Bill Frisell / Music IS
OKeh | marzo 15, 2018
Casi todos los días, Bill Frisell se levanta por la mañana, toma un café y escribe música. En este punto, hay montones y montones y montones de páginas individuales de papel del personal lleno de su graciosa escritura. «No sé de dónde vienen las melodías», dice Frisell. «Trato de no juzgar nada y los dejo en paz.»
El mantra de Frisell, o lema por así decirlo, es «La música es buena» – una afirmación que le dijo su querido amigo y gran banjista Danny Barnes. «Eso es algo que puedo decir que siempre es cierto. Es tan perfecto. Todo lo que necesito saber es esa frase,’La música es buena’. Casi llamo así al álbum, pero luego pensé que podría ser demasiado literal. Es bueno dejarla abierta».
«Tocar en solitario siempre es un reto», dice Frisell. «Para mí, la música siempre ha tenido mucho que ver con jugar con otras personas. Estoy teniendo una conversación. Llamada y respuesta. Jugar solo es un viaje. Realmente tengo que cambiar mi forma de pensar. En preparación para esta grabación toqué durante una semana en The Stone en Nueva York. Cada noche intentaba tocar música nueva que nunca antes había tocado. Intentaba a propósito mantenerme un poco desequilibrado. Incómodo. No estoy seguro. No quería recurrir a cosas que sabía que eran seguras. Mi esperanza era continuar este proceso en el estudio. No quería que las cosas estuvieran planeadas de antemano».
Trató de mantener esa sensación de ligereza y espontaneidad al grabar. Todo el proceso – elegir las melodías, tocar el concierto, rastrear en el estudio – terminó sintiéndose como una investigación de la memoria. No había un concepto planificado, pero lo que se materializó casi se sintió como una visión general.
El enfoque de Music IS se centra en la narración de historias musicales desde la perspectiva original e inimitable de Frisell: algunas de las interpretaciones son desnudas, expuestas y verdaderamente solistas, mientras que otras están más orquestadas a través de capas sobregrabadas y el uso de su inigualable enfoque del bucle.
Frisell ha hecho tanto. Está en más de 250 discos, con más de 40 de ellos como líder. Las piezas de Music IS abarcan desde sus primeros discos de jazz de mediados de los 80 hasta extractos de recientes colaboraciones multidisciplinarias.
Grabada en agosto de 2017 en el estudio Flora Recording and Playback de Tucker Martine en Portland, Oregon y producida por su colaborador Lee Townsend, todas las composiciones de Music IS fueron escritas por Frisell, algunas de ellas completamente nuevas – «Change in the Air»,»Otras son adaptaciones en solitario de composiciones originales ya clásicas que había grabado anteriormente, como «Ron Carter», «Pretty Stars», «Monica Jane» y «The Pioneers».” «In Line» y «Rambler» son de los dos primeros álbumes de ECM de Frisell.
«Lee Townsend y Tucker Martine son dos de mis hermanos musicales más cercanos y de mayor confianza», explica Frisell. «Hemos pasado por lo bueno y lo malo. Ellos despejan el camino para que yo sólo TOQUE. Cuando llegamos al estudio traje un montón de música y partimos de ahí. Que una cosa lleve a la otra. Confíe en el proceso. En el momento. Nos mezclamos sobre la marcha. Componer, arreglar, tocar, grabar y mezclar todo se convirtió en una cosa».
Esa filosofía es evidente a través de las piezas musicales de su larga discografía que son exploradas de una manera tan expuesta en Music IS. Con versiones radicalmente nuevas de «In Line» -la canción titular de su álbum debut en 1982- y «Rambler» -la canción titular de su segundo álbum en 1984 y también grabada en 1994 con el legendario baterista Ginger Baker y el difunto Charlie Haden- Frisell abraza lo inesperado y ofrece nuevas perspectivas de su excepcional carrera.
Su exploración de «Pretty Stars» -que abre el álbum y se cierra con su continuación «Made to Shine», que completa el título original del tema «Pretty Stars Were Made to Shine»- y «Ron Carter» del 2001’s Blues Dream abren nuevos caminos con una forma considerablemente diferente. «Winslow Homer» (a partir de 2010’s Beautiful Dreams, originalmente encargado por Wynton Marsalis para JALC), «Change in the Air» (escrito para la próxima película del mismo nombre de Dianne Dreyer), «The Pioneers» (una colaboración entre Frisell y Jim Keltner), «Monica Jane» (uno de los primeros temas en los que Paul Bley y Frisell trabajaron juntos, poco después de que naciera su hija) y «Kentucky Derby» (de su colaboración con Hal Wilner y Tim Robbins para una lectura teatral y grabación de Hunter S.). The Kentucky Derby is Decadent and Depraved (El Derby de Kentucky es decadente y depravado) de Thomson son profundas reflexiones sobre lo lejos que ha llegado su viaje musical y cuánto queda por decir.
