Anat Fort Trio ::: The Berlin Sessions

Anat Fort Trio ::: The Berlin Sessions

The Berlin Sessions

Anat Fort Trio

Sunnyside Records | Marzo 3, 2023

Anat Fort Trio - The Berlin Sessions

 

Disc 1

1. First Dance
2. Into It
3. Out of It
4. Are We Still Dancing
5. The Jain Suite: Fantastic Creatures
6. The Jain Suite: Two and a Half Continents
7. The Jain Suite: Enlightenment in Four Dimensions
8. The Jain Suite: Flying Student
9. The Jain Suite: Mahavira's Pregnancy and Death
10. The Jain Suite: More Than One Way To See Things
11. The Jain Suite: The World as a Human Being

Disc 2

12. Breeze
13. Fire Drill Blues
14. Just The Way You Are
15. All The Things You Are
16. Wish Cloud
17. Open (for Take Toriyama)
18. The Sun Goes Down (Living It Up)
19. Oseh Shalom
20. Back to The Future

Anat Fort - piano
Gary Wang - double bass
Roland Schneider - drums

La pausa mundial provocada por la pandemia de Covid-19 creó desavenencias en los patrones y colaboraciones habituales. La pianista Anat Fort se encontró efectivamente separada de su trío habitual, formado por el bajista Gary Wang y Roland Schneider, por primera vez en los 20 años de existencia del trío. Cuando surgió la oportunidad de reunir al trío para actuar en Alemania, Fort aprovechó la ocasión para reagruparse y grabar un álbum que va en contra de la fórmula típica del grupo en The Berlin Sessions.

Fort, Wang y Schneider se reunieron inicialmente como trío en 1999. Durante las dos décadas siguientes, el trío grabó célebres álbumes para ECM y Sunnyside Records. Después de su esfuerzo más reciente, Colour (Sunnyside, 2018), el grupo se había encontrado en otro período de actividad y crecimiento. Esto fue rápidamente sofocado por la pandemia, obligando a los compañeros del trío a retirarse a sus hogares en Tel-Aviv, Nueva York y Berlín.

En la primavera de 2022, Fort y el trío fueron invitados a actuar en los premios BMW Welt Jazz de Múnich (Alemania). La actuación ofreció una oportunidad increíble para reunir a la banda. Fort reservó inmediatamente tiempo de estudio en Berlín justo después de los premios.

El trío se embarcó en un tren hacia Berlín sin ningún plan sobre lo que iban a grabar. Fort pidió al ingeniero Nanni Johansson que dejara los micrófonos encendidos para captar lo que el trío decidiera grabar en los estudios EBS y Hansa. Empezaron a tocar durante horas, tocando libremente al principio y luego sugiriendo piezas de su vasto repertorio y algunas versiones improvisadas, una práctica que el grupo nunca había empleado antes.

Al principio de los dos discos, el trío se reencuentra con la improvisación en grupo. Cuando empezaron a tocar, se produjo una reconexión instantánea y su química volvió a ser tan fuerte como siempre. El resto del primer disco incluye nuevas interpretaciones de piezas que Fort había escrito para un puñado de actuaciones en el Museo Rubin de Nueva York, bajo el nombre colectivo de "The Jain Suite". Cada pieza estaba inspirada en una obra de arte oriental expuesta en el museo. Se trata principalmente de breves esbozos que sólo se tocaron en ese concierto. El trío estaba entusiasmado por darles nueva vida.

El segundo disco comienza con una de las melodías más antiguas de Fort para el trío, "Breeze". La pieza es un vals difícil, fuera de compás, con un aire señorial. Otra desviación fue grabar una verdadera melodía de blues. Fort decidió retomar su melodía, "Fire Drill Blues", una pieza divertida y boyante para que el trío se estirara. Durante la gira posterior a Colour, el trío jugó con la idea de grabar temas de los ochenta. "Just the Way You Are", de Billy Joel, se quedó tras una larga gestación y se interpreta con sedada maestría. Le sigue "All the Things You Are" de Kern y Hammerstein, una completa sorpresa para el grupo cuando Fort se sentó a tocar al piano y el querido estándar empezó a surgir.

