Juan Carlos, autor en - Página 126 de 538

Artie Roth Quartet ::: Resonants

Resonants

Artie Roth Quartet

TPR Records | Mayo 12, 2023

1. Sound And Sky 1:54
2. Sky Blues 5:29
3. Circle Maker 7:17
4. Second Moment 7:39
5. Flies With Butterflies 5:30
6. Refrain 7:00
7. Resonants-Chandelier Tears 7:29
8. Held 7:42
9. Out Of The Abyss 6:28
10. Resound and Ground 1:24

Mike Filice - Tenor, Soprano Saxophone, Alto Flute, Flute
Sam Dickinson - Electric, Acoustic Guitar, Sitar Guitar, Effects
Anthony Michelli - Drums, Percussion
Artie Roth - Acoustic, Electronic Bass

All compositions by Artie Roth

Este proyecto está financiado en parte por FACTOR, el Gobierno de Canadá y los radiodifusores privados de Canadá.

Resonants es el tercer lanzamiento del Artie Roth Quartet, con 10 nuevas composiciones del compositor, bajista y director de orquesta de Toronto Artie Roth. Formado en 2013, el grupo se completa con los mejores improvisadores canadienses Anthony Michelli, Mike Filice y Sam Dickinson.

Resonants, un pionero álbum conceptual de jazz del siglo XXI, se eriza con el sonido de objetos que resuenan simpáticamente grabados en estudio. Melodías líricas, líneas de bajo pegadizas, ritmos enérgicos y guitarras elevadas tejen un atrevido tapiz experimental de música que traspasa géneros, mezclando a la perfección elementos de jazz, rock, funk, ambient y folk.

Basándose en la aclamación de la crítica de sus lanzamientos debut Currently Experiencing (2015) y Discern (2017), el cuarteto se reunió con el productor de Brooklyn Roman Klun, ganador de Juno y nominado al Grammy. Resonants se grabó en otoño de 2022 en Grant Avenue Studio, el antiguo estudio del legendario productor y músico canadiense Daniel Lanois.

Derivado de una combinación poco ortodoxa de las dos palabras "resonancia" e "inquilinos", el título del álbum es un neologismo que alude a nuestra existencia como individuos que habitan empáticamente juntos un paisaje social complejo y en evolución. Las composiciones de esta grabación se escribieron durante la pandemia, cuando lo mejor y lo peor de la condición humana parecían estar a flor de piel, especialmente en lo que respecta a las nociones aspiracionales de empatía, cooperación y bien común. Ahora que se vislumbra una realidad pospandémica, la música de Resonants se ofrece a los oyentes como un gesto de esperanza hacia un brillante viaje juntos hacia el futuro.

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Artie Roth, bajista de jazz nacido en Toronto, es un compositor, director de orquesta, intérprete y educador que lleva más de 20 años en activo a nivel nacional e internacional. Tras completar su licenciatura (1992 con la beca Oscar Peterson) y su máster en composición musical (2015) en la Universidad de York, Artie enriqueció su formación con dos estancias de estudio patrocinadas por el Canada Council en la ciudad de Nueva York en 1993 y 1997. Ha residido en Toronto durante más de 20 años estableciéndose como uno de los compositores/intérpretes a tiempo completo más ocupados de Toronto y está grabado en más de 60 grabaciones de larga duración, incluyendo "Tales From The Blue Lounge" de Rich Underhill, ganador del premio JUNO en 2003 y "Kensington Suite" nominado al JUNO en 2007, el CD debut de Sophie Milman nominado al JUNO y "Too Much Fun" de Rockit 88 nominado al JUNO en 2004.

Como líder de banda, bajista y compositor, Artie tiene tres grabaciones "Parallels"(2005), "Currently Experiencing" (2013) y "Discern" (2015). Además de dirigir su propio grupo, Artie también es miembro activo y compositor colaborador de Tunetown, The Rich Underhill Group, The Bob Brough Quartet y Kollage. Sus contribuciones han sido reconocidas con una nominación al Premio Nacional de Jazz al Bajista del Año y como artista destacado de la semana en el sitio web y la programación de Jazz FM 91.1. Paralelamente a su activa carrera como compositor, director de orquesta y músico independiente, Artie es actualmente profesor de bajo y entrenador de conjuntos en la Universidad de York y en el Centennial College.

