Matthieu Bordenave ::: The Blue Land

Matthieu Bordenave ::: The Blue Land

The Blue Land

Matthieu Bordenave

ECM | Enero 26, 2024

Matthieu Bordenave - The Blue Land

 

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1 La Porte Entrouverte 5:43
2 The Blue Land 5:21
3 Compassion 5:32
4 Cyrus 3:41
5 Refraction 4:42
6 Distance 4:01
7 Three Four 6:04
8 Timbre 4:41
9 Three Peaks 4:16

Matthieu Bordenave - Tenor Saxophone
Florian Weber - Piano
Patrice Moret - Double Bass
James Maddren - Drums

RECORDED October 2022, Studios La Buissonne, Pernes les Fontaines

"Matthieu Bordenave se ha establecido como una de las figuras destacadas del jazz europeo contemporáneo. Sus pinturas tonales son cuadros atemporales de encantadora belleza y poder".

ARD - Emisión nacional alemana

Para la continuación de su debut como líder de ECM, La traversée, el saxofonista francés Matthieu Bordenave amplía su trío, formado por el pianista alemán Florian Weber y el bajista suizo Patrice Moret, con la sensibilidad única del batería James Maddren, cuyo implacable pulso añade un hábil contrapunto al ya idiosincrático sonido del grupo. La revista Jazzwise calificó la anterior grabación del saxofonista como "un grácil río de sonido. Por muy serena y meditativa que sea esta música, también tiene estallidos, o más bien parpadeos de energía y un movimiento audaz, centrado y fluido, que vigoriza todo el contrapunto atmosférico". Los destellos de energía se amplifican en The Blue Land, preparando el escenario para una interacción angulosa en la que cada intérprete se desenvuelve en rápidos contrapuntos e invenciones melódicas.

Al componer la música para el álbum, Matthieu "tuvo la idea de un sonido de banda -un sonido global- en el que todos desarrollaban la música juntos, creando un carácter sonoro inmediatamente reconocible". El carácter único y el enfoque colectivo son evidentes desde los sonidos de búsqueda del tema introductorio "La Porte Entrouverte", en el que cada intérprete entra en escena consecutiva y pacientemente, y las cualidades texturales de la comunicación del grupo se trasladan al tema que da título al disco para seguir evolucionando.

El cuarteto hace un guiño al Coltrane de los últimos tiempos y ofrece su "Compassion" con una interpretación profundamente concentrada, recorriendo el matizado espectro musical entre lo preconcebido y lo completamente libre. El resto del material, compuesto por originales de Bordenave, sigue el mismo método, tendiendo puentes entre la dinámica del jazz de cámara y los diseños post-swing. La aproximación oblicua de Weber y Bordenave a sus instrumentos -se puede escuchar a Bordenave tanto en el saxo tenor como en el soprano- se fusionan a la perfección, hilando líneas imprevistas sobre las conversaciones altamente interactivas entre Maddren y Moret.

Otras piezas del álbum están inspiradas en las experiencias del saxofonista en la naturaleza, haciendo senderismo por los Pirineos, donde creció. "Three Peaks", en particular, nació del silencio absoluto que Matthieu experimentó en la cumbre que da título a la pieza. "Timbre", por su parte, es una investigación sobre los diferentes registros del saxo soprano, con Matthieu y el grupo en estado de alerta, doblando una tendencia modal al borde de la vanguardia.

Sobre su metodología, Matthieu señala que intenta "componer una melodía con elementos muy pequeños, pequeñas frases y básicamente sin una forma. En su lugar, la yuxtaposición de pequeños fragmentos melódicos debe crear de forma natural una estructura fluida con una dinámica interna autoimpuesta". Esta noción se destila en las exploraciones musicales del cuarteto, con dichos elementos saltando a la perfección del piano de Florian al saxofón de Matthieu, traspasando las filas con facilidad y sensación de sorpresa.

Matthieu y Florian tocan juntos desde hace unos diez años, y en un principio colaboraron en un proyecto sobre la música de Edith Piaf; The Blue Land es su segunda colaboración de estudio hasta la fecha. Lo mismo ocurre con Patrice Moret, que se unió al dúo justo antes de La Traversée. James Maddren es la segunda vez que se le escucha en el sello, después de su participación en el trío de Kit Downes en Vermillion en 2022.

The Blue Land fue grabado en Pernes-Les-Fontaines en 2022 y producido por Manfred Eicher.