Los originales recién hechos ayudan a hacer la reflexión más que eso, permitiendo que el pasado influya en el futuro: «¿Qué quieres?» (escrito con el sentimiento de que si todos pudiéramos escucharnos más, darnos lo que necesitamos y descubrirlo, nos daríamos cuenta de que muchas veces queremos las mismas cosas), «Agradecidos» (un conmovedor tributo a los músicos con los que ha tocado Frisell, y su esposa e hija), «Think About It» (grabado colocando el amplificador de guitarra dentro de un viejo piano vertical propiedad primero de la leyenda del rock Keith Moon y luego de Richard Manuel, quien terminó grabando éxitos para The Band antes de terminar en posesión de Ian McLagan), «Miss You» («Todo el mundo sabe lo que se siente, porque la persona desaparecida está muerta o en un lugar diferente», dice Frisell), y «Go Happy Lucky» («Go Happy Lucky») (un blues que respira nueva vida con la música excepcionalmente bien grabada que hace que parezca que Frisell está justo a tu lado), hablando con el instrumento y doblando las cuerdas sobre los trastes de una manera casi vergonzosamente íntima) completan la reflexión sobre una carrera venerada que sigue sorprendiendo e innovando.
«Sabía desde el principio que quería grabar mis propias composiciones», concluye Frisell. «En los últimos años he realizado muchos proyectos tocando música de otras personas (John Lennon, Guitar in the Space Age, When You Wish Upon a Star, etc.). Es maravilloso… y seductor. Así es como aprendo. Podría pasar el resto de mi vida estudiando a Burt Bacharach… o Charlie Parker… o Bach… o? Sin fin. Pero, era hora de volver a mis propias cosas. Lo que terminó en este álbum fue una variedad de piezas. Algunos nuevos y otros de hace mucho tiempo. In Line’ y’Rambler’ son de mis primeras grabaciones en ECM. Llevo más de cincuenta años tocando música. Nunca lo entenderé. Una de las cosas asombrosas de envejecer es poder revisar cosas que escuché o toqué hace mucho tiempo. Siempre hay algo nuevo que descubrir, algo que descubrir. Se abren nuevos caminos. Si tengo mucha suerte, podría incluso darme cuenta de que he aprendido algo en el camino. Está muy lejos mirando mi propia música a través de este lente largo.»
La música ES. El resultado final es Bill Frisell en su más destilado y completamente realizado.
Kronos Quartet & Laurie Anderson – Landfall
Nonesuch | feb 16, 2018
1 CNN Predicts a Monster Storm 3:19
2 Wind Whistles Through the Dark City 1:59
3 The Water Rises 2:43
4 Our Street Is a Black River 1:20
5 Galaxies 1:07
6 Darkness Falls 1:56
7 Dreams 4:01
8 Dreams Translated 0:51
9 The Dark Side 1:11
10 Built You a Mountain 2:16
11 The Electricity Goes out and We Move to a Hotel 3:04
12 We Learn to Speak Yet Another Language 3:01
13 Dawn of the World 2:22
14 The Wind Lifted the Boats and Left Them on the Highway 2:40
15 It Twisted the Street Signs 1:13
16 Then It Receded 0:52
17 The Nineteen Stars of Heaven 2:44
18 Nothing Left but Their Names 9:38
19 All the Extinct Animals 2:50
20 Galaxies II 0:54
21 Never What You Think It Will Be 1:11
22 Thunder Continues in the Aftermath 1:55
23 We Blame Each Other for Losing the Way 0:42
24 Another Long Evening 1:57
25 Riding Bicycles Through the Muddy Streets 2:37
26 Helicopters Hang Over Downtown 2:16
27 We Head Out 1:50
28 Everything Is Floating 1:59
29 Gongs and Bells Sing 2:33
30 Old Motors and Helicopters 2:49
Cello – Sunny Yang
Viola – Hank Dutt
Violin – David Harrington, John Sherba
Violin, Vocals, Keyboards, Sounds [samples], Percussion, Effects [filters] – Laurie Anderson
Web: Laurie Anderson ||| Kronos Quartet
Fuente: Nonesuch Records
The Quietus hace de Landfall su Álbum de la Semana, llamándolo «una especie de música de cámara para el inconsciente, majestuosa y decorativa, pero tocando en una habitación oscura e insondable para la que el sótano inundado de Anderson, y su torbellino de recuerdos, papeles y parafernalia disolventes, proporcionan el símbolo ideal».
