Mark Guiliana ::: the sound of listening

Mark Guiliana ::: the sound of listening

the sound of listening

Mark Guiliana

Edition Records | Octubre 7, 2022

Mark Guiliana - the sound of listening

 

1 a path to bliss 4:41
2 the most important question 6:17
3 a way of looking 1:59
4 our essential nature 7:07
5 the courage to be free 1:57
6 everything changed after you left 6:35
7 the sound of listening 2:37
8 under the influence 6:34
9 practicing silence 1:40
10 continuation 5:41

Mark Guiliana - Drums
Jason Rigby - Tenor Saxophone
Chris Morrissey - Bass
Shai Maestro - Piano

MG
synthesizers — 3, 5, 7
drum programming — 7
percussion — 10

SM
mellotron — 1, 5, 7
ampliceleste — 1, 5, 7
fender rhodes — 2

JR
bass clarinet — 1, 3, 5, 7
clarinet — 1, 5
flute — 5

All music composed by Mark Guiliana (HEERNT Music, BMI)

Produced by Mark Guiliana
Executive producer Dave Stapleton

Recorded and mixed by John Davis at the Bunker Studio, Brooklyn, NY in March 2022.
Mastered by Alex DeTurk at the Bunker Studio, Brooklyn, NY in April 2022.
Album artwork & letterpress printing by Oli Bentley, Split.

 

"the sound of listening" es el nuevo álbum de Mark Guiliana, uno de los bateristas más influyentes, virtuosos y dominantes de nuestro tiempo, con su cuarteto de larga data que incluye a Shai Maestro, Jason Rigby y Chris Morrissey. Después de sus aclamados álbumes de cuarteto Jersey y Family First, este tercer lanzamiento es todo lo que se puede esperar de Mark Guiliana, a la vez que lleva la música en una dirección que nunca antes habíamos visto de él. En completo contraste con su último trabajo BEAT MUSIC!, the sound of listening (intencionadamente en minúsculas) es un álbum profundamente honesto y expresivo de un músico que sabe hacia dónde se dirige y lo que quiere decir con gente en la que confía profundamente.

La idea del álbum está tomada del libro "Silencio" de Thích Nhat Hanh (un monje budista vietnamita Thien venerado en todo el mundo por sus pioneras enseñanzas sobre la atención plena, la ética global y la paz), que considera, como explica Mark, que "para poder escuchar de verdad a otra persona, o al mundo que te rodea, necesitas tener un silencio dentro de ti mismo. Así que el sonido de la escucha es ese silencio, de la verdadera escucha, es ese silencio interior".

En el sonido de la escucha se reúne toda la amplitud compositiva de las influencias acústicas y electrónicas de Mark, intercaladas con viñetas en miniatura en una voz unificada: el álbum habla del propio viaje y pensamiento de Mark con su relación con la música, para ver el mundo y su presencia en él a través de una lente ampliada donde las diferencias se unifican y las perspectivas se alinean.

En 'the sound of listening' se reúne toda la amplitud compositiva de las influencias acústicas y electrónicas de Mark, intercaladas con viñetas en miniatura en una voz unificada: el álbum habla del propio viaje y pensamiento de Mark con su relación con la música: ver el mundo y su presencia en él a través de una lente ampliada, donde las diferencias se unifican y las perspectivas se alinean. Los títulos de las pistas, como "a path to bliss" (un camino hacia la felicidad) y "the most important question" (la pregunta más importante), reflejan la apasionada respuesta de Mark a su propia exploración y camino hacia la serenidad, que ocupa el centro de este álbum meticulosamente reflexivo e introspectivo.

A lo largo de su carrera, Mark se ha ganado un gran número de seguidores en sus propios proyectos y con colaboradores clave como Avishai Cohen, Brad Mehldau, Gretchen Parlato, Meshell Ndegeocello, el difunto David Bowie y, más recientemente, St. El sonido de la escucha' reafirma su autoridad como artista en el que la expectativa es que no existe. 

