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Britta Virves ::: Simple Things

Simple Things

Britta Virves

Whirlwind Recordings | Nov 28, 2025

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1. Intro 0:56
2. Simple Things (featuring Genevieve Artadi) 4:52
3. Forever 5:48
4. Road to Braemar 4:07
5. Before & After 1:21
6. Mirrors 3:42
7. Days of Lily 3:59
8. Stepping Stones 5:34
9. Hope 4:39
10. Bravery 2:19
11. Chances 3:15
12. Stepping Out 1:22

Britta Virves – piano / keyboards
Jon Henriksson – bass
Jonas Bäckman – drums / percussion
Genevieve Artadi – vocals
Daniel Migdal – violin

Recorded at the Village Recording in Copenhagen (October 2024)
Engineered & Mixed by August Wanngren
Mastered by Sofia von Hage and Thomas Eberger
Producer – Britta Virves and Jonas Bäckman
Executive Producer – Michael Janisch
Graphic Design for CD & LP by Brian Hanlon OG Media
All music written by Britta Virves
Lyrics by Genevieve Artadi (track 2)
String Arrangements by Joakim Milder (tracks 7, 12)
Photography by Elvira Glänte

«El título Simple Things expresa mi asombro ante las maniobras aparentemente fáciles y obvias que esconden una gran complejidad. Es como mirar a través de un microscopio, cuando se abren nuevas posibilidades al intentar ampliar. Siento que todavía estoy buscando la dirección que mi música quiere tomar, pero este álbum definitivamente se acerca al sonido que busco».

Britta Virves

"Cuando escucho tocar a Britta, percibo un alma conectada capaz de comunicarse a través del tacto y el sonido del piano. Su trío está en sintonía con esta sensibilidad y, juntos, crean una experiencia auditiva sumamente dinámica y satisfactoria."
Kurt Rosenwinkel

"Recomiendo encarecidamente escuchar el álbum debut de la pianista Britta Virves, Juniper. No tengo ninguna relación profesional con él. Simplemente creo que es música que realmente merece ser escuchada. Sencilla, honesta, colorida y cálida." "...¡Uno de los álbumes más hermosos del año!"
Michael Gottfried (ACT)

"...Pocos creadores musicales han logrado un equilibrio entre la brillantez lingüística, la carga emocional y la confianza genuina. Britta Virves pertenece a este grupo excepcional y "Juniper" es una maravillosa manifestación de su capacidad retórica. Historias creadas con cuidado y paciencia que rara vez siguen el camino esperado. Simplemente no puedes dejar de escucharlas."
Joakim Milder

Criada en la isla de Saaremaa, en su Estonia natal, Britta Virves era una entusiasta estudiante de piano que interpretaba un repertorio estrictamente clásico. Un encuentro casual la introdujo al jazz: "Quería aprender guitarra. Así que fui a ver a mi profesor Tiit Paulus, quien me sugirió que me quedara con el piano y me presentó a Keith Jarrett, Herbie Hancock y Bill Evans. Me quedé alucinada; se abrió un nuevo mundo".

Britta se sumergió en la música y su talento pronto llamó la atención. Se mudó a Suecia para continuar sus estudios y pronto realizó una gira por Europa con la aclamada Norrbotten Big Band, bajo la dirección de Joakim Milder, colaborando estrechamente con la vocalista invitada Genevieve Artardi y acompañándola en una gira a dúo como telonera de Louis Cole.

Ahora, con su debut en Whirlwind, Simple Things, presenta el siguiente capítulo de la historia. Con sus compañeros habituales del trío, Jon Henriksson al bajo y Jonas Bäckman a la batería, y la cautivadora participación de Artadi, ha creado un conjunto de música original, fresca y brillante, accesible y extrovertida, pero a la vez profundamente personal. Inspirándose en su constante búsqueda de un sonido propio y único, filtra su amor por el ritmo y el groove a través de su sensibilidad nórdica para crear una mezcla accesible y cautivadora de emoción e introspección.