Kronos Quartet y Laurie Anderson han tocado Landfall en el Centro de Artes Escénicas Clarice Smith, el Festival de Adelaida, el Centro Barbican, la Universidad Montclair State, el Festival Internacional de Artes de Perth, Stanford Live y la Universidad de Texas en Austin, entre otros lugares. El New York Times dijo que la presentación de la pieza en la Academia de Música de Brooklyn «inundó el auditorio de elegíacos sonidos de cuerdas y tristeza postmilenial. Interpretada por el compositor y el incansablemente innovador Kronos Quartet, la obra, escrita en Nueva York durante esa épica tormenta, a menudo se asemejaba a los restos de restos flotantes que se balanceaban sobre las aguas de la inundación, con conmovedores fragmentos y pequeños tesoros». El Washington Post lo llama«fascinante, precioso».
«Estas son historias con tempos», dice Anderson. «Siempre me ha fascinado la compleja relación entre las palabras y la música, ya sea en las letras de las canciones, los supertítulos o la voz en off. En Landfall, los instrumentos inician el lenguaje a través de nuestro nuevo software de texto, erst. La mezcla de cuerdas electrónicas y acústicas es el sonido dominante de Landfall. Gran parte de la música de este trabajo se genera a partir de las armonías y los retardos de un software único diseñado para la viola solista y reinterpretado para el cuarteto. Además, había elementos del optigan, un teclado que utiliza información almacenada en discos ópticos».
El fundador, director artístico y violinista de Kronos Quartet, David Harrington, dice: «Laurie Anderson es la maga maestra que siempre ha habitado esos lugares secretos donde la tecnología tiene personalidad, donde se cuestiona el’tiempo real’ y donde todos los elementos de la interpretación se encuentran y se combinan en la música. Su proceso es reunir y continuar reuniendo aspectos potencialmente útiles a medida que esculpe una forma. Su sentido del juego y la diversión y su continua experimentación la convierten en la química ideal (¿o es alquimista?) en el laboratorio de la música».
Además de Landfall, Anderson también publica un nuevo libro en febrero, All the Things I Lost in the Flood: Essays on Pictures, Language and Code, publicado por Skira Rizzoli. Hace dos años Anderson comenzó a revisar su archivo de casi cuarenta años de trabajo, que incluye decenas de documentos, cuadernos y cuadernos de bocetos. En el proceso, redescubrió parte de su trabajo y miró muchos proyectos con ojos nuevos, lo que la llevó a escribir una colección de ensayos sobre la forma en que el lenguaje entró en su trabajo visual.
Laurie Anderson es una de las pioneras creativas más renombradas y atrevidas de Estados Unidos. Su trabajo, que abarca la música, el arte visual, la poesía, el cine y la fotografía, ha desafiado y deleitado al público de todo el mundo durante más de treinta años. Anderson es más conocida por sus presentaciones multimedia y grabaciones musicales. Sus giras la han llevado por todo el mundo, donde ha presentado su trabajo en pequeños espacios artísticos y grandes salas de conciertos, y por todas partes. Tiene numerosas e importantes obras en su haber, junto con innumerables colaboraciones con una gran variedad de artistas, desde Jonathan Demme y Brian Eno hasta Bill T. Jones y Peter Gabriel.
El primer sencillo de Anderson, «O Superman», lanzó su carrera discográfica en 1981, alcanzando el segundo puesto en las listas de éxitos de la música pop británica y apareciendo posteriormente en su histórico disco Big Science. Luego grabó seis discos más con Warner Brothers. En 2001, Anderson lanzó su primer álbum con Nonesuch Records, el elogiado por la crítica Life on a String. Sus lanzamientos posteriores en el sello incluyen Live in New York (2002), una reedición de Big Science (2007), y Homeland (2010). Nonesuch ha estrenado recientemente la banda sonora de la aclamada película de Anderson, Heart of a Dog (2015), en Warm, witty and thought-provoking… su tema es la esencia misma de la vida: el dolor, el amor, la alegría, la memoria, la pérdida… como escuchar una serie de breves obras radiofónicas o un podcast de las reflexiones antropológicas de Anderson… el trabajo más satisfactorio y humano de Anderson.” Además, la película de realidad virtual La Camera Insabbiata de Anderson, junto con Hsin-Chien Huang, ganó el Premio a la Mejor Experiencia de RV en el Festival de Cine de Venecia de 2017.
