Terri Lyne Carrington & Christie Dashiell ::: We Insist 2025!

Terri Lyne Carrington & Christie Dashiell ::: We Insist 2025!

We Insist 2025!

Terri Lyne Carrington & Christie Dashiell

Candid Records | Junio 13, 2025

Terri Lyne Carrington & Christie Dashiell - We Insist 2025!
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1. Driva'man 8:18
2. Freedom Day (Part 1) 4:16
3. All Africa 7:21
4. Boom Chick 1:36
5. Triptych: Resolve/Resist/Reimagine 7:21
6. Tears For Johannesburg 7:51
7. Dear Abbey 2:50
8. Freedom Day (Part 2) 4:07
9. Freedom Is.... 5:00
10. Joyful Noise 4:45

 

Terri Lyne Carrington: drums, producer
Christie Dashiell: vocals
Morgan Guerin: bass, woodwinds/saxophone
Milena Casado: trumpet, electronics
Simon Moullier: vibraphone
Matthew Stevens: guitar
Devon Gates: bass, vocals
Weedie Braimah: percussion/congas
Julian Priester: trombone
Ayodele Casel: tap dance
April May Webb: vocals
Christiana Hunte: spoken word, vocals, and dance
Tamia Elliott: spoken word, vocals
Ian Michael: spoken word, vocals
Zacchaeus Paul: spoken word, vocals
Lizz Wright: tambourine.

«Carrington canaliza la ira del original de Roach en algo más mesurado, pero no menos insistente, y en ocasiones incluso festivo».
WSJ

«Terri Lyne Carrington, una de las principales embajadoras del jazz en el país, tiende un puente entre el pasado histórico del género y su urgente presente. Con «We Insist 2025!», no solo rinde homenaje al imponente legado de Max Roach, sino que revive el alma de la música de protesta, recordándonos que, casi 200 años después, las canciones de resistencia más poderosas siguen siendo desgarradoramente relevantes».
LA Times

«Álbum imprescindible... ¡Terri Lyne Carrington y Christie Dashiell mezclan jazz y activismo en We Insist 2025!».
Grammys

«El We Insist! original fue un grito de guerra durante el movimiento por los derechos civiles. Esta versión es algo diferente: una invitación a participar en las luchas actuales por la equidad, la identidad y la libertad, tanto dentro como fuera del escenario».
WBGO, Third Story Podcast

«We Insist 2025!, el nuevo álbum de Terri Lyne Carrington y Christie Dashiell, resuena desde su núcleo con ecos de déjà vu imposibles de ignorar».
Downbeat

«We Insist 2025 es arte reinventado en su máxima expresión: una declaración urgente y duradera que canaliza la ira, la ternura y la alegría a través de la música de protesta. Dirigido por la maestra de jazz de la NEA Terri Lyne Carrington, el álbum rinde homenaje al legado de Max Roach con improvisación colectiva, una reinterpretación audaz y una visión profundamente contemporánea de la libertad».
Glide Magazine

La cuatro veces ganadora del GRAMMY y Maestra del Jazz de la NEA, Terri Lyne Carrington, y la vocalista nominada al GRAMMY, Christie Dashiell, presentan We Insist 2025!, una audaz reinterpretación del influyente álbum de 1961 We Insist! Freedom Now Suite, de Max Roach.

We Insist 2025! llega justo antes del Día Nacional de la Independencia del 19 de junio, que conmemora y celebra la abolición de la esclavitud y la historia, la cultura y el progreso afroamericanos. La canción «Freedom Day» del álbum original We Insist!, reinterpretada como «Freedom Day (Part 1)» en la versión de Carrington y Dashiell, refleja el momento en que los esclavos de Estados Unidos se enteraron por primera vez de su libertad, lo que se conocería como el 19 de junio. La nueva grabación conserva la letra original de Oscar Brown Jr., basando la reinterpretación en el mismo poderoso mensaje que resonaba en la innovadora suite de Roach:

Freedom Day / Freedom Day (Part 1)