"Wish Cloud" de Fort es una pieza inspirada en su gato, una fuente frecuente de inspiración para sus composiciones. Esta pieza reflexiva y sobria fue escrita antes de la gira del trío con Gianluigi Trovesi hace siete años. "Open (for Take Toriyama)" de la pianista se estrenó originalmente como una composición más larga con el clarinetista Perry Robinson en el Museo Rubin tras la muerte de su amigo y batería Toriyama.

La jubilosa melodía de Level 42 "The Sun Goes Down (Living It Up)" era una canción de Fun por la que los miembros del trío sentían un afecto mutuo. Aquí disfrutan de una versión animada y bailable de la pieza. A continuación, el trío hace una versión muy diferente de la popular oración judía de Nurit Hirsch, "Oseh Shalom", optando por una versión meditativa en lugar del típico sentimiento bullicioso de la canción. El programa concluye con la pieza en solitario de Fort, "Back to the Future", que sirve como tarjeta de presentación de su álbum y una recapitulación de elementos de "Mahavira's Pregnancy and Death" de "The Jain Suite" del primer disco.

Anat Fort y su trío celebran el reencuentro tras años de separación en su nueva grabación, The Berlin Sessions. Al hacerlo, el trío toca algunos elementos de la música que normalmente no habían tocado con un efecto asombroso y único.

 

anatfort.com
sunnysiderecords.com

Lisa Wilhelm Quartett ::: Potpourri (Quoted Not Stolen)

Lisa Wilhelm Quartett ::: Potpourri (Quoted Not Stolen)

Lisa Wilhelm Quartett - Potpourri (Quoted Not Stolen)

Lisa Wilhelm Quartett

Berthold Records | Febrero 24, 2023

Lisa Wilhelm Quartett - Potpourri

 

1. They Are Falling in Love (Aubade) 6:55
2. The Guardian Of The Infinite Abyss 6:46
3. Me, You And Everyone We Know 5:53
4. Only Assholes Go To Rome 6:21
5. Sophia. Rosa. Olympia. Margot 5:25
6. There's Nothing Wrong Posing For A Magazine 1:59
7. But They Don't Know Yet (Serenade) 3:56

 

Tenor Saxophon - LUKAS WÖGLER
Piano - MORITZ LANGMAIER
Bass - FRANZ BLUMENTHAL
Drums - LISA WILHELM

Composition - LISA WILHELM

Recording & Mixing - LUKAS LOHNER
Mastering - CHRISTOPH STICKEL

Pictures - JANINE KÜHN

Recorded at Loft Köln 2021
as part of the "recording project for young musicians", a price awarded by 2ndFLOOR e.V. and LOFT

Álbum debut de Lisa Wilhelm Quartett publicado por BERTHOLD records el 24 de febrero de 2023. La formación: Lukas Wögler (saxofón), Moritz Langmaier (piano), Franz Blumenthal (bajo), Lisa Wilhelm (compositora y batería).

Las composiciones de Wilhelm son juguetonas, controladas y melódicas: un sonido moderno, aunque influenciado por la escena del jazz neoyorquino y la música de cine con la que creció. El batería, que lidera la banda y ha compuesto todos los temas, dice que las influencias fílmicas se reflejan en los títulos de las canciones. "Tomé citas de películas que he visto y me han gustado mucho, citas que se me quedaron grabadas. Me gustó la idea de juntarlas como un popurrí, de ahí el título del álbum".

La canción de apertura They're falling in love (Aubade) hace referencia tanto a la canción de amor matutina, como en la segunda parte del título a una cita de la película de 2015 Youth, de Paolo Sorrentino. "Es uno de mis directores favoritos", dice Wilhelm. "El título de la última canción del disco -la Serenade- incluye la segunda mitad de la cita de la película -Pero ellos aún no lo saben-. Serenade es lo contrario de Aubade. Algo que se toca por la noche. Acabo de cortar la cita -se están enamorando, pero aún no lo saben- en dos".

Los títulos de las canciones, admite Wilhelm, son más bien una idea de última hora. Compone intuitivamente al piano o canta las ideas en su teléfono cuando está de viaje. "Luego las escucho y utilizo lo que me gusta. Los títulos sirven para iluminar los diseños compositivos, las melodías y las armonías. A veces empiezo con un groove como hacen los bateristas, pero eso es una excepción".

