Jazz Birthday archivos - Página 27 de 43 -

Louis Sclavis ::: Febrero 2, 1953

Louis Sclavis, uno de los mejores clarinetistas del free jazz y de la vanguardia, interpreta la música improvisada con una claridad y una precisión inusitadas. Y aunque su técnica es enorme, no eclipsa su musicalidad; Sclavis es un intérprete de lo más expresivo. Sclavis empezó a estudiar clarinete a los nueve años. Tocó en una banda de música local antes de ingresar en el Conservatorio de Lyon. Entre 1975 y 1982 tocó con diversos grupos, entre los que destacan el Henri Texier Quartet y el Chris MacGregor's Brotherhood of Breath. En 1982 formó su propio grupo, Le Tour de France, compuesto por seis músicos de diferentes regiones de Francia. También tocó y grabó con varios destacados músicos de free jazz, como Evan Parker, Lol Coxhill, Tony Oxley y Peter Brötzmann para los sellos FMP y NATO.

En 1984, grabó Clarinettes, un álbum en solitario para el sello Ida. Ese año también formó un nuevo cuarteto; el grupo grabaría un par de álbumes, Chine (1987) para Ida y Rouge (1991) para ECM. En 1987 fundó un septeto, que también grabaría para Ida. En 1988 recibió el Prix Django Reinhardt como jazzista francés del año. Ese mismo año funda el Trio de Clarinettes con Jacques di Donato y Armand Angster; además de tocar piezas improvisadas, el grupo interpreta obras escritas por sus miembros y por compositores clásicos como Brian Ferneyhough y Pierre Boulez. Por aquel entonces, conoció a la coreógrafa y bailarina Mathilde Monnier y colaboraron en varias actuaciones.

El renombre de Sclavis creció durante la década siguiente; ganó un British Jazz Award en 1991, y grabó a menudo para FMP y ECM. Entre sus proyectos se incluye un trío con Aldo Romano y Henri Texier, así como grabaciones y actuaciones con su trío de clarinetes, su septeto, el percusionista Trilok Gurtu y un gran conjunto de Cecil Taylor. Además de sus actividades relacionadas con el jazz, Sclavis también compuso para teatro y cine. En 2002 publicó Dans la Nuit, banda sonora de una antigua película muda francesa. En 2004 salió a la venta Napoli's Walls, el primer intento de Sclavis de poner banda sonora al arte visual. Grabó una serie de piezas basadas en la historia y la cultura de Nápoles interpretadas por la obra del artista francés Ernest Pignon-Ernest, que vivió y trabajó en la ciudad durante varios años. Phare apareció un año más tarde, seguido de dos discos publicados por ECM - Imparfait des Langues y Les Violences de Rameau con su sexteto - y L'Engrenage con Le Quatour Habanera en el sello Alpha en 2007. Sclavis sólo publicó un álbum en 2008; Moitie du Monde era una colección de piezas escritas para teatro y cine editada por JMS.

Aunque se le conoce como uno de los grandes improvisadores de jazz, Sclavis se centró en su música escrita para el regreso de 2009 a ECM con Lost on the Way. Le acompañaban el saxofonista Matthieu Metzger, el guitarrista eléctrico Maxime Delpierre, el bajista eléctrico Olivier Lété y el batería François Merville. Ese mismo año, Intakt publicó Yokohama, un álbum a dúo con el pianista Aki Takese, y Between the Lines publicó Piffkaneiro, una suite de larga duración con el grupo sueco de música nueva Koj.

Sclavis se dedicó a hacer giras y a tocar en el circuito de festivales, a lo que siguieron unas merecidas vacaciones. Su siguiente grabación, Sources con su Atlas Trio (el teclista Benjamin Moussay y el guitarrista Gilles Coronado), apareció de la mano de ECM en 2012, seguido de una gira mundial. En mayo de 2014, Label Bleu publicó 3+3, un álbum que presentaba dos tríos, Sclavis, Texier y Romano con Enrico Rava, Nguyên Lê y Bojan Z.. Le siguió en agosto Silk and Salt Melodies en ECM, que añadió al percusionista iraní Keyvan Chemirani al trío que aparecía en Sources. En 2014 también formó parte del cuarteto del pianista Aki Takase para Flying Soul en Intakt -- junto con el violinista Dominique Pifarély y el violonchelista Vincent Courtois. Al año siguiente, Sclavis publicó Lost on the Way en forma de quinteto con Matthieu Metzger a los saxos soprano y alto, Maxime Delpierre a la guitarra, el bajista Olivier Lété y el batería François Merville; esta banda estuvo de gira durante más de un año.