Susurra, escucha, susurra, escucha.
Los susurros dicen que somos libres.
Los rumores vuelan, deben ser mentiras.
¿Puede ser verdad?
No puedo concebirlo, no puedo creerlo.
Pero eso es lo que dicen.
Ya no somos esclavos, ya no somos esclavos, este es el Día de la Libertad.
El Día de la Libertad, es el Día de la Libertad. 
Tira esos grilletes y cadenas.
Todos los que veo dicen que es verdad, que somos libres.
Susurra, escucha, susurra, escucha.
Los susurros dicen que somos libres.
Los rumores vuelan, deben ser mentiras.
¿Puede ser verdad?
No puedo concebirlo, no lo creo.
Pero eso es lo que dicen.
Ya no somos esclavos, ya no somos esclavos, hoy es el Día de la Libertad.
El Día de la Libertad, es el Día de la Libertad.
Tira esos grilletes y cadenas.
Todos los que veo dicen que es verdad, que somos libres.
El Día de la Libertad, es el Día de la Libertad.
Libre para votar y ganar mi sueldo.
Oscurece mi camino y esconde el camino. 
Pero lo hemos conseguido, es el Día de la Libertad.

El álbum cuenta con una extraordinaria selección de músicos, muchos de los cuales son artistas de Candid Recordings, entre ellos Weedie Braimah, Milena Casado, Morgan Guerin, Simon Moullier y Matthew Stevens. Julian Priester, el único músico vivo de la grabación original, hace una aparición especial como invitado. Juntos, dan nueva vida al álbum atemporal de Roach, infundiéndole el espíritu de la improvisación colectiva, la meditación y la alegría como formas de resistencia. 

Reflexionando sobre el proyecto, Carrington comparte: «Me propuse hacer un álbum que no solo capturara el espíritu de resistencia como lo hizo la grabación original, sino que también reconociera la alegría como una forma de protesta. Mantener la alegría puede ser una parte importante de ser libre, y la expresión sin complejos de la alegría es una forma de resistencia a la opresión».

We Insist 2025! es más que un álbum: es una llamada a la acción, una conmemoración de la resiliencia y un homenaje al poder perdurable de la música para inspirar el cambio. Con su fusión de tradición e innovación, el álbum no solo honra el pasado, sino que también apunta hacia el futuro del jazz como una forma de arte dinámica y completa.

 

terrilynecarrington.com 
candidrecords.com 

 

Roxana Amed ::: Todos los Fuegos

Roxana Amed ::: Todos los Fuegos

Todos los Fuegos

Roxana Amed

Sony Music Latin | Mayo 23, 2025

Roxana Amed - Todos los Fuegos

Una voz tejida con memoria,
Ecos del rock nacional,
Encendidos otra vez desde el alma del jazz.
Estos son los sonidos que llevo,
Lo que mi voz recuerda,
Lo que mi corazón canta como argentina.

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1 Salir de la melancolía 2:50
2 Cinema verité 5:36
3 Asilo en tu corazón 6:10
4 Vida siempre 5:59
5 Corazón delator 5:47
6 Ciudad de pobres corazones 4:10
7 La sed verdadera 3:56
8 Dejaste ver tu corazón 6:45
9 Verbo carne 5:07
10 Diamonds 6:13
11 La sed verdadera (Alternate take) 4:00

 

Roxana Amed - vocals
Leo Genovese - piano, sintetizador, Fender Rhodes y arreglos
Mark Small - saxos, clarinetes y arreglos
Tim Lefebvre - bajo eléctrico
Kenny Wollesen - batería

Martin Bejarano - sintetizadores y arreglos en Ciudad de pobres corazones
Joe Monticello - flauta
Aaron Lebos - guitarra eléctrica
Samuel Torres - percusión

«Con Todos Los Fuegos, Roxana Amed consolida su estatus como artista sin miedo a explorar, innovar y redefinir los límites musicales. Este álbum no es sólo un homenaje al rock argentino, es una reinvención, un puente entre el pasado y el futuro, y una declaración audaz de una de las voces jazzísticas más convincentes de América Latina.»

bassmagazine.com

«Estas canciones fueron pioneras en su tiempo, rompiendo las reglas de la armonía, la melodía y la poesía de una manera que cambió la música latinoamericana para siempre. Mi objetivo era honrar su esencia y, al mismo tiempo, crear un nuevo lenguaje que se dirigiera tanto al público del jazz como al del rock».

