, tenor and soprano (2, 5, 9, 11) saxophones
Art Hirahara, piano
Boris Kozlov, bass
Rudy Royston, drums

Diego Rivera, director de orquesta, compositor, educador y saxofonista extraordinario, aspira a cotas más altas y desata el poder trascendente de "Love and Peace" en su cuarto trabajo para Posi-Tone Records. Con un programa de emocionantes composiciones originales y algunas versiones sentidas, la sesión entra rápidamente en acción y brilla con momentos brillantes desde el principio. La sesión también cuenta con una sección rítmica de lujo formada por el pianista Art Hirahara, el bajista Boris Kozlov y el batería Rudy Royston. Con la profunda emotividad de esta propuesta musical, Rivera ha elevado notablemente su intención y expresión a otro nivel, y la conmoción de estas interpretaciones incitará a los entusiastas del jazz de todo el mundo a profundizar en su mensaje de "Amor y Paz" con asombro y deleite.

//////////////////

Diego Rivera, músico, compositor, arreglista y pedagogo de talla mundial, lleva más de 20 años deleitando al público. Rivera es conocido por su tono musculoso y su mezcla única de jazz directo fusionado con música inspirada en su origen y herencia latinos. Es profesor titular asociado de saxofón de jazz en la Universidad Estatal de Michigan, donde también es director asociado de estudios de jazz.

Rivera nació en Ann Arbor (Michigan) y se crió en East Lansing (Michigan). Nacido en el seno de una familia mexicano-estadounidense, su herencia chicana siempre ha sido importante para él y ha dado forma a sus esfuerzos creativos. Sus padres le pusieron el nombre del famoso muralista Diego Rivera. Un viaje al Instituto de Arte de Detroit a una edad temprana le inspiró para dejar su propia huella con el saxofón en lugar del pincel. Asistió a la Universidad Estatal de Michigan, donde estudió con Andrew Speight, Branford Marsalis, Ron Blake y Rodney Whitaker.

En 1999, comenzó su carrera profesional y de gira con la Jimmy Dorsey Orchestra en su gira Big Band '99. Desde aquel viaje inaugural, ha ofrecido conciertos en las salas y festivales más prestigiosos de Estados Unidos, Canadá, Europa y Asia. Actualmente dirige su propio grupo, The Diego Rivera Quartet. Rivera también ha realizado giras con el vocalista ganador del GRAMMY Kurt Elling, la vocalista de jazz canadiense ganadora del JUNO Sophie Milman y The Rodney Whitaker Quintet. Es miembro de The Ulysses Owens Jr. Big Band (Nueva York, NY), la Jazz @ Dr. Phillips Center Orchestra (Orlando, FL) y la Gathering Orchestra (Detroit, MI). También ha actuado con los artistas Ellis Marsalis, Christian McBride, Wycliffe Gordon, PRISM Saxophone Quartet, la Gerald Wilson Big Band y la Lincoln Center Afro-Latin Jazz Orchestra.

Rivera tiene varios créditos a su nombre como artista de grabación, compositor y arreglista. Su último proyecto en solitario, Indigenous, salió a la venta en 2021 con Posi-Tone Records. Según el productor ejecutivo y copropietario del sello, Marc Free, Indigenous "...explora las raíces multiculturales 'indígenas' de nuestra familia humana...". Indigenous alcanzó el nº 7 en las listas de JazzWeek Radio. Su primer lanzamiento en Posi-Tone, Connections, llamó rápidamente la atención cuando entró en las listas de JazzWeek Radio como "Debut más destacado". La primera grabación de Rivera, Hercules, se publicó en 2006 en su sello discográfico, Rivera Records. Su segundo lanzamiento, The Contender (D- Clef Records 2013) recibió elogios de la crítica nacional alcanzando el Top 10 en las listas de JazzWeek Radio. También ha participado en varias grabaciones como músico de acompañamiento en los sellos Posi-Tone, Mack Avenue y Detroit Music Factory Record.

Rivera, ávido compositor y arreglista, ha escrito arreglos para diversas grabaciones, proyectos y artistas, sobre todo para el concierto "Motor City Jazz" del Jazz at Lincoln Center. Un homenaje a la música y los músicos de Detroit. Sus arreglos pueden escucharse en grabaciones de: Carl Allen-Rodney Whitaker, Get Ready (2007) y Work To Do (2008); Ulysses Owens Jr, Onward & Upward (2014); The New Century Quintet, The Time Is Now (2014); Michael Dease, Decisions (2015)/Bonafied (2018) y más recientemente en la grabación debut de la Ulysses Owens Jr. Big Band, Soul Conversations (2021).

Rivera es un educador apasionado y ha presentado clases magistrales en escuelas y universidades tanto en Estados Unidos como en el extranjero. Es Profesor Asociado de Saxofón de Jazz y Director Asociado de Estudios de Jazz en la Facultad de Música de la Universidad Estatal de Michigan. En 2019 fue galardonado con el Dortha J. and John D. Withrow Teaching Award, el más alto honor del College of Music por la excelencia en la enseñanza y los logros académicos.

Es director musical del galardonado conjunto, MSU Jazz Octet I, el principal Jazz Combo de la Facultad de Música formado por los estudiantes-músicos más talentosos del Programa de Estudios de Jazz. Varios de los ex alumnos del profesor Rivera disfrutan de carreras como músicos profesionales tocando con artistas como: Wynton Marsalis y el Jazz at Lincoln Center, The Birdland Big Band, The Count Basie Orchestra, The DIVA Jazz Orchestra y el grupo ganador de varios premios GRAMMY, Snarky Puppy.

  
diegoriverajazz.com
posi-tone.com