Sclavis suele dar tanta importancia a su trabajo como colaborador y solista como a su papel de director de orquesta, y a menudo ha actuado en esas diversas funciones en un mismo año. En 2016 fue solista destacado con Ensemble Amarillis para Inspiration Baroque, un viaje musical al corazón de las sensibilidades musicales del siglo XVII desde Italia a Francia y, en última instancia, a través de Inglaterra y Alemania. Ese mismo año grabó en Suiza un concierto improvisado a dúo con la contrabajista Elise Dabrowski titulado Live at Romanshorn. En 2017 se reunió con Pifarély y Courtois en ECM para Asian Fields Variation. A pesar de su larga asociación de colaboración, marcó la primera vez que habían trabajado juntos en un entorno de trío. Producido por Manfred Eicher, el álbum se publicó en vísperas de una gira europea.

By Chris Kelsey

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Cyrus Chestnut ::: enero 17, 1963

Cyrus Chestnut ::: Enero 17, 1963

El compositor, pianista y educador Cyrus Chestnut es una fuerza musical que utiliza sus influencias clásicas, Gospel y jazz para entretener y capturar a su público. Nacido en 1963, Chestnut comenzó su carrera musical a la edad de tres años, tocando el piano en la Iglesia Bautista Mount Calvary Star a la edad de cinco años en su ciudad natal de Baltimore, MD. En el otoño de 1981, Cyrus comenzó a estudiar jazz en Boston, MA en el Berklee College of Music, donde obtuvo un título en composición y arreglos de jazz.

Después de Berklee, Cyrus comenzó a perfeccionar su oficio como sideman con algunos de los músicos legendarios y líderes en el negocio. Algunas de estas grandes personas incluyen: Jon Hendricks, Michael Carvin, Donald Harrison, Terence Blanchard, Wynton Marsalis, Branford Marsalis, Delfeayo Marsalis, Freddie Hubbard, Benny Golson, Curtis Fuller, Regina Cater, Chick Corea, Jimmy Heath, James Moody, Joe Williams, Isaac Hayes, Kathleen Battle, Betty Carter y, Dizzy Gillespie, por nombrar algunos. Incluso la Reina del Alma, Aretha Franklin, le pidió que se uniera a ella en uno de sus conciertos de Navidad en 2013. Su asociación con Betty Carter, que comenzó en 1991, afectó significativamente su visión y enfoque de la música, confirmando sus ya iconoclastas instintos. Carter le aconsejó que se arriesgara y tocara cosas que nunca había oído", dice Chestnut.

Como Cyrus estaba absorbiendo experiencias como sideman, también se estaba desarrollando como líder, grabando y tocando en vivo alrededor del mundo. There's a Brighter Day Coming fue su primer álbum autoeditado, seguido por The Nutman Speaks (1992), The Nutman Speaks Again (1992), Another Direction (1993). Los discos recibieron el prestigioso premio Gold Disk de la principal publicación de jazz de Japón, Swing Journal. Como director de orquesta, el repertorio de Cyrus Chestnut es vasto y su trabajo ha sido presentado en películas como Kansas City de Robert Altman (en la que Chestnut también hizo su debut en la gran pantalla con un pianista inspirado en Count Basie) y Piano Grand: Una celebración del Smithsonian.

En el otoño de 2014, Cyrus fue nombrado profesor de Jazz Piano e Improvisación en la prestigiosa Universidad Howard de Washington, ofreciendo conferencias a la próxima generación de artistas musicales. Dedicado a la educación y al compromiso con la comunidad, el nuevo nombramiento de Chestnut se basa en su carrera como uno de los intérpretes de jazz más famosos.

En noviembre de 2015 Cyrus se reunió con otros dos gigantes del jazz, Buster Williams en el bajo y Lenny White en la batería y grabó una hermosa colección de material de trío clásico. Natural Essence' (Highnote Records) fue lanzado en mayo de 2016 y recibió muchos elogios. El siguiente lanzamiento, 'There's a Sweet, Sweet Spirit', también con Highnote Records, tuvo el mismo éxito, recibiendo una crítica de 4 estrellas de The Observer y alcanzando el número 1 en las listas de la Semana del Jazz dos semanas seguidas. El próximo lanzamiento de Cyrus en agosto de 2018, Kaleidoscope, presenta interpretaciones de jazz recientemente arregladas de piezas clásicas de Debussy, Ravel, Mozart y Satie.

Con más de una docena de álbumes de estudio en su discografía, Cyrus continúa experimentando con su integración familiar de jazz, sonido espiritual y clásico que refleja su herencia e identidad como artista. Su composición más reciente, "The Saga Of The Cross", fue creada para quinteto y coro de jazz y se estrenó en la Iglesia Bautista Abisinia de Harlem el Viernes Santo de 2017.

cyruschestnut.net

Joe Pass ::: enero 13, 1929

JOE PASS ::: Enero 13, 1929

Nacido Joseph Anthony Jacobi Passalaqua, 13 de enero de 1929, en New Brunswick, NJ; muerto de cáncer de hígado, 23 de mayo de 1994; casado con su esposa Allison, 1963; casado con Ellen Luders, 1987; hijos: dos.