The Guardian of the Infinite Abyss es una cita de la película de Zach Braff Garden State. "Me encanta la película, es increíble", dice el compositor. "La cita encaja con la música porque crea una imagen de salto a la oscuridad, aunque la película en sí no es oscura. Un tipo vive en una caravana y alguien le dice: eres como el guardián del abismo infinito. Es la canción en la que más se oye mi batería y las diferentes capas y subdivisiones. Quizá yo sea el guardián del ritmo".

Me and You and Everyone we Know "es el título de una loca película de Miranda July, con escenas extrañas y gente interesante". Only Assholes Go To Rome "es una cita de la película de Sorrentino "La mano de Dios". Nunca he estado en Roma, aunque siempre he querido".

No hay nada malo en posar para una revista es una cita de la actriz Jayne Mansfield. Sophia, Rosa, Olympia, Margot es de "... una escena genial y divertida de 'La mano de Dios' en la que un joven acude a un casting y se sorprende al encontrarse en una sala llena de fotos de mujeres hermosas".

El uso que Wilhelm hace de las citas cinematográficas es tan travieso e imaginativo como su forma de tocar la batería. Ligera y sutil, casi como una pluma, considera que su forma de tocar "no es frontal", sino que complementa a sus compañeros. Al frente de su cuarteto, considera que su papel consiste en "aportar ideas que luego se discuten y se elaboran. Me gusta apoyar con una gama de sonidos diferentes, pero también he tocado rock duro, así que puedo tocar la batería de esa manera cuando quiero".

Describe tocar con los otros miembros del cuarteto como algo "mágico desde el principio. Entendieron la música enseguida. Captaron el sonido frágil no egoísta. La vibración va más allá del solo con acompañamientos. Es lo que la música necesita".

Langmaier, al piano, toca con suavidad y crea un relajado sonido multidinámico. Wögler, al saxofón, aporta una sensación sutil y aérea a la música, utilizando a menudo el rango más agudo del instrumento, muy del agrado del compositor, y Blumenthal, al bajo, de formación clásica, subyace al paisaje sonoro con exactitud y precisión.

Wilhelm ya está trabajando duro en la composición de futuros álbumes y los miembros del cuarteto están deseando llevar su grabación de debut de gira de conciertos. "Nuestra música no es sólo para el público de jazz", dice Wilhelm. "Queremos ofrecer a todo un abanico de amantes de la música una experiencia realmente agradable".

Ian Bild

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Lisa Wilhelm es una joven baterista y compositora de Stuttgart que recientemente ha sido galardonada con el Premio Solista del Premio Alemán de Jazz para Jóvenes. Su viaje musical la llevó desde Stuttgart a través de Alemania, pasando por Hamburgo, hasta Dinkelsbühl, donde siguió sus raíces en la música pop. Su afición por el jazz la llevó de vuelta a Stuttgart, donde comenzó sus estudios de percusión de jazz en la HMDK en 2018 y fundó el Lisa Wilhelm Quartet en 2020. En 2021, sus estudios en el Royal College of Music la llevaron a Estocolmo antes de trasladarse a Lisboa para completar otro semestre en la Escola Superior de Música.

De vuelta en Alemania, la beca "proyectos de grabación para jóvenes músicos" de 2ndFLOOR e.V. y LOFT hizo posible la grabación de algunas de sus composiciones originales en Loft Cologne, que ahora harán su debut discográfico en la primavera de 2023.

Además de LiWQ, Lisa Wilhelm toca y experimenta en diversas constelaciones de jazz y pop con diferentes músicos de Europa, como el Stockholm Bookclub o la banda Ever Evolving. Como sidewomen se la puede escuchar en álbumes/singles de pop y jazz junto a artistas como Marvin Holley, no romeo, Charly Härtel o la banda SiEA.

