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Sebastian Rochford & Kit Downes :: A Short Diary

A Short Diary

Sebastian Rochford & Kit Downes

ECM | Enero 20, 2023

1 This Tune Your Ears Will Never Hear 3:52
2 Communal Decisions 1:57
3 Night Of Quiet 4:56
4 Love You Grampa 6:15
5 Our Time Is Still 3:32
6 Silver Light 4:55
7 Ten Of Us 7:08
8 Even Now I Think of Her 4:14

Sebastian Rochford Drums
Kit Downes Piano

"Tras la muerte de mi padre la música parecía venir a mí, cantar dentro de mí cada día, a veces incluso mientras me despertaba. Aunque al principio me resultaba conflictivo escribir y no quería hacerlo, al llegar, me produjo una sensación de consuelo y también una forma de percibir físicamente lo que sentía. Así que, de un modo musical, se convirtió en mi diario de esta época"

Este "breve diario (de pérdida)", como lo llama el batería Sebastian Rochford, se ofrece como "un recuerdo sonoro, creado con amor, por necesidad de consuelo". Está dedicado al padre de Rochford, el poeta de Aberdeen Gerard Rochford, 1932-2019, y a su familia. Seb, uno de diez hermanos, escribió la mayor parte de la música poco después de la muerte de Gerard y la ofrece aquí, en interpretaciones de profundo sentimiento y claridad hímnica, junto con el pianista Kit Downes. La última pieza, "Even Now I Think Of Her", fue compuesta por Gerard Rochford. Sebastian explica: "Es una melodía que mi padre había cantado en su teléfono y me envió. Se la reenvié a Kit. Él la escuchó y entonces empezamos".

Rochford recuerda cómo, tras la muerte de su padre, "la música parecía venir a mí, cantar dentro de mí cada día, a veces incluso mientras me despertaba. Aunque al principio me resultaba conflictivo escribir y no quería hacerlo, al llegar, me produjo una sensación de consuelo y también una forma de percibir físicamente lo que sentía. Así que, de un modo musical, se convirtió en mi diario de esta época".

En lo que a diarios se refiere, éste puede ser un diario tranquilamente reflexivo; sin embargo, también está impregnado de llamativos temas melódicos y conmovedoras progresiones de acordes, repletos de muchos matices y diferentes tonos de tono y timbre repartidos entre un sencillo piano de cola y lo estrictamente necesario de una batería.

El álbum se grabó en la casa de la infancia de Rochford, en Escocia, y su íntima acústica se captó de forma exhaustiva y con una transparencia cristalina. "Como a mis padres siempre les gustó que se tocara música en casa y no íbamos a poder conservar la casa, pensé en grabar la música allí, también como recuerdo sonoro del lugar donde crecí, tocada en el piano de mi abuelo, que nos regaló el hermano de mi padre, un homenaje al hombre maravilloso y de buen corazón al que llamaba mi padre".

Mientras el batería escribía la música, sentado al piano de su padre, tomaba notas en un libro manuscrito, asegurándose de registrar, con palabras, los detalles de atmósfera y ambiente que no pueden expresarse mediante partituras. "Toda la música tiene partituras y, como el tono es una parte importante del sentimiento, Kit y yo hablamos de conseguir ciertas dinámicas, ya que yo sentía que si el piano pasaba de ciertas dinámicas, el sentimiento se perdía para mí. La escritura de la música también fue un consuelo para mí en ese momento, así que quería que la música que grabamos reflejara eso".

Para la apertura, el himnólogo "This Tune your ears will never hear" anotó en su libro de manuscritos Seb: "Como un niño que grita solo en un vacío". En cuanto a "Night of Quiet", interpretada a piano solo, Rochford señala el escenario: "Era tarde. Oía hablar a la gente en la otra habitación. Toqué lo mínimo, sólo para conocer las notas, en voz muy baja". Y en "Love You Grampa", donde los acordes comunes y las tendencias himnóticas vuelven a ser investigadas, el batería-compositor vuelve a insistir en la importancia de los lazos familiares. Estos pensamientos trascienden la música, y la música devuelve el favor.

Rochford se acercó a Manfred Eicher -con quien ya había trabajado anteriormente tocando la batería en los álbumes de Andy Sheppard Trio Libero (2012), Surrounded By Sea (2015) y Romaria (2018)- y le preguntó si estaría abierto a producir A Short Diary. "Siento que Manfred entiende cómo concentrar e intensificar lo que los artistas que ha elegido para trabajar pretenden lograr, permitiéndoles florecer. Debido a las circunstancias de cómo surgió este álbum y a mi experiencia previa con él, sentí que entendería y sería sensible a esta música, ya que esto era vital para mí."

Siguió un meticuloso proceso de producción en colaboración con Eicher, que luego mezcló el álbum en Múnich: "Escuchar las mezclas de Manfred era como si me enseñara lo que había hecho y escuchara la música por primera vez. Para ser sincero, ni siquiera sé cómo hizo para que la música sonara como suena, pero sentí que había intensificado y enfocado todo en ella".

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Sebastian Rochford es un compositor, cantautor, productor e instrumentista extraordinario, imaginativo y aventurero que, con su producción multigénero y la ayuda de algunos colaboradores clave, ha dado un giro radical al jazz británico.

Una característica de la música de Rochford es la mezcla de una formación jazzística con influencias de la electrónica moderna y el pop/rock, por lo que no es de extrañar que entre sus influencias se encuentren Beethoven, Daughters, Bjork, Skepta, Burial, Prince y la electrónica contemporánea, además de una gran dosis de jazz. Los CD publicados con sus propias bandas, así como su contribución a muchas otras como compositor, intérprete o productor, dan fe de su particular estilo de fértil inventiva y de su capacidad para sacar lo mejor de un amplio espectro de músicos versátiles.

