Tingvall Trio ::: Pax

Tingvall Trio ::: Pax

Pax

Tingvall Trio

SKIP Records | Agosto 1, 2025

Tingvall Trio - Pax
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1 Open Gate 5:29
2 A New Hope 4:39
3 Shadows 4:15
4 A Promise 4:43
5 Life Will Go On 6:19
6 Ystad Folksong 3:07
7 Witches 4:21
8 Sami People0 4:04
9 Cruisin' 4:41
10 Pax 3:59
11 The End 7:09
12 Goodbye 4:40

 

 

Martin Tingvall, piano
Omar Rodriguez Calvo, double bass
Jürgen Spiegel, drums

Durante más de dos décadas, el Tingvall Trio ha sido una garantía segura de jazz apasionante para trío de piano, con melodías pegadizas y ritmos potentes. Sus producciones han sido galardonadas ocho veces con el Jazz Award de oro y una vez con el de platino. Su último álbum, «Birds», alcanzó el número 1 en las listas de jazz alemanas y los conciertos con entradas agotadas en toda Europa son testimonio de la popularidad de estos tres hamburgueses de adopción. En preparación para el nuevo álbum «Pax», el trío realizó una gira de conciertos de más de 20 fechas a principios de año, al final de la cual se dirigieron directamente a su estudio favorito, el ARTE SUONO del maestro del sonido Stefanio Amerio en Italia. El resultado es un álbum que suena casi tan enérgico, pero también tan frágil, como un concierto en directo. Nunca antes el trío había sido capturado de forma tan directa en el estudio, ya sea en baladas conmovedoras como «A Promise» o en temas típicos de TT como «Cruisin».

El título del álbum, «Pax», fue elegido con mucho cuidado. Martin Tingvall explica: «En un mundo lleno de inquietud y creciente polarización social, para mí era especialmente importante hacer una declaración a favor de la paz con nuestra música. Con nuestro álbum «Birds», ya intentamos reflejar musicalmente los inquietantes acontecimientos de nuestro tiempo. Desde entonces, muchas cosas en el mundo han seguido empeorando. Como músico, no quiero quedarme de brazos cruzados y mirar esto en silencio. PAX pretende inspirar la reflexión, invitar a la calma y ser una clara señal de paz».

*

Martin Tingvall, Omar Rodríguez Calvo, Jürgen Spiegel: un sueco, un cubano y un alemán. Tres hombres que han hecho de Hamburgo su hogar. Un pianista, un bajista, un baterista. Juntos crean un sonido inconfundible y propio. Un sonido y unas canciones que atraen incluso a personas que normalmente no escuchan jazz. Eso es el Tingvall Trio.

Con conciertos en más de 30 países, numerosos galardones, entre ellos el ECHO JAZZ alemán como «Conjunto del año» y «Actuación en directo del año», discos de oro por cada uno de los álbumes de estudio del trío, el número 1 en las listas de jazz e incluso puestos altos en las listas de pop, la popularidad del trío ha alcanzado un nivel que suele caracterizar a las bandas de pop actuales.

Y, sin embargo, el Tingvall Trio son solo tres amigos a los que todavía les encanta hacer música juntos.

 

tingvall-trio.de 

 

Fabia Mantwill Orchestra ::: IN.SIGHT

Fabia Mantwill Orchestra ::: IN.SIGHT

IN.SIGHT

Fabia Mantwill Orchestra

Groundup Music | Julio 25, 2025

Fabia Mantwill Orchestra - IN.SIGHT
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1. Satoyama (feat. Fabia Mantwill) 6:12
2. Whirl the Wheel (feat. Roosevelt Collier) 6:08
3. Circular (feat. Momi Maiga) 5:53
4. Sleeping Giant (feat. Goran Stevanovic & Morris Kliphuis) 7:08
5. Olhos (feat. Anat Cohen) 5:18
6. Fairy Glen (feat. Kurt Rosenwinkel) 7:39

 