 

markguiliana.com 

"La asombrosa y tentacular batería de Mark Guiliana confirma por sí sola que la última banda de Bowie, liderada por el saxofonista Donny McCaslin, fue una de sus mejores, capaz de todo".
The Guardian 

 

"Mark Guiliana, un maestro de la técnica con un raro sentido de la musicalidad, se ha convertido en la última década en uno de los bateristas más influyentes de su generación."
JazzTimes 

 

"...un baterista alrededor del cual se ha formado un culto de admiración"
The New York Times 

Tigran Hamasyan ::: StandArt

Tigran Hamasyan ::: StandArt

Tigran Hamasyan
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StandArt

Tigran Hamasyan

Nonesuch | Abril 29, 2022

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StandArt es el primer álbum de standares propios del Great American Songbook que incluye versiones bien a lo Tigran de Richard Rodgers, Charlie Parker, Jerome Kern, Johnny Mercer, entre otros, recorriendo el panorama musical entre los años 20 a los 50. El repertorio que fuere, en manos de un músico de jazz sabemos que va a estar sujeta a los cambios y caprichos creativos del intérprete, otras veces los menos audaces y excesivamente respetuosos ofrecerán versiones más cercanas a la original, pero tal incomodidad o recelo por no molestar a los ángeles no se conoce (tanto) en el movimiento.

Un ejemplo bien claro es el pianista armenio, jóven de 35 años que "debuta" con su primer álbum "bien jazzero" luego de asombrarnos con la música de su cultura de origen, el folk tradicional armenio, fusionado con el jazz, que incluía canciones de trabajo, canciones folclóricas épicas y danzas de guerra que eran muy diferentes de una región a otra. "Eran distintos géneros musicales", recuerda. "Pero todos tenían una base modal con dos construcciones específicas: una línea melódica y una línea rítmica tratada con una ornamentación muy específica que le da sabor. Y la construcción de la melodía puede tener saltos de intervalo y ser tocada en lo alto del registro para luego bajar. Es muy específico, aunque pueda confundirse con estilos musicales balcánicos o iraníes".

Con respecto a StandArt dice: "Con este disco, realmente quería aplicar diferentes técnicas e ideas que he desarrollado a lo largo de los años a un repertorio que finalmente tuve la oportunidad de volver a visitar, y enviar un mensaje de que realmente aprecio esta música y estoy agradecido por ella", dice Tigran. "Me gustan tanto estas composiciones y melodías que, para mí, es como música folclórica armenia. Como inmigrante, armenio-estadounidense, me identifico con estos compositores y músicos de diversos orígenes que tienen ese tipo de historia, una historia oscura, pero que lograron triunfar en una encarnación de la libertad. En ese sentido, siento que quiero formar parte de esto, encontrar algo en la tradición de donde vengo".

StandArt es la continuación del álbum de Hamasyan de 2020, The Call Within, que se inspiró en su interés por los mapas de diferentes épocas, junto con la poesía, las historias y leyendas populares armenias cristianas y precristianas, la astrología, la geometría, el diseño armenio antiguo, las esculturas rupestres y la cinematografía, borrando las líneas entre la realidad histórica y el mundo imaginario. Fue incluido en las listas de Álbum del Año de la BBC Music Magazine y Jazzwise, que lo calificaron de "una grabación excepcional para tiempos excepcionales" y la "declaración artística más fuerte de Hamasyan hasta la fecha".

Tigran, el artesano...

En An Ancient Observer, de 2017, Tigran aprovechó su estancia en Armenia (su abuela se encontraba mal de salud y decidió volver a su tiera) para componer una belleza mirando a su entorno y reflexionando sobre el panorama general. "Cuando miro por mi ventana y veo la montaña bíblica Ararat con la nieve perpetua en su cima con primeros planos de torres eléctricas con cables cortando la imagen, y las antenas parabólicas fundidas sobre casas antiguas y modernas, el humo ancestral saliendo de las chimeneas y los pájaros revoloteando por encima de los árboles con ocasionales estelas de aviones en la inmensidad del cielo es el diálogo, la interacción de la naturaleza antigua dada por Dios y nuestros logros humanos modernos", dice. "Para mí es un despertar y una hermosa sensación poder observar la magnificencia de este gigante volcánico dormido que ha existido durante millones de años y que fue observado desde la cultura Koura-Arax del Valle del Ararat hasta los actuales ciudadanos de la república armenia".