Además, Lisa Wilhelm ya ha actuado en conciertos y festivales en clubes alemanes e internacionales. Por ejemplo, en Estocolmo, Lisboa y Londres. También participó en la "Elbphilharmonie Jazz Academy" 2021 con dos conciertos en la Elbphilharmonie de Hamburgo y allí compartió escenario con músicos de renombre internacional como Matt Brewer, Melissa Aldana, Theo Croker, Yaron Herman, Ziv Ravitz y Julia Hülsmann.

lisawilhelm.com
berthold-records.de

Thomas Naïm ::: On the Far Side

Thomas Naïm ::: On the Far Side

On the Far Side

Thomas Naïm

Rootless Blues | Febrero 3, 2023

Thomas Naïm - On the Far Side

 

1. Endless Memories 04:14
2. Slow Blues 04:43
3. Kite 05:09
4. Lincoln Circus 05:42
5. Little Dreamer 03:34
6. The Walk 02:55
7. Panama Red 04:56
8. No Way Home 05:15
9. Gypsy 03:21

 

Thomas Naïm : guitar, bass (3)
Marc Benham : organ, piano
Raphaël Chassin : drums, percussions
Marcello Giuliani : bass, double bass (9)
Laurent Bardainne : tenor saxophone (3, 4, 6)

All tracks composed by Thomas Naïm,
(9) composed by Thomas Naïm, Marcello Giuliani and Raphaël Chassin.

Artisitic Director : Daniel Yvinec.

Recorded by Romain Clisson at studio Gil Evans except (9) by Raphaël Chassin at studio 237.

Mixed by Romain Clisson at Durango Studio.

CD and Digital Mastering by Brian Lucey
Vinyl Mastering by Dave Collins
Artwork by Remy Poncet.
Produced by Thomas Naïm for Rootless Blues.

Guitarrista, compositor y productor, Thomas Naïm empezó a tocar la guitarra a los 12 años. Influido al principio por el rock, se interesó después por muchas corrientes musicales: funk, música brasileña, reggae y música electrónica, antes de apasionarse finalmente por el jazz.

Tras unas prácticas de verano en el Berklee College of Music de Boston y cursos en la Escuela Americana de Música Moderna de París, Thomas Naïm fundó el dúo Tom & Joyce con la cantante Joyce Hozé. Influenciados por la MPB, la bossa nova de los 60 y el jazz, el grupo grabó dos álbumes: "Tom & Joyce", publicado en 2002 (Yellow Productions/East West), y "Antigua", en 2005 (Yellow Productions/Tommy Boy), en el que participó el legendario batería Tony Allen y en el que algunos temas fueron remezclados por algunos de los productores de música de baile más reputados (Masters At Work, François Kevorkian o Bob Sinclar).

Posteriormente, Thomas Naïm fue requerido para acompañar en el escenario o en el estudio a numerosos artistas de diferentes procedencias, como Youn Sun Nah, Hugh Coltman, Hindi Zahra, Sébastien Tellier, Ala.ni, Mayra Andrade, Tiken Jah Fakoly, Blick Bassy, Idrissa Diop, Bob Sinclar, Salomé de Bahia, Brisa Roché, Bernard Lavilliers, Albin de la Simone, Michel Fugain, Claire Diterzi, Renan Luce...

Desde hace varios años, desarrolla una carrera en solitario al frente de un trío con el bajista Marcello Giuliani y el batería Raphaël Chassin, con quienes grabó el álbum "Desert Highway" en 2018.

En 2020, Thomas Naïm confrontó a su trío con las composiciones del maestro Jimi Hendrix y grabará el álbum "Sounds of Jimi". La idea inicial no era versionar las canciones de Hendrix tal y como fueron escritas, sino encontrar una estética más personal para cada tema y, a excepción de tres temas cantados por Hugh Coltman y Célia Kameni, favorecer el enfoque instrumental. El álbum también contará con las colaboraciones del ilustre Erik Truffaz a la trompeta y de Camille Bazbaz al órgano.

En 2022, vuelve al estudio con su trío, aumentado por un organista/pianista en la persona de Marc Benham, para grabar "On the Far Side", un álbum dedicado a sus propias composiciones, bajo la dirección del productor de gran angular Daniel Yvinec. Thomas Naïm vuelve a su primer amor, el jazz, que mezcla con sus influencias habituales de pop, rock psicodélico, bandas sonoras de películas ¡y mil cosas más! Laurent Bardainne (saxofón) sopla en tres temas un viento creativo que da a este álbum único una fuerza y un color casi místicos.

