Samara Joy ::: Portrait

Samara Joy ::: Portrait

Portrait

Samara Joy

Verve | Octubre 11, 2024

NOVEDAD Samara Joy ::: Portrait
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1 You Stepped Out Of A Dream 4:35
2 Reincarnation Of A Lovebird 6:28
3 Autumn Nocturne 3:47
4 Peace Of Mind / Dreams Come True 7:06
5 A Fool In Love (Is Called A Clown) 4:48
6 No More Blues 5:46
7 Now And Then (In Remembrance Of…) 6:28
8 Day By Day 4:58

 

Samara Joy, vocals
Jason Charos, trumpet, flugelhorn
David Mason, alto saxophone, flute
Kendric McCallister, tenor saxophone
Donavan Austin, trombone
Conor Rohrer, piano
Felix Moseholm, bass
Evan Sherman, drums

Recorded at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, NJ, by Maureen Sickler
Produced by Brian Lynch & Samara Joy

 

«Todavía estoy sin palabras», dice Samara Joy, reflexionando sobre su victoria en los Grammy 2023 como “Mejor artista revelación”. Cuando la vocalista de jazz criada en el Bronx, de 24 años, intenta situarse hoy en aquel momento histórico, no siente más que gratitud.

Al mismo tiempo, Joy comprendió entonces que no podía dejar que el premio la definiera. Aún le quedaba toda una vida musical por explorar, un grupo muy unido de extraordinarios colaboradores a los que guiar y una pasión por la composición que alimentar. Así que Joy hizo lo que haría cualquier músico de jazz comprometido y eternamente curioso: Se echó a la carretera. Para ella y su banda, una serie aparentemente interminable de giras con entradas agotadas se convirtió en una oportunidad nocturna para alcanzar nuevas cotas creativas. «Volví al trabajo, a hacer lo que, en esencia, me valió el Grammy», dice.

El nuevo disco de Joy, «Portrait», publicado por Verve Records, es la continuación de «Linger Awhile», su álbum revelación de 2022, y representa la siguiente fase de su continua evolución artística, libre de expectativas. «Portrait» documenta la relación envolvente y aparentemente telepática que ha desarrollado con su banda de gira, que incluye músicos con los que aprendió el arte del jazz mientras estudiaba la carrera; de hecho, Joy no empezó a cantar jazz hasta la universidad. Gracias a esa acogedora dinámica, en la carretera «estoy entre amigos, lo que explica la química personal que se traslada a nuestras actuaciones en directo», afirma Joy. La vocalista ofrece un álbum que honra la herencia del jazz al tiempo que se adentra en un territorio audaz y singular. «Portrait» no es un disco rutinario de cantante con acompañantes.

Joy coprodujo «Portrait» con su colega Brian Lynch, ganador de varios Grammy, trompetista y director musical que ha sido el colaborador más importante de Eddie Palmieri en los últimos años de su carrera y miembro de la última formación de Art Blakey's Jazz Messengers. El álbum se grabó en sesiones simplificadas -sólo dos o tres tomas de cada tema- en uno de los lugares más sagrados del jazz, Van Gelder Studio. «Con este tipo de banda», dice Joy, “tocamos muy juntos en el escenario”, así que el cantante y Lynch recrearon ese ambiente en el estudio. La banda grabó todos juntos en esa misma fantástica sala, alimentándose de la energía de los demás como lo harían en un fogoso concierto en directo. «Era el lugar perfecto para capturar este sonido en su totalidad», dice Joy.

Lynch, afirma Joy, les permitió a ella y a la banda permanecer «en el asiento del conductor, actuando como nuestro copiloto de gran apoyo». La cantante y su coproductor se compenetraron en el LP de 1961 de Abbey Lincoln «Straight Ahead», en el que la atrevida cantante se enreda brillantemente en una banda formada por Max Roach, Booker Little, Eric Dolphy, Coleman Hawkins, Julian Priester y otros grandes. Esa grabación, dice Joy, «me mostró cuál podía ser mi papel y me abrió los oídos a lo que era posible».