Artie ha realizado numerosas giras, actuando en teatros, festivales y salas de jazz e impartiendo clases magistrales como profesor en universidades de ámbito nacional e internacional. Artie ha actuado en el extranjero con The Artie Roth Quartet en Serbia y Croacia, el Richard Underhill Quintet en México, Kollage en Barbados y Antigua, The Shuffle Demons en Europa y Escandinavia, The Steve Koven Trio en México y Colombia y The Flying Bulgar Klezmer Band en Alemania.

Las giras por EE.UU. han incluido actuaciones con The Greg Runions Sextet con Kenny Wheeler y The Lynne Arriale Trio. A nivel nacional, Artie ha realizado giras por Canadá con su propio grupo, The Bob Brough Quartet, Chris Wallace's Many Names, The Rich Underhill Quintet, The Marcus Belgrave and Curtis Fuller Quintet, la vocalista de jazz Melissa Stylianou, The Sean Bray Quartet y The Rez Abassi Quartet. Desde sus comienzos grabando y co-escribiendo en la escena musical alternativa de Toronto a finales de los ochenta, Artie debutó como compositor de jazz con la balada "Mountain", grabada e interpretada con el legendario fliscornista de jazz Kenny Wheeler, en el CD "But Not Forgotten" de The Greg Runions Sextet de 1994.

Las tres grabaciones de Artie como líder muestran exclusivamente su gama como compositor, con ocho obras de autoría propia por grabación. Como bajista de Tunetown, escribió la mitad de las nuevas composiciones en trío de su reciente lanzamiento de 2019 "There From Here" y 2021 "Entering Utopia". Para Kollage, el difunto gran baterista Archie Alleyne le encargó dos composiciones para trío de piano, "The Other Foot" y "The Wrong Foot", que grabó con Alleyne y el pianista de renombre internacional Robi Botos en el CD de Kollage de 2009 "The Rhythm". Además, estos arreglos se han incorporado al plan de estudios de numerosos conjuntos de jazz y cursos de composición de la Universidad de York, la Universidad de Toronto y el Humber College.

artieroth.com
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David Virelles en Buenos Aires

tocó en el prez jazz club

El celebrado pianista cubano radicado en New York, se presentó con varias actuaciones en solo piano durante la semana como parte de las celebraciones del 30 aniversario de la disquera porteña Minton's. Su agenda lo lleva de nuevo a New York, el martes 16 inicia una semana en el Village Vanguard con el quinteto de Marcus Gilmore.

Vivir en, o cerca, de las grandes urbes tiene pocos atractivos para alguien como yo que adora los espacios abiertos y el cercano contacto con la naturaleza. Pero uno de esos pocos (como el chango que me vende las paltas a siete por mil, en la vereda del depto de mis hijos!!) es la oportunidad de ver, y bien de cerca como es posible en los diminutos clubes de jazz, a las vibrantes figuras del momento, las locales tanto esas que solo caen y por pocas horas, como en éste caso, en Buenos Aires.

Hablamos del pianista cubano David Virelles que volo a Buenos Aires por pocos días para la celebración de los treinta años de la famosa disquería Minton´s, invitación cursada por su dueño quien había entablado una cálida relación de amistad hace algunos años y que el pianista aceptó gustoso. Una semana de presentaciones salteadas, hubo de ocuparse de otras actividades, en el Prez, un club de jazz de Barrio Norte con una frondosa y jugosa programamción.

Allí nos fuimos en su último día de conciertos donde presenciamos una pequeña parte del amplísimo espectro musical que alimenta al jóven pianista, uno de los niños mimados de la actualidad. Virelles es una clara expresión del vibrante desarrollo del movimiento en los últimos largos años, aquel que comenzó cuando el jazz empezó paulatinamente a dejar de serlo como tal a los ojos y oídos de los puristas del movimiento, para desprenderse sumandose al reclamo de tantísimos músicos a lo largo del globo que empezaban identificar al padre jazz como la clara expresión de la evolución de sus propias musicas.