Con este nuevo opus, Thomas Naïm se une al selecto club de guitarristas narradores que, más allá de los estilos, nos llevan de viaje a mundos de relieves, sorpresas y colores. Un billete único hacia un destino desconocido.

 

thomasnaim.com

 

Petros Klampanis ::: Tora Collective

Petros Klampanis ::: Tora Collective

Tora Collective

Petros Klampanis

Enja Records | Febrero 24, 2023

Petros Klampanis - Tora Collective

 

1. Tora 1:57
2. Enteka 4:17
3. Disoriented 6:06
4. Xehorismata 6:33
5. South by Southeast 6:48
6. Menexedes kai Zouboulia 5:26
7. Hariklaki 4:39
8. Sibethera 4:54
9. Osmadakas 5:56
10. Milo Mou kai Mantarini 4:06

 

Areti Ketime - voice
Giorgos Kotsinis - clarinet
Thomas Konstantinou - oud
Kristjan Randalu - piano
Petros Klampanis - bass
Ziv Ravitz - drums

Special Guests:
Laura Robles - percussion
Sebastian Studnitzky - trumpet
Andreas Polyzogopoulos - trumpet
Alexandros Arkadopoulos - clarinet

Produced by Ziv Ravitz & Petros Klampanis
Recorded by George Kariotis at Sierra Recording Studios, Athens
Mastered by Christoph Stickel

Cover Photo by Yannis Bournias
Doily created circa 1950 by Anastasia Liveri
Cover by Rédsky Design

 

Petros Klampanis

EL BAJISTA Y COMPOSITOR PETROS KLAMPANIS MIRA AL PASADO Y AL FUTURO AL TRANSFORMAR LA MÚSICA TRADICIONAL GRIEGA CON TORA COLLECTIVE

Una instrumentación única tiende puentes entre el folclore griego y el jazz moderno, con Klampanis (bajo, dirección artística), Areti Ketime (voz), Thomas Konstantinou (oud, laouto), Giorgos Kotsinis (clarinete), Kristjan Randalu (piano), Ziv Ravitz (batería, electrónica, coproducción) y otros.

Tras sus recientes y aclamados trabajos Rooftop Stories e Irrationalities, el bajista y compositor Petros Klampanis crea uno de sus escenarios musicales más inventivos hasta la fecha con Tora Collective, su sexto álbum como líder. Para Klampanis, que creció en Atenas, Grecia
rodeado de la confluencia de las culturas folclóricas mediterránea y balcánica, hacer música siempre ha significado navegar por encrucijadas culturales. Con Tora Collective ("Tora"="Ahora") sitúa la música tradicional griega en el centro, aunque la presenta desde un ángulo nuevo y audaz.

Además de los dos nuevos originales "Disoriented" y "South By Southeast", Klampanis y su compacto conjunto híbrido de jazz y folk griego interpretan canciones populares griegas como "Xehorismata", "Sybethera", "Hariklaki" y "Menexedes ke Zoumboulia". Estas canciones, afirma Klampanis, "no son sólo parte del patrimonio cultural griego o un fragmento del pasado, sino también parte del futuro: viven en el presente, respiran en el 'aquí y ahora', mientras evolucionan constantemente en un estado dinámico y en diálogo con la música contemporánea".

"Para mí es algo personal", afirma. "Quiero reflexionar sobre lo que la música y la cultura griegas ofrecen al mundo. ¿Cómo puede la música del Egeo al Epiro y de las islas Jónicas a Creta, encontrarse y hablar a los corazones y las mentes de músicos y públicos de diferentes partes del mundo, diferentes tradiciones y orígenes?".

Para ello, el Colectivo Tora se inspira en las características regionales, como explica Klampanis: "Cada región tiene una fuerte identidad. En Epiro, el clarinete es más prominente y la música tiene ese aire lento, groovy y meditativo. Las islas tienen un sonido más ligero, Macedonia es más groovy, tempos más rápidos y bailes enérgicos. La música de Asia Menor o Estambul es más sofisticada. Los griegos suelen referirse a Estambul como 'Poli', de Constantinopoli, así que las canciones de allí se llaman 'Politika'".