Al igual que en aquella piedra de toque del jazz vocal, Joy se escucha mejor aquí como parte integrante de un octeto igualitario que incluye al trompetista Jason Charos, los saxofonistas David Mason y Kendric McCallister, el trombonista Donavan Austin, el pianista Connor Rohrer, el bajista Felix Moseholm y el batería Evan Sherman. Ella se eleva por encima y al frente, por supuesto, pero también funciona como un instrumento puro y una fuente de apoyo e interacción. «A menudo soy la quinta voz», dice, »la quinta trompa. Me encanta el sonido de esta banda. Con suerte, cuando la gente lo oiga se dará cuenta de que yo también soy músico».

Destacando la generosa estrategia de Joy como líder -una influencia que recogió de Art Blakey y Max Roach-, «Portrait» hace gala de un enfoque singularmente sinérgico de los arreglos. «Disfruto colaborando con nuevas voces musicales», dice Joy de su banda, »porque no sólo ayuda a crecer a todos los implicados, sino que contribuye a ampliar la forma en que los músicos y el público escuchan esta música y lo que está por venir. Así que quise poner a estas mentes creativas en un mismo lugar para expandir la música y, como resultado, a los demás». Joy tomó los temas más destacados de su cancionero de conciertos, en constante evolución, y se los dio a cada miembro de la banda para que los arreglara, basándose en los dones y la personalidad de cada uno.

«Portrait» es también la expresión más profunda de Joy como compositora, especialmente como letrista de absoluta precisión poética. Es un programa inspirado y sorprendente que sirve de recordatorio de cómo el repertorio vocal-jazz puede seguir abriendo nuevos caminos al tiempo que hace guiños a la historia del jazz. En «Reincarnation of a Lovebird (Pursuit of a Dream)», Joy une el tierno homenaje de Charles Mingus a Charlie Parker a su propia mediación sobre, como ella misma lo describe, «un amor tan fuerte que es surrealista». «Peace of Mind/Dreams Come True» empareja la primera canción original de Joy y el saxofonista Kendric McCallister, que desgrana las ansiedades que Joy sintió en su momento post-Grammy, con la gratitud y el optimismo cósmico de Sun Ra. «Now and Then (In Remembrance Of...)» presenta las conmovedoras palabras de Joy sobre la música del fallecido gran sabio del bebop Barry Harris, con quien Joy y McCallister estudiaron. «Es para Barry», dice Joy, “pero también para todos los que han pasado por mi vida y ya no están aquí, pero quiero seguir pensando en ellos, tenerlos presentes”.

Aun así, como cabía esperar dada la trayectoria de Joy con las melodías clásicas, algunos de los momentos más impresionantes del álbum son los estándares: Los arreglos de Jason Charos de «You Stepped Out of a Dream» y «No More Blues» (un exuberante limpiador de paladar en el que Joy canta la letra de Jon Hendricks); la versión de McCallister de «Autumn Nocturne»; «Day by Day» de David Mason. «A Fool in Love (Is Called a Clown)», original de Donavan Austin, es tan deliciosamente sentimental que bien podría ser un estándar.

En todo momento, Joy suena divina, evocando a sus ídolos del jazz al tiempo que aprovecha su rico bagaje en una familia de renombre en el gospel y el R&B. O como Joy dice simplemente: «Estoy agradecida de tener tantas herramientas a mi disposición».

En última instancia, «Portrait» es una obra maestra que cuenta la historia de un conjunto, una banda que surgió como amigos y estudiantes de música y que ha seguido desarrollándose hasta alcanzar el estrellato del jazz. «Es todo lo que podría haber soñado en una banda», dice Joy. «Espero que sigamos juntos muchos años. De verdad que sí».

samarajoy.com 

 

Avishai Cohen ::: Ashes to Gold

Avishai Cohen ::: Ashes to Gold

Ashes to Gold

Avishai Cohen

ECM | Octubre 11, 2024

Avishai Cohen - Ashes to Gold
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1 Ashes to Gold, Part I 9:17
2 Ashes to Gold, Part II 6:44
3 Ashes to Gold, Part III 3:34
4 Ashes to Gold, Part IV 2:11
5 Ashes to Gold, Part V 10:28
6 Adagio assai (from Ravel's Piano Concerto in G major) 7:56
7 The Seventh 3:23

 