Cada tema del álbum se inspira en un aspecto de la propia vida de Britta. "Simple Things" posee la franqueza de una canción pop combinada con la profundidad del jazz, mientras la voz etérea de Genevivie Artadi flota sobre un fondo insistente que sostiene una armonía límpida y profunda. Dos de las canciones están dedicadas a la familia de Britta: los tresillos de "Days of Lily" a su madre Liilia, y la balada reflexiva "Mirrors" a su hermana Greta. 'Forever' es un homenaje musical a dos de los héroes de Britta, inspirado en un ritmo que escuchó a Gregory Hutchinson tocar con Kurt Rosenwinkel.

La suave y persistente 'Road to Braemar' fue escrita tras un viaje en trío a Escocia, evocando los amplios espacios abiertos y el efecto sanador de la inmersión en la naturaleza, impulsada por la batería sutilmente insistente de Bäckman. "Jon y Jonas tienen un increíble sentido del dinamismo; son como un océano, saben cuándo relajarse y cuándo lanzarse". Mostrando la sutileza y el control dinámico del equipo rítmico, 'Bravery' es uno de los temas favoritos de Britta del álbum: "Siento que es como una gran cascada que se precipita y se abre camino simplemente fluyendo naturalmente".

En contraste, 'Chances' juega con un conjunto de acentos perfectamente definidos que el trío alterna con naturalidad. Finalmente, tanto «Stepping Out» como «Days Of Lily» reúnen a Britta con su mentor, Joakim Milder, quien aporta el amplio arreglo de cuerdas interpretado por Daniel Migdal, sobre el que danza la melodía de Britta.

Simple Things se une por la simplicidad expresiva que habla directamente al oyente y que encuentra su expresión perfecta en el virtuosismo empático y natural del trío.

***

Britta Virves es una pianista y compositora nacida en Saaremaa, Estonia. Sus composiciones para piano son meditaciones narrativamente claras y armoniosamente modernas sobre la maravilla de la naturaleza, las redes ecológicas de interconexión y las personas y lugares que considera su hogar.

Britta nació el 24 de abril de 1991 y creció en Saaremaa, la isla más grande de Estonia. Comenzó a tocar el piano clásico a los siete años y se familiarizó con el jazz y la improvisación a los quince. Continuó su trayectoria musical en la Academia de Música y Teatro de Estonia y se tomó un año sabático para estudiar y vivir en Odense, Dinamarca. Después, se mudó a Suecia para estudiar en Skurups Folkhögskola, una escuela de folk que atrae a músicos de toda Europa. Este sería un momento crucial en su formación, donde conocería a sus futuros compañeros de banda, Jonas Bäckman y Jon Henriksson, quienes tocan la batería y el bajo, respectivamente, en Britta Virves Trio.

Britta reside actualmente en Estocolmo, Suecia, y se ha convertido en una aclamada pianista y una solicitada acompañante. Ha colaborado con diversos músicos, como la Norrbotten Big Band, Genevieve Artadi, Karin Hammar, Hannes Bennich y Håkan Broström, entre otros. También ha recibido varios premios prestigiosos, como una nominación al Grammy sueco al Mejor Álbum de Jazz 2023, la Beca Monica Zetterlund 2023, una nominación a los Premios de la Música de Tallin al Mejor Álbum de Jazz 2023, el Premio de la Jazz Club Fasching Society en 2020, el STIM Stipendium en 2020 y fue ganadora del Concurso de Composición Uno Naissoo 2016 en Estonia.