A través de sus bandas, Rochford se ha ganado la reputación de ser uno de los músicos más creativos de la escena británica. La música de Polar Bear, cruda y dramática, mezcla jazz con un paisaje sonoro electrónico y una sensibilidad punk, apuntalada por ritmos break-beat y rock, mientras que Fulborn Teversham es testigo de la colisión de música melódica punky y funky con voces inexpresivas, electrónica cósmica y una ecléctica mezcla de jazz acústico, alt rock, prog punk y otras genialidades musicales. La música de ambas bandas se distingue por las convincentes melodías contrapuntísticas y la energía impulsora de Rochford, que se ha ganado muchos elogios de la crítica, así como un público devoto.

Desde 2004, año en que ganó el premio Rising Star de la BBC Radio 2 y Radio 3 Jazz, Rochford ha acumulado una plétora de nominaciones y galardones. Otras nominaciones a los Premios de Jazz en la categoría de mejor grupo (2004 y 2005), mejor instrumentista (2006) y álbum del año (2006) se complementaron con la participación de Rochford en la iniciativa inaugural de la Jerwood/PRS Foundation Take Five para músicos de jazz creativos en 2004/05, un premio a Fulborn Teversham por su excelencia artística en el Festival de Brighton y la nominación de Polar Bear al prestigioso Nationwide Mercury Music Prize con Held on the Tips of Fingers en 2005. Este álbum también fue galardonado en The Observer Music Monthly 'CDs of 2005' y apareció en el 'Top 100 Jazz Albums That Shook The World' de Jazzwise en 2006.

Rochford disfruta de una importante carrera en el Reino Unido y de un creciente perfil internacional como compositor, director de orquesta y batería. Ha tocado y grabado con una asombrosa serie de luminarias locales e internacionales, entre ellas: Yoko Ono, Herbie Hancock, Brian Eno, Squarepusher, David Byrne, Bojan Z, Marc Ribot, Patti Smith, Sean Lennon, Corinne Bailey Rae, Adele, la leyenda de Soft Machine Hugh Hopper, Babyshambles, el productor de grime Statik, Stan Tracey, Fran Healey, Adrian Utley, Andy Sheppard y Britten Sinfonia bajo la dirección de la pianista inconformista Joanna MacGregor.

Antiguo miembro del F-IRE Collective, Rochford cuenta entre sus grupos actuales con Polar Bear, nominado al Mercury; Jyager Bear, con MC Jyager, Pete Wareham y Shabaka Hutchings; Trio Libero, con Andy Sheppard y Michel Benita; el trío de rock vanguardista Big Dave, con el ex guitarrista de Babyshambles Patrick Walden; el cuarteto electroacústico Fulborn Teversham; y Silver Birch, la nueva formación antes conocida como Acoustic Ladyland.

Rochford publicó recientemente un álbum aclamado por la crítica con la innovadora del theremin Pamelia Kurstin: Ouch Evil Slow Hop en Slowfoot Records. El álbum de debut de Trio Libero, When We Live On The Stars, saldrá a la venta con ECM a principios de 2012 y poco después realizarán una gira.

Como productor, Rochford ha sido responsable de supervisar los mundos sónicos de todas las grabaciones de su propia banda y las de Acoustic Ladyland. También ha trabajado como productor únicamente en temas para el álbum Deep River de Joanna MacGregor y Andy Sheppard, así como en el álbum completo de la cantante de folk/jazz Gwyneth Herbert.

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Kit Downes es un solista ganador del BBC Jazz Award y nominado al Mercury Music Award por ECM Records. Ha realizado giras por todo el mundo tocando el piano, el órgano de iglesia y el armonio con sus propias bandas ('ENEMY', 'Troyka' y 'Elt'), así como con artistas como Squarepusher, Bill Frisell, 'Empirical', Andrew Cyrille, Sofia Jernberg, Benny Greb, Mica Levi y Sam Amidon.

Kit interpreta conciertos como solista de órgano de tubos y piano solo, además de tocar en colaboraciones con el saxofonista Tom Challenger, la violonchelista Lucy Railton, el compositor Shiva Feshareki, el saxofonista Ben van Gelder y con la banda 'ENEMY' (con Petter Eldh y James Maddren).

También trabaja actualmente con el violinista Aidan O'Rourke, el batería Seb Rochford, el compositor Max de Wardener y en el trío de órgano "Deadeye" con Reinier Baas y Jonas Burgwinkel.

Ha escrito encargos para el Festival de Música de Cheltenham, la Orquesta Contemporánea de Londres, el Festival de Órgano de Biel, el Ensemble Klang del Festival ReWire, el Scottish Ensemble, la Filarmónica de Colonia y el Wellcome Trust. También actuó como parte de la producción del Teatro Nacional de 'Network' entre 2017 y 2018, con el actor Bryan Cranston.

Ha ofrecido conciertos como solista de órgano en la Elb Philharmonie de Hamburgo, la Catedral de Lausana, Flagey en Bruselas, el Royal Albert Hall de Londres, así como en el Southbank Royal Festival Hall, el Festival de Jazz de Rochester (Estados Unidos), St Olafs Minneapolis (Estados Unidos), Stavanger Konserthus, Aarhus Philharmonic Musikhuset, el Festival de Órgano de Darmstadt, el Festival de Órgano de Stuttgart, Laurenskerke en Rotterdam, Orgelpark en Ámsterdam, Kaiser Wilhelm Memorial Church en el Festival de Jazz de Berlín y los Proms de la BBC, entre muchos otros.