*****

Matthieu Bordenave es un saxofonista y clarinetista francés que actualmente reside en Múnich, Alemania. Nacido en 1983 en el sur de Francia, comenzó sus primeros estudios musicales con el saxofonista clásico Christian Charnay y con Thierry Girault (jazz) en Annecy, antes de trasladarse a París a los 17 años, donde siguió trabajando con André Villéger. Ingresa en el conservatorio nacional (CNSM), donde estudia en su departamento de jazz y música improvisada. Entre sus profesores en París figuran Chris Potter, Louis Sclavis, Paolo Fresu, Marc Johnson y los clarinetistas Jean-Marc Volta y Philippe-Olivier Deveaux. Su formación musical continuó en la Musikhochschule de Múnich, donde se graduó con un máster en música y recibió el premio DAAD durante sus estudios.

Ha tocado con algunos de los músicos más destacados, como Lee Konitz, Rudi Mahall, Yaron Herman, Henning Sieverts, Florian Weber, Shinya Fukumori, Peter O'Mara y Geoff Goodman.

En Enja Records publica dos álbumes con su trío "Le Café Bleu International", así como en cuarteto con "Terre de Sienne". También graba un álbum con el guitarrista estadounidense Geoff Goodman: "Inverted Forest" en Doublemoon Records. En 2018, debuta en el legendario sello ECM Records con el Shinya Fukumori Trio.

Su álbum de debut como líder "La traversée" (2020) en ECM records recibió críticas entusiastas.

 

 

ecmrecords.com 
matthieu-bordenave.com

Matthieu Bordenave Quartet
Ethan Iverson ::: Technically Acceptable

Ethan Iverson ::: Technically Acceptable

Technically Acceptable

Ethan Iverson

Blue Note | Enero 19, 2024

Ethan Iverson - Technically Acceptable

 

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1 Conundrum 1:31
2 Victory is Assured (Alla Breve) 2:39
3 Technically Acceptable 4:18
4 Who Are You, Really? 3:25
5 The Chicago Style 2:37
6 It’s Fine to Decline 2:58
7 The Way Things Are 3:50
8 Killing Me Softly With His Song 3:50
9 ‘Round Midnight 4:22
10 The Feeling is Mutual 4:15
11 Piano Sonata: Allegro Moderato 6:30
12 Piano Sonata: Andante 4:10
13 Piano Sonata: Rondo 4:42

Ethan Iverson - piano
Thomas Morgan, Simón Willson - bass
Kush Abadey, Vinnie Sperrazza - drums

El pianista y compositor Ethan Iverson sigue a su debut en Blue Note en 2022 Every Note Is True con Technically Acceptable, un nuevo proyecto de gran alcance que presenta dos tríos diferentes - Thomas Morgan/Kush Abadey y Simón Willson/Vinnie Sperrazza - interpretando un conjunto de sorprendentes nuevos originales de Iverson además de singulares nuevas versiones de "Killing Me Softly With His Song" y "'Round Midnight". El álbum concluye con el estreno grabado de la Sonata para piano de Iverson, interpretada por el propio Iverson.

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El pianista y compositor Ethan Iverson ha publicado su segundo álbum para Blue Note, Technically Acceptable, un nuevo proyecto de gran alcance lleno de giros y sorpresas que encuentra a Iverson al frente de dos tríos diferentes -con los equipos de bajo/batería Thomas Morgan/Kush Abadey y Simón Willson/Vinnie Sperrazza- interpretando un conjunto de sorprendentes nuevos originales además de singulares nuevas versiones de "Killing Me Softly With His Song" de Roberta Flack y "'Round Midnight" de Thelonious Monk, esta última con Rob Schwimmer al theremin. El álbum concluye con el estreno grabado de la Sonata para piano de Iverson, interpretada por el propio Iverson.

El trío celebrará el lanzamiento del álbum en el Village Vanguard de Nueva York del 23 al 28 de enero, seguido de una gira por Europa y Estados Unidos.

"Me interesa intentar manejar estas formas casi arcaicas de un modo modernista", dice Iverson. "Cuando toco un blues de 12 compases con Thomas y Kush, no suena a 1944 en lo más mínimo. Suena a 2023. Pero, al mismo tiempo, es un serio retroceso. Ahí es donde conecto con alguien como Jaki Byard, que podía tocar la música creativa más actual con Eric Dolphy o tocar detrás de un cantante de blues y sentirse totalmente cómodo. Y cuando tocaba en solitario o en trío, le salía todo a la vez".