En 2020, el Britta Virves Trio ofreció su primer concierto en la radio sueca, con una acogida positiva entre los radioescuchas de toda Europa. El trío decidió grabar su primer álbum en Nilento Studio en las afueras de Gotemburgo en noviembre de 2021. El álbum debut de Britta Virves, Juniper, se lanzó en octubre de 2022 en Heartcore Records con Kurt Rosenwinkel.

brittavirvesmusic.com

Aaron Parks ::: By All Means

By All Means

Aaron Parks

Blue Note | Nov 7, 2025

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1. A Way
2. Parks Lope
3. For María José
4. Dense Phantasy
5. Anywhere Together
6. Little River
7. Raincoat

Aaron Parks - Piano
Ben Solomon - Tenor Sax
Ben Street - Bass
Billy Hart - Drums

El pianista y compositor Aaron Parks amplía su trío con el bajista Ben Street y el baterista Billy Hart a un cuarteto con la incorporación del saxofonista tenor Ben Solomon para explorar una nueva paleta de colores en su luminoso tercer álbum de Blue Note, By All Means. Aunque Parks ha convertido a su banda Little Big en el centro de su producción discográfica en los últimos años, nunca ha dejado de componer música que pertenece a un universo armónico diferente, influenciado por artistas como Wayne Shorter, Kenny Wheeler, Horace Silver, Duke Ellington, Joe Henderson, Kurt Rosenwinkel y otros. By All Means presenta siete nuevas composiciones originales de Parks, entre las que se incluyen conmovedoras dedicatorias a su esposa y a su hijo.

***

Durante las últimas dos décadas, Parks se ha ganado la reputación de traspasar los límites estéticos del jazz, aplicando su formación jazzística a una música que desafía audazmente las fronteras entre géneros. En un álbum como el que supone su regreso a Blue Note en 2024, Little Big III, el pianista lideró a su banda Little Big a través de una música eléctrica que mezclaba la vanguardia del jazz con Radiohead, el blues, la electrónica, el krautrock y mucho más.

A veces, en medio de tanta síntesis brillante, puede parecer fácil olvidar que Parks sigue siendo, ante todo, un músico de jazz en activo, un intérprete que adora las melodías duraderas, una sección rítmica profundamente swing y un gran acompañamiento de vientos, y que se siente más a gusto en un club nocturno con luz tenue. By All Means es un magnífico recordatorio de su devoción de toda la vida por la música swing, así como un homenaje a un grupo con el que se siente honrado de compartir escenario. Cuenta con una de las secciones rítmicas más conectadas con el soul de la actualidad (Hart y Street), junto con un recién llegado (Solomon).

Sin embargo, a pesar de sus maravillosas evocaciones del jazz del siglo XX, las siete composiciones originales que componen By All Means son inconfundiblemente obra de Aaron Parks. «No lo concibo como algo tan diferente de proyectos anteriores», afirma. «Es otro libro de canciones que parecían pedir su propio contexto, un determinado grupo de músicos que les diera vida».

«Este es un disco que ama la tradición del jazz, la tradición de la música negra estadounidense», añade. «No se trata de nostalgia o preservación. Se trata de estar vivo dentro de ese linaje, de esa continuidad. Eso es lo que indica el título: es un gran sí, una forma de decir "por supuesto, unámonos a esa fiesta"».

Aunque el álbum, coproducido por Parks y Street, se gestó rápidamente tras una apasionada actuación en el Village Vanguard, sus raíces se remontan a décadas atrás. Parks, Street y Hart se reunieron por primera vez en un disco en 2017, Find the Way, que plasmó su química en la estética bien definida del sello ECM. Cuando surgió una nueva oportunidad con Blue Note, Parks decidió reorientar la formación para que este gran trío de piano se convirtiera en una gran sección rítmica y disfrutara del arte de acompañar a un solista. O, como dice Parks con una sonrisa: «Solo quería acompañar. Y sabía la forma especial en que Billy tocaba con los trompetistas».