Es becario de la Royal Academy of Music de Londres, donde él mismo estudió y ahora enseña. Ha sido galardonado en dos ocasiones con el primer puesto en las categorías de Órgano y Teclado del Downbeat's Critics Poll Rising Star, respectivamente, y sus discos para ECM 'Obsidian', 'Dreamlife of Debris' y 'Vermillion' han sido publicados con gran éxito de crítica.

ecmrecords.com

Omar Sosa & Tiganá Santana ::: Iroko

Iroko

Omar Sosa & Tiganá Santana

Selo Sesc | Enero 20, 2023

1. Iroko (Domínio Público – arr. Omar Sosa) – piano e voz: Omar Sosa / percussão no bojo do violão e voz

2. Bolero de Flotación (Tiganá Santana) – violão-tambor e voz: Tiganá Santana /piano: Omar Sosa

3. Muilu (Domínio Público) – percussão corporal e voz // percussão corporal, cordas de piano e vozes: Omar Sosa / Participação especial dos pássaros, insetos e outros seres vivos, antecedendo a aurora, isto é, o nascimento de Muilu

4. Inner Crossing (Travessia) (Poema de Tiganá Santana e música de Omar Sosa) – piano, percussão e efeitos: Omar Sosa / voz: Tiganá Santana

5. Moradía de Babalú (Omar Sosa) – piano, percussão, efeitos e vozes: Omar Sosa / percussão e vozes: Tiganá Santana

6. A Seiva da Gameleira Branca (Tiganá Santana) – violão-tambor e voz: Tiganá Santana / piano, percussão e efeitos: Omar Sosa

7. Black Frequencies (Omar Sosa & Tiganá Santana) – piano, kalimba e efeitos: Omar Sosa / percussão e voz: Tiganá Santana

8. Bloco Novo (Tiganá Santana) – violão-tambor, percussão corporal e voz: Tiganá Santana / piano e percussão: Omar Sosa

9. Kitembu (Domínio Público) – percussão, percussão vocal e vozes: Tiganá Santana / percussão vocal e vozes: Omar Sosa / vozes em conversa: Manu, Pedro Altério e André

10. Y Loves (Omar Sosa) – piano e percussão: Omar Sosa / violão-tambor e voz: Tiganá Santana

11. Time in Nature (Omar Sosa & Tiganá Santana) – vozes: Sol, Aves, Bois, Tiganá Santana, André Magalhães, Pedro Altério e Manu / piano: Omar Sosa

Gustavo Ovalles - percussions
Omar Sosa - piano
Tigana Santana - guitar, vocal

Produzido por Omar Sosa e Tiganá Santana.
Gravado em fevereiro de 2022 no Estúdio Gargolândia – Alambari (SP) por André Magalhães.
Mixado por Steve Argüelles at Plushspace, Paris.
Masterizado por Klaus Scheuermann.
Produção executiva: Mônica Cosas.
Arte da Capa: Criola
Design Gráfico: Nilton Bergamini
Akassá Produções

"(Tiganá) Santana y (Omar) Sosa son dos espíritus innovadores de la escena musical contemporánea que tienen mucho en común. Estructuran composiciones complejas a través de oídos sintonizados con sus respectivas cosmovisiones procedentes del África subsahariana (candomblé en Brasil y santería en Cuba).

Así, textual y emocionalmente, hablan a las mismas deidades ancestrales yoruba, y son capaces de crear un diálogo de África consigo misma desde diversos puntos de partida, puertos de entrada y a través de los mares. Un diálogo de concepto futurista y cósmico, aunque contemporáneo en su atractivo, respaldado por un conjunto de instrumentos subsaharianos que añaden urgencia melódica al discurso".

Carlos Moore, escritor, investigador y científico social de historia y cultura negras.

El iroko, guardián de los ancestros y de los antepasados, es la fuerza de las variaciones meteorológicas y, al mismo tiempo, un bosque centenario. O el propio colectivo de árboles grandiosos; el útero de la naturaleza que alberga a todos los Orixás; el primer árbol que se plantó en la Tierra. En África, el iroko vive en el árbol que lleva su nombre. En Brasil, donde este árbol no es autóctono, se le atribuyó la grandiosa gameleira blanca. En Cuba, es la ceiba. Es, en la diáspora afrobrasileña, el Orixá que equivale, entre los descendientes de los bantúes, al Kitembu Inquice: el viento transformador, la vida, la muerte, el árbol como cuerpo del tiempo.

Iroko es también el nombre del álbum que bajó a la tierra, de la mano del pianista y compositor cubano Omar Sosa y del compositor y guitarrista bahiano Tiganá Santana, una reverencia en forma de música a los Orixá que presenta a los que vinieron antes y lo que está por venir; un saludo al tiempo que puntúa historias pasadas y presentes para desarrollar un diálogo centrado en un futuro común.

El proyecto del álbum comenzó con el encuentro entre Omar y Tiganá, dos artistas negros afrolatinos vinculados a las tradiciones espirituales afrodiaspóricas, y procedentes de dos de los principales polos culturales negros fuera del África subsahariana: Brasil y Cuba. Los artistas se reunieron algunas veces en Brasil y en Europa, siempre intercambiando información sobre la posibilidad de grabar un álbum que explicitara, a través del diálogo entre sus obras, los puntos de encuentro entre ritmos, inflexiones y creaciones afrocubanas y afrobrasileñas basadas en principios artístico-musicales bantúes (entre los Congos y Angola) y yorubas (entre Nigeria y Benín). Estas culturas tuvieron una influencia histórica muy relevante en Brasil y Cuba y están presentes en sus manifestaciones culturales contemporáneas.

Sobre el desarrollo de las composiciones, Sosa define un proceso guiado, sobre todo, por la espontaneidad y la confluencia de concepciones: "Optamos por un camino que fue, básicamente, de encuentro: Tiganá grababa lo que sentía sin que yo lo escuchara, y yo grababa lo que sentía sin que él lo supiera. Pero cuando nos reunimos para la grabación final, quedó bastante claro que compartíamos la misma idea, que era la de una reverencia, un homenaje, un saludo a Iroko. Santana añade: "Hacer un disco, para mí, tiene sentido cuando el acto no se limita a una determinada idea preconcebida sobre lo que es la música; cuando es algo que surge de una acción vital".