Y añade: "Puedo ver y observar los mismos pájaros, animales, ríos y montañas que el artesano de hace 4.000 años pintó en una vasija de arcilla. El artesano observaba lo mismo que yo puedo observar ahora, y lo que queda es su hermosa obra de arte".

 

CORTINA FINAL Old Maps - The Call Within
Tigran Hamasyan – StandArt

 

1 De-Dah 4:15
2 I Didn't Know What Time It Was 7:13
3 All The Things You Are 5:44
4 Big Foot 7:30
5 When A Woman Loves A Man 4:40
6 Softly, As In A Morning Sunrise 5:45
7 I Should Care 3:49
8 Invasion During An Operetta 2:25
9 Laura 6:27

 

Bass – Matt Brewer
Drums – Justin Brown
Piano, Producer – Tigran Hamasyan
Saxophone – Joshua Redman (pistas: 4), Mark Turner (2) (pistas: 3)
Trumpet – Ambrose Akinmusire (pistas: 7, 8)

Written By

Ambrose Akinmusire (pistas: 8)
Axel Stordahl (pistas: 7)
Bernie Hanighen (pistas: 5)
Charlie Parker (pistas: 4)
David Raksin, Elmo Hope (pistas: 1)
Gordon Jenkins (pistas: 5)
Jerome Kern / Oscar Hammerstein II* (pistas: 3)
Johnny Mercer (pistas: 5, 9)
Justin Brown (4) (pistas: 8)
Matt Brewer (pistas: 8)
Oscar Hammerstein II (pistas: 6)
Paul Weston (2) (pistas: 7)
Richard Rogers / Lorenz Hart* (pistas: 2)
Sammy Cahn (pistas: 7)
Sigmund Romberg (pistas: 6)
Tigran Hamasyan (pistas: 8)

Engineer, Mixed By – Pete Min
Mastered By – Nate Wood

 

"Con este disco, realmente quería aplicar diferentes técnicas e ideas que he desarrollado a lo largo de los años a un repertorio que finalmente tuve la oportunidad de volver a visitar, y enviar un mensaje de que realmente aprecio esta música y estoy agradecido por ella. Me gustan tanto estas composiciones y melodías que, para mí, es como música folclórica armenia. Como inmigrante, armenio-estadounidense, me identifico con estos compositores y músicos de diversos orígenes que tienen ese tipo de historia, una historia oscura, pero que lograron triunfar en una encarnación de la libertad. En ese sentido, siento que quiero formar parte de esto, encontrar algo en la tradición de donde vengo".

 

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Keith Jarrett ::: Bordeaux Concert

Keith Jarrett ::: Bordeaux Concert

Bordeaux Concert

Keith Jarrett

ECM | Septiembre 30, 2022

Keith Jarrett - Bordeaux Concert

 

1 PART I 12:45
2 PART II 04:44
3 PART III 04:33
4 PART IV 07:47
5 PART V 06:16
6 PART VI 04:23
7 PART VII 07:28
8 PART VIII 05:48
9 PART IX 04:39
10 PART X 02:54
11 PART XI 06:08
12 PART XII 05:34
13 PART XIII 04:31

Keith Jarrett Piano

A recording of the July 6, 2016 solo concert at L’Auditorium in Bordeaux, France.

 

Bordeaux Concert es un documento especial de la última gira europea de Keith Jarrett. Cada uno de los conciertos para piano solo de Jarrett en 2016 tuvo su propio carácter sorprendentemente distinto, y en Burdeos el impulso lírico está en primer plano. En el transcurso de esta suite improvisada, se hacen muchos descubrimientos silenciosos, y hay una frescura conmovedora en el conjunto de la música, una sensación de comunicación íntima.

Bordeaux Concert documenta una actuación en solitario, la última que Keith Jarrett daría en Francia, en el Auditorium de l'Opéra National de Bordeaux el 6 de julio de 2016, y encuentra al pianista en un punto álgido de creatividad.