La riqueza histórica de influencias y épocas que Iverson ha investigado como pianista, compositor y crítico aflora, a menudo de forma sorprendente y deliciosa, a lo largo de Technically Acceptable. En el pasado, Iverson ha utilizado sus citas como líder como una forma de conectar y aprender de ancianos como Billy Hart o Jack DeJohnette, este último que apareció en el debut de Iverson en Blue Note en 2022, Every Note Is True. Aquí está trabajando únicamente con músicos más jóvenes que encuentran un amplio espacio para la invención libre, incluso dentro de las formas concisas de estas melodías cortas, cuya precisión pop recuerda a sus días con The Bad Plus.

A través de un repertorio que recorre innumerables puntos de las líneas temporales del jazz y la música clásica de forma lúdica pero inventiva, Iverson se permite la credencial que bautiza el álbum. "Si tomo la medida de mi propio trabajo: Estoy en un viaje, pero no creo que haya terminado todavía. Mi primer álbum se llamaba School Work; quizá dentro de otros diez años cree el álbum Flawless Masterpiece. Por ahora, soy Técnicamente Aceptable".

Es el caso de la contagiosa canción que abre el álbum, "Conundrum", que el compositor propone como tema principal de un concurso imaginario. (Aún no ha descubierto las reglas, pero está dispuesto a trabajar con los productores interesados). Le sigue el anguloso jump blues de "Victory is Assured (Alla Breve)", que nos transporta a Kansas City a través de la vanguardia de posguerra. "It's Fine To Decline" es un blues aún más abstracto, mientras que la canción que da título al disco juega con los cambios de ritmo con una perspectiva casi cubista.

"Who Are You, Really?" añade una cita de Dexter Gordon a una melodía alegremente pegadiza que baila alrededor de la robusta línea de bajo de Morgan, y "The Chicago Style" incorpora al menos un acorde del compositor Ralph Shapey en una excursión exploratoria que parece casi, pero no del todo, diferente de los experimentos de la Ciudad del Viento de la AACM y otros. La dichosa mirada hacia arriba de "The Way Things Are" pone fin a este segmento con la aceptación encogida de Iverson de la Oración de la Serenidad.

Los tres temas siguientes cuentan con Willson, Sperrazza y Schwimmer, compatriotas de Iverson en proyectos con el Mark Morris Dance Group. Su experiencia en "The Look of Love", coreografiada según los arreglos de Iverson de la música de Burt Bacharach (con el imprimátur del propio compositor fallecido), impregna "Killing Me Softly" del trío. La primera vez que Iverson escuchó la canción no fue a través del éxito clásico de (Roberta) Flack , sino en una versión jazzística de Hampton Hawes. La melancólica "The Feeling Is Mutual" de Iverson tiene un tacto igualmente aterciopelado. Entre medias, el sorprendente dúo formado por el piano de Iverson y el agudo theremín de Schwimmer en la inmortal pieza de Monk, en una versión que no se parece a ninguna de las innumerables otras.

El álbum concluye con la primera Sonata para piano de Iverson, una pieza compuesta en tres movimientos y construida a partir del vocabulario jazzístico del compositor. Al describir la pieza, Iverson detalla una historia de la música clásica estadounidense del siglo XX que dejó atrás las innovaciones de Gershwin, Copland y James P. Johnson por el "modernismo duro" de Elliott Carter y Milton Babbitt y luego el minimalismo severo de Philip Glass y Steve Reich.

"Gershwin, Copland y Johnson intentaron mezclar el lenguaje de concierto con el vernáculo", explica. "Después de la II Guerra Mundial, el modernismo y el minimalismo relativamente simple se impusieron, y esa mezcla quedó relegada a un segundo plano. A mi humilde manera, intento retomar ese hilo de 1930".

En el proceso, a través de un repertorio que recorre innumerables puntos de las líneas temporales del jazz y la música clásica de forma lúdica pero inventiva, Iverson se permite la credencial que bautiza el álbum. "Si tomo la medida de mi propio trabajo: Estoy en un viaje, pero no creo que haya terminado todavía. Mi primer álbum se llamaba School Work; quizá dentro de otros diez años cree el álbum Flawless Masterpiece. Por ahora, soy Técnicamente Aceptable".

