David Preston ::: Purple / Black Volume 2

David Preston ::: Purple / Black Volume 2

Purple / Black Volume 2

David Preston

Whirlwind Recordings | Sept 27, 2024

David Preston - Purple Black Vol 2
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1. Ostina 5:07
2. Deco 2:57
3. When You Were Real 3:40
4. Vespersong 4:56
5. Casablanca 4:39
6. Ennio 3:28
7. Roma 4:10
8. Karma Radio 3:34
9. Siqsteetwo 3:06
10. Immortelle 5:09

 

David Preston - guitar
Kit Downes - piano
Sebastian Rochford - drums
Kevin Glasgow - bass

Recorded 5th & 6th October, 2021
Engineered by Christoph Skirl
Mixed by Tyler McDiarmid
Mastered by Tyler McDiarmid
Producer - David Preston
Executive Producer - Michael Janisch
Photography by Miguel Altunaga, Pedro Velasco
Album Original Artwork by Callum Chambers
Cover Photo by Daniel Spase

 

«un magnífico guitarrista de jazz moderno»
TimeOut
«Virtuoso»
The Guardian
«Increíblemente talentoso»
Gary Husband

Este álbum acompaña al debut de David Preston en 2023 bajo su propio nombre: un conjunto de grabaciones que confundieron las expectativas tanto como deleitaron al público. Preston entró en el estudio con un conjunto coherente de composiciones que se centraban en la textura y el estado de ánimo tanto como en el virtuosismo de la improvisación, y una banda de músicos de primera fila cuya capacidad para trabajar fuera de los límites del género coincidía con la suya propia. Las sesiones fueron tan productivas que produjeron dos álbumes, de los que éste es el segundo.

Al igual que su predecesor, Purple/Black Volume 2 combina los talentos únicos de Kit Downes, Kevin Glasgow y Seb Rochford en una unidad intuitivamente coherente que explora el material cuidadosamente elaborado de una manera que impresiona tanto por su concentración y control como por su espontaneidad. El resultado es un álbum que combina la franqueza y la accesibilidad de la música popular con la profundidad y la sutileza del jazz.

Donde el Volumen 1 presentaba una personalidad brillante y extrovertida, el Volumen 2 invita al oyente a inclinarse hacia la música, para disfrutar mejor de los entresijos que se esconden bajo la superficie. «Es una invitación a que te acerques, ahora que nos has conocido». La melodía de apertura, «Ostina», zarpa sobre olas de arpegios ondulantes hacia una odisea armónica, en la que la dichosa melodía se desliza por profundidades de disonancia.

El piano y la guitarra alternan papeles principales y de acompañamiento, sobre todo en «Deco», que proporciona un marco sencillo para el intercambio musical sobre una interpretación de Rochford boyantemente groove. Por el contrario, «When You Were Real» explora la libertad del ritmo sin pulso. «Kit y Seb son geniales expresando la música de esa manera, y haciendo que signifique algo».

Hay una sensación de canción estándar en 'Vespersong', llena de acordes interesantes con un solo bellamente construido por Kit, equilibrando la libertad y la disciplina melódica. «Casablanca 1913» continúa el ritmo de vals para evocar los viajes de David a Marruecos y la conmovedora imagen de la ciudad en ruinas. Kevin Glasgow y Seb Rochford vuelven al primer plano en «Ennio», donde la melodía repetida proporciona el marco de improvisación sobre su pulso medido, con más de una insinuación de los paisajes desérticos de las grandes bandas sonoras de Morricone.

«Roma» tiene un aire de swing relajado con un toque de nostalgia por la Ciudad Eterna en los evocadores pedales de volumen de la guitarra de David y el magnífico piano compositivo de Kit. «Kit es genial trabajando con guitarristas, entiende la armonía de la guitarra y cómo tocar dentro de ella». «Karma Radio» y “Sigsteetoo” se inclinan hacia el rock, liderados por la magistral batería de Seb, que demuestra su dominio de la simplicidad, sin miedo a ofrecer un pulso directo cuando es necesario. Por último, «Imortelle», que toma su nombre de las flores que tradicionalmente se colocan en las lápidas, es el tema rítmicamente más complejo del disco, pero sigue sonando completamente natural. «Empujamos y tiramos un poco del ritmo. Hay mucho espacio y realmente encaja con esta banda y este disco».