A lo largo de casi 50 años como guitarrista profesional, Joe Pass logró romper muchas barreras y obstáculos tanto en la música como en su propia vida. Nacido Joseph Anthony Anthony Jacobi Passalaqua, el mayor de cinco hermanos en New Brunswick, New Jersey, sus padres se mudaron a Johnstown, Pennsylvania, cuando aún era un niño. Pass se interesó por la guitarra cuando vio a Gene Autry en la película Ride Tenderfoot Ride. Autry despertó su curiosidad por el instrumento y lo motivó a pedir una guitarra para su cumpleaños.

Cuando cumplió nueve años en 1938, el padre de Pass, Mariano Passalaqua, le regaló una guitarra de cuerda de acero de $17 Harmony. Pronto, Passalaqua empujó a su hijo a practicar la guitarra durante al menos cinco horas al día. "Mi padre pensó que yo mostraba signos de poder jugar", dijo Pass en Down Beat. "Y su objetivo en la vida no era que sus hijos hicieran lo mismo que él: trabajar en una fábrica de acero. Quería que todos ellos tuvieran una mejor educación, o algún tipo de mejor forma de vida. Mi padre iba a la tienda de música, y si veía algún libro que dijera'guitarra' en él, lo traía a casa".

Para cuando Pass cumplió 14 años, se había unido a una banda llamada Gentlemen of Rhythm que se inspiraba en la música del legendario guitarrista gitano Django Reinhardt. El grupo se presentó en fiestas y bailes, y Pass ganó de tres a cinco dólares por noche. Su talento llamó la atención del saxofonista y director de orquesta Tony Pastor, quien le permitió tocar con su banda en un concierto local. Pastor quería llevarlo a la carretera con él, pero Pass no podía dejar la escuela para hacerlo.

Un año después, los padres de Pass lo enviaron a Nueva York para estudiar con el respetado guitarrista de estudio Harry Volpe. Cuando Volpe se dio cuenta de que Pass improvisaba mejor que él, se centró en enseñar a leer música a primera vista. Pero Pass se frustró con sus lecciones y regresó a Johnstown, aunque no por mucho tiempo. Cuando su padre se enfermó, abandonó el décimo grado y se mudó a Nueva York.

"Mi padre era muy estricto, pero se enfermó y ya no podía contenerse", dijo Pass a Rolling Stone. "Era mi oportunidad de salir. Vine a Nueva York, y estaba aquí en 1944 y en el'45 dando vueltas. Toqué en algunos conciertos, escuché a Bird[saxofonista Charlie Parker] y[pianista] Art Tatum. Luego, me involucré en las drogas."

La adicción a las drogas de Pass, de hecho, comenzó a llevar su vida. Se mudó a Nueva Orleans por un año, donde jugó al bebop para las strippers. "En Nueva Orleans, tuve una especie de crisis nerviosa", reveló Pass en Rolling Stone, "porque tenía acceso a todo tipo de drogas allí y estaba despierto durante días. Siempre empeñaba mi guitarra. Vendría mucho a Nueva York, luego me pondría nervioso y me iría".

Al año siguiente, Pass comenzó a viajar de un lugar a otro, actuando donde podía. En 1949 se unió al líder de la banda Ray McKinley, pero renunció cuando descubrió que los arreglos estaban más allá de sus habilidades de lectura. Durante los primeros años de la década de 1950, Pass jugó en Las Vegas y otras ciudades de todo el país. Al mismo tiempo, entraba y salía de la cárcel por violaciones de narcóticos. Mantenerme en lo alto era mi primera prioridad", dijo Pass a Robert Palmer en Rolling Stone, "jugar era segundo; las chicas eran terceras". Pero lo primero realmente me quitó toda mi energía".

En 1954 Pass fue arrestado por cargos de drogas y enviado al Hospital del Servicio de Salud Pública de los Estados Unidos en Fort Worth, Texas. Pasó cuatro años allí, luego regresó a Las Vegas para unirse al trío del acordeonista Dick Contino. A fines de 1960, ingresó a Synanon, un centro de rehabilitación de narcóticos en Santa Mónica, California. Dos años más tarde tocó en el recopilatorio Sounds of Synanon, publicado en World Pacific Records.

Después de tres años en Synanon, Pass se hizo más consciente y agradecido de sus habilidades musicales y comenzó a tomar su carrera más en serio. "Muchos niños piensan que para ser guitarristas tienen que salir y ser drogadictos durante 10 años, y eso no es cierto", dijo Pass a Down Beat. "No puedo acreditar nada de ese tiempo, diciendo que fue entonces cuando realmente aprendí. Pasé la mayoría de esos años siendo un vago, sin hacer nada. Fue una gran pérdida de tiempo".

