Lynne Arriale Trio ::: Being Human

Lynne Arriale Trio ::: Being Human

Being Human

Lynne Arriale Trio

Challenge Records | Marzo 1, 2024

Lynne Arriale Trio - Being Human

 

 

Cuánto te gustó?     1 estrella2 estrellas3 estrellas4 estrellas5 estrellas
Cargando...

1 Passion 4:21
2 Courage 3:35
3 Love 3:16
4 Faith 3:34
5 Curiosity 2:43
6 Soul 3:44
7 Persistence 4:14
8 Heart 4:29
9 Gratitude 3:29
10 Joy 4:13
11 Love (Reprise) 2:42

 

Lynne Arriale, piano
Alon Near, contrabajo
Lukasz Zyta, batería

 

La extraordinaria carrera de Lynne Arriale está marcada por un compromiso poco común con la autenticidad y la vulnerabilidad, definido por un cuidadoso trabajo artesanal y un alto nivel artístico. Es precisamente esta voluntad de permanecer tan emocionalmente expuesta lo que hace que sus interpretaciones sean tan accesibles para los amantes de la música de todo tipo.
All About Jazz

Puede que no haya ningún artista de jazz en activo que aporte un espectro más amplio de ideas musicales a la conexión de la mente y el corazón. La poetisa laureada de su generación...., una impresionante compositora y prolífica artista que ha seguido a su musa sin concesiones.
Jazz Police

Lynne Arriale

Escribí esta suite en respuesta a la división y agitación de nuestro mundo. La música se centra en cualidades que todos compartimos y que conforman nuestra humanidad. Espero que este álbum sea edificante y transmita un sentimiento de unidad y optimismo. Las dedicatorias reflejan mi admiración por quienes creo que personifican las cualidades que inspiraron la música.
Lynne Arriale

Being Human, el decimoséptimo álbum de la pianista y compositora Lynne Arriale, es el cuarto que publica para Challenge Records International. Lynne está acompañada por el bajista Alon Near y el batería Lukasz Zyta en una serie de composiciones originales que exploran las facetas vitales de la humanidad. Being Human está dedicado a las cosas que conforman nuestra mejor naturaleza y a las personalidades célebres o desconocidas que las encarnan.

En los últimos años, las composiciones y álbumes de Lynne han reflejado temas sociales de actualidad. Chimes of Freedom (2020) pone de relieve la crisis mundial de la inmigración y las experiencias de los refugiados que lo arriesgan todo para encontrar una vida mejor para ellos y sus familias. The Lights Are Always On (2022) trata de los acontecimientos que cambiaron la vida de los afectados por el COVID-19. Varias composiciones llevan el nombre de héroes, entre ellos los que sirvieron como cuidadores en el frente de la pandemia y los que defendieron la democracia estadounidense.

En Being Human, las composiciones de Lynne celebran las formas en que nuestras vidas se enriquecen con la pasión, el valor, el amor, la perseverancia, el corazón, el alma, la curiosidad, la fe y la alegría. En respuesta a los efectos negativos de la polarización en la sociedad y la cultura, Lynne creó este álbum como una afirmación de amor, esperanza y unidad. Es una inspiración musical para apreciar plenamente el increíble potencial que hay en cada uno de nosotros y para vivir nuestras vidas individual y colectivamente como la mejor expresión de lo que significa ser humano.

*****

La carrera de la pianista y compositora Lynne Arriale está marcada por el amor a la melodía y el placer del descubrimiento musical. Arriale ha actuado en conciertos y festivales internacionales durante los últimos 25 años. Es una narradora consumada que conecta inmediatamente con sus oyentes. JazzTimes escribió: "Logra una conexión especial y profunda con su público, y la energía fluye en ambos sentidos. La autenticidad emocional de Arriale permite a su público sentir y pensar junto a ella... La música de Lynne Arriale se encuentra en la intersección sináptica donde el cerebro se encuentra con el corazón, donde el cuerpo se encuentra con el alma. Es una de las voces más intensamente singulares del jazz".