La galardonada vocalista de jazz argentina Roxana Amed presenta su último álbum, Todos Los Fuegos, una sorprendente reinterpretación de clásicos del rock argentino impregnados de improvisación jazzística y diseño sonoro contemporáneo. Con un elenco de estrellas, el álbum explora obras de los legendarios músicos Charly García, Luis Alberto Spinetta, Fito Páez y Gustavo Cerati, tendiendo un puente entre la rica herencia del rock argentino y la voz única de Amed en el jazz moderno.

Amed, conocida por su originalidad a la hora de desafiar géneros y por su sensual contralto, ha sido célebre desde hace tiempo por su capacidad para fusionar el folk argentino, el rock y las influencias clásicas con el jazz contemporáneo. Con Todos Los Fuegos, se embarca en un nuevo reto: recopilar una selección de canciones emblemáticas que rompieron barreras, reinventándolas a través de arreglos con tintes de jazz.

«Estas canciones fueron pioneras en su tiempo, rompiendo las reglas de la armonía, la melodía y la poesía de una manera que cambió la música latinoamericana para siempre», dice Amed. «Mi objetivo era honrar su esencia y, al mismo tiempo, crear un nuevo lenguaje que se dirigiera tanto al público del jazz como al del rock».

La visión de Amed cobra vida con la ayuda del célebre pianista, arreglista y compatriota Leo Genovese, colaborador clave del proyecto. Juntos, crean un paisaje musical dinámico. El álbum también cuenta con Tim Lefebvre (David Bowie's Blackstar, Tedeschi Trucks Band) al bajo eléctrico, Kenny Wollesen (John Zorn, Bill Frisell) a la batería, y Mark Small (Michael Bublé, Darcy James Argue) a los saxos y el clarinete.

La lista de temas del álbum parece una carta de amor a la época dorada del rock argentino, con reinterpretaciones de clásicos como «Cinema Verité» y «Salir de la Melancolía» de Serú Girán, «Ciudad de Pobres Corazones» de Fito Páez, y «Corazón Delator» de Soda Stereo. Amed también incluye una composición original, «Diamonds», coescrita con Genovese, que consolida aún más su voz como intérprete y creadora dentro de este espacio musical único.

Cada tema muestra la fusión de géneros que define el arte de Amed. La inquietante «Verbo Carne» de Cerati adquiere una atmósfera onírica y vanguardista con los intrincados arreglos de viento de Small, mientras que «Ciudad de Pobres Corazones» de Páez se transforma en una potencia rítmica con la incorporación del percusionista Samuel Torres. El icónico «Corazón Delator» se reimagina dos veces, una como un electrizante himno de jazz-rock con Aaron Lebos a la guitarra, y otra como una toma alternativa con un enfoque más etéreo.

«El reto consistía en encontrar nuevos espacios dentro de estas canciones manteniendo intacto su peso emocional», explica Amed. «El rock y el jazz siempre han tenido una profunda conexión: ambos nacen de la rebelión, la innovación y el deseo de superar los límites. Este álbum es mi forma de celebrarlo».

Los trabajos anteriores de Amed han cosechado elogios de la crítica. Latin Jazz Network describió su álbum de 2024 Becoming Human como «magnífico», destacando su «contralto hipnótico» y señalando que la música «parece explotar de la corona nuclear del sol». AllMusic elogió el mismo álbum, afirmando que Amed «te envuelve en una atmósfera cálida y poética». Además, All About Jazz reconoció su lanzamiento de 2023 Los Trabajos Y Las Noches como «entre las mejores grabaciones vocales de jazz del año.»

 

roxana-amed.com 

 

Camila Meza ::: Portal

Camila Meza ::: Portal

Portal

Camila Meza

GroundUp Music LLC | Mayo 23, 2025

Camila Meza - Portal
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1 Utopia 4:25
2 The Nurturer 4:03
3 Harvesting Under The Moon 5:07
4 Transmutacio?n 5:12
5 Portal 5:29
6 Nieno La (La Eterna) 1:39
7 Uncovered Ground 3:59
8 Overgrowth 4:02
9 Remecer 3:36
10 Mandorla 2:47
11 Persistir 4:33

 

 

Camila Meza, vocals, guitar
Gretchen Parlato, vocals
Becca Stevens, vocals
Shai Maestro, piano
Gadi Lehavi, piano, synthesizer
Margaret Davis, harp
Ofri Nehemya, drums
Caleb Vangelder, drums
Faumelisa Manquepillán, spoken words

«Portal» es el sexto álbum y el debut en GroundUP de la polifacética vocalista, guitarrista y compositora Camila Meza. Producido por Meza y el pianista Shai Maestro, Portal cuenta con la participación del baterista Ofri Nehemya y la arpista Margaret Davis, y con invitados especiales como las vocalistas Gretchen Parlato y Becca Stevens, el baterista Caleb Vangelder, el pianista Gadi Lehavi y la artista de la palabra hablada Faumelisa Manquepillán.