Y ya la cosa no fué la misma, ni volverá a serlo, algunos ni siquiera se consideran músicos de Jazz dada la fusión de géneros que ejercitan, quizá nosotros todos también nos acostumbramos a nombrarla así solo por caso poder identificarla, pero solo llega hasta ahí. De ahí que muchos la nombran como Música Improvisada Contemporánea, buehh..., basta..., volvamos a Virelles.

Lo experimentado anoche en el Prez fué una muestra significativa del proyecto musical de Virelles, un complejo recorrido asumido con talento por donde circulan las claras influencias de sus mayores, él mismo cita como fuente de inspiración a un amplio abanico de pianistas, desde Frédéric Chopin y Alexander Scriabin hasta los afluentes de la música afro-diaspórica, tanto músicos norteamericanos como cubanos, pero también el pianista argelino Mustapha Skandrani y el etíope Emahoy Tsegué-Maryam Guèbrou.

Su último registro Nuna (Pi Recordings | Mayo 27, 2022) es un claro ejemplo de su búsqueda por la experimentación a la luz (nunca a la sombra) de sus referentes, y parte de ello pudimos presenciar anoche, trabajito que me toco luego en la calle de vuelta a casa tener que explicarles a mis hijos y un amigo de ellos qué fué lo que escucharon, un comienzo "dificil" con un sonido muy experimental e improvisado para mezclarse, al comienzo muy timidamente y más tarde más claramente, con algunos de los clásicos del movimiento.

Ni una sola palabra cuando se presentó y acomodaba sus partituras, una hora de plena música sin interrupciones, tan absorvente que casi me olvidé de las empanadas servidas!!, luego una despedida con apenas un gesto de agradecimiento y la salida...

¿Qué..., no pensas salir a saludar o sentarte en la barra a charlar con los asistentes?, me quedé un rato esperando como se quedan muchos luego de un recital por una nueva salida, y casi cuando nos ibamos lo veo por allá en primera fila charlando con algunos.

Asi que, como aquella vez cuando mi mamá me arrastró hacia el camarín del teatro donde se presentó Alfredo Halcón en una visita por nuestra ciudad a esperarlo a la salida y besarlo, hice lo mismo con Iván, lo arrastre hacia allí (necesitaba un fotógrafo), me acomodé en un costado a esperarlo y ofrecerle mis respetos y admiración, y por supuesto una fotito!!!

Brad Mehldau ::: Your Mother Should Know: Brad Mehldau Plays The Beatles

Your Mother Should Know: Brad Mehldau Plays The Beatles

Brad Mehldau

Nonesuch Records | Febrero 10, 2023

Que el cuarteto de Liverpool marcó a las generaciones contemporáneas a ellos y que su influjo se derramara hacia las posteriores, no es ninguna novedad. La masividad de su música madrugó a sus colegas de la época, incluso postergando a aquellos en su intento de lograr un impacto similar como el incipiente camino emprendido por los, posteriores, dioses del rock. Pero claro, The Beatles ya estaban ahí empujando y arrasando y la inclinación hacia su música de muchos colegas no fué un acto de rendición u oportunismo, fué, y es, una celebración sobre la universalidad de su propuesta.

Todos los pendex de mi edad recordarán la presentación de Joe Cocker en Woodstock, interpretando una versión muy soul de With a Little Help from My Friends que marcó un antes y un después para la carrera de ambos, la del cantante y la de las aspiraciones propias del tema. Luego Miles y tantos otros con Blackbird; las tantísimas versiones, una mejor que otras, de And I Love Her, recuerdo particularmente la de Diana Krall; la lista es enorme...

Y Brad Mehldau que ya había recorrido antes parte de atemporal listado de temas de los Beatles, apuesta nuevamente con la inusual reinterpretación que el jazz hace de temas o autores de otros géneros, como del los propios también, sumada, claro está, la inusual reinterpretación que el propio pianista logra en cada intervención.

«Hay una universalidad indiscutible en The Beatles», dice Mehldau. «Su música atraviesa líneas culturales y generacionales, ya que nuevos oyentes siguen descubriéndola. Hay una inmediatez y una integridad en sus canciones que atrae a todo el mundo».