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Iroko, o un diálogo de África a África en ultramar
por Carlos Moore

Iroko es una cascada musical sublime. El destello que rebotó en las paredes de un estudio musical de Brasil en 2022, cuando la cantante y guitarrista afrobrasileña Tiganá Santana y el pianista afrocubano Omar Sosa se reunieron para pulir una piedra preciosa mientras el mundo seguía sumido en una pandemia furiosa. El sofisticado álbum que carpentan ejemplifica la magia que surge cuando los artistas dejan a un lado sus egos creativos y se escuchan con humildad: sus visiones compartidas se convierten en un destello de genialidad creativa.

Santana y Sosa son dos espíritus innovadores de la escena musical contemporánea que tienen mucho en común. Estructuran composiciones complejas mediante oídos afinados a sus respectivas cosmovisiones procedentes del África subsahariana (candomblé en Brasil y santería en Cuba). Así, textual y emocionalmente, hablan a las mismas deidades ancestrales yoruba, y son capaces de crear un diálogo de África consigo misma desde diversos puntos de partida, puertos de entrada y a través de los mares. Un diálogo de concepto futurista y cósmico, aunque contemporáneo en su atractivo, respaldado por un conjunto de instrumentos subsaharianos que añaden urgencia melódica al discurso.

Omar es uno de los raros compositores y pianistas que exigirán toda su atención desde la primera nota que toque, envolviéndole en patrones cada vez más concentrados, tan íntimos y cálidos que sentirá como si nunca antes le hubieran abrazado musicalmente. Es un compositor increíble que nunca se repite, ni pierde el ritmo, aunque parezca en trance, a solas consigo mismo en algún lugar del espacio. Su don para transformar el piano en un apasionado mensajero de ternura es abrumador.

Tiganá se adueñará literalmente de quien le oiga cantar. Toca la guitarra como pocos lo hacen, literalmente, tamborileando un torrente de notas suaves que van in crescendo en respuesta a lo que siente. Sus composiciones pueden pasar del páthos absoluto a la alegría paroxística, en una fusión tan extravagante entre un ser humano y un instrumento que ya no distinguirás cuál es cuál. Exquisita compositora y dueña de una voz bellísima, tan cálida y sincera que produce escalofríos o arranca lágrimas. En su momento íntimo "transitivo", tiene la capacidad de expresar sentimientos, en sus gradientes creciente y decreciente, con una sinceridad y una intensidad que no se oían desde Milton Nascimento.

Tiganá y Sosa son artistas "trânsicos": indefinibles, inclasificables, inimitables en lo que hacen. Omar: ráfagas melódicas cortas y contenidas que te arrastran al mar, flotando sobre olas de emociones puras. Tiganá: articula toda la paleta de sentimientos (desde el dolor y el lamento más profundos hasta la alegría más festiva) sin decir una palabra, tarareando de forma tan hipnótica que uno tiene la sensación de haber escuchado esos sonidos antes, en una vida vivida hace muchos siglos. Juntos, desafían los límites y borran el tiempo, pintando nuevos sueños con los colores de lo posible y esculpiendo las formas del amor y el deseo redescubiertos.

Rebeldes creativos, insurgentes modernos que han dado la espalda a cualquier forma de tradicionalismo repetitivo, abrazan un "experimentalismo" que les deja espacio para instigar continuamente el compromiso. Naturalmente, vibran y se nutren de todas las fuerzas africanas, en particular de la tradición milenaria de experimentación continua de ese continente, una tradición que nació a orillas del río Nilo y atravesó todos sus afluentes simbólicos (los ríos Congo, Níger, Zambeze, Senegal, Limpopo, Orange) antes de reimplantar su curso en las Américas, incluso, por así decirlo, como la consecuencia fatal de la subyugación despiadada del mundo más allá de sus fronteras por parte de Europa.

Iroko es sin duda el fruto de una convergencia de mentes: la de dos revolucionarios de la música y quilombolas visionarios que han hecho las paces con el pasado y han tomado las riendas de su presente creativo. Así empoderados, forjan espacios para una nueva plenitud, un compromiso entre los vientos desnudos del ayer y el caleidoscopio prometido del mañana. Por derecho propio, cada uno explora su música y su viaje sonoro a través de un elaborado discurso sobre el poder de los sentimientos, la intimidad, la ternura, la autenticidad y la verdad. El diálogo resultante es un puente hacia la nueva energía que fluye de la fusión del mayor amor ancestral con las expectativas de un nuevo amor.

Iroko es un álbum conmovedor y maravillosamente elaborado, un verdadero placer para el alma. Un discurso continuo sobre la curación y la renovación. El discurso optimista de un universo resurgente frente a una embotada "cultura apisonadora", que dominaba pero no vencía. Un diálogo de África a África en ultramar, sobre Muchos Ríos que Cruzar y Hermosas Selvas en las que Adentrarse, a lo largo del camino hacia el verdadero Ser.

omarsosa.com
tiganasantana.net
sescsp.org.br

Michael Feinberg ::: Blues Variant

Blues Variant

Michael Feinberg

Criss Cross | Enero 6, 2023

1. Blues Variant 4:13
2. Saqqara 6:03
3. High Or Booze 3:58
4. The Healing Power Of GRITS 4:35
5. Eye Of The Hurricane 4:58
6. The Water Spirit Brought Us, The Water Spirit Will Take Us Home 5:51
7. Gather Power 5:28
8. Improvisation (for Leslie) 4:26
9. Cycle Song 4:43
10. Year Of The Ox 5:37

Bass – Michael Feinberg
Drums – Nasheet Waits
Piano, Keyboards – Leo Genovese
Soprano Saxophone, Flute – Dave Liebman
Tenor Saxophone, Flute – Noah Preminger

Engineer – Mike Marciano
Executive-Producer – Jerry Teekens

Recorded January 17, 2022 in Astoria, NY, USA by Mike Marciano

"...un prodigio musical convertido en genio del mal"