FABIA MANTWILL ORCHESTRA
violins: Anne-Sophie Bereuter, Luiza Labouriau, Marit Behnke, Annabelle Dugast, Julia Czerniawska, Almut Wolfart, Johanna Hempen, Valerie Leopold, Leonie Flaksman, Christina Do?ring, C?ig?dem Tunc?elli / violas: Alexina Hawkins, Marc Kopitzki, Yag?mur Atagu?r, Johann-Vincent Slawinski / cellos: Liron Yariv, Tabea Schrenk, Mireia Pen?alver / Tilmann Dehnhard, flutes / Matthew Halpin, tenor sax / Daniel Buch, baritone sax / Jo Hermans, trumpet / Johannes Bo?hmer, trumpet / Jan Landowski, trombone / Tobias Herzog, bass trombone / Teresa Emilia Raff, harp / David Soyza, vibraphone & marimba / Charis Karantzas, guitar / Igor Spallati, bass / Fabian Ro?sch, drums / Marcio Doctor, percussion

FEATURED ARTISTS
Kurt Rosenwinkel, guitar
Anat Cohen, clarinet
Roosevelt Collier, lap steel guitar
Momi Maiga, kora
Morris Kliphuis, french horn
Goran Stevanovic, accordion
Fabia Mantwill, tenor saxophone & voice

Composition by Fabia Mantwill, Michael League, Magdalini Giannikou
Arranged by Fabia Mantwill
Produced by Fabia Mantwill
Conducted by Jochen Neuffer
Recorded by Nic Hard & Axel Reinemer
Recording assistants: Shakthi Prasad, Dhruv Jindal, Juan Moreno
Recorded at JRS and at Emil Berliner Studios Berlin
Mixed by Nic Hard
Mixing assistants: Shakthi Prasad, Ananya Sharma
Mastered by Darcy Proper at Valhalla Studios NY

«Para mí, la música trata sobre la conexión, sobre entrar en resonancia con los demás y difundir positividad. ¡Precioso... me ha llegado al corazón!».
Charles Lloyd

«El álbum nació de la idea de la esperanza. Después de investigar y recopilar ideas sobre el tema, me di cuenta de que abordarlo de forma demasiado intelectual no me parecía auténtico. Así que volví a dejarlo ir y permití que la música siguiera su propio camino. Ese espíritu de esperanza y positividad, que es una parte importante de mi forma de vivir, se abrió paso en cada pieza, no como un tema forzado, sino como un hilo silencioso que lo entreteje todo. Mientras que mi álbum debut, EM.PERIENCE, se vio influido principalmente por experiencias y lugares externos, IN.SIGHT es más íntimo. Refleja un viaje hacia el interior, el camino de escuchar, confiar y explorar lo que me mueve en lo más profundo. IN.SIGHT combina «inside» (interior) y «sight» (vista), una invitación a mirar más profundamente, hacia dentro, tanto emocional como musicalmente».

Fabia Mantwill

*

La FABIA MANTWILL ORCHESTRA es una orquesta de cámara de jazz única, formada por músicos internacionales y dirigida por la compositora, saxofonista y vocalista Fabia Mantwill, afincada en Berlín.

Con esta orquesta, desafía el sonido tradicional de las big bands experimentando con instrumentos que se conocen y utilizan principalmente en un contexto clásico. Para ella, las cuerdas y el arpa no son un añadido al conjunto, sino más bien un componente integral de su visión a gran escala del sonido orquestal. En su música, tiende puentes entre varios mundos musicales distintos, desde el jazz hasta el folk y la música clásica, y amplía la idea de la orquesta en su disco EM.PERIENCE.
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En junio de 2021, Fabia Mantwill recibió el Premio Alemán de Jazz en la categoría «Arreglo del año» por uno de sus arreglos orquestales, que también se publicó en su álbum debut EM.PERIENCE, en el que participan músicos de renombre mundial como Kurt Rosenwinkel, Ben Wendel y Nils Landgren.

La Fabia Mantwill Orchestra estrenó su primer álbum en Jazz Baltica 2021.