 

 

ethaniverson.com 
bluenote.com 

 

Dave Stryker Trio with Bob Mintzer ::: Groove Street

Dave Stryker Trio with Bob Mintzer ::: Groove Street

Groove Street

Dave Stryker Trio with Bob Mintzer

Strykezone Records | Enero 12, 2024

Dave Stryker Trio with Bob Mintzer - Groove Street

 

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1. Groove Street 5:14
2. Overlap 6:15
3. Summit 6:27
4. Infant Eyes 7:26
5. Soulstice 5:41
6. Cold Duck Time 5:00
7. Code Blue 5:43
8. The More I See You 6:40
9. Straight Ahead 5:28

 

Dave Stryker - guitar
Bob Mintzer - tenor sax
Jared Gold - organ
McClenty Hunter - drums

Engineered, Mixed and Mastered by Chris Sulit at Trading 8s Studio, Paramus NJ July 2, 2023

Produced by Dave Stryker

"He seguido la forma de tocar de Dave Stryker desde sus primeros días en Omaha a través de su larga estancia con Stanley Turrentine... y simplemente mejora y mejora con una de las sensaciones más alegres que existen".
Pat Metheny

 

"El guitarrista y compositor Dave Stryker posee un tono dorado, un estilo urgente y el tipo de técnica acalorada que puede hacer volar por los aires cualquier concierto. Stryker se curtió con el organista Jack McDuff y el saxofonista tenor Stanley Turrentine, y esa bondad de "grits-n-gravy" parece marcar su música: un hilandero de cuentos urbanos, un estilista afilado capaz de mejorar cualquier atril, un narrador de historias sonoras del más alto grado."
Ken Micallef

En el verano de 2023, el Dave Stryker Trio unió fuerzas con la leyenda del saxo tenor Bob Mintzer para grabar un álbum de música nueva antes de tocar una semana en Birdland en NYC. Stryker y Mintzer habían sido amigos durante muchos años y Bob arregló y dirigió un álbum de música de Dave para el disco Blue Soul con la WDR Big Band en Colonia, Alemania. Aunque Bob había actuado como invitado con el trío en algunas giras, nunca habían tocado esta música juntos antes de llegar al estudio. La magia y la energía que se captaron hablan de la belleza del jazz y de la altura de la comunicación entre músicos de primera clase que exploran música nueva por primera vez. Posteriormente, la mayoría de las canciones se capturaron en una sola toma.

Desde el clásico shuffle de órgano del tema titular de Dave hasta los originales de Mintzer: "Overlap" y "Straight Ahead", el quemador de Stryker "Summit", "Code Blue" y "Soulstice" de Gold, el estándar de swing "The More I See You", el groove del clásico de Eddie Harris "Cold Duck Time", y un homenaje al gran Wayne Shorter con una nueva versión de "Infant Eyes"... Stryker y compañía exploran definitivamente nuevas vías en Groove Street.

*****

ENTREVISTA DE LONDONJAZZ NEWS A DAVE Y BOB

Cuando se le pide al saxofonista tenor Bob Mintzer que reflexione sobre el fallecido Wayne Shorter, una de las voces más destacadas de su instrumento en su época, sus expresiones subsiguientes podrían aplicarse sin duda a sí mismo: "Un increíble estilista e individualista. Tenía su propio vocabulario, no sólo como saxofonista, sino como pensador, como orador. Era una persona muy valiente, audaz e inteligente que escribía música que sonaba como ninguna otra".

Mintzer acompaña al veterano trío de órgano de Stryker en Groove Street; en él, versionan la increíblemente inquietante balada de Shorter 'Infant Eyes', de su álbum de 1966 Speak No Evil.

Se trata de un trío de órgano con un tenorista de primera línea, creando una experiencia auditiva irresistible que se grabó en sólo unas horas. Sigue leyendo para conocer la entrevista con Stryker y Mintzer, sobre todo esto y mucho más.

LondonJazz News: Dave y Bob, ¿cómo llegaron a trabajar juntos?

Dave Stryker: Creo que la primera vez que escuché a Bob Mintzer fue con Buddy Rich en Omaha, Nebraska, de donde soy, en los años 70. Conocía a Bob por ser uno de los tenores más importantes de la escena neoyorquina, y nuestros caminos se cruzaron varias veces.

Hice algunos conciertos con el trío de órgano hace unos años y le pregunté si quería unirse a nosotros. Lo hizo, así que somos amigos desde hace mucho tiempo, dentro y fuera de la música.

Una de las cosas buenas de este disco es que tocamos juntos por primera vez. Y con el jazz, eso tiene cierta chispa y magia.