Cuando Pass dejó Synanon en 1963, grabó Catch Me, su primer álbum como director de orquesta, con el baterista Colin Bailey, la pianista Clare Fischer y el bajista Albert Stinson. Al año siguiente, grabó un homenaje a Django Reinhardt llamado For Django, al que siguió Simplicity dos años más tarde. También realizó trabajos de estudio, tocó con bandas de televisión y, de 1965 a 1967, tocó con el pianista George Shearing.

Desde mediados de los años 60 hasta mediados de los 70, Pass puso en marcha su carrera. Grabó tres discos en Alemania y tocó en discos con los artistas de jazz Earl Bostie, Julie London, Eddie "Cleanhead" Vinson, Chet Baker y Carmen McRae. Trabajó como sideman para las estrellas del pop Frank Sinatra, Donald O'Connor, Della Reese, Leslie Uggams, Steve Allen y Johnny Mathis. Pase también sustituido en el Merv Griffin Show cuando el guitarrista regular Herb Ellis no pudo hacerlo.

En 1971 Pass sugirió una colaboración de sus guitarras bebop con el enfoque bluesista de Ellis. Los dos formaron un equipo y se convirtieron en uno de los conjuntos de dos guitarras más famosos e influyentes de la historia del jazz. Carl Jefferson invitó a Pass y Ellis a actuar en el Festival de Jazz Concord de 1972, lo que llevó a la grabación de Jazz Concord, el primer disco de Concord Records. En el Festival de Jazz Concord de 1973, Pass y Ellis grabaron Seven Come Eleven.

Ese año el legendario director de orquesta Benny Goodman le pidió a Pass que sustituyera a su guitarrista en un concierto. La actuación de Pass impresionó tanto a Goodman que le pidió que se uniera a su gira por Australia. Cuando regresó de la gira, Pass firmó un contrato discográfico con el recién formado sello Pablo de Norman Granz e inmediatamente comenzó a grabar Virtuoso, su primer álbum en solitario. El álbum lanzó una serie de LPs de Virtuoso e hizo de Pass el chico de oro del jazz en 1975. También en esa época, Pass se asoció con el pianista Oscar Peterson para una versión de jazz de Porgy and Bess de George Gershwin. En 1974 compartió el premio Grammy a la mejor interpretación de jazz de un grupo con Peterson y Neils-Henning Orsted Pederson por su trabajo en The Trio.

Durante las décadas de 1970 y 1980, Pass se convirtió en el guitarrista de jazz más grabado, produciendo discos en solitario y acompañando a otros grandes del jazz como Duke Ellington, Count Basie, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughn, Stephane Grappelli, Oscar Peterson, Milt Jackson, Zoot Sims, Ray Brown, y otros. En 1989 Pass se reunió con el grupo que había grabado For Django -el guitarrista John Pisano, el baterista Bailey y el bajista Jim Hugbart- para grabar Summer Night. En 1992 lanzaron Appassionato.

A principios de 1992 Pass descubrió que tenía cáncer de hígado. Al principio respondió bien al tratamiento, y continuó haciéndolo hasta principios de 1993. Pero su salud en declive le obligó a retirarse de su gira con Pepe Romero, Paco Peña y Leo Kottke. En 1993 lanzó su último álbum, Joe Pass & Co. con el guitarrista Pisano, el bajista Monty Budwig y Bailey. El 7 de mayo de 1994, Pass hizo su última actuación con Pisano en un club nocturno de Los Ángeles. Sonaba mejor que la mayoría de los guitarristas", dijo Pisano a Guitarrista, "pero después me miró con una lágrima en los ojos y dijo:'Ya no puedo tocar más'". Fue como un cuchillo en mi corazón."

Joe Pass murió el 23 de mayo de 1994. En un homenaje a un guitarrista, el escritor Jim Ferguson resumió la carrera de Pass como guitarrista: "Bebop, latín, baladas, blues, originales, solos, dúos, tríos, grandes conjuntos--Joe lo hizo todo. Ningún jugador en la memoria reciente ha hecho tantas grabaciones en tantos estilos y contextos…… Con toda probabilidad, Joe Pass [fué] el guitarrista más versátil, completo y convencional de la historia".