Durante más de 40 años, el Kronos Quartet ha combinado un espíritu de exploración sin miedo con el compromiso de reimaginar continuamente la experiencia del cuarteto de cuerdas. En el proceso, Kronos se ha convertido en uno de los conjuntos más famosos e influyentes del mundo, realizando miles de conciertos, lanzando más de 60 grabaciones, colaborando con una mezcla ecléctica de compositores e intérpretes y encargando más de 900 obras y arreglos para cuarteto de cuerdas. Han ganado más de 40 premios, incluyendo un Grammy y los prestigiosos premios Polar Music y Avery Fisher. La Asociación de Artes Escénicas de Kronos, una organización sin fines de lucro, administra todos los aspectos del trabajo de Kronos, incluyendo la puesta en marcha de nuevas obras, giras de conciertos y presentaciones durante la temporada de conciertos, programas educativos y un Festival de Kronos de producción propia.
En 2015, Kronos lanzó Fifty for the Future: The Kronos Learning Repertoire, un proyecto de educación y legado que está encargando (y distribuyendo gratuitamente) la primera biblioteca de aprendizaje del repertorio contemporáneo para cuarteto de cuerdas. Nonesuch, el sello discográfico de larga data del cuarteto, celebró el cuadragésimo aniversario del conjunto con dos lanzamientos: la caja de cinco CD de la Serie Explorer de Kronos y un nuevo álbum, A Thousand Thoughts; más recientemente, Nonesuch lanzó One Earth, One People, One Love: Kronos Plays Terry Riley, cinco CD, cuatro álbumes que incluían el nuevo lanzamiento Sunrise of the Planetary Dream Collector: Música de Terry Riley; y Folk Songs, que incluye a Sam Amidon, Olivia Chaney, Rhiannon Giddens y Natalie Merchant cantando canciones folklóricas tradicionales con arreglos de Jacob Garchik, Nico Muhly, Donnacha Dennehy y Gabe Witcher. Folk Songs fue el quincuagésimo disco que Kronos ha lanzado en el sello desde 1985.
Amigos…, un saludo, un abrazo de nueva bienvenida. Arrancamos con una voz femenina, la cantante coreana Moon (Moon Haewon) desde Kiss Me (Verve | Feb 7, 2018) un disco sin muchas pretenciones pero agradable con covers de populares temas pop, como Kiss Me (Sixpence None The Richer, 1997) y Kiss Of Life, tema con el que abrimos, popularizado por la sensual Sade en 1992. Empezamos a los besos, como vieron, y seguimos con dos festejos de cumples, besos para ellos también, uno el pianista alemán Joachim Kühn que cumple 74 pirulos, desde Love & Peace (ACT | enero 26, 2018) (parece que seguimos a los besos nomás…!!!) El otro homenajeado es el saxofonista Charles Lloyd, que sopla 79 velitas, desde Passin’ Thru (Blue Note | julio 14, 2017) con su New Quartet (hay más, pero éstos son dos de los más populares, pueden espiar nuestra sección Jazz Birthday con enlace a la pagina de All About Jazz).
Seguimos con uno de mis músicos preferidos, y el de muchos, el pianista sueco Bobo Stenson desde Contra La Indecisión (ECM | enero 19, 2018) otra bella entrega de uno de los muy contados poétas al piano y de nuevo con una referencia a la música del trovador cubano Silvio Rodriguez que titula el álbum. Gran disco… Más con el gran debut para ECM del saxofonista polaco Maciej Obara, Unloved (ECM | nov 3, 2017) todos temas propios, salvo el que entrega el título al disco de autoría de la máxima referencia del jazz moderno polaco, Krzysztof Komeda. El jóven saxofonista se luce con un trabajo muy seductor, de un sonido limpio y profundo, discazo…
Otra gran sorpresa, el reciente lanzamiento del pianista cubano Alfredo Rodriguez, The Little Dream (Mack Avenue | feb 23, 2018), cuarto álbum como líder del muy respetado pianista radicado hace diez años en los estados unidos. Levantamos al final con el baterista y percusionista noruego Erland Dahlen desde Clocks (Hubro | Sep 8, 2017) un interesante álbum donde el baterista toca todo lo que se escucha y cerramos con el guitarrista estadounidense Barry Greene desde Resurgence (Barry Greene | enero 12, 2018), guitarrista con gran respaldo de consagrados colegas del ambiente.
Pasamos a blues…
El programa pasado presentamos el último disco de Tommy Castro and The Painkillers, para éste traemos uno anterior The Devil You Know (Alligator Records / Feb 11, 2014), este nuevo trabajo contiene nueve temas originales y cuatro nuevas versiones de canciones de J.B. Lenoir, Andre Williams, Jimmy Hall y Chris Youlden un ex miembro de la banda Savoy Brown. La lista de invitados incluye a reconocidos artistas como Marcia Ball, Tab Benoit, Joe Bonamassa, The Holmes Brothers y Magic Dick. Elegimos «I´m tired» junto a Joe Bonamassa.-
Un 15 de marzo de 1947 en Los Ángeles, California, nacía Ry Cooder músico, compositor, hacedor de bandas sonoras, productor musical y escritor ocasional, también multiinstrumentista especialmente conocido por su trabajo con la guitarra slide, su interés en las músicas tradicionales de Estados Unidos, como la música folk, el blues, la música tex mex, el R&B o el gospel, y sus colaboraciones con músicos tradicionales de otros países, como Cuba o Mali. Clebramos su natalicio desde la banda de sonido de la película Crossroads el tema «Willie Brown Blues».-
Sam “Lightnin’” Hopkins también nacido un 15 de marzo pero de 1912 fue un guitarrista y cantante de country blues nacido en Houston, Texas, Estados Unidos, quien falleciera un 30 de enero de 1982, fue uno de los que dejaron una marca trascendental en éste género musical. Terminamos el programa con el tema «My California».