Hay magia en la voz clara y consistente de Areti Ketime a lo largo de Tora Collective, como también puede decirse de la articulación supremamente parecida a la voz de Giorgos Kotsinis al clarinete. Ziv Ravitz, a la batería y la electrónica, también desempeña un papel fundamental como coproductor: "Ha aportado mucho a la orquestación", dice Klampanis. "Su conocimiento de la electrónica, todos esos sonidos y teclados no acústicos, los tratamientos de los instrumentos acústicos, todo se debe a Ziv. Aportó una nueva perspectiva a todo el asunto".

El elemento de cuerda en Tora Collective también es fuerte: además del bajo de Klampanis, está Thomas Konstantinou al oud y al laouto tradicional griego, así como Kristjan Randalu (el pianista del trío Irrationalities de Klampanis), que proporciona un ancla y hace que los inventivos arreglos de Klampanis tengan un enfoque armónico. Aparecen invitados adicionales: Alexandros Arkadopoulos al clarinete en "Disoriented", Laura Robles a la percusión en "South by Southeast" y los trompetistas Sebastian Studnitzky y Andreas Polyzogopoulos en "Milo Mou ke Mandarini" y "Hariklaki", respectivamente. ("Milo Mou" está previsto como bonus track posterior al lanzamiento).

Utilizando la música tradicional griega para descubrir una nueva voz común, el proyecto pretende crear diálogo, despertar la creatividad, cultivar el respeto por el pasado, allanar un camino hacia adelante, descubrir una nueva narración musical lo bastante poderosa como para llegar y conmover al público de muchos países. Se trata de un experimento que tiende puentes entre mundos: el oriental y el occidental, el tradicional y el moderno, el nostálgico y el que mira al futuro, utilizando el poder de la música y la improvisación.

 

petrosklampanis.com

Nguyên Lê ::: Silk and Sand

Nguyên Lê ::: Silk and Sand

Silk and Sand

Nguyên Lê

ACT | Febrero 24, 2023

Nguyên Lê - Silk and Sand

 

1 Red City 4:44
2 Silk & Sand 6:00
3 Onety-One 5:44
4 Moonstone 6:26
5 The Waters of Ortiglia 5:05
6 Baraka 4:43
7 Thar Desert Dawn 6:18
8 Tiger's Dance 3:58
9 Becoming Water 5:50

 

Nguyên Lê - guitars, synths, vocals
Chris Jennings - acoustic bass
Rhani Krija - percussion, gumbri, vocals

Cover art by Lucy Dodd: Snake, 2017, by kind permission of the artist
Music composed and produced by Nguyên Lê

Recorded by Ralph Kemper and Nick Benoy at Riverside Studios, Cologne (Germany), October 16 - 19, 2022 Assisted by Sam Donalies and Moritz Wiorkowski Guitar overdubs and mixing by Nguyên Lê at Big Rock studio, Lyon (France) Sylvain Barou and Miron Rafajlovic recorded at home Etienne Mbappé recorded by Nicolas Viccaro in his studio Mastering by Bruno Guel, Elektra Mastering Silk and Sand is a co-production between ACT Music and La Queue du Tigre This album was produced with the financial support of the Adami, a partner of performing artists.

 

 

Nguyen Le Trio

Desde que el guitarrista Nguyên Lê se convirtió en el primer artista exclusivo de ACT hace treinta años, se ha consolidado como una voz distintiva de su instrumento. Y como uno de los representantes más importantes del jazz como música del mundo sin fronteras. Este artista de 64 años es uno de los pocos cuya técnica, estilo y composición son únicos y reconocibles desde la primera nota: una maestría en el verdadero sentido de la palabra. Con "Silk and Sand", Lê vuelve al formato de trío con el que en su día comenzó su carrera como líder en "Million Waves".

Lê fue un músico autodidacta. Empezó tocando la batería y más tarde se pasó a la guitarra. Sus estudios académicos fueron de bellas artes y filosofía, y sólo después se embarcó en la carrera musical. Su arte, por lo tanto, se define por no pertenecer a ninguna escuela en particular -se ha desarrollado en gran medida según sus propios preceptos- y también tiene horizontes culturales que van mucho más allá de la música. Otro principio importante de Lê es que siempre se ha visto a sí mismo como un constructor de puentes entre géneros, estilos y continentes. "Soy la fusión de culturas personificada", afirma.