El nuevo álbum de Parks es una especie de sincera nota de agradecimiento: a sus influencias, a su familia, a sus compañeros de banda y al jazz en sí. «Más que nada, se trata de la alegría de tocar juntos, de improvisar unos con otros sobre una forma musical», dice Parks. «Este disco trata simplemente de amar la música».

aaronparks.com
bluenote.com

John Taylor ::: Tramonto (Live)

Tramonto (Live)

John Taylor

ECM Records | Sept 19, 2025

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1 Pure and Simple (Live) 9:52
2 Between Moons (Live) 9:03
3 Up Too Late (Live) 12:21
4 Tramonto (Live) 8:02
5 Ambleside (Live) 15:11

John Taylor, piano
Marc Johnson, double bass
Joey Baron, drums

Composer: John Taylor (1942-2015)
Recorded live in Birmingham during a Contemporary Music Network tour in January 2002

Grabado en directo en Birmingham durante una gira de la Contemporary Music Network en enero de 2002, Tramonto muestra al pianista británico John Taylor (1942-2015) en un estado de ánimo festivo y extrovertido, al frente de uno de sus grupos más dinámicos y agudos, con los músicos estadounidenses Marc Johnson y Joey Baron, el enérgico equipo que colaboraría en la aclamada grabación de ECM Rosslyn, realizada unos meses más tarde en Oslo.

Aunque John Taylor grabó prolíficamente para ECM desde 1977, cuando llegó con el proyecto Azimuth, con Norma Winstone y Kenny Wheeler, rara vez apareció en el sello en formato de trío de piano jazz. La única excepción fue con el trío liderado por el baterista Peter Erskine, al que Taylor también contribuyó con composiciones. Dos de esas canciones, «Pure and Simple» y «Ambleside», presentadas por primera vez con el Trío Erskine, se revisitan y transforman poderosamente en Tramonto. «Ambleside», una épica de 15 minutos de duración con cambios rápidos de estado de ánimo en esta interpretación, da paso a extensos solos de los tres músicos.

Como señaló John Fordham en The Guardian, Taylor era «un compositor magnífico para improvisadores, que creaba piezas románticas, similares a canciones, pero armónicamente impredecibles». La tierna «Between Moons», que también aparecería en Rosslyn, es una pieza en la que se hace evidente la influencia perdurable de Bill Evans, subrayada por la interacción de Taylor con Marc Johnson, que fue el último bajista de Evans.

El programa del concierto se completa con «Up Too Late», de Steve Swallow, que pasa del fraseo bop al free jazz, e incluye un solo de arco alto de Johnson y la batería ágil de Baron, y con la canción que da título al álbum, compuesta por Ralph Towner. («Tramonto», de Towner, fue estrenada en ECM hace treinta años por Towner a dúo con Gary Peacock en Oracle).

En su reseña de Rosslyn, la revista británica Jazzwise escribió: «El toque sutil pero enérgico de Taylor y sus fluidas invenciones melódicas encuentran una respuesta inmediata en Johnson y Baron, dos músicos que destacan por los giros inesperados y la intrincada interacción textural tan típicos de la imaginación musical del pianista».

Además de Rosslyn y los cinco álbumes con el trío Azimuth (Azimuth, The Touchstone, Départ, Azimuth ’85 y How It Was Then – Never Again), John Taylor puede escucharse en grabaciones de ECM de John Surman (Stranger Than Fiction, Proverbs and Songs), Jan Garbarek (Places, Photo With Blue Sky), Kenny Wheeler (Double Double You, Music For Large and Small Ensembles, The Widow In The Window, A Long Time Ago), Norma Winstone (Somewhere Called Home), Peter Erskine (You Never Know, Time Being, As It Is, Juni), Miroslav Vitous (Journey’s End), Arild Andersen (Molde Concert), Mark Feldman (What Exit) y Marilyn Mazur (CelestialCircle).

Marc Johnson y Joey Baron también han grabado extensamente para ECM y, como compañeros de la sección rítmica, formaron la mitad de la banda de John Abercrombie en álbumes como Cat’n’Mouse, Class Trip y The Third Quartet. Baron, además, tocó la batería en las citas de Johnson como líder Shades of Jade y Swept Away.

Joey Baron toca actualmente con el Fred Hersch Trio y puede escucharse en su último disco, The Surrounding Green, publicado en julio de este año. En los últimos años también ha colaborado estrechamente con Jakob Bro y aparece en los discos del guitarrista danés Streams, Bay Of Rainbows y Once Around The Room.