Bob Mintzer: Si no recuerdo mal, hicimos todo el disco en unas cuatro horas. Fue increíblemente rápido, la mayoría primeras tomas, y había ese nivel de espontaneidad de esa situación particular.

DS: Y eso incluía almorzar, y decir muchas gilipolleces también. [Risas.]

Esa es una de las cosas bonitas del jazz, especialmente del jazz directo. En todos los discos que he grabado en ese formato, parece que la primera toma es la definitiva.

Creo que sólo en un par de canciones hicimos una segunda toma. Así que no fue exagerado ni nada por el estilo; fue simplemente entrar y soplar, y me sentí muy bien.

BM: Me encanta tocar con Dave; su grupo es tan sólido y acogedor. Siempre es un gran placer unirse a ellos. Y Dave es genial, es un gran compositor y guitarrista. Otro proyecto que hicimos juntos fue con la WDR Big Band, que yo dirigía en Colonia. Traje a Dave y arreglé un montón de su música de sus CDs para la big band, y también fue un proyecto fantástico.

DS: Acabo de escucharlo en WBGO el otro día, y tuve que mandarle un mensaje y decirle que esta versión de "Trouble Man" que arregló era tan humeante, hombre.

Si alguna vez siento que estoy quemando la vela por los dos extremos, me acuerdo de Bob Mintzer. Entre los Yellowjackets y la WDR y dirigir el programa en la USC - y sus propios conciertos, y la big band - vamos, es una locura.

LJN: ¿Podéis hablar de vuestra química con Jared y McClenty?

DS: Ha sido muy agradable tener un trío de trabajo desde hace casi 15 años. Ambos son un poco más jóvenes que yo.

Solía haber un club en West Orange llamado Cecil's, que dirigía el batería Cecil Brooks. Yo vivo en West Orange; tenía que pasar por allí cada vez que salía de la interestatal.

Tenían una jam los lunes por la noche. La dirigía el contralto Bruce Williams, y yo siempre iba allí. Tenía a un joven al órgano, Jared Gold. La primera vez que lo escuché, yo estaba como, Wow, este tipo es un gran músico, además de ser un gran organista. Su armonía está a otro nivel.

Así que formamos un grupo: él, Tony Reedus y yo. Empezamos a tocar y a grabar un par de discos. Y luego, por desgracia, Tony falleció [en 2008], y Jared recomendó a McClenty. Así que, durante 15 años, este ha sido mi grupo principal.

Hay algo especial en tocar con gente, ser amigos y tener esa química natural. Es agradable en estos tiempos, en los que se hacen tantos tipos de conciertos y cosas, tener un grupo de trabajo. Estoy seguro de que Bob se siente identificado con Yellowjackets.

BM: 34 años.

LJN: Bob, ¿cómo es tocar con estos tipos?

BM: Es muy cómodo, desafiante, inspirador. Creo que hablamos el mismo dialecto. Y me encanta la música; me encanta todo lo que tiene que ver con ella. Y es acogedor; es todo lo que uno desearía en una situación para tocar. Puedo ser yo mismo y hacer lo que hago, y me siento bienvenido. Es algo maravilloso.

DS: Y también hay algo que decir de los discos clásicos que a todos nos encantan: el trío de órgano con guitarra, B-3 y batería. Y luego añades el tenor, y es una gran combinación. Llegué a trabajar con [el saxofonista tenor] Stanley Turrentine, y sé que Bob es fan de todos esos discos que hizo con su mujer, [la organista] Shirley Scott.

Es todo un género que tiene que ver con el groove y el soul, y algo que a la gente le gusta; la gente lo siente. Recuerdo que Jack McDuff me dijo: "Stryker, si miras al público y la gente no hace así [mueve la cabeza con el groove] no estás haciendo tu trabajo".

LJN: Bob, ¿cuál es tu historia con la B-3?

BM: Muy poca. En realidad, no estoy seguro de por qué no seguí ese camino. Estaba haciendo otras cosas. Hice un disco [en 2010] con Larry Goldings y Peter Erskine llamado Canyon Cove, y fue un verdadero placer.

Tocar con el grupo de Dave es algo que me perdí al principio, y es genial. Me encanta ese aspecto que mencionaba Dave, el de tocar y hacer que la música suene bien. No es reinventar el jazz de una manera profunda, pero sí hacer que suene y que se sienta bien.

LJN: Como no tenías mucha historia con la B-3, ¿hubo que inclinar el cerebro para encontrar el momento?

