Nacido en Chicago y criado en Boston, Williams comenzó sus estudios con el maestro batería Alan Dawson a una edad temprana y comenzó a tocar profesionalmente a la edad de 13 años con el saxofonista Sam Rivers. Jackie McLean contrató a Williams a los 16 años. A los 17 años Williams encontró una fama considerable con Miles Davis, uniéndose a un grupo que más tarde fue apodado «Second Great Quintet» (Segundo Gran Quinteto) de Davis. Su primer álbum como líder, Life Time de 1964 (que no debe confundirse con el nombre de su banda «Lifetime», que formó varios años más tarde) fue grabado durante su mandato con Davis.
Williams era un elemento vital del grupo, llamado por Davis en su autobiografía «el centro del sonido del grupo». Su inventiva interpretación ayudó a redefinir el papel de la sección rítmica de jazz a través del uso de polirritmos y modulación métrica (transición entre tempos matemáticamente relacionados y/o firmas de tiempo). Pero quizás su logro principal fue demostrar, a través de su interpretación, que el baterista no necesita ser relegado al cronometraje y al acompañamiento en un conjunto de jazz; que el baterista puede ser libre de contribuir a la interpretación como un socio igualitario en la improvisación.
En 1969, formó un trío, «The Tony Williams Lifetime», con John McLaughlin a la guitarra y Larry Young al órgano. Fue una banda pionera del movimiento de fusión, una combinación de rock, R&B y jazz. Su primer álbum, Emergency! fue ampliamente rechazado por la comunidad de jazz en el momento de su lanzamiento. Sin embargo, Miles Davis quedó tan impresionado con el álbum y su dirección altamente experimental que pidió encabezar el grupo como si fuera suyo; Williams declinó. Hoy en día, Emergency! es considerado por muchos como un clásico de la fusión.
Después de la partida de McLaughlin, y varios álbumes más, Lifetime se disolvió. En 1975, Williams formó una banda llamada «The New Tony Williams Lifetime», con el bajista Tony Newton, el pianista Alan Pasqua y el guitarrista inglés Allan Holdsworth, que grabaron dos discos para Columbia Records, Believe It y Million Dollar Legs respectivamente.
A mediados de 1976, Williams fue parte de una especie de reunión con sus viejos compatriotas de la banda Miles Davis, el pianista y tecladista Herbie Hancock, el bajista Ron Carter y el saxofonista tenor Wayne Shorter. Miles se retiró de la reunión en el último minuto y fue reemplazado por Freddie Hubbard. El disco fue lanzado más tarde como V.S.O.P. (que significaba «Very Special OneTime Performance») y fue muy útil para aumentar la popularidad del jazz acústico. El grupo realizó giras y grabaciones durante varios años, editando una serie de discos en directo bajo el nombre «V.S.O.P.» o «The V.S.O.P. Quinteto». (Las reediciones de estos álbumes se venden bajo el nombre de Herbie Hancock, lo que hace que las cosas sean un poco confusas, ya que el álbum original V.S.O.P., que solo era un álbum de Hancock, nunca ha sido lanzado en CD).
En 1985, Williams grabó un álbum para Blue Note Records titulado Foreign Intrigue, que incluía la interpretación del pianista Mulgrew Miller y el trompetista Wallace Roney. Más tarde ese mismo año formó un quinteto con Miller y Roney en el que también participaron el saxofonista tenor y soprano Bill Pierce y el bajista Charnett Moffett (más tarde Ira Coleman). Esta banda tocó las composiciones de Williams casi exclusivamente (la canción de Lennon/McCartney «Blackbird», el estándar «Poinciana», y el blues de Freddie Hubbard «Birdlike» siendo la excepción) y realizó giras y grabaciones durante el resto de los años 80 y principios de los 90. Esta sección rítmica también se grabó en trío.
Williams vivió y enseñó en el área de la bahía de San Francisco hasta su muerte por un ataque cardíaco después de una cirugía rutinaria de vesícula biliar. Una de sus grabaciones finales fue Arcana, un lanzamiento organizado por el prolífico bajista Bill Laswell.