Camila Meza es una rareza en el mundo actual: un tríptico cautivador de una artista conocida por componer brillantes paisajes musicales repletos de melodías e improvisaciones irresistibles, a los que da vida con su instrumento vocal de pureza conmovedora y su consumada destreza con la guitarra. Originaria de Santiago de Chile, ha despertado el interés de sus colegas, la prensa y el público de Sudamérica, Nueva York y el resto del mundo por su particular capacidad para combinar el jazz con su amplio mundo musical (que incluye música latinoamericana, brasileña, folk y pop) y por la profundidad emocional de su música. Esta estrella emergente de la escena mundial del jazz ha sido descrita por The New York Times como «una joven y brillante cantante y guitarrista con oído para la música de intención tanto folclórica como pop», y calificada por el pianista Aaron Goldberg como «un multitalento natural, una cantante y guitarrista improvisadora que es una de las mejores del mundo en ambos ámbitos creativos». Añadió que «une Norteamérica y Sudamérica en un megacontinente multilingüe, una Pangea de swing y armonía». Que te llamen para unirte a tus compañeros en el escenario y en el estudio sigue siendo una de las verdaderas pruebas a las que se enfrenta cualquier músico de jazz de Nueva York, y Camila la ha superado, summa cum laude, manteniéndose muy ocupada como músico de acompañamiento muy solicitado, trabajando con músicos de la talla de Ryan Keberle, Fabian Almazan, Aaron Goldberg, Sachal Vasandani, Dave Douglas, Arooj Aftab y muchos otros.

Seis años después del lanzamiento de su aclamado álbum Ámbar (Sony Masterworks), Camila Meza regresa con una declaración cada vez más fuerte y audaz - su obra musical más personal hasta la fecha. Su primer proyecto íntegramente de originales, Portal la encuentra en todo su poder como cantautora y compositora consumada y original, desvelando nuevos colores y texturas de su paleta. Grabado durante la pandemia y el viaje de Camila a través del embarazo y el parto, el álbum adquirió un significado más profundo y casi existencial para ella.

«La mayoría de las canciones fueron escritas en 2019 durante una juerga creativa para cumplir con un encargo de Jazz Gallery. Las compuse un poco en trance», reflexiona la artista. «Lo único que sabía realmente es que se trataba de un pasaje, una especie de transmutación. Quería retratar la capacidad humana de transformar nuestra realidad desde la evidente oscuridad que la rodea, hacia su potencial de luz, de belleza».

Mientras escribe describe visiones de figuras arquetípicas, entre ellas La Madre -como una forma de describir el amor incondicional y la capacidad de crianza que tienen los humanos- y La Mujer Sabia, una figura que representa la sabiduría ancestral, las respuestas de nuestros antepasados en tiempos de desviación en los que se ha perdido la conexión con nuestra esencia. «Este álbum se convirtió en mi más profunda súplica y conjura de un mundo donde podamos manifestar nuestros ideales... donde podamos volver a recordar nuestra unidad con lo que llamamos Naturaleza y vivir más armoniosamente en ella, entre nosotros y dentro de nosotros mismos», comparte. «...donde podamos cuestionar el statu quo y encontrar respuestas diferentes que nos lleven a formas de vida más sanas, y donde las polaridades puedan encontrar el equilibrio, ayudándonos a reconsiderar lo que realmente es importante para nosotros. No lo sabía entonces, pero parte de aquello sobre lo que estaba escribiendo era también mi propio portal hacia convertirme en madre y experimentar yo misma ese amor sin límites, y lo relevante que sería intentar crear ese mundo vibrante y hermoso, ya que el futuro de mi hijo estaba ahora en él.»