Todas las melodías se grabaron en una o dos tomas y cada una establece su propio carácter emocional antes de dar paso a la siguiente, lo que le confiere la franqueza de un disco pop. La accesibilidad de las texturas atrae al oyente, tanto mejor para apreciar la complejidad oculta en las profundidades. Volume 1 ha demostrado ser un éxito comercial y de crítica, y el proyecto ha seguido creciendo y desarrollándose a medida que David ha llevado a la banda de gira. El íntimo e intrincado Volumen 2 seguramente consolidará su atractivo.

 

davidprestonmusic.com  

Anat Cohen ::: Quartetinho: Bloom

Anat Cohen ::: Quartetinho: Bloom

Quartetinho: Bloom

Anat Cohen

Anzic Records | Sept 27, 2024

Anat Cohen - Quartetinho Bloom
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1. The Night Owl 4:42
2. Paco 6:41
3. Trinkle, Tinkle 4:45
4. Tango Para Guillermo 6:13
5. Coco Rococo 6:18
6. La Catedral: III Allegro Solemne 5:17
7. Superheroes in the Gig Economy (from Gletscher) 6:16
8. Friends in Every Manner of Conveyance 2:34

 

 

ANAT COHEN: Clarinet
VITOR GONÇALVES: Piano, Accordion
TAL MASHIACH: Double Bass, Guitar
JAMES SHIPP: Vibraphone, Marimba, Percussion

Arrangements by Quartetinho
Recorded by Ryan Streber at Oktaven Audio, NY, April 2024
Mixed by Brian Montgomery, NY, May 2024
Mastered by Mark Wilder, Battery Studios NYC, June 2024
Artwork & Design by Yesim Tosuner
Photos by Liri Agami
Produced by Anat Cohen & Oded Lev-Ari

 

«No hay nada controvertido en afirmar que Anat Cohen es una de las mejores clarinetistas del mundo del jazz, y siempre es un placer cuando publica un nuevo álbum».
Bandcamp

Lo último de Anat Cohen es Bloom, el segundo álbum de su cuarteto Quartetinho. El nombre del grupo significa «pequeño cuarteto» en portugués, aunque los músicos tienen un sonido grande y colorido, y cada uno es un as con varios instrumentos: Anat toca varios clarinetes, Tal Mashiach el bajo y la guitarra, Vitor Gonçalves el piano y el acordeón, y James Shipp el vibráfono y la percusión. Bloom muestra composiciones de cada miembro de la banda, así como una encantadora y lírica versión de «Trinkle, Tinkle» de Thelonious Monk y un expansivo arreglo del clásico del guitarrista y compositor paraguayo Agustín Barrios Mangoré «La Catedral».

Reflexionando sobre la forma en que Quartetinho la inspira, Anat dice: «Esta banda realmente parece sacar a relucir la dedicación a la canción en mi forma de tocar, en la forma de tocar de todos. Sé que siento mucho apoyo del grupo cuando toco melodías. En el Quartetinho hay mucho respeto por la melodía y el lirismo, así como por las distintas tradiciones en las que nos adentramos, ya sea el jazz o la samba o la música folclórica israelí o el cancionero americano. Dicho esto, son músicos intrépidos con los que estoy tocando, así que a veces las cosas pueden ponerse un poco salvajes en el escenario. Es importante equilibrar el respeto por estas profundas tradiciones con la osadía de decir algo personal, de ser real. En este sentido, siento que los chicos están en sintonía con mis distintas personalidades y sacamos lo mejor de cada uno».

Pensando más en el mensaje cultural «entre las notas» de esta música, Anat concluye: «Me haría muy feliz que cuando la gente nos oiga en directo o escuche uno de nuestros discos, tenga la sensación de que 'donde hay voluntad, hay camino'. Todo esto requiere un esfuerzo real, dominar un arte, entablar una conversación y escucharse unos a otros, hacer lo necesario para compartir algo significativo; y escuchar al público también requiere un esfuerzo real, estar plenamente presente en el momento, estar en sintonía con lo que sucede en el escenario o con lo que alguien ha plasmado en un disco. En los tiempos que corren, muchas cosas de la vida en el mundo pueden ser dolorosas. Sé que la música es el único lugar donde me siento completamente seguro. Esta banda me hace sentir que todo es posible y aceptado. Debemos atesorar estas experiencias, aprovechar al máximo el viaje. Espero que la gente venga y experimente la música de Bloom como nosotros, como algo positivo, unificador, alegre».