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La compositora, saxofonista, vocalista y directora de orquesta Fabia Mantwill, afincada en Berlín, tiende puentes entre mundos musicales —clásico, jazz y folk— ampliando la idea de la orquesta tradicional con su Signature Jazz Chamber Orchestra: la Fabia Mantwill Orchestra.

?Su nuevo álbum orquestal, IN.SIGHT, que se publicará el 25 de julio de 2025, marca un capítulo profundamente personal e introspectivo en su trayectoria artística. Creado en solo cinco meses, el disco explora la confianza, la rendición y la esperanza, entretejidas a través de exuberantes texturas orquestales, composiciones íntimas e improvisación. Con solistas invitados como Anat Cohen, Kurt Rosenwinkel y Momi Maiga, IN.SIGHT es una invitación a mirar hacia dentro, escuchar profundamente y conectar a través del sonido.

Su álbum debut, EM.PERIENCE, fue descrito como «impresionante» y «épico» (New York Music Daily), ya que mezcla un amplio espectro de voces, armonías e instrumentos para formar un sonido audaz y holístico. Cuenta con solistas de renombre como Kurt Rosenwinkel, Ben Wendel y Nils Landgren. Mientras que EM.PERIENCE reflejaba experiencias y lugares externos, su álbum debut IN.SIGHT es más íntimo, arraigado en paisajes internos y verdades emocionales.

Mantwill y su orquesta han recibido una gran acogida, con apariciones en Jazzwise, JazzThing, Jazzthetik, CONCERTO (A) y actuaciones en Deutschlandfunk, NDR, SWR y la televisión nacional (ARD, NDR). En 2021, fue galardonada con el PREMIO ALEMÁN DE JAZZ por su arreglo de Ophelia.

Ha trabajado con artistas como Vince Mendoza, Kurt Elling, Becca Stevens y la Metropole Orkest, y ha compuesto para la National Scottish Jazz Orchestra, Radiojazzgruppen Sweden y la Equilibrium Orchestra de Minsk, entre otros. Desde 2022, es directora artística de la Berlin Youth Jazz Orchestra.

Sus actuaciones en directo la han llevado a lugares emblemáticos como el Kennedy Center (Washington D.C.), el Apollo Theater (Nueva York) y la Elbphilharmonie (Hamburgo), así como a festivales como Jazz Baltica, Elbjazz y XJAZZ. Es antigua alumna de la Betty Carter's Jazz Ahead Residency y del Banff International Workshop for Jazz & Creative Music.

La música de Mantwill es precisa y libre, estructurada y espontánea. Su orquesta se convierte en un espacio para contar historias, experimentar y compartir la curiosidad musical, un conjunto vivo moldeado por la intuición, la vulnerabilidad y el sonido colectivo.

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fabiamantwill.com 

 

Dino Saluzzi, Jacob Young, José María Saluzzi : El Viejo Caminante

Dino Saluzzi, Jacob Young, José María Saluzzi : El Viejo Caminante

El Viejo Caminante

Dino Saluzzi, Jacob Young, José María Saluzzi

ECM Records | Julio 11, 2025

Dino Saluzzi, Jacob Young, José María Saluzzi - El Viejo Caminante
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1 La Ciudad de los Aires Buenos 6:14
2 Northern Sun 5:35
3 Quiet March 5:25
4 Buenos Aires 1950 4:10
5 Mi hijo y Yo 5:17
6 Tiempos de ausencias 4:26
7 Someday My Prince Will Come 8:11
8 Y amo a su hermano 7:59
9 El Viejo Caminante 5:22
10 Dino Is Here 5:49
11 Old House 6:35
12 My One and Only Love 6:24

 

Dino Saluzzi, bandoneon
Jacob Young, acoustic steel-string guitar, electric guitar
José María Saluzzi, classical guitar

