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Nils Petter Molvær ::: Sept 18, 1960

Nils Petter Molvaer ::: Septiembre 18, 1960

Nils Petter Molvær, trompetista, compositor y productor noruego, que toma múltiples estilos musicales -jazz, ambient, house, electrónica y break beats, así como elementos del hip hop, rock y pop y los transforma sin esfuerzo en paisajes sonoros únicos y dramáticos de gran intensidad.

Su notable facilidad para manejar las convenciones a menudo contradictorias del pop, rock, funk y jazz moderno aseguró un gran interés en la música acústica y eléctrica. Esta habilidad camaleónica pronto lo convirtió en un músico muy solicitado en Oslo, lo que finalmente lo llevó a tener un colorido y diverso currículum vitae como sideman. Durante su tiempo con el aclamado combo de jazz, Masqualero, NPM fue presentado a Manfred Eicher, quien le dio la bienvenida a su prestigiosa y muy elogiada lista. Además de los tres lanzamientos de ECM Masqualero, NPM grabó muchas sesiones de estudio clásicas para ECM con artistas como Robyn Schulkowsky, Marilyn Mazur, Oslo 13 de Jon Balke y Sidsel Endresen. Sin embargo, el MNP quería hacer algo diferente, tanto en la composición como en la técnica de la trompeta.

Una trompeta que sabe cómo capturar tanto los casquetes polares como la arena ardiente del desierto, que puede retratar a las multitudes en aumento, así como la soledad total, que se pierde pero que siempre encuentra el camino de regreso. Molvaer tiene su propio sonido muy individual, influenciado tanto por la poesía de la naturaleza escandinava como por el cálculo electrónico, y por último, pero no por ello menos importante, por colegas como Miles Davis y Jon Hassell. Pero más que cualquier otra cosa, Molvaer se tiene a sí mismo. Al escucharle tocar, es fácil olvidar que su instrumento es una trompeta.

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Charlie Parker ::: Agosto 29, 1920

Hijo único de Charles y Addie Parker, Charlie Parker fue uno de los saxofonistas y jazzistas más importantes e influyentes de la década de 1940.

Cuando Parker era todavía un niño, su familia se mudó a Kansas City, Missouri, donde el jazz, el blues y la música gospel estaban floreciendo. Su primer contacto con la música vino de la escuela, donde tocó la trompa de barítono con la banda de la escuela. A los 15 años mostró un gran interés por la música y amor por el saxofón alto. Pronto, Parker estuvo tocando con bandas locales hasta 1935, cuando dejó la escuela para dedicarse a la música.

De 1935 a 1939, Parker trabajó en Kansas City con varias bandas locales de jazz y blues a partir de las cuales desarrolló su arte. En 1939, Parker visitó Nueva York por primera vez, y permaneció casi un año trabajando como músico profesional y participando a menudo en jam sessions. El ambiente neoyorquino influyó mucho en el estilo musical de Parker.

En 1938, Parker se unió a la banda del pianista Jay McShann, con quien realizó giras por el suroeste de Chicago y Nueva York. Un año más tarde, Parker viajó a Chicago y fue artista habitual en un club de la calle 55. Parker pronto se mudó a Nueva York. Lavó platos en un restaurante local donde conoció a la guitarrista Biddy Fleet, el hombre que le enseñó sobre armonía instrumental. Poco después, Parker regresó a Kansas City para asistir al funeral de su padre. Una vez allí, se unió a Harlan Leonard's Rockets y se quedó durante cinco meses. En 1939, Yardbird se reincorporó a McShann y fue puesto a cargo de la sección de caña. Luego, en 1940, Parker hizo su primera grabación con la orquesta McShann.

Durante los cuatro años que Parker permaneció con la banda de McShann, tuvo la oportunidad de tocar en solitario en varias de sus grabaciones, como Hootie Blues, Sepian Bounce y el éxito de 1941 Confessing the Blues. En 1942, mientras estaba de gira con McShann, Parker actuó en jam sessions en Monroe's and Minton's Playhouse en Harlem. Allí llamó la atención de artistas de jazz prometedores como Dizzy Gillespie y Thelonious Monk. Más tarde ese mismo año, Parker rompió con McShann y se unió a Earl Hines durante ocho meses.