Las grabaciones de Marc Johnson como líder en ECM han explorado una amplia gama de estilos musicales: desde su enérgico cuarteto de los años 80 en Bass Desires (con John Scofield, Bill Frisell y Peter Erskine), hasta la grabación en solitario con contrabajo Overpass, publicada en 2021.

ecmrecords.com

Nicholas Payton ::: TRIUNE

TRIUNE

Nicholas Payton

Smoke Sessions | Agosto 29, 2025

Cuánto te gustó? 1 estrella

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1 Unconditional Love 8:15
2 Feed the Fire 7:50
3 Ultraviolet 6:58
4 Jazz Is a Four-Letter Word 4:54
5 Let It Ride 7:52
6 Gold Dust Black Magic 8:43
7 #bamisforthechildren 5:53

Nicholas Payton, trumpet, flugelhorn, piano, Fender Rhodes, Clavinet, vocals, tambourine, and handclaps
Esperanza Spalding, bass, vocals
Karriem Riggins, drums

Nikki Glaspie, vocals (track 2)
Ivan Neville, vocals, organ, Clavinet (track 6)
Erica Falls, vocals (track 6)
Otis McDonald, vocals (track 6)

Recorded May 1 & 2, 2025 at Esplanade Studios, New Orleans
Recorded by Misha Kachkachishvili
Mixed by Chris Allen & Paul Stache
Mastered by Chris Allen, Michael Fossenkemper & Tyler McDiarmid
Produced by Paul Stache & Nicholas Payton

“TRIUNE significa ‘tres en uno’, y es precisamente así como funciona este trío. Cada uno de nosotros es un líder por derecho propio, pero juntos nos combinamos para formar un sonido unificado”.
Nicholas Payton

No faltan tríos extraordinarios en el panorama musical, pero pocos, además del pionero trompetista, teclista y compositor Nicholas Payton, pudieron reunir a tres verdaderos visionarios y fusionarlos en una única voz creativa. Eso es precisamente lo que Payton ha logrado con TRIUNE, su emocionante nuevo álbum para Smoke Sessions Records, en el que colaboran la bajista y vocalista Esperanza Spalding y la baterista Karriem Riggins.

TRIUNE reúne una sección rítmica que Payton reunió originalmente en 2010 para un cuarteto que también incluía al pianista Taylor Eigsti. Riggins ya contaba con una década y media de impresionantes créditos por aquel entonces, conectando diversas áreas de la música afroamericana. Había demostrado su maestría en el swing con líderes como Mulgrew Miller, Ray Brown, Eric Reed, Oscar Peterson y Milt Jackson. Al mismo tiempo, estaba profundamente inmerso en la comunidad del hip-hop, colaborando con figuras veneradas como Common, J Dilla, Daft Punk y Erykah Badu.

En el momento de ese cuarteto inicial, Esperanza Spalding aún estaba a un año de su impactante victoria en el Grammy a Mejor Artista Revelación, pero era una estrella emergente muy seguida, con créditos que incluyen Us Five de Joe Lovano y trabajos con Stanley Clarke y Mike Stern, entre otros. Payton reconoció claramente la versatilidad y la emotividad de ambos músicos y estaba seguro de que la química surgiría.

Siempre un juez incisivo del talento, Payton elogia a ambos músicos. Karriem tiene la distinción de ser no solo una de las bateristas más consumadas y solicitadas de la escena del straight-ahead, sino también muy solicitada como beatmaker y productora. Muchos intentan alcanzar ese equilibrio, pero nadie lo hace con tanta convicción como Karriem. Esperanza siempre ha tenido una energía que eleva cualquier situación. Ya sea con su presencia en el bajo, la voz o simplemente con su talento artístico, irradia algo que llega al corazón de la gente de una manera nunca antes vista.