Recorded
April 2023, Saluzzi Music Studio, Buenos Aires

Dos guitarras envuelven suavemente el evocador bandoneón de Dino Saluzzi en El Viejo Caminante. Aquí, el dúo argentino formado por padre e hijo, Dino y José María Saluzzi, se une al noruego Jacob Young en un álbum de gran profundidad musical y encanto. «Me llena de alegría», dice Dino Saluzzi, encantado con la mezcla sonora de esta grabación, con José a la guitarra clásica y Jacob a la Telecaster y la guitarra acústica de cuerdas de acero. «Jacob y José hacen muy buena pareja. Tienen sonidos diferentes, visiones diferentes, pero cuando se trata de la producción artística, ocurre algo hermoso». El mayor de los Saluzzi, que cumplió 90 años en mayo, no ha perdido nada de su entusiasmo juvenil por la colaboración artística ni por aventurarse más allá de las fronteras estilísticas: «Siempre me esfuerzo por entrar en contacto con nuevas ideas fuera de mi elemento habitual», afirma, buscando aún contextos que ofrezcan, como él mismo dice, «potencial para el crecimiento tanto musical como humano».

La asociación floreció después de que Jacob Young y José Saluzzi tocaran en dúo en Argentina en 2022. Dino Saluzzi, que estaba entre el público de un concierto en Buenos Aires, sugirió a Jacob que volviera al año siguiente para un proyecto de grabación a trío. Honrado por la invitación a tocar con el gran bandoneonista, Young se alegró doblemente cuando le pidieron que aportara material a la sesión. Entre sus contribuciones compositivas se encuentra la pieza retrato «Dino Is Here», que rinde homenaje y se adentra en el mundo rubato del tango, donde la noción de pulso es elástica y las atmósferas suelen estar más cerca de la música de cámara que del jazz. En la sección modal central de la melodía, las guitarras sirven de base rítmica en capas, «para dar a Dino espacio para comentar por encima y ser libre».

Las composiciones propias de Dino incluyen algunas reconsideraciones de obras tempranas. Los seguidores de toda la vida de su trayectoria en ECM, por ejemplo, recordarán «Tiempos de ausencias», de Volver, la animada colaboración de Saluzzi con Enrico Rava en 1986. «Y amo a su hermano», por su parte, formaba parte del repertorio de un trío efímero con Charlie Mariano y Wolfgang Dauner. Y aunque es tentador pensar en Dino como el viejo caminante del tema principal, sobre todo porque aquí lo interpreta en solitario, «El Viejo Caminante» es una melodía clásica de Saluzzi, uno de sus vívidos bocetos de personajes, interpretada por primera vez por el maestro del bandoneón hace mucho tiempo. Dino ve el presente álbum como una colección de música de diferentes épocas y lugares que toca el tango, la música folclórica argentina y el jazz, y convierte estas alusiones en algo nuevo. De hecho, la referencia al jazz es más específica en esta ocasión, con la inclusión de un par de estándares, «Someday My Prince Will Come» y «My One and Only Love», así como «Northern Sun», una melodía de Karin Krog. Con su amplio repertorio, su selección de composiciones y su inusual sonido de conjunto, El Viejo Caminante se siente, como observa José Saluzzi, «especial y muy orgánico». Una pieza de José, «La Ciudad de los Aires Buenos», invita al oyente a adentrarse en el particular mundo sonoro del álbum y tiene el aire de una obertura, ofreciendo una visión de las regiones que se van a explorar...

«Buenos Aires 1950», de Dino, ofrece flashbacks de la época en la que Saluzzi era miembro junior de la Orquesta de Radio El Mundo. «Este bandoneón me ha acompañado durante años. A veces me hace llorar, a veces me habla, pero nunca termina de contármelo todo», reflexionó Dino al dirigirse al público en un concierto a trío poco antes de la grabación. En esta constelación particular, los dos guitarristas embellecen los fragmentos de memoria y desarrollan más la historia, que es a la vez nostálgica y con lecciones perdurables para el presente.