No es exagerado decir que el jazz moderno ha sido moldeado por la música de McCoy Tyner. Su estilo de piano basado en el blues, repleto de acordes sofisticados y una mano izquierda explosivamente percusiva, ha trascendido los estilos convencionales para convertirse en uno de los sonidos más identificables de la música improvisada. Sus contribuciones armónicas y dispositivos rítmicos dramáticos forman el vocabulario de la mayoría de los pianistas de jazz.
Nacido en 1938 en Filadelfia, se convirtió en parte de la fértil escena de jazz y R&B de principios de los años 50. Sus padres lo impregnaron de amor por la música desde muy temprana edad. Su madre le animó a explorar sus intereses musicales a través de una formación formal.
A los 17 años comenzó una relación de cambio de carrera con el saxofonista John Coltrane, de Miles Davis. Tyner se unió a Coltrane para el álbum clásico My Favorite Things (1960), y permaneció en el centro de lo que se convirtió en uno de los grupos más importantes en la historia del jazz, The John Coltrane Quartet. La banda, que también incluía al baterista Elvin Jones y al bajista Jimmy Garrison, tenía una química extraordinaria, fomentada en parte por la relación casi familiar de Tyner con Coltrane. De 1960 a 1965, el nombre de Tyner fue impulsado a la fama internacional, ya que desarrolló un nuevo vocabulario que trascendió los estilos de piano de la época, proporcionando una base armónica única y una carga rítmica esencial para el sonido del grupo. Actuó en las grabaciones clásicas de Coltrane como Live at the Village Vanguard, Impressions y la suite de firma de Coltrane, A Love Supreme.
En 1965, después de más de cinco años con el cuarteto de Coltrane, Tyner dejó el grupo para explorar su destino como compositor y director de orquesta. Entre sus principales proyectos se encuentra un álbum de 1967 titulado The Real McCoy, en el que se unió al saxofonista Joe Henderson, al bajista Ron Carter y a su compatriota Elvin Jones, ex alumno de Coltrane. Su álbum Sahara, nominado al premio Grammy en 1972, abrió nuevos caminos con los sonidos y ritmos de África. Desde 1980, también ha arreglado sus armonías lujosamente texturizadas para una gran banda que toca y graba cuando es posible. A finales de la década de 1980, se centró principalmente en su trío de piano regular con Avery Sharpe al bajo y Aarron Scott a la batería. A día de hoy, este trío sigue teniendo una gran demanda. Regresó a Impulse en 1995, con un magnífico álbum de Michael Brecker. En 1996 grabó un disco especial con la música de Burt Bacharach. En 1998 volvió a cambiar de sello y grabó un interesante disco latino y un disco con Stanley Clarke para TelArc.
Tyner siempre ha ampliado su visión del paisaje musical e incorporado nuevos elementos, ya sean de continentes lejanos o de influencias musicales diversas. Más recientemente ha hecho arreglos para grandes bandas, ha empleado arreglos de cuerdas e incluso ha reinterpretado la música popular.
Hoy en día, Tyner ha publicado casi 80 álbumes bajo su nombre, ganó cuatro Grammys y fue galardonado con el premio Jazz Master del National Endowment for the Arts en 2002. Sigue dejando su huella en generaciones de improvisadores, pero sigue siendo un hombre desarmantemente modesto y espiritualmente dirigido.
La estatura de Scott Colley como bajista líder en el campo de la música improvisada es bien conocida y fácil de medir. Ha sido llamado "uno de los bajistas más importantes de nuestra era postbop, y un compositor y líder de banda de resolución silenciosamente seria" por The New York Times, mientras que colegas musicales, como el saxofonista Joshua Redman, lo elogian por ser "uno de los bajistas más musicales que tocan hoy en día". A mí me parece que tiene…. este sentido natural, intuitivo y empático de cómo sacar el máximo provecho de los otros músicos y de la música que está tocando".
Colley, tres veces nominado al Grammy, ha tocado en más de 200 grabaciones, ocho de ellas como director de orquesta y compositor. Es un sideman de primera convocatoria, reconocido por su papel en grupos liderados por reconocidos estrellas -John Scofield, Herbie Hancock, Chris Potter, entre otros-, así como por ser parte de proyectos de estrellas como "Still Dreaming" con Joshua Redman, Ron Miles y Brian Blade; y "Steel House" con Edward Simon y Brian Blade.