Spinner



"...se ha convertido rápidamente en uno de los principales artistas jóvenes de la escena neoyorquina"

Jazz Inside Magazine

"Un álbum entre los 10 mejores del año"

Bill Milkowski



"Simplemente hay pocos músicos como él. Un par que me vienen a la mente tocando hoy son Dave Holland y Boris Kozlov"

Ilikejazz.com

Un elemento intrigante del magnífico debut de Michael Feinberg en Criss Cross es que el líder podría haberlo titulado fácilmente "Bassist In The Background" (los fans del maravilloso LP de 1960 de Duke Ellington "Pianist In The Background" sabrán a qué me refiero). A lo largo de Blues Variant, que incluye seis originales de Feinberg, uno del saxofonista tenor Noah Preminger y otro del pianista Leo Genovese, el maestro del bajo de 35 años se aferra al mantra: "Si quieres oírme tocar solo, ven a un concierto, donde suelo tocar un solo en cada tema".

"Estoy al servicio de la música", continúa Feinberg. "Lo que aprecio de un bajista es cómo hace sonar a los demás miembros de la banda. Me encanta escuchar las habilidades solistas de Christian McBride, John Patitucci, Dave Holland y la gente a la que idolatro, pero son increíbles porque, cuando tocan, la sensación es increíble y empujan a sus compañeros de banda a ser las mejores versiones de sí mismos o a ir más allá de lo que creen que pueden hacer."

Como otro ejemplo, Feinberg menciona a Jimmy Garrison, que trianguló entre McCoy Tyner y Elvin Jones con el "espiritualmente trascendente" John Coltrane Quartet entre 1961 y 1965. "Rara vez toca un solo, pero no se consigue el cuarteto de Coltrane con nadie más. Así que no me importan los solos, ni estar en lo alto de la mezcla para indicar 'este es un disco de un bajista'. Toco un montón de notas. Estoy tocando todo el tiempo. No puede faltar".

Los comentarios de Feinberg sobre el efecto Garrison tienen cierta gravedad; desde principios de 2010, cuando hizo The Elvin Jones Project, ha profundizado en el repertorio de Coltrane en sus propios términos de compromiso en numerosos conciertos, la mayoría de ellos con Preminger tocando el saxo tenor e Ian Froman a la batería. En el panestilístico Blues Variant, conecta con el espíritu del gran griot de la batería a través de la presencia en tres intensas selecciones del antiguo alumno de Elvin Dave Liebman, profesor de Preminger durante sus años de estudiante. que ha empleado a menudo a Froman. La introducción de Feinberg al singular sonido de Liebman fue Earth Jones, un lanzamiento de 1982 dirigido por Elvin con Liebman, el trompetista Terumaso Hino, el pianista Kenny Kirkland y el bajista George Mraz. "Conozco cada nota", dice Feinberg. "Soy fan de la forma de tocar de Dave desde hace mucho tiempo".

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Criado en Atlanta, Ga. Feinberg comenzó su carrera musical en el escenario como miembro del cuarteto del trompetista nominado al Grammy Russell Gunn. Actuando todas las semanas en Churchill Grounds, Feinberg, de 18 años, ocupó la silla de bajo durante 6 meses hasta que se marchó a la Universidad de Miami. Como estudiante de segundo año en la UM, Michael grabó su disco de debut "Harajuku", que le ayudó a conseguir una residencia en el Betty Carter's Jazz Aheadat the Kennedy Center de Washington, DC.

De vuelta a Miami, Feinberg decidió tomarse más en serio la composición y empezó a trabajar en su segundo álbum, "Evil Genius", de 2009. Tras el lanzamiento de "Evil Genius", Michael fue invitado a encabezar el festival South By Southwest de Austin (Texas). Tras su graduación, Feinberg se trasladó a Nueva York.

En 2009 Feinberg comenzó sus estudios de posgrado en la Universidad de Nueva York y rápidamente se encontró trabajando y actuando con algunos miembros de la facultad como John Scofield, Jean Michel Pilc, George Garzone, Kenny Werner y Billy Drummond. Igualmente inspirado por la riqueza de talento de sus compañeros de NYC, comenzó a trabajar en su próximo disco. Después de trabajar la música durante más de un año en el bar 55, Smalls, y Fat Cat, Feinberg estaba listo para ir al estudio y en 2010 lanzó "With Many Hands" a la aclamación de la crítica incluyendo Bass Player Magazine, que contó con Feinberg en su edición de julio de 2011.

En 2012 Feinberg firmó con Sunnyside Records para grabar el "Proyecto Elvin Jones" con una alineación de estrellas como Billy Hart, George Garzone, Tim Hagans, Leo Genovese, y Alex Wintz. Mientras se tomaba un descanso de la composición, Feinberg se sumergió en el catálogo del gran baterista Elvin Jones. Los siguientes conciertos consistirían en más y más temas de Elvin hasta que Feinberg tomó la decisión de formar su Elvin Jones Project. Al igual que su álbum anterior, el EJP maduró en los clubes de jazz del West Village y cuenta con muchas de las grandes estrellas jóvenes del jazz, como Billy Buss, Tivon Pennicott, Leo Genovese, Noah Preminger, Godwin Louis, Joe Santa Maria, Chad Lefkowitz-Brown, Victor Gould y Glenn Zaleski.

En 2014, BeHip records, con sede en Atlanta, publicó: Michael Feinberg's HUMBLEBRAG Live at 800 East, el 5º álbum de Feinberg como líder. El álbum cuenta con Terreon Gully, Billy Buss, Godwin Louis y Julian Shore y fue aclamado por la crítica y el público por igual. Como dice el Midwest Record "Esto es jazz de tono alto, para sentarse, que te abre los oídos y la mente de par en par. Material de primera para los que estén dispuestos a montar a caballo".