«Cuando empecé a tocar el instrumento, los Beatles aún no estaban en mi radar, pero mucha de la música pop para piano que escuchaba en la radio surgió de ellos. Esa música se convirtió en parte de mi personalidad, y cuando más tarde descubrí a los Beatles, todo encajó. Su música, y su amplia influencia en otros artistas, sigue informando lo que hago».

El periodista Matt Collar, afamado crítico, dice que “Here, There and Everywhere”, se transforma en una balada que evoca el estilo de los años sesenta de Bill Evans. ¿Cuál es el misterio de los Beatles, cuál es la fórmula de la inmortalidad de su música e influencias sobre todo el espectro musical universal...?

La respuesta de Mehldau a éste interrogante: «En su libro The Western Canon Harold Bloom se enfrentó a la cuestión de, qué hace que determinados libros perduren: La respuesta, la mayoría de las veces, ha resultado ser la extrañeza, un modo de originalidad que, o bien no puede asimilarse, o bien nos asimila tanto que dejamos de verlo como extraño».

«Si nos fijamos en los Beatles y en la multitud de artistas que se han visto influidos por una u otra faceta de su obra, esta paradójica receta para la longevidad es una forma de considerar su huella permanente», prosigue Mehldau. «Porque hay mucho de extraño en gran parte de su música, sobre todo en la serie de álbumes que cambiaron el juego, desde Rubber Soul hasta su último disco, Let It Be».

bradmehldaumusic.com
bradmehldau.bandcamp.com

CORTINA FINAL And I Love Her - Brad Mehldau Trio

Your Mother Should Know Brad Mehldau Plays The Beatles

1. I Am The Walrus 4:14
2. Your Mother Should Know 2:18
3. I Saw Her Standing There 3:54
4. For No One 2:28
5. Baby's In Black 7:19
6. She Said, She Said 2:42
7. Here, There And Everywhere 3:58
8. If I Needed Someone 2:25
9. Maxwell's Silver Hammer 6:42
10. Golden Slumbers 8:17
11. Life On Mars? 4:09

El álbum en directo incluye las interpretaciones del pianista y compositor de nueve canciones de John Lennon y Paul McCartney y una de George Harrison. Aunque otras canciones de los Beatles son habituales en los conciertos en solitario y en trío de Mehldau, éste no había grabado antes ninguna de las canciones de Your Mother Should Know. El álbum termina con un clásico de David Bowie que establece una conexión entre los Beatles y los compositores pop que les siguieron. Your Mother Should Know se grabó en septiembre de 2020 en la Philharmonie de París.

Magnus Öström Group ::: A Room For Travellers

A Room For Travellers

Magnus Öström Group

Jazzland Recordings | Mayo 5, 2023

1. Safe and Sound 5:54
2. FlowFly 7:44
3. Oceans 6:57
4. Pacific 7:05
5. On The High In My Life 7:00
6. All Those Years 4:25

Magnus Öström - drums
Andreas Hourdakis – Guitar
Daniel Karlsson – Piano & keyboards
Thobias Gabrielson – Bass & keyboards

Magnus Öström y su banda vuelven por fin con un nuevo álbum, el cuarto hasta la fecha.

El álbum, A Room For Travellers, trata tanto del viaje del viajero por el mundo como de un viaje hacia el interior, el viaje hacia dentro. Además, el disco trata de la gran importancia que tiene para nosotros el agua, el océano.

El álbum, que dura 40 minutos en vinilo, contiene sólo 6 temas, pero con un par de pistas que son más suites que una sola canción. Con títulos como On The High In My Life y All Those Years, el álbum tiene presente tanto el presente como el pasado. Y en títulos como FlowFly, Pasific, Oceans y Safe And Sound, Magnus rinde homenaje y apunta hacia lo más importante que tenemos en nuestro planeta, el agua, los océanos, que desgraciadamente estamos destruyendo y envenenando poco a poco con nuestro excesivo estilo de vida consumista.

Pero, por encima de todo, el álbum trata de estar presentes en el presente y ver la naturaleza, los océanos y nuestro entorno como parte de nosotros mismos y, de este modo, esperamos ser más humildes y cuidadosos con lo que tenemos, y conscientes de lo que podemos perder.