Significativamente, Colley es un líder notable, habiendo reunido y compuesto música para varios de sus propios conjuntos de talento de alto nivel. Su nuevo disco Seven se beneficia de la destreza combinada de Colley junto al trompetista Jonathan Finlayson, el tecladista/cantante Kevin Hays y el baterista Nate Smith. La grabación sirve como un ejemplo serio y efectivo de lo personal y lo musical convirtiéndose en uno, y está dedicada a un número de mentores importantes que han fallecido recientemente, incluyendo a Andrew Hill, Michael Brecker, Jim Hall, Charlie Haden, Fred Tinsley y el padre de Colley.
"Esta última década ha sido un gran cambio para mí personalmente, y me ha hecho apreciar la importancia de estar presente en el momento, en la vida, así como en la música", dice Colley. "Estos momentos sólo ocurren una vez. Creo que porque soy más consciente de este hecho, he llegado a una comprensión más profunda de mis diversas experiencias: cómo he llegado a este punto de mi carrera y de mi vida".
El viaje musical de Colley comenzó en su ciudad natal de Los Ángeles. Nació en 1963, donde a la madura edad de 11 años puso su mirada en el bajo como su instrumento preferido. A los 13 años, comenzó a estudiar con el bajista Monty Budwig, y más tarde, asistió a Eagle Rock High School, con John Rinaldo, director musical de la escuela. Una beca completa para el California Institute for the Arts (CalArts) le dio la bienvenida después de su graduación. Se enfocó en estudios de composición y jazz, mientras estudiaba en privado con la leyenda del jazz Charlie Haden y el bajista clásico Fred Tinsley de la Filarmónica de Los Ángeles.
"Trabajar con Charlie y Fred fue increíble. Hicieron hincapié en lo que era posible cuando la gente realmente se arriesga y se conecta, a un nivel real, no sólo en la superficie. Así que esa fue una de las mejores lecciones que recibí de ellos, de muchas maneras muy similar a la de Jim Hall y otras personas con las que he tenido la suerte de estar. Andrew Hill también era así."
Incluso antes de graduarse en Cal Arts, la reputación de Colley comenzó a extenderse y fue contratado para hacer giras y grabar con la famosa cantante Carmen McRae en 1986; dos años más tarde, se graduó con una licenciatura en música, se mudó a la ciudad de Nueva York, y realizó más giras con McRae, y con estrellas como Dizzy Gillespie, Clifford Jordan, Jim Hall, John Scofield, Joe Henderson y Art Farmer. A finales de los años 90, agregó a su currículum una temporada con grupos liderados por Joe Lovano, Toots Thielemans, Bobby Hutcherson y Bob Berg, así como una extensa gira con el sexteto "Another Point of Departure" de Andrew Hill.
La primera década del nuevo milenio -de 2000 a'10- vio a Colley convertirse en un jugador importante con reconocimiento internacional, viajando extensamente como miembro del trío de trabajo de Herbie Hancock y un cuarteto con Bobby Hutcherson durante cinco años, mientras continuaba trabajando en el trío y sexteto de Andrew Hill, así como en el Cuarteto de Chris Potter. En 2005, se unió a "Directions in Music", una colaboración con Michael Brecker, Herbie Hancock y Terri Lyne Carrington; actuó en el aclamado trío de Pat Metheny; y realizó residencias de enseñanza a nivel mundial.
Colley acredita su amplia gama de experiencias durante estos años como una especie de oportunidades de formación de postgrado para aprovechar las lecciones y las influencias, y para ver qué es lo que mejor funciona en una variedad de contextos. "Siempre me hago la misma pregunta: ¿qué es lo más poderoso que puedo hacer en esta situación? Si se trata de una balada, estoy hablando de poder en cuanto a la entrega de la historia, como si estuviéramos hablando de Carmen McRae y de la forma en que fue capaz de ser muy suave. O podría ser poder de una manera diferente, volumen o textura.
"Mis influencias son súper amplias en cuanto a las cosas que escucho. Mis influencias van desde Paul Chambers hasta el bajista[Motown] James Jamerson, pasando por un montón de[Jimi] Hendrix y James Brown o…. e influencias clásicas y todo tipo de cosas para que encuentres esas cosas dentro de tu historia o de tu pasado que puedes sacar a la luz de diferentes maneras. A veces no se expresan abiertamente.