Tras un par de años sin grabar, Feinberg publicó "Whatever Possessed Me" con su quinteto, formado por Kebbi Williams, Noah Preminger, Ian Froman y BIlly Test. El éxito de esta grabación llamó la atención de Steeplechase Records, que producirá la próxima grabación de Feinberg con el maestro del jazz del NEA Dave Liebman.

Feinberg es el destinatario de Louis Armstrong Foundation Grant 2020, Chamber Music America Grant 2020, residente del Betheney Arts Collective 2021, ganador del Six String Theory Rhythm Section Contest 2012, destinatario del Downbeat Student Music Award 2010, cabeza de cartel del festival sxsw 2010, residente en el Betty Carter Jazz Ahead 2008, finalista en el International Songwriting Competition 2007 para interpretación y composición de jazz, finalista en el concurso unsigned only 2021.

Michael ha actuado o grabado con: Billy Hart, Dave Liebman, George Garzone, Lee Ritenour, Ari Hoenig, Elliot Mason, Jeff Coffin, Terreon Gully, Donnie, Russell Gunn, Dave Samuels, Larry Koonse, Daniel Platzman, JD Allen, Ted Nash, Kosha Dillz, Tim Hagans, Melanie Charles, Braxton Cook, Dayme Arocena, Orrin Evans, Myron Walden, Jonathan Kreisberg, Jim Black, Jonathan Batiste, John Scofield, Peter Bernstein, Mark Whitfield, Peter Evans, Jason Lindner, Ambrose Akinmusire, Sam Barsh, Noah Preminger, Bobby Broom, Logan Richardson, Dana Hawkins, Pascal y Remy LeBoeuf, Jason Palmer, Dayna Stephens, Leo Genovese, Aaron Parks, Louis Cole y Genevieve Artadi (KNOWER), Phil Dizack, Miguel Atwood Ferguson, Kebbi Williams, Aaron Goldberg y Run DMC entre otros.

Michael es también un activo clínico y educador y ha dirigido clases magistrales y clínicas en: Universidad de Emory, Ga. State University, Belmont University, University of Miami, Indaba Music, The Paideia School, NJPAC, Coastal Carolina University, Universidad De Centro America, Universidad de Habana, y New York University. Es artista docente en Berklee College of Music, Union County College, NJPAC y New York Jazz Academy y ha colaborado en varias publicaciones, entre ellas McGraw Hill. Michael patrocina Aguilar Amps, Master Strap, Warrior Guitars y Mono Case.

crisscrossjazz.com
mfbass.com

Dan Costa : Beams

Beams

Dan Costa

Dan Costa | Enero 1, 2023

1. Beams 5:42
2. Acalantando 4:45
3. Encaminho 6:10
4. Sparks Of Motion 4:51
5. Cypress 4:14
6. Então 6:25
7. Viewscape 5:05
8. Paw Prints 4:39
9. Stardial 3:56

Piano, compositions, arrangement, production - Dan Costa
Double bass - John Patitucci
Drums - Paulinho Vicente
Trumpet - Dave Douglas
Alto Saxophone - Teco Cardoso
Electric Guitar - Mike Stern
Soprano Saxophone - Dave Liebman
Percussion - Hermeto Pascoal
Vocals - Anne Boccato

Recorded by Alex Conroy at Bunker Studio, New York City, USA
Mixed and mastered by Jack Conners at Perfect World Studios, Michigan, USA
Filmed by Khiry Evanson
Cover Art by Stefan Fransson

Released on 1st January 2023

"Maravilloso"
Randy Brecker

"Sigue haciendo lo que haces, tío. Es increíble"
Mike Stern

"Muestra una gran profundidad en su musicalidad"
Dave Liebman

"Me gustó mucho su musicalidad, refinamiento y estilo compositivo. Me siento orgulloso de poder colaborar en este toque de belleza que se da al mundo y a sus gentes"
Jaques Morelenbaum

"Dan Costa es uno de esos grandes del jazz y la bossa nova esparcidos por todo el mundo, defendiendo nuestra buena música. Fue un placer tocar con él"
Roberto Menescal

"Melódico y elegante"
Seamus Blake

"Muy bonita tu música Dan"
Leila Pinheiro

"Una sonoridad dulce, de rara belleza, translúcida, una técnica fluida que nunca se impone a la narración musical ... poesía tan necesaria para apaciguar los días turbulentos que vivimos"
André Mehmari

"Felicitaciones por el buen gusto en solos de piano y composiciones avanzadas"
Toninho Horta

Talento busca talento..., parecería ser la máxima que aplica en éste caso, un manojo de celebridades unidos entorno a la maestría ofrecida por el pianista Dan Costa. Figuras de enorme talla como el eterno Hermeto; el siempre vigente Mike Stern, por suerte de vuelta a sus mejores momentos; la tranquilizadora solidez de Patitucci; un Dave Liebman muy apegado a la estética del líder al igual que Dave Douglas; la dulce voz de Anne Boccato; la intensidad justa del bata Paulinho Vicente y la otra "dulce voz", la del saxofonista Teco Cardoso, todos bajo los aciertos del líder "domador de fieras".

El jazz es la metáfora de la democracia perfecta..., disparó una vez Enrico Rava, y en Beams, Dan Costa promueve su práctica sin reclamar una posición de privilegio, un intercambio muy saludable, de una empatía asombrosa, tan reconfortantes y enriquecedoras como el mejor diálogo pueda proponer.

La dinámica de su escucha recuerda por momentos a la del Duende Michel Petrucciani, esa cualidad de pocos de promover la percepción de cierto embriagador vértigo a una dimensión y velocidad diferente de lo aparente; se me ocurre también sin pensarlo demasiado, al lejano melancólico tarareo de Naná, que desde la suavidad de su letanía promueve un vértigo emocional incontenible.

Pero claro que todas estas referencias son personales habrá muchas más en mí como en ustedes, lo que verdaderamente importa son las impresiones significativamente movilizadoras, imágenes que empujan apenas corridos los segundos, una experiencia embriagadora que no cesa aún mucho después de los acordes finales...