La esperanza de Magnus es que el álbum se convierta para el oyente en un espacio al que viajar, y en el que viajar, a un espacio infinito. Un poco de evasión de todas las cosas terribles que ocurren en el mundo ahora mismo, pero también un viaje hacia el interior para comprenderse a uno mismo y a su entorno a un nivel más profundo.

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En 1991, Magnus y Esbjörn Svensson fundaron e.s.t. y el resto es una enorme historia emocional.

Junto con Dan Berglund grabaron 12 álbumes y un DVD de conciertos, realizaron varias giras por todo el mundo, vendieron cientos de miles de álbumes y fueron titulados "trío de la década". Hoy en día se considera que e.s.t. ha sido la banda más influyente en el jazz de los años noventa y el álbum Live in Hamburg ha sido galardonado con el premio "Álbum de la década" nada menos que por The Times (Reino Unido).

En 2011, Magnus Öström publicó su álbum debut, Thread of Life, en el que compuso todas las melodías. El álbum recibió críticas muy favorables y fue nominado a un Grammy sueco, además de ser galardonado con el premio alemán ECHO Jazz al mejor baterista internacional.

En 2013 siguió su segundo álbum en solitario, Searching For Jupiter, que le valió el Premio Manifest sueco al mejor álbum de jazz de 2013. En 2016 publicó su tercer álbum Parachute, también con gran aclamación.

Con el trío RYMDEN, junto a Bugge Wesseltoft y Dan Berglund, ha explorado otro éxito mundial, nos ha regalado hasta ahora 3 álbumes de estudio, uno junto a la Orquesta de la Radio Noruega - KORK, y un par de EP en directo llenos de composiciones tentadoras.

2023 nos trajo de regreso el cuarteto del propio Magnus - Magnus Öström Group, un viaje personal, de nuevo acompañado por Thobias Gabrielson - Bajo y teclados, Andreas Hourdakis - Guitarras, y Daniel Karlsson - Piano y teclados.

magnusostrom-music.com
jazzlandrec.com/home

Joe Lovano Trio Tapestry ::: Our Daily Bread

Our Daily Bread

Joe Lovano Trio Tapestry

ECM | Mayo 5, 2023

1. One for Charlie 2:31
2. All Twelve 4:37
3. The Power of Three 4:42
4. Rhythm Spirit 5:50
5. Our Daily Bread 6:34
6. Crystal Ball 4:10
7. Le petit opportun 3:45
8. Grace Notes 8:43

Trio Tapestry

Joe Lovano - Tenor Saxophone, Tarogato, Gongs
Marilyn Crispell - Piano
Carmen Castaldi - Drums

Recorded May 2022, Auditorio Stelio Molo RSI, Lug

El tercer álbum del Joe Lovano's Trio Tapestry encuentra al grupo continuando su enfoque espacioso y lírico, con una escucha profunda y un enfoque intenso.

"Our Daily Bread está alimentado por el espíritu rítmico de la expresión que proyecta el misterioso mundo de la música que nos espera", dice el maestro saxofonista Lovano en su nota de presentación, y estas piezas elegantemente fluidas y baladas de libre flotación se sienten realmente como canciones del alma.

"La intensidad no procede de la ferocidad, sino de la profundidad de los sentimientos", escribió la BBC Music Magazine sobre el debut del grupo. "Los temas y las armonías de Lovano ofrecen un rico potencial que el trío aprovecha maravillosamente, explorando la textura y el estado de ánimo tan fructíferamente como desarrolla la melodía y la armonía".

Marilyn Crispell es la pianista óptima para esta música, orquestándola a medida que se desarrolla con una sensibilidad en sintonía tanto con la música de cámara contemporánea como con la improvisación post-Coltrane. El batería Carmen Castaldi, colaborador de Lovano desde la adolescencia, embellece la música con su propio toque poético en los platillos y, como el propio Joe, extrae resonancias florecientes de los gongs. A mitad del programa, Lovano interpreta el blues "One for Charlie" como un solo de tenor en homenaje a Charlie Haden, dotando a cada nota de significado, como hizo en su día el dedicatario de la melodía.

Our Daily Bread fue grabado en el Auditorio Stelio Molo de Lugano en mayo de 2022 y producido por Manfred Eicher.

joelovano.com
marilyncrispell.com
ecmrecords.com