BM: Es decir, había escuchado a músicos de B-3 y había estado expuesto a ellos. Pero no, no es tan diferente de cualquier otro tipo de interpretación. Se aplican los mismos principios, la misma forma de interactuar.

A diferencia de tocar con un cuarteto, donde hay piano, bajo y batería en la sección rítmica, ahora hay guitarra, órgano y batería. Si los músicos prestan atención, habrá un buen nivel de interactividad. Y ese fue definitivamente el caso de este grupo; tocaron juntos de maravilla. Y, de nuevo, fue fácil subirse al tren.

LJN: Dave, ¿puedes hablarnos del material de Groove Street?

DS: Al principio, le pedí a Bob que aportara un par de cosas, y también a Jared. Simplemente sabía que necesitaba otro shuffle; tienes que tener eso. [Acabamos con 'Groove Street', la canción que da título al disco, y 'Code Blue', que es otro blues en Fa.

Y queria algo un poco mas uptempo, ardiente, libre, que sabia que Bob sonaria genial. Y esa era una cancion, 'Summit'.

Wayne [Shorter] habia muerto, y necesitaba una balada. Hicimos un arreglo genial de 'Infant Eyes'. Y entonces, quise un groover. Sabía que Bob había versionado algún que otro tema del saxofonista tenor Eddie Harris, así que le pregunté si había hecho 'Cold Duck'. Me dijo que sí, así que la incluimos.

Jared compuso uno de sus mejores temas ['Soulstice'], yo incluí un estándar, 'The More I See You', y Bob aportó un par de grandes temas suyos, 'Overlap' y 'Straight Ahead'. Ya las había grabado, pero les dimos nuestra propia versión.

 

davestryker.com 
bobmintzermusic.com 
jaredgoldb3.com 
McClenty Hunter 
londonjazznews.com 

Eyolf Dale & Telemark Chamber Orchestra ::: Echoes of Oslo

Eyolf Dale & Telemark Chamber Orchestra ::: Echoes of Oslo

Echoes of Oslo

Eyolf Dale & Telemark Chamber Orchestra

Edition Records | Nov 10, 2023

Eyolf Dale & Telemark Chamber Orchestra - Echoes of Oslo

Eyolf Dale, el prodigioso pianista y compositor noruego, se erige como una luminaria en el mundo del jazz, dejando una huella indeleble con su serie de notables grabaciones junto a su octeto y trío de pianos. Reconocido por su arte sin parangón, ha cosechado elogios internacionales y se ha consolidado como uno de los pianistas de jazz escandinavos más importantes de su generación. Con Echoes in Oslo - Piano Concerto, no sólo se adentra en el corazón y el alma del universo jazzístico de Eyolf Dale, sino que también desentraña el fascinante viaje de cómo mezcla ingeniosamente las influencias clásicas, culminando en la creación de su majestuoso primer concierto para piano con la Orquesta de Cámara de Telemark, que ocupa una sólida posición musical en Noruega.

Toda la obra se basa en una grabación de memes que Dale hizo con su teléfono a finales del verano de 2019. Tuvo la idea de componer una pieza de longitud significativa, y quería utilizar un enfoque diferente al que había hecho en el pasado. Le vino a la mente la idea de un concierto con orquesta, y se sentó a visualizar la pieza a través de 45 minutos de improvisación al piano. Esta materia prima se sometió a un profundo análisis y transcripción, las cosas cambiaron por el camino, pero el contenido, la forma y el paisaje emocional se mantuvieron.
Como él mismo dice, "durante el proceso, el material se sintió en cierto modo autobiográfico. El concierto podía escucharse con la imagen de la vida de un joven. Primero, el pensamiento inmediato, la primera impresión, el Impromptu. Después, los años de formación: la juventud. Las impresiones de viajar por el mundo como músico de jazz itinerante - Los Viajes. Una breve pausa, por miedo a perderlo todo: el Epílogo. Y por último, pero no menos importante, el Renacimiento resucitado".

Three moments es una impresión musical de tres lugares anónimos de la capital de Noruega, ciudad en la que el compositor vive desde los 20 años.