Portal nació del alegre e inquisitivo viaje de Camila Meza, desde una joven y consumada músico en Chile (inspirada por Wes Montgomery, George Benson, Pat Metheny, Led Zeppelin, Ella Fitzgerald, Jimi Hendrix, Bjork, Elis Regina, Chet Baker entre otros), hasta su ascensión entre la nueva generación de aventureros músicos de jazz de Nueva York que están imponiendo sin miedo sus dispares influencias y experiencias con gloriosos resultados sonoros.

A lo largo de Portal Camila ofrece al oyente un regalo extraordinario; su verdadero yo y sus abundantes talentos, expresados a través de estas canciones, con no menos que luminosidad, pasión, honestidad y amor.

***

Camila Meza nació en Santiago de Chile en 1985. Comenzó a tocar música a los 15 años en su ciudad natal de Chile. En 2007 publicó su primer álbum, Skylark, y en 2009 se trasladó a Nueva York para estudiar en la New School for Jazz. Pronto se estableció en la escena neoyorquina como guitarrista, cantante y compositora. El estilo de Camila fusiona muchas influencias diferentes. Domina los estilos musicales sudamericanos, como la samba y la bossa. Con su vocecita flotante y su guitarra cargada de jazz, es una fuerza en sí misma. Su segundo álbum, Traces, cuenta con la colaboración de Kendrick Scott, Matt Penman y Shai Maestro, y ha sido muy aclamado. Además de publicar un buen montón de música, mantiene y dirige su propio octeto, el Nectar Ensemble. Otros músicos con los que ha tocado son Lucas Pino, Fabián Almazán y Steve Cárdenas.

Igualmente apreciada como vocalista, guitarrista y compositora, Meza ha levantado al público de todo el mundo con su canto seguro y bello, su guitarra altamente avanzada (tanto en el auto-acompañamiento como en un contundente trabajo en solitario), y una composición vívida y melódica que revela capas complejas con cada escucha. The New York Times la ha elogiado por su «atractiva combinación de ligereza y profundidad... cantando con una voz brillante y clara y con el ágil movimiento de una banda de primera. Su improvisación, con guitarra eléctrica o acústica, es un negocio serio....» En 2019 publicó su quinto álbum, Ambar, en Sony Music Masterworks, produciéndolo ella misma y estrenando con orgullo la Nectar Orchestra, una colaboración con el bajista y arreglista Noam Wiesenberg.

Meza se trasladó de Chile a Nueva York a los 23 años, graduándose en 2013 en The New School for Jazz and Contemporary Music, donde estudió con Peter Bernstein, Vic Juris, Sam Yahel, Steve Cardenas y Gil Goldstein, entre otros. Aportando desde entonces un sonido lleno de calidez y claridad a la escena jazzística neoyorquina, se ha distinguido como miembro del Catharsis de Ryan Keberle y del Rhizome de Fabian Almazan, y también ha trabajado con Paquito D'Rivera, Aaron Goldberg, Sachal Vasandani y muchos más. Ha aparecido en festivales de todo el mundo, así como en la serie Tiny Desk Concert de NPR y en The Checkout de WBGO, cosechando elogios de The Village Voice, The Wall St. Journal y muchos otros medios. En 2018, Pat Metheny la reclutó para actuar y actuar como directora musical en su ceremonia de inducción de NEA Jazz Masters en The Kennedy Center en Washington D.C. En 2022 fue nombrada «#1 Rising Star Female Vocalist» por Downbeat Magazine.

 

camilameza.com 

 

Keith Jarrett ::: New Vienna (Live)

Keith Jarrett ::: New Vienna (Live)

New Vienna

Keith Jarrett

ECM Records | Mayo 30, 2025

Keith Jarrett - New Vienna (Live)
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1 Part I 10:32
2 Part II 6:07
3 Part III 5:21
4 Part IV 5:39
5 Part V 10:12
6 Part VI 8:17
7 Part VII 8:14
8 Part VIII 2:43
9 Part IX 4:11
10 Somewhere Over the Rainbow 4:59

Keith Jarrett, piano

July 2016, Goldener Saal, Musikverein, Vienna

New Vienna, un concierto en el que la nueva música se forma en el momento, tiene una forma casi enciclopédica en el contexto de los modismos de Jarrett. El álbum se publica con motivo de su 80 cumpleaños.