En el centro del atractivo de Arriale está su capacidad para comunicarse con su banda y sus oyentes. Jazz Police la ha calificado de "poetisa laureada de su generación" y ha recibido elogios constantes por su singular voz como pianista, líder, compositora y arreglista. "Realmente no puedo compararla con nadie", dijo su reciente colaborador y ganador de varios Grammy Randy Brecker. "Su música trasciende la palabra 'jazz': es pura música".

Arriale fue la ganadora del primer premio del Concurso Internacional de Piano Great American Jazz de 1993, y pronto lanzó su carrera de giras y grabaciones. Sus 14 álbumes como líder han encabezado las listas de Jazzweek Radio Charts; Inspiration y Arise- #1, Come Together #3, Nuance #4 y han sido incluidos en numerosas listas de "Best Of", incluyendo The New Yorker y United Press International. LIVE (CD/DVD) fue nombrado uno de los mejores CD de jazz por UPI y entre los mejores CD del año por The New Yorker Magazine. Solo fue nombrado uno de los mejores CD de 2012 por JAZZIZ Magazine, y Convergence fue nombrado uno de los 50 mejores CD de 2011 por JazzTimes. Arriale fue #13, #17 y #18 en la categoría de piano para los Downbeat Reader's Poll de 2015, 2016 y 2018.

Arriale realizó una gira por Japón con "100 Golden Fingers", un grupo que incluía a los icónicos pianistas de jazz Tommy Flanagan, Hank Jones, Monty Alexander, Cedar Walton, Kenny Barron, Harold Mabern, Roger Kellaway, Junior Mance y Ray Bryant. Arriale ha tocado y/o grabado con los grandes del jazz Randy Brecker, George Mraz, Benny Golson, Rufus Reid, Larry Coyell y Marian McPartland, por nombrar algunos.

Los grandes festivales de jazz y escenarios de conciertos del mundo han invitado a Lynne a actuar, incluyendo cinco actuaciones en el Kennedy Center y actuaciones adicionales en Lincoln Center, Montreux, Burghausen, Gilmore, Spoleto Arts, Montreal, Monterey, North Sea, Stuttgart, Pori, San Francisco, Ottawa, Zagreb, Perth, Brisbane, Rouen, Cannes MIDEM, Cerdeña, Rochester, Wigan, Poznan, Estoril, Palermo, Inverness, Cork y San Javier.

Dedicada a la enseñanza y a Yamaha, Arriale es actualmente profesora de estudios de jazz y directora de pequeños conjuntos en la Universidad del Norte de Florida, en Jacksonville. Ha formado parte del profesorado de los Jamey Aebersold Summer Jazz Workshops, el Centrum Port Townsend Jazz Workshop, el Thelonious Monk Institute de Aspen y numerosos cursos y talleres en todo el mundo, incluidos EE.UU., Reino Unido, Europa, Canadá, Brasil y Sudáfrica. Es miembro y representante de pedagogía pianística de The Jazz Education Network y ha sido jurado en el Concurso de Jazz de Montreux, en los premios American Pianists Association Fellowship Awards, en el Concurso Mary Lou Williams del Kennedy Center y en el Concurso de Piano de Jacksonville. Junto con el icono del jazz Toshiko Akiyoshi, fue mentora destacada en el Taller de Artistas Emergentes Mary Lou Williams del Kennedy Center.

 

 
lynnearriale.com 
challengerecords.com 

Taylor Eigsti  ::: Plot Armor

Taylor Eigsti ::: Plot Armor

Plot Armor

Taylor Eigsti

GroundUP Music | Marzo 1, 2024

Taylor Eigsti - Plot Armor

 

 

1 estrella2 estrellas3 estrellas4 estrellas5 estrellas Cargando...