Alrededor de Medianoche

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BEAMS es una celebración de la luz en algunas formas físicas y metafísicas clave - de los animales no humanos en "Paw Prints" a las plantas en "Cypress", de la infancia en "Acalantando" a la libertad en "Encaminho" y la contemplación en "Viewscapes", de lo urbano en "Sparks of Motion" a lo rural en "Então", así como lo celestial en "Beams" y "Stardial".

En las notas de acompañamiento, Randy Brecker escribe: "Las conversaciones e interacciones entre músicos y géneros son asombrosas... un montón de música encantadora, sentida, emocional".

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Daniel Greco Costa nació en 1989 en Londres (Reino Unido) en el seno de una familia italiana y portuguesa. Inicialmente estudió piano clásico durante seis años en la Académie de Musique Rainier III, en el sur de Francia, así como jazz, y escribió su primera composición a los doce años. En 2010, obtuvo un diploma con mérito en el Liverpool Institute for Performing Arts de Sir Paul McCartney en el Reino Unido, pero su gran interés por sus raíces latinas junto con su pasión por el jazz le llevaron a estudiar en la Escola Superior de Música e Artes do Espectáculo en Portugal, donde se graduó en piano jazz con un premio Rotary Club por logros sobresalientes en 2015.

Durante su curso, también obtuvo una beca al mérito para estudiar música brasileña en la UNICAMP - Universidade Estadual de Campinas (São Paulo, Brasil). Prosiguió sus estudios en el Berklee College of Music con una beca por rendimiento sobresaliente.

Ha asistido a talleres y clases impartidas por artistas musicales como Gary Burton, Kevin Hays, Scott Colley, Kurt Rosenwinkel, Jorge Rossy, Chick Corea y César Camargo Mariano. Ha codirigido musicales, actuado con orquestas y big bands, y protagonizado como pianista y compositor proyectos en países como Reino Unido, Francia, Finlandia, Alemania, España, Grecia y Estados Unidos.

En enero de 2016, grabó su álbum debut Suite Três Rios en Río de Janeiro, Brasil, con músicos como Jaques Morelenbaum, Ricardo Silveira, Teco Cardoso, Rafael Barata, Marcos Suzano y Leila Pinheiro. Alcanzó el número 1 en la iTunes Jazz Chart y el Top 10 en todos los géneros en Portugal, antes de situarse en el número 1 de la CMJ Top Adds Chart en Estados Unidos y en el Top 10 durante varias semanas en el Roots Music Report. Uno de los mejores álbumes del año para la revista Down Beat, logró críticas muy favorables de países como Estados Unidos, Rusia, Canadá y Brasil.

En mayo de 2018 grabó su nuevo álbum Skyness en Arte Suono en Italia, con la participación de Roberto Menescal, Jorge Helder, Teco Cardoso, Custodio Castelo, Romero Lubambo, Nelson Faria y Seamus Blake, lanzado en Blue Note Rio en noviembre. El tema "Compelling" fue incluido por la revista JAZZIZ en su Álbum de Verano 2019. Su gira le llevó a países como Estados Unidos, Italia, Malta, Grecia, Egipto, Turquía, Brasil, Armenia, Chipre, Portugal, España, Líbano e India, donde fue entrevistado y destacado por la revista Rolling Stone. En 2020, grabó el single Love Dance con Ivan Lins y publicó su primer álbum en solitario a piano y en directo Live in California, grabado durante la etapa final de su gira internacional. Quedó en segundo lugar en la lista Top Latin Jazz Album del año 2020 de Roots Music Report y fue elogiado por varios críticos.

En 2022 lanzó el single Iremia con Randy Brecker como mensaje de paz. También grabó su nuevo álbum Beams en Brooklyn, Nueva York, con Dave Liebman, John Patitucci, Mike Stern, Hermeto Pascoal, Dave Douglas, Teco Cardoso, Paulinho Vicente y Anne Boccato.

Dan ha impartido clases magistrales en instituciones como la Universidad Monash (Australia), la Universidad Victoria de Wellington (Nueva Zelanda), la Universidad de Auckland (Nueva Zelanda), la Universidad Mahidol (Tailandia) y el Global Music Institute (India). También ha escrito sobre música para la Enciclopedia Britanica.

dancosta.net

Jason Moran ::: From the Dancehall to the Battlefield

From the Dancehall
to the Battlefield

Jason Moran

Yes Records | Enero 1, 2023

1. From the Dancehall to the Battlefield 4:07
2. Ballin the Jack / Feed the Fire 5:52
3. All of No Man's Land is Ours 2:30
4. Russian Rag 6:58
5. Darktown Strutter's Ball 4:16
6. Flee as a Bird to your Mountain / Ghosts 6:37
7. Drop (Tear) 3:07
8. That Moaning Trombone 3:02
9. Memphis Blues 2:32
10. St. Louis Blues 8:49
11. Hesitating Blues 5:54
12. Clef Club March 2:40
13. Castle House Rag 5:40
14. Zena's Circle 0:53
15. For James 5:52

A meditation on the life and legacy of James Reese Europe.
Dedicated to James Reese Europe and Randy Weston.