Avishai Cohen - Trumpet, Flugelhorn, Flute
Yonathan Avishai - Piano
Barak Mori - Double Bass
Ziv Ravitz - Drums

Recorded
November 2023, Studios La Buissonne, Pernes les Fontaines

 

De una reseña de la actuación del grupo en la Sala de Conciertos Vredenburg de Holanda:

«Con una emoción no disimulada, Cohen dedicó su nueva suite a un alto el fuego inmediato en el que añadió que la música habla más alto que las palabras. Lo que siguió fue de una expresividad especial y rara, que no se encuentra ni se oye fácilmente en la música de estos días. Empezó lentamente con la flauta con un tema suave y cálido, que con un giro de su trompeta cambió a un pasaje tormentoso y oscuro lleno de inquietud, acordes oscuros de piano, bajo pesado y batería dura. Imposible no pensar en lo que está ocurriendo en Oriente Medio mientras hablamos. Emocionante cómo Cohen juega con los pedales de su trompeta, acentuando la desesperación, en conversación con su banda, especialmente las narraciones que cada miembro de la banda cuenta..."

Los primeros momentos de «Ashes to Gold», la dramática suite en cinco partes que abre el nuevo álbum de Avishai Cohen, presentan el sonido desconocido del gran trompetista de Tel Aviv tocando la flauta, estableciendo un ambiente onírico, casi pastoral, que pronto se desgarrará. Lo que sigue es algo de la música más intensa y concentrada que Cohen y su banda de amigos han grabado hasta la fecha, reflejo de las profundas tensiones de una época convulsa.

Ashes to Gold: la imagen del título procede del antiguo arte japonés del kintsugi, el trabajo de reparación de cerámica «en el que se toma lo viejo y lo roto y se intenta unir las piezas para hacer algo dorado y bello a partir de los fragmentos», dice Avishai Cohen. «En cierto modo, creo que ahí es donde habitamos. Nuestra realidad. Y aunque esta música no puede evitar reflejar los tiempos que corren, también -en mi imaginación- tiene algo de esperanza. Al menos, no es sólo oscura».

El pasado otoño, Cohen tenía intención de tomarse un mes de vacaciones en Israel para escribir la música de su nuevo álbum y tocar las piezas en conciertos de camino a la sesión de grabación en el sur de Francia. Sin embargo, los cataclísmicos acontecimientos del 7 de octubre paralizaron bruscamente los planes de composición:

«No podía escribir nada. No podía tocar la trompeta. A principios de noviembre, le dije a Yonathan [el pianista Yonathan Avishai] que iba a tener que cancelar la gira y la grabación, pero me dijo: 'No. Tenemos que ir a tocar música'. La forma en que lo dijo fue poderosa. Sabía que tenía razón».

La mayor parte de la suite «Ashes to Gold» se redactó finalmente en el comprimido periodo de tiempo de una semana, «a estas alturas en plena locura de los tiempos de guerra. Con cohetes volando sobre mi cabeza, alarmas y sirenas sonando, etc.». ¿Afectó todo esto a la música? ¿Cómo no iba a hacerlo? En consecuencia, la suite recorre toda la gama de emociones, desde la rabia a la desconfianza, pasando por una profunda melancolía, y suscita interpretaciones conmovedoras en cada uno de sus registros expresivos. Durante la gira, Cohen seguía añadiendo secciones a la música y utilizaba pruebas de sonido para ensayarlas. «Después de un ensayo en Rumanía, supe que me faltaba un tema. Tenía el timbre y el sonido en la cabeza, pero aún tenía que escribirlo. El promotor local me encontró un estudio que tenía un pequeño Casio y escribí la música en él». Esto se convirtió en la Parte III de la suite, donde la línea tiernamente lírica de Avishai flota sobre la grave meditación del contrabajo y el piano.