1. Let You Bee
2. Bucket of F’s (feat. Ben Wendel)
3. Look Around You (feat. Becca Stevens)
4. Plot Armor
5. Light Dream (feat. Terence Blanchard)
6. Fire Within (feat. Lisa Fischer)
7. The Rumor
8. Actually
9. Beyond The Blue (feat. Gretchen Parlato)
10. 201918
11. Bewitched Bothered and Bewildered
12. Bad Sport Lobby

 

 

Taylor Eigsti - piano
Lisa Fischer - vocals
Gretchen Parlato - vocals
Becca Stevens - vocals
Terence Blanchar - trumpet
Ben Wendel - saxophone
Dayna Stephens- saxophone
Charles Altura- guitar
Julian Lage - guitar
Maya Kronfeld, - keyboards, piano
David “DJ” Ginyard - bass
Harish Raghavan - bass
Oscar Seaton, Jr. - drums
Kendrick Scott - drums
Stephanie Yu - strings
Corinne Sobolewski - strings
Mia Barcia-Colombo - strings
Jules Levy - strings

 

Taylor Eigsti

Noveno álbum del pianista-compositor luego de su anterior Tree Falls, ganador del GRAMMY, y debut en el sello GroundUP Music cuenta con un batallón de grandes figuras del ambiente, doblando la mayoría de los instrumentos, en una reunión épica para un álbum tremendo!!

"El único instrumento que no tuvo más de un representante fue la flauta", señala. "Pero Rebecca Kleinmann hacía triplete la mayor parte del tiempo y tocaba diferentes partes. Así que, al menos, tenía clones.

"Quería construir todo el disco en torno a dos conceptos: Uno era utilizar las bandas con las que toco a menudo: Oscar y DJ y Charles y Maya", dice Eigsti. "Y también quería que hubiera más de un representante de cada instrumento en este disco. Ha sido una enorme fuente de alegría tocar con Harish, Kendrick y Julian a lo largo de los años, y estoy muy contento de que hayan podido unirse a nosotros en este proyecto."

Plot Armor continúa el enfoque ganador de Eigsti de mostrar once de sus composiciones originales más un estándar. Con as arreglos de cuerda de Andrew Balogh, su exuberancia orquestal muestra la destreza compositiva de Eigsti y sus experiencias compartiendo el atril con el Turtle Island String Quartet como miembro de la banda E-Collective de Blanchard (junto con Altura, Ginyard y Seaton). "The Rumor" comenzó como una improvisación entre Eigsti y el violista de Turtle Island Benni von Gutzeit.

"Andrew realmente convirtió estos arreglos de cuerda en uno de los componentes más importantes de todo este disco", reflexiona Eigsti. "He escrito mucha música para orquesta sinfónica a lo largo de los años, y Andrew añadió una dimensión tan hermosa a estas melodías con sus orquestaciones que captura una calidad cinematográfica en todo el disco".

"Let You Bee" (una canción que Eigsti describe como un homenaje a un abejorro que no le dejaba en paz) abre Plot Armor y llega a su conclusión con una magistral mini-clase magistral de guitarra de Altura. "Charles personifica a la abeja", señala Eigsti. "Le oyes hacer un solo hacia el final de esa melodía, y se convierte en la abeja, libre para zumbar por donde le plazca".

"Taylor hace un gran trabajo creando un espacio creativo para que todos colaboren y se sientan naturales", dice Altura. "Es un maestro a la hora de unir a sus diferentes comunidades".

"Look Around You" es una adaptación de la ambiciosa obra de Eigsti "Imagine Our Future" Hewlett 50 Arts Commission, que se estrenó en 2022 en la Community School of Music de Mountain View (California) y en la que participaron músicos de la talla de Fischer, Kleinmann y Wendel. "La melodía trata sobre apreciar los pequeños detalles que hay a tu alrededor", comparte Eigsti. "Desde el punto de vista de la textura, quería que esta pieza ofreciera al oyente algo diferente con lo que sintonizar cada vez. Así que hay instrumentos que se transforman en otros y aparecen de la nada para representar las pequeñas cosas que nos rodean y que a veces no notamos, pero que nos hacen ser quienes somos."