 

anatcohen.com 

Darío Acosta Teich ::: Tierra Infinita

Darío Acosta Teich ::: Tierra Infinita

Tierra Infinita

Darío Acosta Teich

Darío Acosta Teich | Sept 13, 2024

Dario Acosta Teich - Tierra Infinita
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1- Kachariy
2- Low Tide
3- Danza De La Tierra
4- Zamba Para La Noche (ft. Franco Luciani)
5- Chacarera Infinita
6- Pétalo Del Sur (ft. Marta Gómez)
7- Milonga Hermética

 

Darío Acosta Teich en guitarras, voz, composición y producción.
Fernando Huergo - bajo
Yulia Musayelyan - flauta
Daniel "Pipi" Piazzolla - batería
Horacio Cacoliris - percusión
Hernán Jacinto - teclados
Eleanor Dubinsky - voz (2, 4, 7)
Timna Comedi - voz y arreglos vocales (1, 6, 7)
Franco Luciani - armónica (4)
Marta Gómez - voz (6)
José Luis Cala - sikus y dirección del ensamble de sikus (1)
Ensamble de Sikus - Esteban Carvajal, Lourdes Albornoz, Camila Benitez, Miguel Costas, Gonzalo Rodulfo, Gerban Jose, Alberto Moisés Elias, Adonis Mamondes y Julio César Alcorta.

El diseño gráfico fue creado por Javier Rodríguez y Micaela Acosta Teich, la fotografía por Alex Kororkovas, y la letra de la pista 6 por Dardo Solórzano.

Grabado en Estudios Doctor F en Buenos Aires, Argentina, en mayo de 2023.
Ingeniero de sonido: Florencio Justo
Mezcla: Alejandro Rodríguez - Masterización: Alan Silverman.

 

El guitarrista y compositor tucumano radicado en Nueva York presenta "Tierra Infinita", donde integra jazz y folklore argentino, acompañado por Daniel "Pipi" Piazzolla, Hernán Jacinto, Yulia Musayelyan, Horacio Cacoliris y Fernando Huergo y la participación especial de la cantante colombiana Marta Gómez y el armoniquista Franco Luciani.

Las mezclas y fusiones son un tema presente a lo largo de todo el álbum. Darío comenta: “La nueva música abraza las infinitas posibilidades que existen en el folklore y el jazz, invitando a un sentido de libertad y liberación. Veo estas canciones como ríos que fluyen a través del tiempo, cada uno llevando consigo la esencia de la música argentina de raíz - huayno, zamba, chacarera, chaya, milonga - y conectando generaciones pasadas, presentes y futuras a través de la fusión del nuevo jazz y el folklore argentino tradicional.”

“En este álbum, busco inspirar a la gente a acercarse un poco más a la inagotable riqueza de nuestra música y ofrecer un estilo que pueda ser parte de muchos mundos, comunidades y escenas musicales al mismo tiempo. Tierra Infinita", continúa Darío, “construye puentes entre estas culturas musicales, invitando a un viaje de descubrimiento y conexión. Mi esperanza es que, al escuchar esta música, sin importar de dónde sean, los oyentes encuentren un terreno común (Tierra) y una forma de volar (Infinita) hacia la belleza y el poder de la música atemporal.”

*****

La magistral técnica guitarrística de Darío Acosta Teich está al servicio de una mente musical infinitamente imaginativa. Ha encabezado conjuntos de jazz, compuesto para orquestas e improvisado con iconos del jazz como William Parker y Mike Stern, todo ello cultivando sus profundas raíces latinoamericanas. Ha colaborado y actuado con grandes músicos argentinos como Pipi Piazzolla, Franco Luciani, Quique Sinesi, Nahuel Pennisi, Juan Falú y Ernesto Snajer. También ha explorado un mundo de otros sonidos, tocando con todo el mundo, desde el icono garífuna Aurelio Martínez hasta Tim Ries, intérprete de metales durante mucho tiempo con The Rolling Stones, Stevie Wonder, Donald Fagen y muchos más.

Darío, como solista y como parte de grupos y conjuntos, ha actuado en importantes festivales y lugares clave de 16 países de Sudamérica, Norteamérica, Oriente Medio, África Occidental y Europa. Ha publicado cinco álbumes y ha colaborado en innumerables otros como ingeniero, productor y músico. En 2022 recibió el Premio Mercedes Sosa al Mejor Álbum de Jazz.