La aportación del grupo, todos ellos músicos dotados y en sintonía desde hace tiempo con el mundo sonoro de Cohen, fue diferente a la de las anteriores grabaciones de Avishai para ECM, Into The Silence, Cross My Palm With Silver y Naked Truth. «Generalmente, en el pasado la banda no veía la música hasta el estudio. Y mi actitud solía ser 'Bueno, esto es lo que he escrito, así que haced lo que hacéis: dadme vuestra interpretación improvisada'. Pero esta vez Yonathan y Barak pudieron ver parte de la música antes de irnos de Israel y tuvimos una semana para trabajar en ella, con mucho más detalle que antes. Nunca había sido tan específico sobre lo que quería oír en un álbum como esta vez. Discutimos y definimos cada golpe de batería, cada énfasis rítmico, cada crescendo. Cómo debían tocarse, colocarse y frasearse las notas, qué haría exactamente cada uno de nosotros en cada sección...».

La franqueza melódica de la pieza final del álbum, «The Seventh», compuesta por Amalia, la hija adolescente de Avishai Cohen, ofrece un consolador contraste con la complejidad de la suite. «Me encantó su melodía, y pensé que realmente podría encajar en el álbum después de toda esa música intensa, y era una melodía que yo nunca habría escrito. Así que la grabé en secreto tocando la pieza y llevé la melodía a la banda, y la sorprendimos presentándola en los conciertos previos a la sesión de estudio.»

Como puente entre las obras de los dos Cohen, se interpreta el inquietante Adagio assai del concierto para piano en sol mayor de Maurice Ravel. El cuarteto lo ha incluido con frecuencia en sus conciertos. Escrito entre 1929 y 1931, el concierto de Ravel se inspiró en Mozart y Saint-Saens, así como en el jazz, los espirituales y los temas folclóricos vascos, con una visión de futuro en sus consideraciones transculturales. Es una composición que Avishai Cohen admira desde hace mucho tiempo. «La escuché prácticamente sin parar durante los años Covid, especialmente la versión de Martha Argerich. En casa tocaba con la grabación de Martha». El año pasado, Cohen y Yonathan Avishai fueron invitados a participar en el festival de Argerich en la Laieszhalle de Hamburgo, y el trompetista tuvo la oportunidad de interpretar a Ravel con la carismática pianista clásica: «Fue increíble. Un gran honor, y uno de los momentos culminantes de mi vida musical».

*

El Avishai Cohen Quartet está de gira esta temporada, con conciertos como Enjoy Jazz Festival, Mannheim, Alemania (2 de noviembre), Villanos del Jazz, Madrid, España (13 de noviembre), Henry Le Boeuf Hall, Bruselas, Bélgica (14 de noviembre), Théâtre La Coupole, Saint Louis, Francia (16 de noviembre), PAARD, La Haya, Países Bajos (19 de noviembre), Bimhuis, Ámsterdam, Países Bajos (20 de noviembre), EFG London Jazz Festival, Reino Unido (21 de noviembre), Jazz Syndicate Festival, Bucarest, Rumanía (23 de noviembre), Jazz au Fil de l'Oise, Asnières-sur-Oise, Francia (24 de noviembre) Pannonica, Nantes, Francia (25 de noviembre) y Nasjonal Jazz Scene, Oslo, Noruega (29 de noviembre). El grupo volverá para otra ronda de conciertos europeos en la primavera de 2025.

Ashes to Gold se grabó en los estudios La Buissonne de Pernes-les-Fontaines en noviembre de 2023. Se están preparando nuevas grabaciones con Avishai Cohen.

 

avishaicohenmusic.com 
ecmrecords.com 

Ellen Andrea Wang ::: Closeness II

Ellen Andrea Wang ::: Closeness II

Closeness II

Ellen Andrea Wang

Perfect Danger Records | Oct 4, 2024

Ellen Andrea Wang - Closeness II
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1 August 5:12
2 Hummingsong 4:48
3 I Like London In The Rain 3:16
4 Lands Herlighet 5:01
5 Du Høie Fryd 2:35
6 You 3:54
7 Villa Bjørk 1:56
8 I Need Your Love 4:31
9 Flyte Rundt 7:07
10 Mainz 5:01

 

 

Arranged and performed by
Ellen Andrea Wang - double bass, vocal
Rob Luft - guitars, background vocal
Jon Fält - drums, percussion, background vocal

All music and lyrics are written and produced by Ellen Andrea Wang
Except track #3 I Like London In The Rain is written by Jim Council and Blossom Dearie. Track #4 Lands Herlighet and Track #5 Du Høie Fryd are inspired by traditional folk songs from Søndre Land

Recorded 17th - 19th October at Villa Bjørk, Norway by Marcus Forsgren
Mixed by Marcus Forsgren at Studio Paradiso, Oslo
Mastered by George Tanderø

Cover art by Sverre Bjertnæs
Cover design by Peder Bernhardt

Una presencia imponente en cualquier conjunto en el que toca, su tono suave y su precisión vocal siempre se contrarrestan con grooves pesados y asertivos de su contrabajo, entrelazándose con baterías, jazz, pop y groove por igual.