Este proyecto muestra algunas de las composiciones más imaginativas, juguetonas y majestuosas, mezclando hábilmente la libertad sin límites y la esencia fluida de la improvisación con los delicados matices de una orquesta de cuerda de cámara. A medida que el proyecto despliega su tapiz sonoro, tenemos el privilegio de viajar junto a Eyolf Dale a través del cautivador proceso creativo, siendo testigos de la encantadora alquimia que se produce cuando los motivos clásicos se entrelazan con las armonías del jazz y la improvisación espontánea. Con una asombrosa habilidad para sintetizar estos dos géneros diversos, Dale orquesta un concierto para piano de una grandeza sin parangón, una celebración sinfónica que personifica la metamórfica evolución de su destreza musical.

La creación del primer concierto para piano de Dale se convirtió en un esfuerzo global que le llevó a un viaje transformador de autodescubrimiento. El delicado equilibrio entre estructura y espontaneidad teje un rico tapiz en el que la elegancia clásica y el ingenio del jazz se entrelazan armoniosamente. El concierto es un testimonio de la maestría de Dale, que orquesta hábilmente cada movimiento, guiando al público a través de una miríada de emociones con cada nota.

El concierto emerge en todo su esplendor, acompañado por la resplandeciente Orquesta de Cámara de Telemark en la renombrada Sala de Conciertos de Oslo. La amalgama de piano y orquesta crea una sinergia encantadora, en la que Dale hace las veces de solista y compositor, dominando el escenario con virtuosismo y profunda emoción.

A través de los monumentales movimientos del concierto, el público experimenta un viaje inmersivo por la vida del pianista. Desde la exuberancia juvenil de El Impromptu hasta la introspección contemplativa de The Youth, y desde las estimulantes aventuras de The Travels hasta la conmovedora pausa de Epilogue, el concierto es un fascinante reflejo de la experiencia humana, iluminado por el incomparable arte de Dale.

En un final triunfal, surge The Rebirth, un rotundo testimonio de la metamorfosis musical de Dale, que encarna la esencia de su visión. Las resplandecientes melodías de piano se elevan junto a la orquesta y, cuando las notas finales se desvanecen en el aire, una sensación de asombro y maravilla invade la sala de conciertos.

Con su primer concierto para piano, ha tejido una fascinante sinfonía de elementos clásicos y jazzísticos, marcando un momento decisivo en su carrera y consolidando su lugar como uno de los pianistas de jazz escandinavos más innovadores e influyentes de su generación. El legado de esta odisea del jazz es un testimonio perdurable de la creatividad sin límites y la brillantez artística de Eyolf Dale.

 

 

eyolfdale.com 
editionrecords.com 

1. Piano Concerto: I. Impromptu 10:54
2. Piano Concerto: II. The Youth 9:40
3. Piano Concerto: III. The Travels 11:09
4. Piano Concerto: IV. Epilogue 4:23
5. Piano Concerto: V. Rebirt 8:05
6. Three moments: Scene One 1:52
7. Three moments: Scene Two 3:08
8. Three moments: Scene Three 2:41

 

Eyolf Dale & Telemark Chamber Orchestra

Piano soloist and composition
Eyolf Dale

Violin:
Per Kristian Skalstad
Amanda Håøy Horn
Patrysja Blaszak-Bie?ku?ska
Rønnaug Flatin

Viola:
Anders Rensvik
Johannes Skyberg

Cello:
Inga Byrkjeland
Kari Sandnes

Bass: Eskild Abelseth

Music composed by Eyolf Dale
Produced by Sean Lewis and Eyolf Dale
Executive producer Dave Stapleton

Supported by
Fond for utøvende kunstnere
Fond For Lyd og Bilde
Norsk Komponistforening

The composing of the piece was supported by Arts and Culture Norway

Recorded at Oslo Concert Hall August 22-24 by Sean Lewis
Mixed by Sean Lewis
Mastered by Eyolf Dale
Piano tuning by Andre Lie
Artistic Director & Concert Master Per Kristian Skalstad
Eyolf Dale plays a Yamaha CFX concert grand

Album artwork by Oli Bentley, Split

Eyolf Dale & Telemark Chamber Orchestra
Nguyên Lê ::: Enero 14, 1959

Nguyên Lê ::: Enero 14, 1959

Nguyên Lê

Nguyên Lê ::: Enero 14, 1959

Nacido en París de padres vietnamitas, Nguyên Lê empezó a tocar la batería a los 15 años, y luego la guitarra y el bajo eléctrico. Tras licenciarse en Artes Visuales, se especializó en Filosofía, escribiendo una tesis sobre el exotismo. Después se dedicó a la música, creando "ULTRAMARINE" (1983), una banda multiétnica cuyo CD "DÉ" ha sido considerado "el mejor álbum de World Music de 1989" Philippe Conrath, Libération.