La canción que da título al disco es un tema filosófico sobre el que Eigsti ha estado reflexionando: "Es el concepto de protección del personaje dentro de una historia y simplemente reconocer que hay un propósito en la creación de algo que quizá aún no comprendas", explica. "Hay muchas analogías con mi propia vida, con el hecho de haber sobrevivido a mi familia más cercana. Siento que tiene que haber un propósito para eso. Si estás aquí sobreviviendo, es por algo."

"Me encuentro con esas razones todo el tiempo de diferentes personas a las que la música afecta de una determinada manera", continúa. "A veces me dicen que escribieron algo porque escucharon algo que yo toqué. Creo que hay una reacción en cadena y un propósito detrás de crear algo y poner esa música en el mundo en el que es importante tener confianza. Te permite entonces escribir sin miedo sabiendo que la razón por la que has creado algo se revelará mucho más tarde".

"Light Dream" fue escrita en honor a Wayne Shorter, fallecido el 2 de marzo de 2023. E-Collective ha homenajeado al titán del saxofón y legendario compositor, y Eigsti quiso presentar sus respetos con Blanchard a la trompeta. "La música de Wayne me hace sentir como cuando me duermo con las luces encendidas y tengo diferentes tipos de sueños con lucidez e inspiración.De ahí viene ese título", revela.

La madre de Eigsti, Nancy, recibe el primero de los dos homenajes oficiales a través de "Fire Within", que supone su debut póstumo como letrista. "Falleció sólo dos semanas antes de que empezara a grabar este álbum", cuenta. Eigsti se planteó tomarse un descanso para prolongar el luto, pero sabía que su madre habría querido que perseverara. "Mi cabeza y mi corazón estaban muy metidos en este disco, y lo llevé a este proyecto."

"Era una escritora muy buena y nunca hizo nada con ello. Repasar todos sus escritos después de que falleciera -sus diarios y agendas- me permitió conocer mejor su mundo interior. Encontré muchas frases y metáforas increíbles en su forma de escribir".

"No tenía intención de grabar 'Fire Within' cuando empecé a planear este disco. Simplemente pedía ser grabada. Cuenta su historia de una forma que creo que ella habría aceptado. Significó mucho grabarlo con Lisa y Julian porque los considero como de la familia, y la forma en que Lisa se adentró en el personaje de mi madre en esa pieza es algo que siempre recordaré."

"'Beyond the Blue', con la letra de Gretchen, trata literalmente de la pérdida y el más allá", dice Eigsti, de la segunda canción en honor a su madre. (La versión japonesa de Plot Armor contiene una interpretación de "Nancy with the Smiling Face", sin duda el tema favorito de su madre).

Como niño prodigio que creció en la península de la bahía de San Francisco, Eigsti memorizó, interpretó y tocó muchas canciones. Su versión de "Bewitched, Bothered and Bewildered" puede que refleje esa parte de su juventud. Pero lo hace desde una perspectiva decididamente adulta.

"He estado realmente obsesionado con la letra de 'Bewitched, Bothered and Bewildered'", admite. "Cuanto más avanzas en los versos, más real se vuelve. Es genial porque hay una evolución desde el principio, cuando ves a alguien totalmente obsesionado con otra persona. Luego se examinan los pros y los contras. Al final, es 'Bewitched, bothered and bewildered no more', que creo que es una resolución importante, así que la traté como una canción de ruptura".

Aunque Plot Armor suena relajado y como si se hubiera grabado en una serie de sesiones de grupo en directo, es otra producción con muchas capas que es un testimonio de la ética de trabajo bien organizada de Eigsti como líder de banda y músico independiente. "Para Tree Falls, básicamente lo hice todo en seis días de grabación. Y con esto, fueron en total unos 70 días en el estudio, con más de 20 a 30 días de grabación en los que sólo añadimos cosas diferentes", dice. "Lo hicimos gradualmente, con diferentes sesiones en Los Ángeles y Nueva York."