Estamos en sintonía desde las 21 hs en el 91.7 FM RAICES.
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Empresario en el sentido más amplio y creativo de la palabra, la carrera de Quincy Jones ha abarcado los roles de compositor, productor discográfico, artista, productor cinematográfico, arreglista, director, instrumentista, productor de TV, ejecutivo de una compañía discográfica, fundador de una revista, empresario multimedia y humanitario.
Como inventor maestro de híbridos musicales, ha mezclado música pop, soul, hip-hop, jazz, jazz, clásica, africana y brasileña en muchas fusiones deslumbrantes, recorriendo prácticamente todos los medios, incluyendo discos, actuaciones en vivo, películas y televisión.
Celebrando más de 60 años actuando y participando en la música, la magia creativa de Quincy se ha extendido por más de seis décadas, comenzando con la música de la era post-swing y continuando a través de los híbridos multimedia internacionales de alta tecnología de hoy en día.
A mediados de los años 50, fue el primer director arreglista popular que grabó con un bajo de Fender. Su tema de la exitosa serie televisiva Ironside fue el primer tema pop basado en sintetizador. Como el primer compositor negro en ser abrazado por el establecimiento de Hollywood en los años 60, ayudó a refrescar la música de películas con infusiones de jazz y soul. Su álbum histórico de 1989, Back On The Block -conocido como «Album Del Año» en los premios Grammy de 1990- trajo a leyendas como Dizzy Gillespie, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan y Miles Davis junto con Ice T, Big Daddy Kane y Melle Mel para crear la primera fusión de las tradiciones musicales be bop y hip hop; Como productor y director de la histórica grabación «We Are The World» (el single más vendido de todos los tiempos) y de los discos en solitario multi-platino de Michael Jackson, Off The Wall, Bad and Thriller (el álbum más vendido de todos los tiempos, con más de 50 millones de copias vendidas), Quincy Jones es uno de los artistas/ejecutivos creativos más exitosos y admirados en el mundo del entretenimiento.
Su grabación de 1995, Q’s Jook Joint, nuevamente mostró la habilidad de Quincy para moldear los talentos únicos de un grupo ecléctico de cantantes y músicos, en lo que dio como resultado una retrospectiva de su amplia y diversa carrera, desde la de un experimentado músico de Jazz, a compositor, arreglista y líder de banda, hasta el aclamado productor discográfico.
Una referencia a las casas club backwoods de la América rural en los años 30,40 y 50, el platino que vende Q’s Jook Joint presentó actuaciones de artistas como Bono, Brandy, Ray Charles, Phil Collins, Coolio, Kenny «Babyface» Edmonds, Gloria Estefan, Rachelle Ferrell, Aaron Hall, Herbie Hancock, Heavy D., Ron Isley, Chaka Khan, R. Kelly, Queen Latifah, Tone Loc, the Luniz, Brian McKnight, Melle Mel, Shaquille O’ Neal, Joshua Redman, la compañía musical de Broadway Stomp, SWV, Take 6, recién llegado Tamia, Toots Thielemans, Mervyn Warren, Barry White, Warren Wiebe, Charlie Wilson, Nancy Wilson, Stevie Wonder, Mr. X, y Yo-Yo, entre otros, y obtuvo siete nominaciones al Grammy.
Su grabación, From Q, With Love, presentó una colección de 26 canciones de amor que grabó durante los últimos 32 años de su carrera de más de 50 años en el negocio de la música.
Nombrado por la revista Time Magazine como uno de los músicos de jazz más influyentes del siglo XX, Quincy Jones nació el 14 de marzo de 1933 en Chicago y creció en Seattle. Mientras estaba en la escuela secundaria, comenzó a estudiar trompeta y cantó en un cuarteto de gospel a los 12 años. Sus estudios musicales continuaron en el prestigioso Berklee College of Music de Boston, donde permaneció hasta que surgió la oportunidad de hacer una gira con la banda de Lionel Hampton como trompetista, arreglista y alguna vez pianista. Se trasladó a Nueva York y a las grandes ligas musicales en 1951, donde su reputación como arreglista creció.