Lê es un músico del mundo en el sentido más auténtico, en el que la cultura musical europea -y especialmente la francesa- siempre ha encontrado un punto de encuentro con sus raíces del sudeste asiático, y las combina no sólo con las tradiciones americanas del jazz y el rock, sino también con músicas de otros continentes. Desde su primera banda, fuertemente afrocaribeña, Ultramarine, su trayectoria le ha llevado a través de álbumes como "Zanzibar", "Tales from Vietnam", pasando por su participación en el innovador proyecto neoflamenco "Jazzpaña", su colaboración con el cantante tradicional vietnamita Huong Thanh, el trío E_L_B con Peter Erskine, y su proyecto Jimi Hendrix, ganador de múltiples premios.

Tras una serie de aventuras globales de fusión y rock en los últimos años con estrellas internacionales, "Silk and Sand" marca una vuelta a las raíces. Aquí encontramos una forma de hacer música más refinada y tranquila, como indica el título, y también con más jazz en la mezcla. Lê también señala las conexiones con su trabajo anterior: "En mi álbum 'Three Trios' de 1996, llamé a dos de las piezas "Silk" y "Sand": la seda es preciosa y a la vez fuerte, y entreteje la interacción de los músicos; la arena del desierto persigue los sueños del músico sobre otros lugares". Veintiséis años después, estos temas son como guijarros en el camino, y siguen ahí".

Pero Nguyên Lê no sería él mismo si sólo se basara en los ingredientes de una formación de jazz clásico para un nuevo trío. Para la sección rítmica eligió al percusionista marroquí Rhani Krjia, un alma gemela musical con la que Lê quería trabajar desde hace años y cuyos sutiles y coloridos surcos ya han enriquecido la música de estrellas como Sting, Keziah Jones o Dominic Miller. La sólida base musical del trío corre a cargo del canadiense Chris Jennings, colaborador de Lê desde hace mucho tiempo y uno de los bajistas más solicitados a ambos lados del Atlántico.

El tema que da título al disco, o lo que es lo mismo, "Thar Desert Dawn", ejemplifica la magia entre los tres músicos: estas melodías están llenas de pasión y se adentran en la improvisación. Lê las despliega sobre los ritmos norteafricanos de Rhani Krija y el bajo macizo y cantarín de Chris Jennings. El tema que abre el álbum, "Red City", es un paseo salvaje y dinámico por el ajetreo de las ciudades asiáticas o africanas, con voces urgentes y clamorosas. Se vuelve más rockero en "Onety-One" y, sobre todo, en "Tiger's Dance", y más tranquilo en "Moonstone" y "The Waters of Ortigia", con una melodía que se desarrolla lenta y deliciosamente. "Baraka" está fuertemente influenciada por los ritmos africanos con toques funk y cuenta con una provocadora introducción de Rhani Krija al gimbri, y la última, "Becoming Water", aúna las melodías y timbres del Magreb y el Sudeste Asiático de una forma irresistible y conmovedora.

Al trío principal, con Jennings y Rhani, se unen en dos de las piezas más elegíacas Sylvain Barou, con las flautas bansuri y duduk, y Miron Rafajlovic, que toca la trompeta y el fliscorno en "Moonstone". El retorno a los orígenes de Lê como fuente de inspiración para nuevas ideas queda patente en otro de los invitados que aparecen en "Silk and Sand": Etienne Mbappé ofrece un estupendo solo de bajo eléctrico en "Baraka". El camerunés, muy conocido por su trabajo con Joe Zawinul, John McLaughlin Salif Keïta y otros, ya formó parte del primer grupo de Lê, Ultramarine. Así, de forma irresistible y amena, "Silk and Sand" de Lê no sólo tiende -como siempre- puentes entre Asia, África y Europa, y entre el jazz, el rock y las músicas del mundo...., sino también entre el pasado, el presente y el futuro.

 

nguyen-le.com
actmusic.com