"Te metes en un cierto groove y luego es como si aplicar esas influencias al bajo acústico pudiera ser algo totalmente diferente. No es para pensar en términos de género cuando tocas. Es sólo pensar en la música".
Fue durante este período que Colley también salió como líder y compositor por derecho propio, grabando y lanzando cinco álbumes aclamados por la crítica en una carrera de siete años. Su debut en Portable Universe (1997), con un sexteto que incluía a Potter y David Binney, fue bien recibido por el L.A. Times por "presentar una visión musical emotiva y comprometida de la vida contemporánea", y "lo marca como un líder de banda del que esperar grandes cosas".
Subliminal, un cuarteto de 1998 (que JazzTimes elogió por "originales apasionantes….a la vez atractivos y desafiantes") y dos versiones en trío con Potter y Bill Stewart de 2000 -This Place y The Magic Line-, pronto le siguieron. En 2003, lanzó Initial Wisdom con un cuarteto de Ravi Coltrane, Adam Rogers y Stewart. Unos años más tarde, la reputación de Colley por capturar tanto momentos de improvisación de magia como de precisión sentimental se aseguró en grabaciones como la de 2007 Architect of The Silent Moment (con Ralph Alessi, Craig Taborn y varios invitados especiales) y la de 2010 Empire (una grabación de quinteto con Alessi, Taborn, Bill Frisell y Brian Blade, a quien No Treble llamaba un "favorito para el disco de jazz del año"). Como Colley dijo All About Jazz en 2015, tener en cuenta lo extemporáneo y lo imprevisto es un imperativo fundamental en su enfoque de la grabación.
"Hay muchas cosas que le pasan a una composición en el proceso de tocar y grabar. Y no sólo se hace cuando se graba. Sigue moviéndose y cambiando. Esa es la forma en que escribo. Es todavía una composición viva que puede cambiar dependiendo de los diferentes individuos con los que pueda tocar la música, o en el transcurso de una gira con los mismos músicos, cómo la abordamos para ver cómo podemos sorprendernos unos a otros. Es posible, he jugado con gente que puede bloquearlo y hacer que esas posibilidades no existan. Y para mí eso no es tan interesante. Porque esas sorpresas pueden ser la mejor parte de la música".
Seven es el último ejemplo de su deseo de ensamblar alineaciones con la libertad de encontrar su propio sonido. "Cuando empecé el proyecto el año pasado tenía a estos tres músicos en mente, fue muy deliberado por mi parte", dice Colley. "Desde el principio pude imaginarme interactuando con estos tres de una manera muy orgánica, muy poderosa… aunque he jugado con todos ellos por separado, y hemos sido amigos durante muchos años, nunca han jugado realmente el uno con el otro. Así que había este elemento de no saber exactamente lo que iba a pasar".
Esa idea de abrazar lo desconocido, de buscar lo inesperado, se erige como un aspecto de la trayectoria musical de Colley que continúa equilibrando su papel como líder y miembro de la banda, como colaborador creativo y como un seguidor a donde la música misma conduce. Uno puede escuchar eso en su trabajo como un sideman de gran demanda en la década más reciente de su siempre creciente y en continua expansión carrera, tocando y grabando con grupos liderados por Potter, Scofield, Metheny, Donny McCaslin, Gary Burton, Luciana Souza, Kenny Werner, Edward Simon. También se puede escuchar en colaboraciones tan recientes como la KCB Collective, con el saxofonista danés Benjamin Koppel y Blade, el trío "Steel House", y ahora con su actual cuarteto.
Se puede argumentar que el sentido de prioridades creativas de Colley se distingue más en su papel de líder y compositor. "Siempre he estado más interesado en escribir música que no parezca necesariamente un disco de bajista, por lo que mi papel en la música no cambia mucho, ya sea que se trate de mis composiciones o de las de otra persona. Para mí, ese es un equilibrio interesante: ser decisivo y sólido y crear música que tenga dirección, pero en el proceso de tocar la música, dar un paso atrás y no controlar cada evento. Eso es lo que trae el espacio y la belleza, pero también trae el poder".
Ashley Kahn 6/2017