El éxito rotundo de las carreras de los tres artistas en los años transcurridos fue el único obstáculo para reunirlos. "Durante años intenté reunirnos, pero siempre están muy ocupados", explica Payton. "Esta vez, los planetas se alinearon y finalmente funcionó. Nunca hubo dudas sobre cómo funcionaría ni qué tan bien; solo era cuestión de tiempo". Con Payton demostrando su habilidad para tocar simultáneamente la trompeta y los teclados, y cantando con Spalding además de tocar el bajo, el trío por sí solo tiene una capacidad deslumbrante para expandir su alcance, pero también cuentan con varios invitados especiales en el álbum. Nikki Glaspie, conocida por ser una baterista muy solicitada de Snarky Puppy, Dumpstaphunk y la banda de gira de Beyoncé, se encarga de las voces en "Ultraviolet", una pieza de "Light Waves Suite" de Payton.

En un concierto reciente con Payton, el trompetista escuchó a Glaspie tararear la melodía de la canción durante la prueba de sonido. "Lo interpreté como una señal de que Nikki estaba destinada a hacerlo, así que escuché al universo". Grabado en su ciudad natal, Nueva Orleans, Payton contó con Ivan Neville, líder de Dumpstaphunk y miembro de una de las familias musicales más importantes de Crescent City, para tocar el órgano y cantar, junto con la vocalista de soul y compatriota neoorleanesa Erica Falls, en el tema de cierre del álbum, "#bamisforthechildren".

"Ivan y Erica son dos de las voces más conmovedoras de Nueva Orleans", dice Payton. "Buscaba un enfoque vocal multisolista al estilo de Sly Stone. Ivan improvisó durante todo el disco, y luego Erica superpuso las armonías y añadió las suyas. Además, mi buen amigo, productor, beatmaker, baterista, multiinstrumentista e ingeniero Otis McDonald estaba en el estudio después de grabarlo, así que le pedí que también se uniera. No sabía que, poco después de grabarlo, Sly fallecería".

Nicholas Payton, Esperanza Spalding y Karriem Riggins son tres de las mentes más distintivas e innovadoras de la música creativa moderna. En TRIUNE, hablan con una voz singular, cautivadora y alegre.

nicholaspayton.com

Aruán Ortiz ::: Créole Renaissance · Piano Solo

Créole Renaissance · Piano Solo

Aruán Ortiz

Intakt Records | Agosto 29, 2025

Cuánto te gustó? 1 estrella

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1. L'Etudiant noir 6:20
2. Seven Aprils in Paris (and A Sophisticated Lady) 7:03
3. Légitime Défense 3:03
4. From the Distance of my Freedom 7:45
5. Première Miniature (Créole Renaissance) 2:17
6. The Great Camouflage 6:49
7. Deuxième Miniature (Dancing) 2:38
8. We Belong to These Who Say No to Darkness 4:43
9. The Haberdasher 5:23
10. Lo Que Yo Quiero es Chan Chan 6:07

Aruán Ortiz: Piano

All compositions written by Aruán Ortiz, except "Lo que yo quiero es Chan Chan", based on a song by Francisco Repilado (Compay Segundo), and "Seven Aprils in Paris (and A Sophisticated Lady)", based on a song by Duke Ellington, arranged by Aruán Ortiz.
Recorded on December 17 and 18, 2024, at Artesuono Recording Studios, Cavalicco, Italy, by Stefano Amerio.
Mixed and mastered in April 2025 at Artesuono Recording Studios, Cavalicco, Italy, by Stefano Amerio.
Cover art: Julio Girona (Manzanillo, Cuba).
Graphic design: Jonas Schoder.
Liner notes: Brent Hayes Edwards.
Photo: Mario Sabbatani.
Produced by Aruán Ortiz and Intakt Records.
Executive producer: Florian Keller.
Published by Intakt Records, P. O. Box, 8024 Zürich, Switzerland.