El año 1945 fue extremadamente importante para Parker. Durante ese tiempo dirigió su propio grupo en Nueva York y también trabajó con Gillespie en varios conjuntos. En diciembre, Parker y Gillespie llevaron su música a Hollywood en una gira de seis semanas por los clubes nocturnos. Parker continuó actuando en Los Ángeles hasta junio de 1946, cuando sufrió un colapso nervioso y fue internado en un hospital estatal. Después de su lanzamiento en enero de 1947, Parker regresó a Nueva York y formó un quinteto que tocó algunas de sus canciones más famosas.

De 1947 a 1951, Parker trabajó en varios clubes nocturnos, estudios de radio y otros lugares tocando solo o con el acompañamiento de otros músicos. Durante este tiempo, visitó Europa, donde fue aclamado por fans devotos y realizó numerosas grabaciones. El 5 de marzo de 1955 fue el último compromiso público de Parker en Birdland, un club nocturno de Nueva York que fue nombrado en su honor. Murió una semana después en el apartamento de un amigo.

Charles "Yardbird" Parker fue un saxofonista increíble que obtuvo un amplio reconocimiento por sus brillantes solos e improvisaciones innovadoras. Fue, sin duda, uno de los músicos más influyentes y talentosos de la historia del jazz.

Cécile McLorin Salvant ::: Agosto 28, 1989

Cécile McLorin Salvant ::: Agosto 28, 1989

Cécile McLorin Salvant nació y creció en Miami, Florida, de madre francesa y padre haitiano. Comenzó sus estudios de piano clásico a los 5 años y comenzó a cantar en la Sociedad Coral de Miami a los 8. Al principio, desarrolló un interés en la voz clásica, comenzó a estudiar con instructores privados y más tarde con Edward Walker, profesor de canto en la Universidad de Miami.

En 2007, Cécile se trasladó a Aix-en-Provence, Francia, para estudiar derecho y canto clásico y barroco en el Conservatorio Darius Milhaud. Fue en Aix-en-Provence, con el reedista y profesor Jean-François Bonnel, que comenzó a aprender jazz, y cantó con su primera banda. En 2009, después de una serie de conciertos en París, grabó su primer álbum "Cécile", con el Quinteto de París de Jean-François Bonnel. Un año después, ganó el concurso Thelonious Monk en Washington D.C.

A lo largo de los años, ha desarrollado una curiosidad por la historia de la música estadounidense y las conexiones entre el jazz, el vodevil, el blues y la música folclórica. Cécile elige cuidadosamente su repertorio, a menudo desenterrado raramente grabado, canciones olvidadas, con historias fuertes.

Disfruta de popularidad en Europa y en los Estados Unidos, actuando en clubes, salas de conciertos y festivales. En 2014, su segundo álbum, WomanChild (Mack Avenue Records) fue nominado para un Grammy.

Su tercer álbum, For One To Love (para Mack Avenue Records), fue grabado en 2015 con Aaron Diehl (piano), Paul Sikivie (bajo) y Lawrence Leathers (batería). En 2016, For One To Love ganó el premio Grammy al Mejor Álbum Vocal de Jazz.

Su cuarto álbum, Dreams and Daggers, (para Mack Avenue Records), fue grabado en parte en vivo en Village Vanguard en 2016 con Aaron Diehl (piano), Paul Sikivie (bajo), y Lawrence Leathers (batería), The Catalyst Quartet y Sullivan Fortner. En 2017, Dreams and Daggers fue nominado para el 60º Grammy al Mejor Álbum Vocal de Jazz.

Ben Ratliff escribe en The New York Times que "ella canta claramente, con todo su rango de tonos, desde un grave pronunciado hasta notas agudas completas y distintas, usadas con moderación […] Su voz pinza en cada canción, realizando cuidadosas variaciones de tono, estirando las palabras pero generalmente no escupiendo; su rostro transmite significado, representando tristeza o serenidad como un actor de cine en silencio".