"Tengo la suerte de haber encontrado un grupo de gente increíblemente abierta que fomenta la exploración, el descubrimiento y la música nueva", concluye. "Y hay un gran elenco de gente en GroundUP. Ya soy un gran fan de mucha de su música y soy amigo de tanta gente de su sello que me siento como en otra familia."

MÁS SOBRE TAYLOR

Nacido el 24 de septiembre de 1984 y criado en Menlo Park, California, en la península de la bahía de San Francisco y a la sombra del campus de la Universidad de Stanford (y futuro primer hogar de Facebook), Eigsti empezó a tocar el piano a los cuatro años. Fue un niño prodigio y su primera actuación remunerada fue a los ocho años, como telonero de su colega pianista y compositor, y futuro mentor, David Benoit.

Tras estudiar en la Universidad del Sur de California durante año y medio, Eigsti vivió y trabajó en la zona de Los Ángeles de 2004 a 2007, antes de trasladarse a Oakland durante año y medio. Vive en Nueva York desde 2008 y ha publicado ocho álbumes de estudio y una grabación en directo. Tree Falls fue galardonado con el premio al Mejor Álbum Instrumental Contemporáneo en la 64 edición de los premios Grammy en abril de 2022.

 

 

tayjazz.com 

 

Julian Lage ::: Speak To Me

Julian Lage ::: Speak To Me

Speak To Me

Julian Lage

Blue Note Records | Marzo 1, 2024

Julian Lage - Speak To Me

 

 

Cuánto te gustó?     1 estrella2 estrellas3 estrellas4 estrellas5 estrellas
Cargando...

1 Hymnal 2:22
2 Northern Shuffle 6:04
3 Omission 3:26
4 Serenade 5:20
5 Myself Around You 5:58
6 South Mountain 5:16
7 Speak To Me 4:15
8 Two And One 4:19
9 Vanishing Points 4:26
10 Tiburon 4:23
11 As It Were 5:09
12 76 4:37
13 Nothing Happens Here 4:14

 

Julian Lage - guitar
Jorge Roeder - bass
Dave King - drums

 

 

Julian Lage

El nuevo álbum de Julian Lage, vívido y maravillosamente texturado, Speak To Me, ofrece una serie de despachos de su continua búsqueda de una narrativa más allá de las palabras. Íntimo en el tono y amplio en la intención, el álbum representa parte de la música más ambiciosa que Lage ha documentado hasta la fecha. Sus originales recorren un amplio abanico de la música americana y se deleitan con el cruce deliberado de cables entre el himno gospel y el blues rural, el sol de la canción de autor californiana y el jazz skronky.

Una de las piezas evoca el movimiento de un río ("Nothing Happens Here"), y en otra Lage aporta un visceral desenfreno free-jazz a un complicado tirabuzón de un tema surf-rock ("Speak To Me"). Puede que las canciones se alejen de la ordenada exposición verso/estribillo del pop, pero sus melodías son, no obstante, un gusano para los oídos. Todas están impregnadas de un trasfondo emocional de esperanza, inquietud y duda; algunas de ellas, como la pensativa "Omission" y la increíblemente lenta "Serenade", destacan por sus dramáticas pausas humanas. Otras melodías se deslizan de un lado a otro, tomando repentinos giros en cola de pez.

Speak To Me muestra al guitarrista y compositor en una variedad de escenarios, incluyendo un solo acústico, un dúo, su habitual trío con el bajista Jorge Roeder y el batería Dave King, y un conjunto más amplio con teclados (de Kris Davis y Patrick Warren) y vientos de madera (Levon Henry). Es el cuarto trabajo de Lage para Blue Note, y forma parte de un torrente de actividad creativa que incluye su participación en el proyecto Trio of Trios de Charles Lloyd y discos con Terri Lynn Carrington, John Zorn y Cautious Clay.

Speak To Me fue producido por Joe Henry, el cantante, compositor y productor responsable de álbumes emblemáticos de Solomon Burke, Allen Toussaint y muchos otros. Cuando Henry escuchó las canciones de Lage en bruto -muchas como notas de voz de su teléfono- dice que le cautivó inmediatamente el reto del proyecto: "Para mí se convirtió en '¿Cómo podemos hacer un disco en el que Julian improvise, como es su don, mientras nosotros nos ocupamos de la canción? Todo tenía que estar al servicio de la forma de la canción".