Cada uno de los conciertos para piano solo de Jarrett en 2016 tuvo su propio carácter sorprendentemente distinto, y en Burdeos -aunque la música progresaría a través de muchos estados de ánimo cambiantes- el impulso lírico estaba en primer plano. En el transcurso de esta suite improvisada en trece partes, se hacen muchos descubrimientos tranquilos. Hay una frescura conmovedora en el conjunto de la música, una sensación de comunicación íntima compartida con los 1400 atentos oyentes de la sala. Esta vez no se recurre a melodías estándar para completar la interpretación; el arco de música compuesta espontáneamente y a menudo intensamente melódica es satisfactoriamente completo en sí mismo. En los últimos conciertos, parte del logro de Jarrett como improvisador ha sido la forma en que no solo ha canalizado la música en su surgimiento momento a momento, sino que ha implicado un sentido de estructura más amplio al equilibrar sus episodios y atmósferas.

En la reseña de la actuación de julio de 2016, la prensa francesa hablaba de indicios del Concierto de Colonia y de Bremen-Lausanne en el flujo de las cosas, y las secciones extendidas del Concierto de Burdeos son seductoramente bellas. Los cantos tiernos son arrancados del aire, "suscitando una comunidad de escucha al borde del silencio", como dijo Francis Marmande en Le Monde, "una conciencia del tiempo fuera del ruido y del cansancio del mundo."

La comunidad de oyentes de Burdeos conocía desde hace tiempo la música de Jarrett. La capital de la Nouvelle-Aquitaine fue una de las primeras ciudades europeas donde Jarrett presentó su música, ya en 1970, con su trío, entonces, con Gus Nemeth y Aldo Romano. Volvió a principios de los años 90, con el trío 'Standards' con Gary Peacock y Jack DeJohnette. El concierto de julio de 2016, sin embargo, fue su única actuación en solitario en la ciudad (que fue posible gracias al Festival de Jazz y Vino de Burdeos y a su director, Jean-Jacques Quesada).

 

ecmrecords.com 

Kristjan Randalu, New Wind Jazz Orchestra ::: Sisu

Kristjan Randalu, New Wind Jazz Orchestra ::: Sisu

Sisu

Kristjan Randalu, New Wind Jazz Orchestra

Whirlwind Recordings | Sept 30, 2022

Kristjan Randalu, New Wind Jazz Orchestra - Sisu

 

1. Mouse-Hunt (ft. Ingrid Jensen)
2. Sisu
3. Spielchen und Rechenschaft (ft. Ben Monder)
4. Song of Freedom
5. Partly Clouded
6. Pippi Longstocking
7. Lünk
8. Valse hésitante
9. Sheep Song

Kristjan Randalu - piano
Wolf Kerschek - conductor
Ingrid Jensen - trumpet (1)
Ben Monder - guitar (3)
Aleksander Paal - alto, soprano saxophones
Allan Kaljaste - alto saxophone
Markus Eermann - tenor saxophone, flute
Tobias Tammearu - tenor, soprano saxophones
Martin Kuusk - baritone saxophone, clarinet
Ingvar Leerimaa, Artur Kiik, Andrus Karjel - trombone
Johannes Kiik - bass trombone, contrabass trombone
Allan Järve, Jason Hunter, Samuel Jalakas, Vallo Mänd - trumpet
Mihkel Mälgand - double bass
Karl-Juhan Laanesaar - drums

ALBUM CREDITS

Recorded at Estonian Public Broadcasting, Studio 1, Tallinn, Estonia (August 30-31, 2021)
Engineered by Siim Mäesalu
Technical assistance by Anton Ventsel, Rain Orgus
Track 1 additional recording by Ingrid Jensen at Watson Sounds, Ossining, NY
Track 3 additional recording by
Joseph Branciforte at Greyfade Studio, New York, NY
Mixed by Klaus Genuit at Hansahaus Studios, Bonn, Germany
Mastered by Tyler McDiarmid in New York, NY
Photography by Madis Reimund, Matti Komulainen
Album Artwork by Hugo Piper
Produced by Kristjan Randalu, Lauri Kadalipp, Wolf Kerschek
Executive Producer – Michael Janisch

 

Sisu marca el comienzo de un nuevo capítulo para el estimado pianista y compositor estonio Kristjan Randalu, ya que se trata de su primera grabación de un proyecto de gran conjunto. También es el debut de la New Wind Jazz Orchestra dirigida por Wolf Kerschek y cuenta con la trompetista invitada especial Ingrid Jensen y el guitarrista Ben Monder.