Thaddeus Wawro

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Carrera de Joe Pass

Comenzó tocando la guitarra profesionalmente con los Gentlemen of Rhythm, Johnstown, PA, c. 1943; tocó en la ciudad de Nueva York, 1944-45; tocó en Nueva Orleans, 1946; viajó por los Estados Unidos, 1947-54; grabó su primer álbum como director de orquesta, Catch Me, 1963; firmó con Pablo Records, 1973; editó su primer álbum en solitario, Virtuoso, 1974; editó más de 30 LPs y tocó en muchos más, 1974-93

Premios Joe Pass

Premio Grammy a la mejor interpretación de jazz por un grupo, con Oscar Peterson y Neils-Henning Orsted Pederson, 1974, por The Trio

musicianguide.com

Dave Weckl ::: enero 8, 1960

Dave Weckl ::: Enero 8, 1960

Durante más de 20 años, Dave Weckl ha desarrollado y mantenido una reputación entre los fans, compañeros y la comunidad musical internacional como uno de los grandes bateristas vivos. Por ello, ha recibido numerosos elogios y honores; Modern Drummer incorporó a Dave a su Salón de la Fama y lo nombró "uno de los 25 mejores bateristas de todos los tiempos".

Pero estos honores, además de muchos más otorgados por la comunidad musical, son el producto del compromiso inquebrantable de Dave de hacer grandes composiciones. La increíblemente dinámica y diversa batería de Dave, que ha inspirado a músicos de todo el mundo, se basa en una sólida base de conocimiento y respeto por la música.

Nacido en St. Louis, Missouri, el 8 de enero de 1960, de una madre que amaba la música y un padre que tocaba el piano como pasatiempo, Dave comenzó a tocar la batería a la edad de 8 años.

Durante sus años de bachillerato, Dave recibió muchos premios de la NAJE (Asociación Nacional de Educadores de Jazz) por su destacada actuación en la banda de jazz ganadora del concurso de su escuela secundaria. Estuvo involucrado con numerosos grupos locales desde muy joven mientras estudiaba con los maestros del área de St. Louis, Bob Matheny y Joe Buerger.

A los 16 años, Dave comenzó a trabajar profesionalmente con grupos locales de pop y jazz. En 1979, se trasladó a la costa este para estudiar música en la Universidad de Bridgeport en Connecticut. A los 19 años de edad, Dave estaba siendo reconocido.

Mientras tocaba en la escena de los clubes de la ciudad de Nueva York con una banda llamada Nite Sprite, Dave comenzó a recibir elogios de músicos de estudio establecidos como Steve Kahn, Michael Brecker y, especialmente, el gran baterista Peter Erskine. Fue Peter quien recomendó a Dave para su primer'gran concierto' en la ciudad con un grupo llamado French Toast, precursor de la banda de Michel Camilo, que ha sido grabado ampliamente a lo largo de los años.

De este grupo, el legendario bajista Anthony Jackson recomendó a Dave para la prestigiosa gira de la reunión de Simon y Garfunkel en 1983. Después de esta gira, no pasó mucho tiempo antes de que Dave fuera llamado regularmente para escuchar jingles de radio y televisión, sesiones de bandas sonoras y las mejores fechas de grabación con artistas como George Benson, Peabo Bryson, Diana Ross y Robert Plant, por nombrar algunos.

En 1985, Michael Brecker le sugirió a Chick Corea que investigara los servicios de Dave para su nueva banda Elektric Band. Ese fue el comienzo de una relación de siete años con las bandas Elektric y Akoustic, donde se produjeron nueve grabaciones y tres videos, incluyendo un Grammy por el primer lanzamiento de la banda Akoustic Band.

La Elektric Band mostró la batería de vanguardia de Dave y el uso innovador de la batería electrónica y acústica, lo que le valió el reconocimiento mundial. Aunque la banda de Elektric se fue en un paréntesis de 10 años a principios de los 90, la banda está de nuevo de gira de vez en cuando. También lanzó un álbum conceptual de 17 partes titulado "To The Stars" a mediados de 2004.

Como solista, Dave ha grabado y producido nueve grabaciones hasta la fecha, incluyendo GRP/MCA solo publica Masterplan, Heads Up, y Hardwired. En 1998, Dave se dio cuenta de su meta de muchos años de formar una banda de gira mundial. Hasta la fecha, la Dave Weckl Band ha publicado cinco discos de estudio, incluyendo: Ritmo del Alma, Sinergia, Transición, Movimiento Perpetuo y Multiplicidad. La banda también lanzó su álbum en vivo, LIVE (y muy enchufado) y una compilación de DWB y videos instructivos titulados The Zone.

La DWB mantiene a Dave muy ocupado, pero aún así disfruta del trabajo de sideman. Dave se une regularmente al guitarrista Mike Stern, entre otros. Cuando está fuera de la carretera, Dave se mantiene ocupado con las sesiones y el trabajo de producción en su estudio en Los Ángeles. También acepta un número limitado de estudiantes privados y ofrece clases a través de la Virtual Drummer School. Además, Dave tiene muchos videos/DVDs instruccionales y paquetes de reproducción en el mercado (ver el menú desplegable "instruccional" en la parte superior de la página).