New Vienna es la cuarta grabación de un concierto de la última gira europea en solitario de Keith Jarrett. Sigue a Munich 2016, Budapest Concert y Bordeaux Concert. ¿Por qué New Vienna? Como sabrán los aficionados a Jarrett, su discografía ya incluye un legendario Concierto de Viena (grabado en la Ópera Estatal de Viena) cuya música, según afirmó en una ocasión, hablaba «el lenguaje de la propia llama», tras largos años de «cortejar el fuego». El regreso de Keith Jarrett a la capital austriaca en 2016 llevó las llamas de la inspiración a otro lugar histórico de vivas propiedades acústicas, la Sala Dorada del Musikverein, donde, a principios del siglo anterior, Schoenberg, Berg y Webern habían estrenado obras que desafiaron y cambiaron el curso de la música moderna.

La Nueva Viena, que da forma a su nueva música en el momento, tiene un alcance casi enciclopédico. Las largas formas que caracterizaban los primeros conciertos en solitario de Jarrett -desde Bremen/Lausanne y Colonia hasta el primer Concierto de Viena y más allá- habían dado paso, en esta fase final de su vida interpretativa, a espectáculos compuestos por piezas más cortas, autónomas y contrastadas que, en su conjunto, alcanzaban a menudo un carácter de suite improvisada. Y así fue en el Musikverein el 9 de julio de 2016. La Parte I -la primera de nueve partes- es un torbellino espontáneo de sonido, arremolinado, denso y complejo -Impetuoso como fuerza de la naturaleza. La Parte II hace flotar acordes en silencio, y lentamente dibuja una melodía plangente. El ritmo está en primer plano en la Parte III, un ejemplo excepcional de la capacidad de Jarrett para desarrollar patrones separados y entrelazados con cada mano.

La Parte IV es hímnica, arrastrando nubes de gloria, la Parte V pura balada canalizada desde el éter. La Parte VI refracta el impulso lírico, volviéndolo más abstracto, y la Parte VII es una tierna canción que uno podría imaginar rescatada para el cuarteto Belonging. La Parte VIII se centra en lo básico con el blues, y la Parte IX, con sus toques de gospel y country, nos recuerda lo completas que podían ser las visiones musicales de Jarrett. Con «Somewhere Over The Rainbow», fraseada de forma diferente a las espléndidas versiones escuchadas en La Scala, a Multitude of Angels y Munich 2016, Jarrett concluye otra interpretación excepcional.

New Vienna se publica cuando Keith Jarrett cumple 80 años. Aunque no ha tocado en directo desde 2017, el interés del público por su música en solitario sigue siendo alto, y el 50 aniversario de The Köln Concert de este año también ha generado atención mediática en todo el mundo.

***

Reacciones de la prensa a las grabaciones de la gira de 2016

Múnich 2016 (ECM 2667/68)
Las grabaciones de conciertos en solitario de Jarrett constituyen un cuerpo de trabajo único y en continua evolución en su discografía. 'Munich 2016' actualiza esta historia con la grabación de un concierto que Jarrett ofreció en la ciudad donde nació el sello ECM. La intensidad única que emana de esta interpretación hace que este concierto de Múnich sea inmediatamente una de las actuaciones más intensas que el pianista haya ofrecido jamás.
Alex Dutilh, France Musique

Múnich 2016 presenta a Jarrett en su mejor momento de fluidez e inventiva (...) El pianista reconstituye los ingredientes centrales de su estética de maneras frescas e inesperadas.
Mike Hobart, Financial Times

Budapest Concert (ECM 2700/01)
El nuevo álbum muestra a un Jarrett en la cima de su arte... 'Budapest' puede ser su testamento, este concierto de gran versatilidad: diálogos polirrítmicos complejos y de gran amplitud entre la mano derecha y la izquierda; cuadros y caprichos pastorales de gran finura; cuasi-estándares de gran belleza e ingenio; interpretaciones electrizantes de la música de concierto; blues en varias formas de juego o estilo.
Peter Rüedi, Die Weltwoche

El 'Budapest Concert' de Keith Jarrett de 2016 abarca la destreza espontánea del músico de 71 años, desde la acechante improvisación disonante hasta el boogying irónico, con un impulso desenfrenado digno del mejor de sus espectáculos en solitario del siglo XXI.
John Fordham, The Guardian