Fundada en 2018 por Lauri Kadalipp, la New Wind Jazz Orchestra tiene como objetivo amplificar la música estonia a nivel internacional a través de nuevas colaboraciones. El arte está en el corazón de la misión de la orquesta, por lo que la distinguida reputación de Randalu (ha trabajado con artistas de la talla de David Liebman, Nils-Petter Molvær y Dhafer Youssef) y el inteligente repertorio eran una combinación perfecta para la orquesta de jazz. Randalu dice: "Usar ahora todas estas partes, voces, colores, opciones e instrumentos diferentes, creo que realmente mejora el material musical".

Este disco de nueve pistas combina nuevos arreglos para grandes conjuntos de composiciones originales de Randalu, así como reelaboraciones de piezas establecidas del canon estonio. Aquí no hay sonidos tradicionales de "big band de swing", sino que el álbum presenta un tapiz variado de arreglos intrigantes y orientados al pulso. Randalu afirma: "Mi objetivo no era elaborar un programa de big band tradicional".

Sisu se abre con la inmediatamente cautivadora 'Mouse-Hunt', que cuenta con la estrella canadiense de la trompeta Ingrid Jensen, que proporciona un hábil solo entre un impresionante trabajo seccional y frenéticas secciones de zapateado. Un cambio de ritmo se produce con el tema que da título al disco, "Sisu". Esta pieza de ocho minutos de duración, que significa "contenido" en estonio (pero también fuerza interior en finlandés), aumenta y disminuye su intensidad desde complejos crescendos de trompa hasta tranquilos riffs de piano y serpenteantes intercambios entre el saxo y el piano.

El gigante de la guitarra estadounidense Ben Monder participa como invitado especial en "Spielchen und Rechenshaft". Ominoso en ocasiones, este tema tiene una gran fuerza con exquisitas texturas armónicas y virtuosos solos. Song of Freedom" fue escrita originalmente para un coro masculino y una gran orquesta de viento, pero aquí recibe el tratamiento de big band junto con el clásico estonio "Pippi Longstocking". Comenzando con una introducción con piano y flauta, la pieza rinde un respetuoso homenaje al original al tiempo que añade un ambiente contemporáneo. Partly Clouded" es una composición de Randalu ahora revisada para demostrar perfectamente las habilidades de Randalu para los arreglos.

Los temas "Lünk" y "Valse Hésitante" se escribieron originalmente en formato de doble concierto para orquesta de cuerda con viola y piano como solistas, pero aquí se reinventan para el formato de big band. El cierre del álbum, 'Sheep Song': "es otra composición estonia originaria de una banda sonora", explica Randalu, "que resulta muy compleja en cuanto a ritmo. Pero lo interesante es que el compositor escribió originalmente las melodías para las letras, que resultaron tener formas y secuencias desiguales, lo que ahora da la base del tema".

Sisu se grabó y produjo con el máximo cuidado y profesionalidad: "no hay ningún compromiso con la producción", afirma Randalu. Mezclado y masterizado por los ingenieros Klaus Genuit y Tyler McDiarmid, ganadores de varios premios Grammy, el rigor virtuoso y el compromiso apasionado han sido empleados por todos los músicos para elaborar una grabación que marca un hito en la contribución estonia a la música, así como lo que seguramente se considerará un punto culminante para las grabaciones de grandes conjuntos de jazz publicadas internacionalmente en 2022.

 

randalu.com 
bandcamp.com 

Richard Fairhurst & John Taylor ::: Duets

Richard Fairhurst & John Taylor ::: Duets

Richard Fairhurst & John Taylor
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Duets

Richard Fairhurst
& John Taylor

Basho Records | Agosto 7, 2015

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El primer álbum en duetos del pianista británico John Taylor junto a su paisano Richard Fairhurst concebido originalmente como un homenaje a Kenny Wheeler, Pete Saberton y Bill Evans, pero una jugada brusca del destino lo ubica como legado póstumo, como testamento. Grabado en septiembre de 2013 y publicado pocas semanas después del fallecimiento de John Taylor en 2015.