«El pianista y compositor cubano Aruán Ortiz está en constante evolución, experimentando e incorporando nuevos elementos a su arte».
Karl Ackermann, All About Jazz

«En el estilo compositivo de Ortiz se percibe la huella indeleble del legado musical cubano: el pulso de los ritmos de origen africano, el vocabulario moderno del pianismo clásico y el abandono de la improvisación libre».
Suzanne Lorge, DownBeat

En su último álbum, Créole Renaissance, Ortiz toma la negritud, el movimiento cultural, político y literario que surgió entre los intelectuales franceses en la década de 1930, como punto de partida para una fascinante colección de exploraciones para piano solo.

El despertar de la conciencia racial conocido como el movimiento Négritude se describe a menudo como iniciado en 1935 con L’Étudiant noir, la efímera pero influyente revista fundada por un grupo de ambiciosos estudiantes de posgrado en París, entre los que se encontraban Aimé Césaire (de Martinica) y Léopold Sédar Senghor (de Senegal). Las impresionantes reflexiones pianísticas de Ortiz sobre las implicaciones del Renacimiento criollo comienzan aquí, situando la música en el contexto de una larga historia de estudio colectivo de la cultura negra.

Ortiz explica que se inspiró sobre todo en la forma en que poetas de la negritud como Aimé y Suzanne Césaire y René Ménil utilizaron «técnicas surrealistas para dar forma a un nuevo tipo de narrativa de la vida y la historia afrodiaspórica en el Caribe». En otras palabras, si la música de Ortiz es rotundamente innovadora y vanguardista, nos recuerda sus profundas raíces en las tradiciones de la experimentación negra. Al mismo tiempo, como compositor cubano que invoca las principales revistas en lengua francesa de la negritud de mediados del siglo XX, entre las que se incluyen no solo L'Étudiant noir, sino también Légitime Défense (1932) y Tropiques (1941-1945) Ortiz sugiere que un renacimiento criollo debe ser diaspórico: una cuestión de correspondencia, interrogación y traspaso de fronteras, una cuestión de cómo Santiago de Cuba o Brooklyn «oyen» Fort-de-France o París. Con las primeras notas del tema inicial, «L’Étudiant noir», recorre toda la extensión del teclado, desde los registros más graves hasta los más agudos, como para recordarnos lo que el escritor y poeta francés Édouard Glissant llamaría las «brechas determinantes»: los kilómetros que hay que recorrer.

Ortiz es conocido por su prodigiosa técnica, y en sus manos convergen múltiples linajes, desde Schoenberg, Messiaen y Ligeti hasta Bebo Valdés, Don Pullen y Cecil Taylor. Inspirándose en la famosa descripción del etnólogo Fernando Ortiz de Cuba como un ajiaco o «guiso» único de fuentes, el pianista describe su música como una «mezcla ecléctica basada en la música vanguardista del siglo XX, pero también moldeada por las tradiciones orales de mis raíces afrocubanas». A lo largo del álbum surgen alusiones indirectas, ya sea un fragmento cromático de «Sophisticated Lady» de Ellington en «Seven Aprils in Paris (and a Sophisticated Lady)» o insinuaciones del contagioso «Chan Chan» de Compay Segundo, que transforma en «Lo Que Yo Quiero Es Chan Chan».

La culminación de este implacable impulso exploratorio es «We Belong to Those Who Say No to Darkness», donde Ortiz emplea un arsenal de técnicas extendidas, amortiguando las cuerdas con golpes sorprendentemente nasales y rasgueos metálicos, ampliando la paleta del piano para sugerir una gama de otros instrumentos (cítara, shekere, oud, guitarra eléctrica, gamelán jegog). El título está tomado del desafiante prefacio de Césaire al primer número de Tropiques, donde escribe que, aunque la «sombra» del imperialismo parece invadir la vida en todas partes, «pertenecemos a los que dicen no a la sombra. Sabemos que la salvación del mundo también depende de nosotros».

La declaración parece tan oportuna en 2025 como debió de serlo en 1941. En las brillantes manos de Ortiz, su música responde a ese vanguardismo literario de mediados de siglo, llevando el Renacimiento criollo de vuelta al reino del sonido.

aruan-ortiz.com