Aruán Ortiz ::: Agosto 22, 1973

Aruán Ortíz ::: Agosto 22, 1973

En 2013, Aruán colaboró con el presentador neoyorquino Revive Music, para producir y comisariar Music & Architecture, una serie de conciertos con algunos de los improvisadores más legendarios, vanguardistas y creativos de la escena neoyorquina. Estos conciertos, inspirados en el libro "Música y Arquitectura" de Iannis Xenakis, se centraron en la traducción de patrones, símbolos y estructuras relacionadas con el serialismo y el expresionismo en la música contemporánea, pero inusuales en la improvisación jazzística. Tras el éxito de esta serie, el periodista Tomás Peña afirmó: "…La música evocaba imágenes de ecuaciones matemáticas, grandes obras arquitectónicas y traía a la memoria la escena del loft neoyorquino de los años setenta, donde reinaba el free jazz".

La curiosidad artística de Aruán ha llevado a proyectos más allá del paisaje jazzístico. Con motivo de su 25 aniversario recibió un encargo del Teatro Ballet José Mateo para componer la partitura de una nueva obra coreográfica, "Pagano o no". Esta partitura, anunciada como "una de las obras más significativas de la música" por Latin Jazz Network, fue grabada en el álbum Santiarican Blues Suite lanzado por Sunnyside Records en 2012 y estrenada por la Camerata Urbana Ensemble en el Next Wave Festival del BAM de Nueva York. En 2013, Aruán escribió "Collage", una obra original para el ballet por encargo de la Orquesta YOUME. Esta pieza fue estrenada en el Festival Casa del Jazz de Roma, Italia, por la Orquesta YOUME, dirigida por Aruán y coreografiada por el Ballet Milena Zullo. Ese mismo año, Aruán fue invitado por la Universidad de Albany a dirigir "Variaciones", una pieza de improvisación libre para orquesta y piano preparado, interpretada por la Orquesta Sinfónica Universidad-Comunidad y el pianista Bob Gluck.

Tiene un MFA en Composición Musical por el Vermont College of Fine Arts, y como compositor, su creciente portafolio incluye obras como Two Short Stories for String Quartet interpretado por Secret String Quartet y New MUSE String Quartet, Pandemonium in Clave para trío de percusión y piano estrenado por Talujon Percussion Ensemble, Ogguere (cuando el alma de la tierra baila alrededor de movimientos espectrales) para quinteto de metales estrenada por Brooklyn Brass, y las próximas Hints of Leguedé para Flauta Solista, y Afro-Haitian Living in the Midst of a Twisted Globe para violín, violonchelo y piano trío, estrenada el 8 de febrero de 2018.

Sus álbumes más recientes editados por Intakt Records han recibido 5 estrellas de prestigiosas revistas de jazz como Jazziz y DownBeat. Hidden Voices (2016) fue elogiado como "un nuevo sonido sólido y único en el mundo del jazz de hoy" por Matthew Fiander en PopMatters. Y su esfuerzo como solista de piano Cub(an)ism (2017) fue llamado "un ejercicio genial en la exploración de la profundidad y la percepción que revela una nueva y brillante arruga en la relación entre la música y las matemáticas, reimaginando los ritmos afro-haitianos de Gaga, la rumba afro-cubana y Yambú en meditaciones fuertemente improvisadas sobre el modernismo que recuerdan a John Cage y Paul Bley. Impresionante". (Ron Hart, El Observador).

En 2014, Aruán compuso la banda sonora del largometraje "Sin Alas", la primera película estadounidense rodada en suelo cubano en 50 años. Esta película fue nominada por el Festival de Cine de Curazao para el Premio Yellow Robin en 2015. La obra de Aruán también se escuchará en el cortometraje español "The Beating."