La primera vez para Taylor en duetos, hablamos de grabaciónes de estudio, pero con Richard Fairhurst se conocían de tiempo atrás habiendo compartido escenarios, pocos es cierto, pero suficientes para la atracción y conexión musical necesaria. Fairhurst, pianista de la marca Steinway, se unió a Taylor en el Festival Steinway de 2010, luego volvieron a compartir el escenario en oportunidad de la celebración del cumple 70 de Taylor en un concierto en su honor.

El compromiso estaba instalado, la próxima reunión en un estudio de grabación. Temas propios, de Kenny Wheeler y Pete Saberton, fallecidos cercano a la fecha de grabación, más el inefable Bill Evans, el Poéta del Piano, surgieron como inspiración del encuentro. Un dúo que se resume como un encuentro de sutiles narradores, más que de dos intentando impresionarse mutuamente como a los escuchas. Conocemos más a John Taylor que a su compañero, pero ambos demuestran su dominio de los silencios y los espacios donde ninguno intenta invadir los espacios del otro ni llenar sus calculados silencios.

En una oportunidad Taylor aclaró la diferencia que existe, para él, entre el jazz norteamericano y el europeo, donde el apego a los silencios, a los espacios, proviene de la música clásica, formación tan común en los músicos europeos. El Jazz de Cámara, propio de su estilo, el "pianista silencioso". “Para un músico de jazz, no es lo mismo haber nacido en los Estados Unidos que en Europa”, aclaraba el pianista.

En una entrevista posterior al fallecimiento de Taylor, Richard Fairhurst comenta con respecto a su experiencia con su colega...

Hay muchos retos, probablemente el más obvio es crear espacio, ya que siempre existe la posibilidad de que haya muchas notas volando, lo que no es necesariamente algo bueno. Creo que nuestro principal objetivo era lograr una mezcla dentro del sonido general de la música que tuviera la unidad de un instrumento que se escucha: dos pianos como uno. Ensayamos mucho en el Steinway Hall y dedicamos tiempo a trabajar en las muchas posibilidades que existen dentro del entorno del dúo de pianos, experimentando con sonidos, texturas, espacio, ideas rítmicas y formas de interactuar entre sí de forma intuitiva. A veces tocamos juntos y otras veces tocamos en solitario dentro de cualquier arreglo.

*******

El 17 de julio de 2015, John Taylor participaba del “French Saveurs Jazz Festival”, en la localidad de Segré, en el Noreste francés, como miembro del cuarteto del contrabajista Stéphane Kerecki. En un momento a solas con el contrabajista sobre el final del concierto sus dedos se le paralizaron desplomandose sobre el teclado, acababa de sufrir un infarto. Atendido inmediatamente fue trasladado con vida hasta el hospital más cercano donde falleció. Tenía 72 años.

CORTINA FINAL Ma Bel - Rosslyn
Richard Fairhurst & John Taylor - Duets

 

1 Epitaph To Sabbo 5:59
2 3 P's Piece - Part I 3:55
3 3 P's Piece - Part II 2:11
4 Open Book 4:16
5 Epitaph To Kenny 2:19
6 Sly Eyes 4:47
7 Evans Above 7:27
8 Very Early 3:35
9 Turn Out The Stars 6:31
10 Re: Person I Knew 6:03
11 Growth In An Old Garden 5:11

Piano – John Taylor, Richard Fairhurst

Artwork – Yoshiki Bann
Engineer – Curtis Schwartz
Liner Notes [English] – Richard Fairhurst
Photography By [Cover Art Photograph By] – Lydia Polzer
Technician [Piano Prepared By] – Allen Wright

Recorded at Curtis Schwartz Studio in September 2013
Mixed & mastered at Curtis Schwartz Studio in November 2013

 

Se trata de un proyecto inteligente y seriamente reflexionado en el que la pareja ha descubierto muchos puntos en común con los que desarrollar sus propias visiones personales...

Jazzwise

La música tiene una cualidad reflexiva, como si los pianistas estuvieran manteniendo una conversación y viendo a dónde les lleva. Hay indicios de que se están conteniendo, una suave inquietud, como si estuvieran dejando algo de espacio para permitirse pensar.

London Jazz News

... todo el conjunto destaca por la cantidad de luz y espacio que estos virtuosos se esmeran en incluir en su actuación conjunta.

The Observer

 

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