***

Una de las figuras más importantes de la música contemporánea sudamericana, Dino Saluzzi nació en Campo Santo, en el norte de Argentina, y dirigió su primer grupo a los 14 años. Comenzó a tocar profesionalmente mientras estudiaba en Buenos Aires. Su discografía con ECM se inició en 1982 con el álbum en solitario Kultrum, un ejemplo espontáneo del arte del bandoneonista como «narrador»; lo que supuso el primero de muchos «retornos imaginarios» a los pueblos y aldeas de su infancia. Desde principios de la década de 1980, Saluzzi realizó numerosas colaboraciones con músicos de jazz europeos y estadounidenses; entre las iniciadas por ECM se encuentran encuentros con Charlie Haden, Palle Mikkelborg y Pierre Favre (Once Upon A Time - Far Away In The South), con Enrico Rava (Volver), con Tomasz Stanko y John Surman (en el álbum From The Green Hill de Stanko), así como con varios miembros de la familia Saluzzi y el percusionista U.T. Gandhi en Juan Condori. También ha mantenido una larga colaboración con la violonchelista Anja Lechner, documentada primero en una grabación con el Cuarteto Rosamunde y luego en formaciones que van desde el dúo (Ojos Negros) y el trío (Navidad De Los Andes) hasta la orquesta (El Encuentro). Dino y la violonchelista también aparecen de forma destacada en el documental de ECM de 2011 Sounds And Silence – Travels With Manfred Eicher.

José María Saluzzi, nacido en 1975, grabó por primera vez con Dino a los 15 años en Mojotoro, donde tocó la batería, y luego dio un paso adelante como guitarrista con un sonido propio en Responsorium (2003) y Cité de la Musique, donde los Saluzzi se unieron respectivamente a Palle Danielsson y Marc Johnson. José ha sido durante mucho tiempo un miembro clave de la banda de la familia Saluzzi, contribuyendo con material compositivo, así como con sus habilidades con la guitarra, a álbumes como Juan Condori y El Valle de la Infancia.

Nacido en Lillehammer, Noruega, en 1970, Jacob Young se inició en el jazz gracias a su padre estadounidense y comenzó a tocar la guitarra a los 12 años. Tras estudiar música en la Universidad de Oslo, asistió a la New School for Jazz and Comtemporary Music de Nueva York, donde tuvo como profesores a Jim Hall y John Abercrombie. Los álbumes de Young para ECM son Evening Falls, Sideways, Forever Young y Eventually. También se le puede escuchar junto al baterista Manu Katché en el álbum Third Round.

El Viejo Caminante fue grabado en el Saluzzi Music Studio, Buenos Aires, en abril de 2023.

ecmrecords.com 
lanacion.com.ar 

 

Fred Hersch ::: The Surrounding Green

Fred Hersch ::: The Surrounding Green

The Surrounding Green

Fred Hersch

ECM | Junio 27, 2025

Fred Hersch - The Surrounding Green
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1 Plainsong 5:50
2 Law Years 4:14
3 The Surrounding Green 5:40
4 Palhaço 5:32
5 Embraceable You 6:32
6 First Song 7:27
7 Anticipation 6:14

 

Fred Hersch - Piano
Drew Gress - Double Bass
Joey Baron - Drums

Recorded May 2024, Auditorio Stelio Molo RSI, Lugano

La obra de Fred Hersch se caracteriza por su introspección, su carácter alusivo y su moderación. Pero bajo esa aparente discreción se esconde una sensualidad cruda, la esencia de la música, su pulso.

Francis Marmande, Le Monde

La magistral interacción del trío, basada en una comunicación profundamente afinada y un refinado sentido de la sutileza, hace que la tercera grabación de Fred Hersch para ECM sea una entrada esencial en el canon del trío de piano. Hersch aborda un puñado de composiciones del siglo XX, que abarcan desde estándares hasta temas de jazz menos frecuentes, así como tres temas originales, con Drew Gress al bajo y Joey Baron a la batería.

Drew y Joey son compañeros de toda la vida de Fred, con quien han tocado de forma intermitente desde principios y finales de los años 80, respectivamente. En diversas combinaciones, Fred ha contado con la colaboración de uno u otro en más de una docena de grabaciones. Sin embargo, esta es su primera grabación de estudio como trío, y su excepcional enfoque colectivo, moldeado por décadas de experiencia, se puede escuchar (y sentir) en cada canción.