Esto, dice Lage, era lo que él también quería.

"A lo largo de mi vida, siempre he respondido a la música que tiene una cualidad narrativa", dice Lage, explicando que ve sus recientes composiciones menos como una desviación que como una extensión de originales de álbumes anteriores, en particular su debut en Blue Note en 2021, Squint. "Creo que hay una especie de tejido conectivo que tiene la música, y es importante, y es divertido cultivarlo".

Las canciones que componen Speak To Me tienen esta cualidad en abundancia, junto con melodías ampliamente líricas que se mueven con gracia serena en las meditaciones acústicas, o un salvajismo temerario en pistas rítmicas como la arrastrada "76." Lage los escribió durante un inesperado torrente de inspiración en los primeros meses de 2023, escribiendo música a un ritmo febril sin pararse a pensar en la instrumentación ni en nada más.

La juerga de composición de Lage coincidió con una gira europea planeada desde hacía tiempo con su trío. El guitarrista lo recuerda como una especie de sueño. "Escribía constantemente... Sin proponérmelo, me metí de lleno en la composición. Escribía música mientras esperaba el avión, llegábamos al hotel e inmediatamente empezaba a editar. Luego escribía más. Todos los días eran así".

Lage dice que, a medida que avanzaba la gira, se dio cuenta de que las actuaciones ofrecían una oportunidad única de trabajar este nuevo material. Y admite que algunas melodías lo necesitaban: Aunque las melodías de Speak To Me son sencillas (Lage dice que cada una cabe en una sola página de papel manuscrito), muchas de ellas se basan en detalles recurrentes intermitentes, como golpes de parada o cambios repentinos de tempo, que añaden suspense. Con el tiempo, la interacción del trío se convirtió en una extensión de lo que estaba escrito.

"Siempre hemos hecho largas pruebas de sonido", dice Lage, "para asegurarnos de que todo va bien antes de una actuación. En esta gira, como estaba escribiendo tanto, me presentaba y decía: "Vale, tenemos que tocar 30 canciones". Y lo hicimos. Dave y Jorge contribuyeron a dar forma a las canciones. Todos nos metimos en la música más allá de las notas, ya sabes, '¿cuál es la firma de esta melodía, qué está diciendo? Es una de las cosas que más me gustan del disco. Estábamos en la decimoprimera iteración de la mayoría de estas melodías cuando pulsamos el botón de grabación".

Speak To Me se grabó rápidamente, en pocos días. En lugar de preproducción, Lage y Henry mantuvieron una constante discusión electrónica sobre el tono, el temperamento y la misión durante meses antes de las sesiones. Cuando Lage se sentía frustrado porque una canción que había escrito no encajaba con las demás, enviaba una maqueta a Joe. "Le decía: 'Estoy a punto de desechar esta. ¿Forma parte de la historia que intentamos contar con las otras piezas? Varias veces le dije que creía que una melodía no encajaba. Y él me decía que sí; así rescató unas cuantas melodías".

"Eso", continúa Lage, "me mostró cómo Joe mantiene un espacio para que las cosas sucedan. A veces eso significa apartar a todo el mundo del camino, o proteger la melodía de que alguien se interponga. Es como si tuviera un campo de fuerza alrededor del proyecto".

Lage hace una pausa para maravillarse de cómo Henry consiguió dar forma al ambiente de Speak To Me sin hablar demasiado. "De forma muy discreta, guiaba las cosas. Me ayudó a soltarme y a centrarme en reforzar las cualidades musicales de las canciones. Estaba con las canciones".

 

julianlage.com 
bluenote.com 

 

Daniel Herskedal ::: A Single Sunbeam

Daniel Herskedal ::: A Single Sunbeam

A Single Sunbeam

Daniel Herskedal

E2 Music | Marzo 1, 2024

Daniel Herskedal - A Single Sunbeam

 

 

Cuánto te gustó?     1 estrella2 estrellas3 estrellas4 estrellas5 estrellas
Cargando...