Bordeaux Concert (ECM 2740)
Consistente en una suite de 13 partes puramente improvisada, este concierto íntimo viaja de lo atonal ('Parte I') a la búsqueda y la reflexión ('Parte II') a lo profundamente lírico y casi como un himno ('Parte III'), con paradas en lo alegremente contrapuntístico ('Parte V') y sublimemente tranquilo ('Parte VI'). Jarrett también se adentra en algunos blues gutbucket y florituras boogie-woogie ('Part VIII'), al tiempo que toca pasajes melódicos de una belleza desgarradora ('Part IX', 'Part XII') que rivalizan con sus momentos más conmovedores en 'The Köln Concert'. [...] Fascinante y catártico.
Bill Milkowski, Absolute Sound

El 'Bordeaux Concert' tiene varias meditaciones que parecen himnos y que parecen tan completas que se interpretarían como si hubieran sido compuestas por cualquier otra persona. [Keith Jarrett] pasa a exploraciones cortas como 'VI', que equilibra una armonía preciosa con una atonalidad punzante, y a improvisaciones algo más largas como 'V', llena de tanta interacción espinosa y movimientos opuestos que parece inspirada por Glenn Gould. Ha conseguido desgranar sus ideas musicales más convincentes. Como tal, «Part XII» suena tan plenamente realizada como algunas de las composiciones con nombre propio de «Facing You», de 1972: una balada rica y melancólica. Aunque es un reto no caer en la rumiación nostálgica, sabiendo que Jarrett probablemente nunca volverá a tocar, su compulsión por lanzarse a lo desconocido y confiar en su musa sigue siendo un concepto tan cautivador como siempre lo fue.
James Hale, Down Beat

ecmrecords.com 

 

Crispell/Andersson/Østergaard ::: The Cave

Crispell/Andersson/Østergaard ::: The Cave

The Cave

Crispell/Andersson/Østergaard

ILK Music | Abril 25, 2025

Crispell·Andersson·Østergaard - The Cave
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1. The Cave 5:37
2. My Spirit Heart 11:20
3. Improv #1 2:24
4. T.B.A. 3:32
5. Nine Tone Story 3:45
6. Into the Light 5:51
7. Improv #2 3:19
8. A Smile of a Butterfly 5:54

 

Marilyn Crispell: piano
Thommy Andersson: bass
Michala Østergaard-Nielsen: drums, percussion and vibraphonette

All tracks composed by Michala Østergaard-Nielsen
Recorded by Rasmus Glendorf at The Village Recording, Vanløse, DK, April 29th 2022
Mixed by Thomas Vang
Mastered by David Elberling
Cover design & drawings by Ronja Andersson
Layout by Ola Rubin

La baterista y compositora danesa Michala Østergaard-Nielsen anuncia con orgullo el lanzamiento del álbum debut de su trío, que cuenta con la pianista estadounidense de fama mundial Marilyn Crispell y el aclamado bajista sueco Thommy Andersson. Una sorprendente mezcla de melodías compuestas e improvisación libre, «The Cave» captura un paisaje musical en constante evolución en el que coexisten estructura y espontaneidad.

Formado en 2022, el trío reúne a tres músicos profundamente expresivos y aventureros con una pasión compartida por la escritura cuidadosamente elaborada y la belleza impredecible de la espontaneidad. Grabado durante su gira de debut, el disco captura la energía en bruto y la interacción intuitiva que define su sonido colectivo.

«Este álbum es el resultado de mi visión y enfoque compositivo, materializados a través de un profundo diálogo creativo con Marilyn Crispell y Thommy Andersson», afirma Østergaard-Nielsen. «Siempre me ha fascinado la tensión entre estructura y libertad, y con este trío he encontrado un espacio donde estos elementos coexisten orgánicamente».

Con ocho piezas originales, algunas composiciones se construyen sobre motivos sencillos que se expanden hacia territorios inexplorados, mientras que otras toman forma a través de piezas compuestas con espacio para la interpretación espontánea. El resultado es un mundo envolvente en el que interactúan el silencio, el sonido y el movimiento, ofreciendo una visión fresca y evocadora del formato clásico de trío con piano.

 

marilyncrispell.com 
thommy.dk 
michalaostergaard.com