Ha sido invitado como artista invitado para actuar y enseñar en Longy School of Music, Cambridge, MA (2006 y 2007); Tanglewood, MA (2006); Royal Academy of Music (2011) y Trinity College (2012) en Londres; Campus Artístico Can Geli, Girona (2013); Percento Musica, Roma (2011, 2012); Scuola Popolare di Musica, Fermo, Italia (2012); Krakow Jazz School (2014); Institut Musical of Formation Professionnelle, Provence, Francia (2014); Universidad de Jalapa, México (2013); Academia de Jazz Novi Sad, Serbia (2013); Universidad de Long Island, NYC (2014); Universidad de Albany, (2012 -2013); Conservatorio de Jazz de California, Berkeley (2014); y Brookhaven College School of the Arts, Dallas, (2014), entre muchas otras. Ha enseñado en el Berklee College of Music y en el Queens College CUNY.

aruan-ortiz.com

Mulgrew Miller ::: Agosto 13, 1955

En una infancia llena de experiencias musicales tempranas, principalmente tocando música gospel en su iglesia y R&B y blues en bailes. Mulgrew se entrometió constantemente en el piano de jazz, y estableció un trío en la escuela secundaria que tocaba en cócteles. Miller admite que en realidad no sabían lo que hacían y se limitaban a "acercarse al jazz". Se dice que Miller se ha propuesto definitivamente convertirse en pianista de jazz después de ver a Oscar Peterson (una primicia para Mulgrew) en televisión.

"Fue un evento que cambió mi vida. En ese momento supe que sería pianista de jazz". Mulgrew se convirtió en uno y gran parte del toque de Mulgrew tiene la misma destreza técnica tan a menudo relacionada con Peterson.

Un pianista con invención veraz, intelectualismo armónico y un agudo sentido de sofisticación en sus composiciones e improvisaciones, fue un elemento fijo en la corriente principal del postbop durante más de 30 años. Si bien Miller era un sideman muy distinguido y muy solicitado, también fue como líder que construyó un grado tan alto de respeto tanto de los aficionados como de sus pares, su estilo McCoy Tyner-ish la amalgama perfecta de swing, post bop y técnica prístina, a través de la cual agregó un agudo borde armónico contemporáneo para crear su propio estilo modal.

Miller desarrolló su voz en la década de 1970 combinando la brillante precisión del bebop, ejemplificada por Bud Powell y Oscar Peterson, con la estridente intriga del jazz modal, especialmente definido por McCoy Tyner. Su estilo equilibrado pero asertivo fue un modelo de fluidez, lucidez y vitalidad, e influyó en más de una generación de jóvenes pianistas.

Su mayor influencia, sin embargo, fue el legendario y tristemente subregistrado Phineas Newborn Jr. Una de las ventajas que Miller encontró al estudiar música en Memphis State fue la exposición semanal a Newborn, que era un elemento básico en los clubes de la ciudad.

Interprete versátil tenía un estilo que brillaba con claridad y que estaba limitado por el soul una combinación que puede ser escuchada en más de 500 álbumes, según su propia estimación. Su gentil personalidad y su pensativa tutoría le han hecho muy querido por varias generaciones de músicos.

Además de tocar con Art Blakey en sus primeros años, también trabajó con Woody Shaw, Betty Carter, Mercer Ellington Orchestra, Tony Williams, Joe Lavano, Nicholas Payton, Kenny Garrett y Ron Carter. Su colaboración más larga durante este período fue en el Quinteto Tony Williams del que fue miembro desde mediados de los 80 hasta 1997.

Miller sirvió como mentor de nuevos músicos de jazz. Sus bandas de la última década, todas con músicos de más de 20 años, irrumpieron en escena. Miller se desempeñó como Director de Estudios de Jazz en la Universidad William Patterson en Nueva Jersey desde 2005 hasta su muerte en mayo de 2013.

"Si el mundo del jazz tuviera un premio al intérprete más valioso, el pianista Mulgrew Miller sería uno de los principales contendientes. A cada uno de ellos le aportó un profundo conocimiento del papel del pianista, junto con la capacidad de proporcionar un apoyo innovador a los solistas de la banda".