A mediados de los 50, ya estaba arreglando y grabando para artistas tan diversos como Sarah Vaughan, Ray Charles, Count Basie, Duke Ellington, Big Maybelle, Dinah Washington, Cannonball Adderly y LeVern Baker.
En 1957, Quincy decidió continuar su educación musical estudiando con Nadia Boulanger, la legendaria tutora parisina de compositores americanos expatriados como Leonard Bernstein y Aaron Copeland. Para subvencionar sus estudios tomó un trabajo con Barclay Disques, distribuidor francés de Mercury. Entre los artistas que grabó en Europa se encuentran Charles Aznavour, Jacques Brel y Henri Salvador, así como visitantes de América como Sarah Vaughan, Billy Eckstine y Andy Williams.
Quincy ganó el primero de sus muchos Grammy’s en 1963 por su arreglo Count Basie de «I Can’ t Stop Loving You». La asociación musical de Quincy durante tres años como director y arreglista con Frank Sinatra a mediados de los 60’s también lo unió con Basie para el clásico Sinatra At The Sands, que contenía el famoso arreglo de «Fly Me To The Moon», la primera grabación interpretada por el astronauta Buzz Aldrin cuando aterrizó en la superficie de la luna en 1969.
Cuando se convirtió en vicepresidente de Mercury Records en 1961, Quincy se convirtió en el primer ejecutivo negro de alto nivel de una importante compañía discográfica establecida. Hacia el final de su asociación con la disquera, Quincy centró su atención en otra área musical que había estado cerrada a los negros, el mundo de las partituras cinematográficas. En 1963, comenzó a trabajar en la música para The Pawnbroker de Sidney Lumet y fue el primero de sus 33 partituras cinematográficas más importantes. En 1985, coprodujo la adaptación de Steven Spielberg de The Color Purple, de Alice Walker, que obtuvo once nominaciones al Oscar, presentó a Whoopi Goldberg y Oprah Winfrey al público, y marcó el debut de Quincy como productor cinematográfico. En 1991 Quincy ayudó a lanzar la exitosa serie de NBC-TV, The Fresh Prince Of Bel Air, para la cual sirvió como productor ejecutivo.
En 1990, Quincy Jones formó Quincy Jones Entertainment (QJE), una empresa conjunta con Time Warner, Inc. La nueva compañía, que Quincy fungió como CEO y presidente, tenía una amplia agenda multimedia que abarcaba la programación de tecnologías actuales y futuras, incluyendo películas teatrales y redes, televisión por cable y sindicada. QJE produjo Fresh Prince Of Bel Air de NBC Television (ahora en sindicación), y In The House de UPN y Mad TV de Fox Television, entre otros programas sindicados y especiales de televisión. En 1991 Jones fundó VIBE Magazine, y con su grupo editorial VIBE Ventures, adquirió SPIN Magazine antes de ceder sus intereses en la revista.
En enero de 1992, el ejecutivo de Quincy Jones produjo el concierto An American Reunion en el Lincoln Memorial, un concierto y celebración de estrellas que fue el primer evento oficial de la celebración inaugural presidencial y que fue aclamado ampliamente como una retransmisión de HBO.
El 25 de marzo de 1996, Quincy Jones, ejecutiva produjo el espectáculo de premios más visto del mundo, los 68º Premios Anuales de la Academia. El espectáculo fue aclamado como uno de los más memorables de los últimos años.
En 1997, Quincy Jones formó el Quincy Jones Media Group. Los proyectos cinematográficos en desarrollo de QJMG incluyen películas tan esperadas como las adaptaciones de la novela de Ralph Ellison Juneteeth, The Children for Home Box Office de David Halberstam en asociación con los productores Kathleen Kennedy y Frank Marshall, una biografía del poeta ruso del siglo XIX Alexander Pushkin, Pimp and Seeds of Peace for Showtime, entre otros. Para la televisión, QJMG está desarrollando la comedia The White Guy. QJMG también participa activamente en entretenimiento en vivo, marketing de respuesta directa y proyectos cross-media para aplicaciones educativas y de entretenimiento en el hogar.
Como ejecutivo de una compañía discográfica, Quincy se mantuvo muy activo en el campo de la grabación a lo largo de los años 90 como la fuerza rectora detrás de sus propios Qwest Records, que presumía de artistas tan importantes como New Order, Tevin Campbell, Andre Crouch, Patti Austin, James Ingram, Siedah Garrett, Gregory Jefferson y Justin Warfield. El álbum de New Order, Substance ganó a Qwest un álbum de oro en 1987. Tevin Campbell’s T. E. V. I. N. de Tevin Campbell fue a la vez una sensación crítica y un gran éxito comercial, y el lanzamiento del disco de la banda sonora Boyz N The Hood por parte del sello discográfico fue una de las grabaciones de banda sonora más exitosas de 1991. Qwest Records también ha publicado álbumes de la banda sonora de las principales películas Sarafina! y Malcolm X.