Músico autodidacta, Nguyên Lê empezó a tocar fuera de cualquier frontera estilística: Rock & Funk (Jim Cuomo, Madagascar 84), Jazz standards & Jazz de vanguardia (Marc Ducret, Yves Robert), Pop Singers (Ray Charles), Música Contemporánea (André Almuro, Tona Scherchen, Marius Constant, Mauricio Kagel), Música Étnica: Africana y Caribeña con ULTRAMARINE (85), Argelina con Safy Boutella & Cheb Mami, India con Kakoli, Turca con Kudsi Erguner, Vietnamita con el aprendizaje de "Dan Bau" (monocorde) en 1979.

En sept. 87 fue elegido por el director Antoine Hervé para tocar con la O. N. J. (Orquesta Nacional de Jazz de Francia). Dentro de esta big band, tocó con músicos como Johnny Griffin, Louis Sclavis, Didier Lockwood, Carla Bley, Steve Swallow, Randy Brecker, Toots Thielemans, Courtney Pine, Steve Lacy, Dee Dee Bridgewater, Gil Evans, Quincy Jones.

El trabajo de Nguyên LE también incluye la programación de sintetizadores, efectos y ordenadores, así como la composición de piezas orquestales: "PROCESSOR" compuesta, arreglada y grabada en el CD "O.N.J. 87" y "LUNIK II" arreglada con Dominique Borker e interpretada por la O.N.J. 1989.

En sept. 89 graba el 2º álbum de ULTRAMARINE "DÉ" &, en mayo 90, su primer álbum como líder : "MIRACLES" grabado en U.S.A. con Art LANDE, Marc JOHNSON & Peter ERSKINE. Al mismo tiempo trabaja con músicos como Michel Portal, Miroslav Vitous, Trilok Gurtu, J. F. Jenny Clarke, Aldo Romano, Daniel Humair, Dewey Redman, Andy Emler, Jon Christensen, Nana Vasconcelos, Glenn Ferris, Christof Lauer, Paolo Fresu, Kenny Wheeler, John Taylor...

En mayo del 92, después de un mes de gira con Paul McCANDLESS a los vientos, Art Lande (p), Dean Johnson (b) & Joël Allouche (d), graba su 2º álbum ZANZIBAR, que obtiene el premio " ffff " de Télérama. En enero del 93 graba "INIT", un trío con André Ceccarelli, François Moutin y el invitado Bob Berg, mientras crea una nueva banda sobre la música de Jimi Hendrix, con Corin Curschellas (voz), Steve Argüelles (d), Richard Bona (b). Desde enero del 93 es un solista invitado frecuente de la WDR Big band de Colonia, especialmente con el compositor/director Vince MENDOZA. Nguyên Lê toca en tres de sus proyectos: "Jazzpaña", "Sketches" con Dave LIEBMAN, Charlie MARIANO, Peter Erskine, y "Downtown", con Russell Ferrante. En abril del 94 es el solista invitado de "The New Yorker", una suite de Bob BROOKMEYER, con Dieter Ilg (b) & Danny Gottlieb (d). Con estos dos músicos formó su primer trío y grabó "MILLION WAVES" en diciembre del 94. Sobre este CD, Télérama escribe : "Este trio le lleva a espacios musicales que ni siquiera habia imaginado, & que son pura poesia".

Mientras tanto, toca en trío con Michel Benita(b) y Peter Erskine, graba en el nuevo álbum de Michel Portal con Ralph TOWNER (g), y trabaja con Ornette COLEMAN en una de sus piezas de música contemporánea, "Freedom Statue". En junio del 95 es invitado por la WDR BigBand en "Azure Moon", con los YELLOWJACKETS & Vince Mendoza. En julio del 95, en el Festival de Stuttgart, es uno de los guitarristas invitados para celebrar el "Universo de Jimi Hendrix", además de Trilok Gurtu, Terry BOZZIO, Cassandra WILSON, Jack BRUCE, Vernon REID, David TORN, Victor BAILEY, Pharoah SANDERS... Recientemente ha tocado con John McLaughlin, Michel Petrucianni, Markus Stockhausen, Enrico Rava, Ray Anderson, Kenny Wheeler, John Taylor, Dave Douglas, Wolfgang Pushnig, Uri Caine, Tigran Hamasyan, Herbie Hancock, John Scofield, Joe Lovano...

 

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