«Joey es tan genial con la dinámica que no nos costó nada escucharnos unos a otros en el Auditorio», señala Hersch. «Y la forma en que toca Drew, por ejemplo en «Plainsong» y «The Surrounding Green», denota mucha confianza en cómo logramos la armonía, dónde hacemos una pausa y dónde seguimos adelante. ¡Creo que en este disco se nota realmente la historia! Espero que la gente pueda sentir la madurez de la interacción, el mundo sonoro y la sensibilidad en juego».

Las propias composiciones de Fred destacan por su intensidad lírica, con elaboradas armonías y contrapuntos entrelazados en «Plainsong», una melodía atemporal en la canción que da título al álbum, «The Surrounding Green», y un irresistible ritmo brasileño en «Anticipation». Si bien las interpretaciones anteriores en solitario de «Plainsong» ya introducían la calidad íntima de la melodía, la fórmula del trío que se escucha aquí resulta discretamente reveladora, con el bajo y la batería añadiendo un pulso fresco y dimensiones armónicas ampliadas a la melodía. La canción que da título al álbum y «Anticipation» son nuevas incorporaciones al repertorio de Hersch.

En cuanto a su enfoque a la hora de escribir una nueva canción, Fred insiste en que suele componer dentro de un plazo limitado: 45 minutos, que controla con el temporizador de la cocina. Sus compositores favoritos, dice Fred, son «Monk, Wayne Shorter, Duke o Kenny Wheeler: muchas de sus canciones no parecen gran cosa en el papel, pero tienen una especie de mundo propio. Todo lo que escribió Monk cabe en 86 páginas, ¡todo! Creo que una buena melodía no necesita más que dos elementos esenciales: tiene que ser memorable, es decir, tiene que quedarse grabada. Y debe ser divertida de tocar, dejando espacio para que el intérprete aporte lo que quiera aportar».

La versión del trío de «Law Years», de Ornette Coleman, es una pieza post-free swing, mientras que «Palhaço», de Egberto Gismonti, ofrece un elegante viaje de sutil interacción entre los tres músicos. Y en «Embraceable You», de los hermanos Gershwin, el pianista y sus acompañantes hacen gala de una despreocupación contagiosa. Dedicado a la calidad evocadora de una melodía melancólica, el trío también explora «The First Song» de Charlie Haden. El difunto bajista apareció en una de las primeras sesiones de estudio de Fred en 1987, también con Baron a la batería. Su íntima conexión con la canción es evidente en todo momento, lo que da lugar a una interpretación especialmente conmovedora.

«Para mí, este disco es muy concentrado, lo que siempre parece ser el caso cuando trabajo con Manfred», dice Fred. «Es mi tercer disco con él, los tres grabados en el Auditorio Stelio Molo de Lugano, y puedo decir sin duda que es la condición perfecta para tocar en directo, pero en un entorno controlado».

Grabado en mayo de 2024, The Surrounding Green fue producido por Manfred Eicher.

 

fredhersch.com 
ecmrecords.com 

 

Joshua Redman ::: Words Fall Short

Joshua Redman ::: Words Fall Short

Words Fall Short

Joshua Redman

Blue Note Records | Junio 20, 2025

Joshua Redman - Words Fall Short
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1 A Message To Unsend 5:09
2 So It Goes 6:59
3 Words Fall Short 4:48
4 Borrowed Eyes 5:51
5 Icarus 6:24
6 Over The Jelly-Green Sea 4:44
7 She Knows 5:20
8 Era's End 6:13

 

Joshua Redman, tenor saxophone
Paul Cornish, piano
Philip Norris, double bass
Nazir Ebo, drums

Guests:
Gabrielle Cavassa, vocals
Skylar Tang, trumpet
Melissa Aldana, tenor saxophone