Actualmente afincado en Nueva York, publicó FOLKLORE, un tour de jazz experimental por las variadas regiones sónicas de Argentina. En FOLKLORE Darío presenta su tierra natal en nuevos sonidos basados en ritmos y contextos ancestrales, algunos pensativos, otros festivos, pero todos frescos. Para esta exploración, Darío reunió a un grupo de músicos de confianza, ganadores del GRAMMY y del Latin GRAMMY, como Leo Genovese, Julio Botti, Franco Pinna, Pablo Aslan, Moto Fukushima y Fernando Huergo, e invitó a varios invitados especiales como los artistas de renombre mundial Jaques Morelenbaum, Mike Stern y Zach Brock.

Darío es oriundo del norte de Argentina, una región con una larga tradición musical. Desde su nacimiento, entró a formar parte de esos linajes gracias a su familia, muy musical. Su padre, Kato, luthier y músico, le llevaba a las peñas y le enseñó los primeros acordes de guitarra. Darío quedó prendado de este instrumento, que sigue siendo su principal compañero musical.

Ya desde muy joven, Darío anhelaba ampliar estas raíces, abrazando la música clásica y el jazz para encontrar su propia voz distintiva. Se graduó en el conservatorio de su ciudad natal, Tucumán, e ingresó en la Universidad de La Plata, cerca de Buenos Aires, la principal universidad de Argentina y centro neurálgico de la creatividad musical. Estudió composición y, un año más tarde, se convirtió en Profesor Asociado de Música Folclórica a la edad de 20 años.

En Argentina, los músicos se enfrentan a duras batallas. Por eso, cuando Darío, aprovechando su herencia judía, descubrió que podía profundizar su formación en interpretación de jazz en la Academia de Música y Danza de Jerusalén, abandonó su patria rumbo a Israel. Afincado en Tel Aviv durante cinco años, Darío se convirtió en un pilar de la escena del jazz, ganándose el reconocimiento de destacadas voces musicales como Albert Beger, Daviv Broza, Achinoam Nini e Idan Rachel.

Su trabajo de desbordamiento le llevó a realizar numerosas giras como solista, como parte de Guitarras del Mundo y como integrante del espectáculo de música y danza "Argentina: Bombo y Milonga", patrocinado por el gobierno de Jalisco, México, con motivo de la celebración de los Juegos Panamericanos de 2011. En 2021, la grabación de Darío del emblemático "Libertango" fue seleccionada por el servicio exterior argentino y reproducida en embajadas de todo el mundo, un símbolo de la vitalidad artística y la cultura distintiva del país.

Para Darío, los mejores momentos musicales han surgido de la experimentación sincera, en la síntesis perfecta de técnica, imaginación desbordante y sus profundas raíces folclóricas. Este enfoque surgió en algunas de sus primeras composiciones para orquesta, como "Que no escuche la montaña", interpretada por la Orquesta de la Universidad Nacional de Tucumán en 2012. Sus últimas obras canalizan cada vez más el aventurerismo. En To Fly (2017), por ejemplo, Darío estableció reglas de juego atrevidas: Cada tema se grabaría en una sola toma, obligando a Darío a arriesgarse en el momento.

Además de la música grabada en directo y estática, Darío ha comenzado a explorar livestreams/vídeos colaborativos que reimaginan estándares de jazz y éxitos internacionales de formas claramente latinas. Su serie Latin American Versions ha presentado conmovedores duetos con Tim Ries, Quique Sinesi, Franco Luciani, Lilian Saba, Cecilia Zabala, Néstor y Omar Gómez, Marcelo Nami, Joca Perpiñán, Ricardo Moyano y Pipi Piazzolla. Con su frecuente colaboradora, la vocalista, compositora y violonchelista Eleanor Dubinsky, Darío se ha convertido en un enviado cultural del Departamento de Asuntos Educativos y Culturales de EE.UU. y de los Servicios Regionales Africanos, dirigiendo programas educativos virtuales y presenciales a través de las embajadas de EE.UU. en Argentina, Mauritania, Guatemala y Honduras.

"Durante toda mi carrera, he soñado con crear algo técnicamente complejo y bien ejecutado, pero también súper conectado con mis raíces, que alcance un alto nivel de improvisación", reflexiona Darío. "Con mis proyectos más recientes, por fin lo estoy consiguiendo".

 

darioacostateich.com 

 

 

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