The Guardian

Esta banda ha obtenido reconocimiento internacional por su interrelación musical y desde su álbum de debut han tocado en unos 100 conciertos/festivales de club en Europa, han sido cabezas de cartel en festivales de jazz como el Festival de Jazz de Atenas, Moldejazz y el Festival de Jazz de Londres. Actuaron en la emisora de radio en directo de la BBC, en el programa de la NRK (radiotelevisión noruega) y el vinilo de la banda encabezó las listas de los vinilos más vendidos en Noruega cuando salió a la venta.

Ahora llega la continuación del exitoso álbum de debut Closeness. Es un álbum sobre las relaciones. Todo el álbum se grabó en la casa rosa de Wang y ella dice:

«Siempre me ha gustado ensayar en la cocina de mi casa. El bajo suena muy bien en esa habitación y me gusta la idea de convertir la vida cotidiana en arte o el arte en vida cotidiana. Grabar un disco en casa siempre ha sido un sueño para mí, rodeada de familiaridades».

El técnico de estudio Marcus Forsgren se unió y llamamos a nuestros amigos músicos para que nos prestaran equipo. Grabamos la música en mi casa, yo en la cocina, Rob y Jon en el salón, una sesión con verdadero espíritu de bricolaje. Todo se convirtió en una experiencia única que dio forma y color a la música. Un refuerzo de la expresión Closeness «que trata de las estrechas relaciones con la gente a la que quiero y a los lugares que me han influido como persona».

Ellen Andrea Wang es una de las músicas más destacadas de su generación.

Ha creado su propio universo musical y ha demostrado rotundamente que se pueden escribir éxitos y seguir teniendo los dos pies en el jazz. Ha recibido múltiples premios Grammy noruegos, premios de composición, fue artista residente en Moldejazz (2021) y ha colaborado con músicos como Sting, Manu Katché, Ben Wendel, Marilyn Mazur y Bugge Wesseltoft. También es miembro del grupo GURLS, aclamado por la crítica.

Con un sonido a la vez melodioso, pegadizo y vital, la compositora y autora de canciones Ellen Andrea Wang mezcla estilos de forma única, y tiene su propia habilidad para crear estados de ánimo que llegan al corazón y al alma. Para ayudarla a crear atmósferas, tiene a su lado a la estrella británica Rob Luft a la guitarra (John Surman, Django Bates) y al meritorio batería sueco Jon Fält (Bobo Stenson Trio). A través de una buena interacción, comparten el deseo de llevar al público a un viaje musical inolvidable en el que se dejará respirar a la música.

*****

La bajista, cantante y productora noruega Ellen Andrea Wang es una fuerza poderosa en el jazz, el pop y más allá. Una artista inventiva que mezcla estilos de formas sin precedentes. Desde colaboraciones con Sting, Manu Katché y Marilyn Mazur, a actuaciones en los principales festivales de jazz, pasando por su aparición con el grupo GURLS, ganador de varios Grammy noruegos, hasta sus propios proyectos como Ellen Andrea Wang Closeness y la banda Pixel. Wang siempre ha buscado nuevas formas de combinar con gusto el jazz y el pop. Sus composiciones e interpretaciones equilibran lo lírico con lo áspero, lo acústico con lo eléctrico, dando como resultado un sonido moderno único. Ha recibido varios premios por sus composiciones (NOPA, premios TONO) y por su musicalidad, como el premio DNB en el Festival de Jazz de Kongsberg, el premio en memoria de Radka Tonneff (2022), y en 2021 fue artista en el Festival Internacional de Jazz de Molde.

 

ellenandreawang.com 
robluft.co.uk 
oyvindskarbo.com 

 

 

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