En 1994, Quincy Jones lideró un grupo de empresarios, entre ellos Willie Davis, jugador de fútbol del Salón de la Fama, el productor televisivo Don Cornelius, el periodista de televisión Geraldo Rivera y la empresaria Sonia Gonsalves Salzman en la formación de Qwest Broadcasting, una empresa de radiodifusión controlada por minorías que compró estaciones de televisión en Atlanta y Nueva Orleáns por aproximadamente 167 millones de dólares, lo que la convierte en una de las mayores empresas de radiodifusión de propiedad minoritaria de los Estados Unidos. Quincy se desempeñó como presidente y director ejecutivo de Qwest Broadcasting. En 1999, aprovechando la rápida escalada de los valores de las emisoras, Jones y sus socios vendieron Qwest Broadcasting por 270 millones de dólares.
Los laureles, premios y elogios han sido innumerables: Quincy ha ganado un Emmy Award por su partitura del episodio inaugural de la histórica miniserie de TV, Roots, siete nominaciones a los Oscar, el premio Jean Hersholt Humanitarian Award de la Academy of Motion Picture Arts and Sciences, 27 Grammy Awards, y N. A. R. A. A. S.». prestigioso Trustees’ Award y The Grammy Living Legend Award. Es el artista Grammy más nominado de todos los tiempos con un total de 79 nominaciones de Grammy. En 1990, Francia reconoció a Quincy con su título más distinguido, el Commandeur de la Legion d’ Honneur. También ha recibido el Premio de las Artes y Letras Distinguidas del Ministerio de Cultura de Francia. Quincy es galardonado con el Premio de Música Polar de la Real Academia Sueca de Música y el Premio Rudolph Valentino de la República Italiana. También ha recibido doctorados honorarios de Howard University, Berklee College of Music, Seattle University, Wesleyan University, Brandeis University, Loyola University (Nueva Orleans), Clark Atlanta University, La Escuela de Postgrado de la Universidad Claremont, la Universidad de Connecticut, la Universidad de Harvard, la Universidad Tuskegee, la Universidad de Nueva York, la Universidad de Miami y el American Film Institute, entre otras. En 2001, Jones fue nombrado Centro Kennedy Honoree por sus contribuciones al tejido cultural de los Estados Unidos de América. Fue reconocido por el National Endowment for the Arts como un Maestro de Jazz – el más alto honor jazzístico de la nación, y recientemente recibió la Medalla Nacional de las Artes, el más alto honor artístico de nuestra nación.
En 1990, su vida y carrera fueron relatadas en la aclamada película de Warner Bros., Listen Up: The Lives of Quincy Jones, producida por Courtney Sale Ross, una película que ayudó a iluminar no sólo la vida y el espíritu de Quincy Jones, sino que también reveló mucho sobre el desarrollo de la tradición musical afroamericana. Reflexionando sobre los cambios en la música pop a lo largo de los años, Quincy dice:»Si hay algún denominador común, son el espíritu y la musicalidad. Me gusta la música que me pone la carne de gallina, la música que toca mi corazón y mi alma «. A través de los años, Quincy Jones ha alcanzado la esencia de la música y el arte: la habilidad de tocar los sentimientos y emociones de la gente.
En 2001, Quincy Jones agregó el título «Mejor Autor de Venta» a su lista de logros cuando su autobiografía «Q: La Autobiografía de Quincy Jones» ingresó en las listas de best-sellers del New York Times, Los Angeles Times y Wall Street Journal. Publicada por la editorial Doubleday Publishing, la biografía aclamada por la crítica relata la historia de la vida de Jones desde sus días como un joven empobrecido en el lado sur de Chicago a través de una impresionante carrera musical, cinematográfica y televisiva donde trabajó junto a leyendas como Billie Holiday, Ray Charles, Dizzy Gillespie, Count Basie, Ella Fitzgerald y Michael Jackson, entre muchas otras. En conjunción con la autobiografía, Rhino Records lanzó un set de 4 cd boxeado con la música de Jones, abarcando su carrera de más de 5 décadas en el negocio de la música, titulado «Q: The Musical Biography of Quincy Jones».
La grabación de audio de «Q: La autobiografía de Quincy Jones» (Simon & Schuster) le valió a Jones su 27º premio Grammy, en la categoría de Mejor Palabra Hablada, mientras que «P: La Biografía Musical de Quincy Jones» le valió un 15º premio NAACP Image Award, en la categoría de Artista Destacado de Jazz.