Joshua Redman reconoce que el título de su nuevo álbum de Blue Note, Words Fall Short, podría interpretarse de forma irónica. Su anterior y aclamado álbum, Where Are We, fue el primero en el que colaboró con un vocalista en uno de sus muchos cuartetos monumentales; sin embargo, Words Fall Short no es en absoluto un comentario sobre el último triunfo del saxofonista. Más bien, su último trabajo es un paso lógico, una colección de temas originales inéditos que cobran vida gracias a la inspiración de nuevos colaboradores. «Me resulta imposible forzar la creación de un proyecto», afirma sobre las diversas aventuras en las que se ha embarcado en lo que ya es su cuarta década como artista discográfico. «Este álbum surgió de un entorno de trabajo que me inspiró a profundizar en composiciones que aún no habían encontrado su lugar».

El proceso comenzó cuando concluyó la primera parte de la gira Where Are We de Redman y el pianista Aaron Parks, el bajista Joe Sanders y el baterista Brian Blade se marcharon para cumplir con otros compromisos. Al formar una nueva sección rítmica, Redman se sintió atraído por músicos más jóvenes que había conocido recientemente. El bajista Philip Norris y el baterista Nazir Ebo fueron los primeros en incorporarse, y Redman supo rápidamente que había tomado la decisión correcta. «Desde Christian McBride, no recuerdo haber conocido a ningún bajista de jazz acústico que lo tuviera todo a una edad tan temprana», dice sobre Norris, «y Nazir tiene un groove increíble, un groove muy flexible, que fluye con el momento y con un sentido innato de la arquitectura que siempre está al servicio de la canción». En el verano de 2023, el pianista Paul Cornish completó la transformación del cuarteto. «Paul es el equilibrio perfecto entre empatía y contrarianismo, desafiando a todos a romper con los patrones establecidos, sin dejar de hacer que la música suene bien y natural en cada momento».

A medida que el nuevo cuarteto actuaba de forma constante durante los siguientes meses, Redman sintió que se desarrollaba una vibración, que se materializó en una pila de música que el saxofonista creó durante la pandemia. «Mis períodos de sequía creativa me llevan a cuestionarme si realmente soy un «compositor»», confiesa. «Puede que no tenga ningún concierto durante meses, pero toco mi saxofón todos los días. No compongo con regularidad, pero durante la pandemia no tenía más que tiempo para desarrollar ideas... Aun así, hasta que no puedo tocar una melodía con otros seres humanos, sigue siendo más teoría que realidad».

La nueva música inédita de Redman dio el salto en septiembre de 2024, cuando su nuevo cuarteto llevaba casi un año actuando. «Estábamos en una prueba de sonido y decidí probar una de las canciones. Me gustó y dije: «Probemos otra». Después de tocar unas tres más en diez minutos, me di cuenta de que estábamos «listos»».

Cornish, Norris y Ebo impresionan en cada uno de los ocho temas del álbum. Aunque tienen momentos para destacar y ser el centro de atención, también aportan una personalidad distintiva al conjunto, en la que la espontaneidad y la sensibilidad mantienen la música fluida pero coherente. Son una sección rítmica con carácter, en sintonía con las prioridades de su líder. «Mi enfoque como líder de la banda no ha cambiado», afirma Redman. «Tocar con los mejores músicos que puedo encontrar, virtuosos que dominan todos los diferentes vocabularios del jazz, pero que también son grandes oyentes y colaboradores, que saben cómo expresar su brillantez individual a través de la improvisación en grupo y la interacción colectiva».

Esa descripción se aplica igualmente bien a los artistas invitados que participan en tres temas. Dos de ellos, «So It Goes» e «Icarus», surgieron del deseo del compositor Redman de dotar a cada pieza de mayor profundidad. «Estaba teniendo dificultades con la melodía de «So It Goes»», dice sobre la pista en la que participa la saxofonista Melissa Aldana, «e inmediatamente pensé en Melissa, que tiene un gran talento para la expresión lírica... la forma en que utiliza la respiración, el aire y el contorno para dar forma a las melodías y hacerlas cobrar vida... Le envié la melodía... y, una vez que supe que estaba dispuesta a participar, empecé a replantearme el enfoque general para que fuera más conversacional». En cuanto a la percepción errónea de que cualquier encuentro entre dos tenores es una «batalla», añade: «Nunca me ha gustado ese tipo de cosas. Por supuesto, soy consciente de que forma parte de la llamada «tradición». Así que, sí, llevaré mi arma si es necesario, ¡pero prefiero venir en son de paz!… Realmente siento que lo que Melissa y yo hemos creado aquí es la antítesis del conflicto».