Estudiante constante del arte de la percusión y la música, Dave devuelve cada oportunidad que tiene a través de clínicas y clases en todo el mundo. De la enseñanza, dice Dave:

"Mi objetivo es inspirar al mayor número posible de jóvenes (y no tan jóvenes) para que quieran tocar música, ya sea en la batería o en otro instrumento. Con todos los negativos en el mundo de hoy, siento que esta es mi manera de contribuir a una acción positiva hacia la felicidad espiritual, de la cual la música puede ser una gran parte, si lo dejas. Así que, padres, si su hijo tiene talento para la música, ¡por favor permítanle la oportunidad de desarrollar ese talento!

Por supuesto, un tipo tan ocupado necesita moverse por la ciudad eficientemente. Un fanático de los automóviles, Dave se mantiene a tiempo conduciendo un Lingenfelter Camaro de 440 caballos de fuerza (lea sobre ello aquí). Con un tiempo de 0-60 de 4.2 segundos, no es probable que lo veas en las autopistas de Los Ángeles - ¡pero seguro que lo escucharás!

Es una cosa de bateristas….

Pero más allá de toda la grabación, producción, giras, enseñanza, trabajo con compañías que él respalda para construir mejores productos y destrozar la carretera de vez en cuando, la pasión de Dave es pasar tiempo de calidad con su hija, Claire, Sophie (su Golden Retriever), y amigos.

Para esto es todo el trabajo duro - la inspiración para seguir haciéndolo - y esa perspectiva es probablemente el mayor activo de Dave.

daveweckl.com

Jaco Pastorius ::: Dic 1, 1951

Jaco Pastorius ::: Dic 1, 1951

"Jaco" nació John Francis Pastorius III, el primero de tres hijos nacidos de John Francis Pastorius II y Stephanie Katherine Haapala Pastorius. Tenía ascendencia finlandesa, alemana, sueca e irlandesa. Aunque "Jaco" nació en Norristown, Pennsylvania, la familia se mudó posteriormente a Fort Lauderdale. Jaco fue a la escuela primaria y secundaria en la Escuela Católica de San Clemente en Wilton Manors, y fue monaguillo en la iglesia contigua. Fue a la escuela secundaria en Northeast High en Oakland Park. Era un atleta talentoso con habilidades en fútbol americano, baloncesto y béisbol, y aprendió a tocar música a una edad temprana. Tomó el nombre de "Antonio" en su confirmación.

Amaba el baloncesto y lo veía a menudo con su padre, cuyo apodo era "Jack". El apodo de Jaco fue influenciado por su amor por los deportes y también por el árbitro Jocko Conlan. Cambió la ortografía de "Jocko" a "Jaco" después de que el pianista Alex Darqui le enviara una nota. Darqui, que era francés, asumió que el nombre se deletreaba "Jaco"; a "Jaco" le gustaba la nueva ortografía.

Originalmente baterista, siguiendo los pasos de su padre, el baterista de pie Jack Pastorius, "Jaco" se pasó al bajo a los 15 años, después de sufrir una lesión en la muñeca. Aproximadamente en 1970, comenzó a tocar en una banda de nueve trompetas en ese entonces llamada Las Olas Brass, que cubría material popular del día por Aretha Franklin, Otis Redding, Wilson Pickett, James Brown y el Tijuana Brass.

Influencias
Las influencias musicales incluyeron a James Jamerson, James Brown, The Beatles, Miles Davis y Stravinsky. Otras influencias musicales incluyen: Jimi Hendrix, Duke Ellington, Charlie Parker, Paul Hindemith, Frank Sinatra, Tony Bennett, The Band, Santana, Frank Zappa, Bob Marley, Rocco Prestia, Tommy Cogbill, Ray Charles, Charles Mingus, John Coltrane, Otis Redding, James T. Doggington, Cannonball Adderley y Jerry Jemmott.

Carrera musical
Tocó música durante toda su juventud, recurriendo a influencias como Jerry Jemmott, James Jamerson, Paul Chambers, Harvey Brooks y Tommy Cogbill y perfeccionando sus habilidades y desarrollando sus habilidades como compositor en bandas como Wayne Cochran y The C.C. Riders. También tocó en varios discos locales de R&B y jazz durante ese tiempo, como el Quinteto de Ira Sullivan y Woodchuck. En 1974, comenzó a tocar con su amigo y más tarde famoso guitarrista de jazz Pat Metheny. Grabaron juntos, primero con Paul Bley como líder y Bruce Ditmas a la batería, luego con el baterista Bob Moses. Metheny y Jaco grabaron un álbum de fusión titulado Bright Size Life.

En 1975, Pastorius se reunió con el baterista de Blood, Sweat and Tears, Bobby Colomby, a quien CBS Records había dado luz verde para encontrar "nuevos talentos" para su división de jazz. Durante este tiempo, se había encontrado con el tecladista Joe Zawinul en Miami, Florida, donde tocaba su banda Weather Report. Según Zawinul, Jaco se acercó a él después de un concierto la noche anterior y habló de la actuación y de cómo estaba "bien", pero había "esperado más".