Jason Moran - Piano and voice
Tarus Mateen - Bass
Nasheet Waits - Drums
Logan Richardson - Alto Saxophone
Brian Settles - Tenor Saxophone
Darryl Harper - Clarinet
David Adewumi - Trumpet
Reginald Cyntje - Trombone
Chris Bates - Trombone
Jose Davila - Tuba, Helicon

Producer: Jason Moran
Associate Producer: Louise Holland
Recorded at Sear Sound Studio
Engineer: Chris Allen
Assistant Engineer: Steven Sacco
Studio Assistants: Andrew Kochinka,Tanner Wallace, Nicky Romeo
Mixed by Chris Allen
Mastered by Greg Calbi at Sterling Sound

Cover - Hayden Miller
Photograph - Lieutenant James Reese Europe is royally welcomed in Harlem, New York, as the 369th, Harlem Hellfighters, regiment parades victoriously up Lenox Avenue

With special thanks to 1418 Now, John Cumming, Louise Holland my extraordinary manager, The Kennedy Center, Randy Weston, Stephany Neal and the 369 Experience Band

Caminaron un largo camino, te vieron, y te etiquetaron para siempre... luego se alejaron, pero te mantuvieron en su mente mientras etiquetaban a alguien más. Ves, así es como funciona mucho de esto.

No te dijeron a dónde iban..,
o cómo se sentiría,
o como sonaría,
o las historias que contarías sobre todo lo que sobrevivirías. Y SÍ, sobrevivirás... o te sobrevivirán.

En 1881, James Reese Europe nace en Mobile, Alabama, y en los albores de la Gran Migración, sus padres se trasladan a Washington D.C. porque lo sabían. Es en D.C. donde James comienza a recibir clases de violín de Joseph Douglas, nieto de Frederick Douglass, porque Douglass sabía innatamente que la liberación no sólo habla desde la mente, sino también desde el instrumento. El violín, de madera ahuecada, con un arco encordado con pelo de caballo que raspa acero tenso.

Verás, la liberación ocurre de muchas formas. Y cuando James se lleva su violín a Nueva York, está buscando un nuevo sonido que emitir, nuevas gentes con las que compartir el pan y un nuevo escenario que arar, ya que el "escenario" siempre será un portal, un lugar donde probar lo que es real y lo que es surrealista.

De lo que se da cuenta es de que hay que exigir un respeto necesario en el escenario y fuera de él, que culminó en el sindicato de músicos negros llamado The Clef Club. Es la humanidad lo que escucho en estas canciones y en sus bandas. Cuando James convocó a 125 músicos para llevar su síncopa al Carnegie Hall, el nuevo ritmo había llegado. Porque la síncopa tiene que ver con la urgencia, con adelantar el compás para aplicar la anticipación del downbeat que se aproxima, una perspectiva que es inherentemente futurista.

Así llega todo ese futurismo. Pero los escenarios interiores resultaron ser sólo una preparación para otro escenario peligroso, el campo de batalla de la Primera Guerra Mundial. Con su banda de la diáspora negra, llevó la música al otro lado del Atlántico, a la primera línea de batalla, ya que su compromiso con la visión expansiva iba más allá.

Más allá de la última fila de asientos de la casa, o del horizonte de las trincheras por delante. James Reese Europe se convierte en uno de los Big Bangs seminales de la música negra. Meditemos sobre ello.
Del salón de baile al Campo de Batalla y de vuelta a casa contigo.

Con amor,
Jason

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From the Dancehall to the Battlefield conecta con uno de los Big Bangs originales de la música negra, James Reese Europe. A principios del siglo XX, James Reese Europe y otros comprendieron firmemente que la cultura negra tiene una historia, un sonido y un código. Esto llevó el orgullo negro al escenario y al mundo.

All of No Man's Land is Ours era una canción cantada con frecuencia por la mano derecha de JRE, Noble Sissle, mientras JRE tocaba el piano.

"La victoria está ganada,
la guerra ha terminado
¡El mundo entero está cubierto de tréboles!
Toda la Tierra de Nadie es nuestra".

Sigo pensando que gran parte de lo que se considera "Tierra"... Y aunque estos valientes soldados lucharon "por su país", esta valentía es algo que considero la raíz de cómo se utiliza la abstracción en la música negra de improvisación. Los soldados confían en JRE, porque es una celebridad. Pero ninguno de ellos ha actuado nunca en una guerra real, ni tampoco JRE. Todos marchan juntos hacia el vacío, pero les guía el sonido.

Flee as a Bird/ Ghosts presenta a Brian Settles.. una pieza que la banda de la 369ª Infantería tocaba cuando un soldado no regresaba del campo de batalla. Brian representa el alma inquieta que lucha por su último aliento antes de que la última pala llena de tierra cubra su cuerpo. El popurrí con la composición Ghosts de Albert Ayler hace un guiño al trabajo de la banda militar del propio Ayler. Además, Ayler interpreta su propia versión de Le Marseillaise, el himno nacional francés que James Reese Europe remezcló para el público francés.

Drop (Lágrima) - un collage que pivota el álbum.

W.C. Handy, el bardo del blues, escribió muchas piezas que se convirtieron en la columna vertebral de la banda del 369º de Infantería. Algunos de los arreglos corrieron a cargo de William Grant Still. Estos "blues" también se utilizaron como herramienta de reclutamiento para el 369º de Infantería, también conocido como Harlem Hellfighters.

Zena's Circle es una meditación respiratoria que la compositora y practicante de la escucha profunda Pauline Oliveros enseñó al Bandwagon en el Park Avenue Armory. Utilizamos esta meditación al final de la actuación para convertirnos en una sola respiración dentro de la música. La banda se coloca en círculo cogida de la mano y una persona envía un pulso alrededor del círculo mientras exhala.

Castle House Rag - una pieza que James escribió para la pareja de baile Vernon e Irene Castle. Sus melodías de baile de principios del siglo XX se convirtieron en éxitos y cambiaron los tempos de la música de baile dentro del dancehall.

For James - es mi himno para James. Llevo este himno por todo el mundo y hago que el público también lo cante. La parte central de la pieza la interpreta un público alemán y la sección final es cuando se la enseñé a la banda 369 Experience, un grupo de estudiantes de HBCU que se reúne para tocar música europea. JRE es una línea que atraviesa las bandas de música de los HBCU. Al final, hablo con los estudiantes sobre cómo Randy Weston compartió conmigo la profundidad de James Reese Europe.

bandcamp.com
jasonmoran.com