Redman escuchó por primera vez a la trompetista Skylar Tang, que participa en el funky «Icarus», de nueve metros, cuando ella solo era una estudiante de segundo año de secundaria. «Tenía un oído increíble», recuerda, «y ya mostraba una paciencia tremenda, una gran madurez y sensibilidad... Cada nota tenía un significado». Tang es ahora estudiante de un programa conjunto de la Universidad de Columbia y la Julliard School. Cuando Redman la invitó a asistir a una prueba de sonido antes del concierto del cuarteto en el Jazz at Lincoln Center, le envió por mensaje de texto la partitura de «Icarus» por capricho la noche anterior. «Al día siguiente llegó con todo memorizado... Lo tocó a la perfección... ¡y parecía que entendía la canción mejor que yo! Una vez más, escuché cómo esa melodía se beneficiaba de la presencia de otra voz, y la grabamos con ella unas semanas más tarde».

La última pista, «Era's End» (una reinterpretación lírica del tema instrumental que abre el álbum, «A Message To Unsend»), cuenta con la impresionante contribución de la vocalista Gabrielle Cavassa, en la que es solo la segunda composición grabada con letra y música de Joshua Redman. «Escribir letras es difícil», subraya, «y no puedo estar satisfecho hasta que alguien como Gabrielle me convence de que funcionan. Dije «nunca más» cuando terminé de escribir «After Minneapolis» para el último álbum, y claramente no fue así... Desde el principio, cuando surgió la música de «Era's End», supe que no sería un camino de rosas, y luego las letras que siguieron eran tan oscuras... pero el don de Gabrielle para expresar la melancolía realmente encontró la belleza (y quizás también la esperanza) en la oscuridad de la melodía. Quizás las letras describen el final de una historia de amor... Quizás son una metáfora de otro tipo de pérdida, duelo o resolución...».

Varios de los títulos están tomados de pasajes que Redman admira en libros de Cormac McCarthy («Borrowed Eyes»), W. G. Sebald («Over the Jelly-Green Sea») y Kurt Vonnegut («So It Goes»). La canción que da título al álbum está tomada de Where Reasons End, de Yiyun Li, ganadora del premio PEN/Jean Stein. «La novela es breve y de una belleza incisiva, una conversación que la autora imagina con un hijo que se ha suicidado recientemente», explica Redman. «Ella se debate con el lenguaje y con cómo entender lo incomprensible; y al final le dice a su hijo que «las palabras se quedan cortas, sí, pero a veces sus sombras pueden alcanzar lo indecible»». Lo mismo ocurre con las notas, las ideas, las acciones... Cualquier intento de expresar nuestros significados y sentimientos nunca tendrá éxito por completo, ya que la perfección es inalcanzable. Pero es esa lucha, esa falibilidad, lo que nos hace tan maravillosamente y exquisitamente humanos».

Para Joshua Redman, los cambiantes estados de ánimo de nostalgia, aspiración, tristeza y determinación que contiene Words Fall Short significan su aceptación de lo que él describe como «la belleza de la imperfección humana». «Nos enfrentamos a grandes interrogantes sobre cómo será nuestro futuro», subraya, «y un enfoque matemático del lenguaje nos ha llevado incluso a cuestionarnos qué significa ser «inteligente», «productivo» o «creativo». En el fondo soy humanista y creo en las sombras de las palabras, en las cosas que no se pueden calcular con la tecnología». Words Fall Short es la última exploración de Redman sobre las palabras y las sombras.

 

joshuaredman.com 
bluenote.com