El primer álbum de Pastorius, producido por Colomby y titulado Jaco Pastorius (1976), fue un gran avance para el bajo eléctrico. Muchos consideran que este es el mejor álbum de bajo jamás grabado; cuando explotó en la escena del jazz fue reconocido instantáneamente como un clásico. El álbum también contaba con una alineación de pesos pesados en la comunidad de jazz de la época, que eran esencialmente su estelar banda de apoyo, incluyendo a Herbie Hancock, David Sanborn, Lenny White, Don Alias, y Michael Brecker, entre otros. Incluso los legendarios actores de R&B Sam y Dave se reunieron para aparecer en uno de los temas, Come On, Come Over.

Poco después del lanzamiento del álbum, Jaco hizo apariciones como invitado en discos por todo el lienzo de jazz, (el álbum en solitario de Mott The Hoople's Ian Hunter, el álbum en Hejira de Joni Mitchell, y el álbum en solitario de Al Di Meola son destacados, todos lanzados en 1976). Poco después, Pastorius fue invitado a unirse a la banda de fusión Weather Report, donde tocó junto a Joe Zawinul y Wayne Shorter hasta 1982. Es con Weather Report que Pastorius dejó su huella imborrable en la música de jazz, al aparecer en uno de los álbumes de jazz más populares de todos los tiempos, el nominado al Grammy Heavy Weather. Este álbum no sólo mostraba el impresionante bajo de Jaco, sino que también recibió un crédito de co-producción con Joe Zawinul e incluso toca la batería en su propia composición Teen Town.

Durante el curso de su carrera musical, Pastorius tocó en docenas de sesiones de grabación para otros músicos, tanto dentro como fuera de los círculos del jazz. Algunos de sus discos más notables son cuatro álbumes de gran prestigio con el aclamado cantautor Joni Mitchell: Hejira (1976), Don Juan's Reckless Daughter (1977), Mingus (1979) y el álbum en vivo Shadows and Light (1980). Su influencia fue más dominante en la Hejira, y muchas de las canciones de ese álbum parecen estar compuestas usando el bajo como fuente de inspiración melódica.

Para cuando él y Weather Report se separaron amigablemente a principios de 1982, Jaco ya había estado persiguiendo sus intereses en la creación de un proyecto en solitario de Big Band, uno que encontró su debut fonéticamente en su segundo lanzamiento en solitario, que fue distribuido por Warner Brothers, Word of Mouth (que también era el nombre de la Big Band). Al igual que su debut en 1976, Word of Mouth también contó con la participación como invitado de varios músicos distinguidos de jazz; Herbie Hancock aparece de nuevo aquí, al igual que Wayne Shorter y Peter Erskine, ex alumnos de Weather Report, y otras leyendas como el virtuoso de la armónica Toots Thielemans y Hubert Laws.

La composición de la canción en Word of Mouth eclipsó hasta cierto punto su forma de tocar el bajo y realmente abrió los ojos de mucha gente que pensó que su destreza se limitaba al bajo eléctrico. Su producción y capacidad para reunir un proyecto que se grabó en ambas costas de los Estados Unidos fue realmente impresionante.

Viajó de gira en 1982; el punto culminante fue un swing a través de Japón (y fue en ese momento cuando aparecieron por primera vez las extrañas historias sobre el comportamiento deteriorado de Jaco). Esa gira fue lanzada en Japón como Twins I y Twins II y fue condensada para una versión americana conocida como Invitation.

Su comportamiento cada vez más errático comenzó a afectar su carrera musical, y finalmente fue abandonado por Warner Brothers. Para 1984, la Big Band de Word of Mouth también se había astillado. Logró grabar un tercer álbum en solitario, que llegó hasta algunas cintas de demostración sin pulir, un lanzamiento de steel pans teñido titulado Holiday for Pans, que una vez más lo exhibió como más bien un maestro de la música y productor que un bajista. (Nota histórica: Resulta que Jaco ni siquiera tocó ninguna de las partes bajas del contrabando. Algunos años después de su muerte, el bajista Kenny Burrell Jr. confesó haber cometido el acto oscuro.) Jaco no pudo encontrar un distribuidor para el álbum y el álbum nunca fue lanzado, sin embargo, ha sido ampliamente contrabandeado desde entonces. (En 2003, un corte de Holiday for Pans, titulado Good Morning Anya, fue incluido en la antología Punk Jazz de Rhino Records.)

Cerca del final de su carrera, invitó a artistas de jazz como el guitarrista Mike Stern, el guitarrista gitano Bireli Lagrene y el baterista Brian Melvin.