1. To Render In Paint 3:26
2. Eclipse Cycles 5:02
3. Two Shades 4:10
4. Light A Candle 3:30
5. A Single Sunbeam 4:56
6. Tunnel 5:33
7. Between Science and Superstition 5:06
8. Your Inner Shadow 5:41

 

Daniel Herskedal - brass
Marja Mortensson - vocals
Ola Kvernberg - strings & electronics
Helge Andreas Norbakken - drums

Recorded in Norway autumn 2023
Recorded by the artists
Mixed by August Wanngren at Virkeligheden, September 2023
Mastered by Thomas Eberger at Stockholm Mastering October 2023

"El tubista noruego Daniel Herskedal puede, sin dudarlo, calificarse de excepcional".
Concerto Magazine

Daniel Herskedal

En el panorama musical contemporáneo, donde las fronteras son cada vez más difusas, Daniel Herskedal se erige como un faro de innovación y virtuosismo. Desde su aparición en 2015 se ha labrado una formidable reputación como músico de gran profundidad, intensidad emocional y virtuosismo brillante, al tiempo que ha llevado al límite las fronteras de su instrumento. Su último álbum, "A Single Sunbeam", es un momento crucial en su carrera, que marca una profunda afirmación de su identidad como artista que, al igual que Nils Frahm y Max Richter, atraviesa géneros sin esfuerzo y desafía las convenciones de lo que se puede hacer con sus instrumentos, la trompeta baja y la tuba.

Herskedal, maestro del sonido y la belleza sonora, siempre ha tenido el don de crear música tan melódica como audaz. "A Single Sunbeam" lo eleva a nuevas cotas. Es un álbum en el que las texturas ambientales, las capas atmosféricas y las melodías sublimes convergen con una calidez inconfundible. La trompeta baja y la tuba resuenan con una riqueza que es a la vez cinematográfica e intensamente personal. Este álbum destaca como el trabajo más meditativo y ambiental de Herskedal hasta la fecha. Refleja su capacidad única para combinar la resonancia profunda y cinematográfica de la tuba con las melodías elevadas y cargadas de emoción de la trompeta baja. La incorporación de voces inspiradas en el folk noruego, una programación de cuerdas llena de matices y una percusión idiosincrásica enriquecen aún más el tapiz sonoro.

Daniel Herskedal es un compositor y tubista con un talento extraordinario para ampliar los límites de su instrumento. Su obra, inspirada en las atmósferas y paisajes que le rodean, no sólo ha adoptado sus raíces en el jazz y la música clásica, sino que también se ha abierto camino en bandas sonoras de películas y campañas publicitarias mundiales. La trayectoria artística de Herskedal queda aún más ilustrada por sus colaboraciones con instituciones tan estimadas como la Orquesta de Conciertos de la BBC, y su reconocimiento en forma de prestigiosos galardones, entre los que destaca el Premio Spellemann, el Grammy noruego. Estos logros ponen de relieve su excepcional versatilidad y el amplio reconocimiento que ha cosechado como artista de notable calibre.

"A Single Sunbeam" es una invitación a las profundidades de la meditación musical. Representa una mezcla perfecta de géneros, un viaje que promete cautivar y calmar el alma. Este álbum es un testimonio de la destreza de Herskedal como músico que reimagina continuamente los límites de su forma de arte, estableciéndose firmemente como una figura fundamental en la narrativa en evolución de la música contemporánea.