En 2008 «The Complete Quincy Jones: My Journey & Passions, (Palace Press) examinó el virtuosismo del hombre Frank Sinatra llamado» Q «, celebrando su prolífica contribución al arte y la cultura estadounidenses. El libro incluía un prólogo de Clint Eastwood, un prefacio de Bono, una introducción de Maya Angelou y una palabra posterior de Sidney Poitier. Compuesta por entrevistas personales y recuerdos de Jones, esta colección se encuentra detrás del velo de la celebridad, con un acceso extraordinario a sus inspiraciones creativas y logros.
Los próximos proyectos de Jones incluyen el próximo lanzamiento de Soul Bossa Nostra, un álbum que incluye a algunos de los artistas y productores discográficos más importantes de la actualidad como Usher, Ludacris, Akon, Jamie Foxx, Jennifer Hudson, Mary J. Blige, T-Pain, Robin Thicke, LL Cool J, John Legend, Snoop Dogg, Wyclef Jean, Q-Tip, Talib Kweli, Three 6 Mafia, David Banner, Bebe Winans, Mervyn Warren, Jermaine Dupri, DJ Paul y Scott Storch, entre otros, que se han unido para celebrar la música del productor, compositor y arreglista ganador de multi-Grammy, grabando versiones contemporáneas de grabaciones populares de su catálogo masivo; el libro «Q on Producing» que relata su larga carrera de seis décadas trabajando en el estudio de grabación con iconos musicales como Count Basie, Duke Ellington, Ella Fitzgerald, Frank Sinatra y Michael Jackson, entre muchos otros; un álbum de dúos con Stevie Wonder y Tony Bennett; así como múltiples proyectos para cine y televisión.
Con una larga historia de trabajo humanitario que comenzó en los años 60 y 70, Jones fue uno de los principales partidarios de la Operación P. U. S. H. de Jesse Jackson. En 1985, fue pionero en el modelo de usar celebridades para recaudar dinero y concientizar sobre una causa con «Somos el mundo». La canción sigue siendo el tema más vendido de todos los tiempos y recaudó más de 63 millones de dólares para aliviar la hambruna etíope. Sin embargo, lo que es más importante, centró la atención en la sequía etíope y el gobierno de Estados Unidos respondió con más de 800 millones de dólares en ayuda.
En 1999, Quincy Jones se unió a Bono y Bob Geldof durante una reunión con el Papa Juan Pablo II como parte de la delegación del Jubileo 2000 para terminar con la deuda del tercer mundo. La visita de la delegación dio lugar a 27.000 millones de dólares en alivio de la deuda mundial para Bolivia, Mozambique y Costa de Marfil.
En 2004, frente a un público en directo de más de medio millón de espectadores, Jones lanzó la iniciativa We Are the Future con un concierto en el que participaron Carlos Santana, Alicia Keyes, Josh Groban, Oprah Winfrey, Norah Jones y una gran cantidad de artistas de todo el mundo. La iniciativa ha establecido Centros Municipales para la Infancia en las ciudades de Addis Abeba (Etiopía), Asmara (Eritrea), Freetown (Sierra Leona), Kigali (Ruanda) y Nablus (Palestina), donde se está capacitando a los jóvenes para dirigir programas infantiles en materia de salud, nutrición, tecnologías de la información y la comunicación (TIC), deportes y artes.
En 2007, Jones y la Escuela de Salud Pública de Harvard unieron sus fuerzas para promover la salud y el bienestar de los niños en todo el mundo a través del Proyecto Q, una iniciativa estratégica del Centro Escolar para la Comunicación en Salud. A través del uso estratégico de los medios de comunicación, el Proyecto Q desafía a los líderes y ciudadanos del mundo a proporcionar recursos esenciales para que los jóvenes alcancen su pleno potencial.
Un elemento central del Proyecto Q es el Premio Q, que reconoce el liderazgo extraordinario de personalidades públicas y empresarios sociales que defienden las necesidades de los niños. El Premio Q inaugural se otorgó en enero de 2007 a Scott Neeson, fundador del Fondo Camboyano para la Infancia, y se recaudaron más de 600.000 dólares para apoyar la labor de Neeson. El Premio Q 2008 se otorgará el 23 de octubre en la ciudad de Nueva York.
A través de su fundación personal, The Quincy Jones Foundation, Jones fomenta la concienciación y los recursos financieros para las iniciativas que apoyan los problemas mundiales de la infancia en zonas de conflicto, la erradicación del paludismo, el agua potable y los esfuerzos para restaurar la costa del Golfo (post-Katrina). Los socios filantrópicos incluyen Malaria No More, Millennium Promise y la Fundación New Look de la cantante de R&B Usher.