Instrumentos y técnica
Pastorius fue más identificado por su uso de dos Fender Jazz Bass bien usados de principios de los años 60: Un Fretted de 1960 y un Fretless de 1962. El sin trastes era originalmente un bajo con trastes, del cual quitó los trastes y usó relleno de madera para rellenar las ranuras donde habían estado los trastes, junto con los agujeros creados donde se habían sacado los trozos del diapasón. Luego, Jaco lijó el diapasón y aplicó varias capas de epoxi marino (Petit's Poly- poxy) para evitar que las duras cuerdas de bajo Rotosound RS-66 que usaba se comieran la madera desnuda. Aunque tocaba con frecuencia tanto los graves con trastes como los sin trastes, prefería los sin trastes, porque creía que los trastes eran un obstáculo, una vez los llamó "badenes".

El "gruñido del jaco" se obtiene utilizando exclusivamente la pastilla del puente y tocando las cuerdas cercanas a ella. Además, Jaco utilizó los controles de ecualización "Variamp" en sus dos amplificadores Acoustic 360 (fabricados por la Acoustic Control Corporation de Van Nuys, California) para aumentar las frecuencias medias, acentuando así el sonido natural de su combinación de Fender Jazz Bass pasivo sin trastes y cuerdas redondas. Su tono también fue coloreado por el uso de un efecto chorus rackmount (un dispositivo de modificación de sonido fuera de borda similar a un desfasador) que le dio un ligero efecto de duplicación, y su uso del amplificador de bajos original de la marca Acoustic. A menudo usaba el control de pelusa incorporado en el Acoustic 361. Otros efectos que usó en vivo fueron su octaver (un pedal de efecto fuera de borda que proporciona un segundo tono una octava más bajo) y su pedal de sampler MXR que se puede escuchar en su anuncio en vivo con Weather Report, Slang (Jaco hace un pequeño fragmento de ejecución, y luego los solos sobre él).

Pastorius utilizó armónicos naturales y artificiales/falsos para ampliar el rango del bajo (ejemplificado en el solo de bajo Portrait of Tracy de su álbum homónimo) y pudo lograr un tono similar al de un cuerno a través de su técnica de ejecución. Ambos bajos de Fender fueron robados poco antes de que entrara en el hospital de Bellevue en 1986; nunca fueron recuperados. Jaco también hizo que le hicieran dos Jaydee Bass poco antes de morir; uno con y sin trastes.

Problemas de salud y muerte
A principios y mediados de los años 80, Pastorius comenzó a experimentar problemas de salud mental, incluyendo síntomas de depresión maníaca. Estos empeoraron por el uso excesivo de drogas y alcohol. Aunque sus payasadas en el escenario y fuera del escenario ya estaban bien documentadas, sus problemas de salud mental y adicción exacerbaron su comportamiento inusual y a menudo bizarro y sus actuaciones musicales también sufrieron.

A principios y mediados de los años 80, Pastorius comenzó a experimentar problemas de salud mental, incluyendo síntomas de depresión maníaca. Estos empeoraron por el uso excesivo de drogas y alcohol. Aunque sus payasadas en el escenario y fuera del escenario ya estaban bien documentadas, sus problemas de salud mental y adicción exacerbaron su comportamiento inusual y a menudo bizarro y sus actuaciones musicales también sufrieron.

Durante este tiempo tocó en varios actos como solista y en muchos clubes nocturnos en Fort Lauderdale y la ciudad de Nueva York. Se convirtió en un paria en el negocio de la música. Su última dirección en vida fue Holiday Park en Fort Lauderdale. Después de subirse al escenario en un concierto de Carlos Santana el 11 de septiembre de 1987, fue expulsado de las instalaciones y se dirigió al Midnight Bottle Club en Wilton Manors, Florida. Lo que sucedió entonces estaba nublado por la discrepancia. Algunos dicen que intentó patear la puerta de cristal después de que se le negara la entrada, otros dicen que no hizo absolutamente nada y que no hizo nada para merecer su destino. En cualquier caso, terminó en una violenta confrontación con el portero del club, Luc Havan, que fue entrenado en artes marciales. Pastorius fue hospitalizado con múltiples fracturas faciales y una horrible desfiguración en su cara, incluyendo la probable pérdida de su ojo derecho y sufrió daños cerebrales irreversibles. Entró en coma y le pusieron un soporte vital. El aumento de los signos apuntaba a la muerte cerebral y su familia decidió sacarlo del soporte vital. Después de que le quitaron el soporte vital, su corazón continuó latiendo durante tres horas. Pastorius murió el 21 de septiembre de 1987, a la edad de 35 años, en el Broward General Medical Center en Fort Lauderdale.

Tras su muerte, Havan fue acusado de asesinato en segundo grado y fue a juicio. Sin embargo, Havan sólo terminó cumpliendo cuatro meses por este crimen.

Jaco está enterrado en el cementerio de Nuestra Señora Reina del Cielo en North Lauderdale.

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