****

Daniel Herskedal (ganador del premio a la mejor partitura original y supervisión musical, Ambies 2022 y ganador del premio Spellemann de composición, 2021) es un músico y compositor de extraordinaria habilidad que está llevando al límite los límites de su instrumento. Su música fluye y refluye con total gracia y aplomo, fusionando a la perfección el espíritu del jazz con el arte compositivo de la música clásica. Pocas veces se escucha a un músico con tanta profundidad, intensidad emotiva y virtuosismo brillar al tiempo que lleva al límite los límites de su instrumento. El alcance cinematográfico de su música es obvio en la forma en que conjura paisajes en sus composiciones (como es evidente en su serie elemental de álbumes Slow Eastbound Train, The Roc, Voyage, Call for Winter y Harbour) y lo ha llevado a trabajar en bandas sonoras, junto con su último álbum 'Out of the Fog' con la cantante y compositora Emilie Nicolas, que sale en octubre de 2022.

En 2019, Herskedal debutó como compositor de música de cine con la música para 'The Last Black Man In San Fransisco', producida por Brad Pitt. En 2020, compuso la música para el anuncio mundial de Coca Cola (Open Like Never Before featuring George the Poet). En 2021, recibió el premio Spellemann en la categoría de compositor por el álbum en solitario 'Call For Winter', y actualmente participa en la música para Pineapple Street Studios y la conmemoración de los 20 años del 11 de septiembre de Amazon Music en la serie de podcasts '9/12'.

En 2021, Herskedal recibió encargos de obras para Trondheim, Stavanger y Moldejazz con Emilie Nicolas, Eivind Aarset y Helge Norbakken. Además, publicó el álbum Harbor con su conjunto habitual con Eyolf Dale y Helge Norbakken. Harbor fue nombrado álbum mundial de jazz del año por la revista británica Presto Music. También compuso música para la producción "GIFT" del Teatret Vårt. En otoño publica el álbum "Raajroe - The Reindeer Caravan" con Marja Mortensson y KORK, Herskedal es co-compositor, solista y orquestador, el álbum ha sido nominado para Spellemann en la clase de música tradicional.

 

 

danielherskedal.com 

Craig Taborn ::: Feb 20, 1970

Craig Taborn ::: Feb 20, 1970

Craig Taborn

Craig Taborn ::: Febrero 20, 1970

"La inclinación de Taborn por mantener la fluidez creativa a través de un abanico de 360 grados de taxonomías estilísticas, en contextos "interiores" y "exteriores", acústicos o electrónicos, le convierte en una figura singular entre los improvisadores de su generación" - Downbeat Magazine

Nacido en Minneapolis, Minnesota, CRAIG TABORN lleva más de veinticinco años tocando el piano y la música electrónica en la escena del jazz, la improvisación y la música creativa. Tiene experiencia en componer e interpretar en una amplia variedad de situaciones, como el jazz, la nueva música, la electrónica, el rock, el ruido y los contextos de vanguardia.

Taborn ha tocado y grabado con muchas luminarias en los campos del jazz, la improvisación, la nueva música y la música electrónica, como Roscoe Mitchell, Wadada Leo Smith, Lester Bowie, Dave Holland, Tim Berne, John Zorn, Evan Parker, Steve Coleman, David Torn, Chris Potter, William Parker, Vijay Iyer, Kris Davis, Nicole Mitchell, Susie Ibarra, Ikue Mori, Carl Craig, Dave Douglas, Meat Beat Manifesto, Dan Weiss, Chris Lightcap, Gerald Cleaver y Rudresh Manhathappa.

Actualmente, Taborn está ocupado creando e interpretando música para piano solo (Avenging Angel), trío de piano (Craig Taborn Trio), un proyecto electrónico (Junk Magic), el cuarteto Daylight Ghosts, un dúo de piano/batería/electrónica con Dave King (Heroic Enthusiasts) y un nuevo trío con Tomeka Reid y Ches Smith, así como colaboraciones en dúo de piano con Vijay Iyer (The Transitory Poems), Kris Davis (Octopus) y Cory Smythe. También es miembro del grupo de art-pop electrónico instrumental Golden Valley is Now y actúa con frecuencia con la electrónica en solitario.

Su obra conceptual 60 x Sixty ya está disponible en todo el mundo, de forma gratuita, en 60xSixty.com

Craig vive en Brooklyn.

 

craigtaborn.com