Jazz Birthday archivos - Página 29 de 43 -

Miles Davis ::: Mayo 26, 1926

Miles Dewey Davis III nace en Alton, Illinois el 25 de mayo de 1926 en el seno de una familia con una próspera situación económica (su padre era dentista con una abundante clientela) y aficionada a la música (su padre intentó ser músico, cosa que su abuelo no permitió, su madre, admiradora de Duke Ellington y Art Tatum, era violinista y su hermana tocaba el piano). A los dos años su familia se traslada a East St.Louis. A los trece años recibe en su cumpleaños una trompeta. Su educación empezará con el trompetista Elwood Buchanan. En su estancia en el instituto participa en su big-band, así como en distintas jam-sessions. Conoce en esa época al trompetista Clark Terry y a los saxofonistas Sonny Stitt e Illinois Jacquet que le proponen unirse a ellos para trabajar en distintos proyectos, pero la presión ejercida por su madre le obliga a terminar con sus estudios en el instituto. Entre los años 1941-1943 ingresa en una orquesta local, los "Blue Devils" de Eddie Randall a la vez que perfecciona su estilo junto a Clark Terry. En 1944 es uno de los "Six Brown Cats" de Adam Lambert y participa en una gira del grupo. Regreso a East St. Louis dónde debía tocar en la orquesta de Billy Eckstine, de la que formaban parte Dizzy Gillespie y Charlie Parker, para unos cuantos conciertos en la región. A partir de ese momento el tocar con Bird en Nueva York se convertirá en una obsesión.

En 1945 y con el permiso de su padre, deja St. Louis y a su mujer Irene, con la que acaba de casarse, para asistir a la Juilliard School of Music y se instala en Nueva York no demasiado lejos de la Calle 52. El 6 de mayo de ese año debuta discográficamente con el sexteto del clarinetista y saxo tenor Herbie Field en una formación que integraba además a Arnette Cobb, Lionel Hampton, Al Casey, Slam Stewart y Fred Radcliff con 4 temas para Savoy. En esa época toca con Coleman Hawkins, Benny Carter, Eddie Davis, vuelve a encontrarse con Bird, que le presenta a Thelonious Monk, quien le aconseja estudie piano. El 26 de noviembre de 1945 graba finalmente con Charlie Parker, con quien trabajará regularmente entre 1946-1948.

A continuación actúa al frente de distintos grupos, entre ellos un noneto con el que entre 1949 y 1950 grabará el seminal "Birth of the Cool" (editado unos años después). Viaja en 1949 a París para actúar en quinteto con Tadd Dameron y Kenny Clarke en el Festival Internacional de Jazz. Tras su regreso a Nueva York sigue actuando con diferentes formaciones pequeñas y grabando con los mejores músicos de ese momento (Sonny Rollins, Sarah Vaughan, Jackie McLean, Horace Silver, Charles Mingus, Thelonious Monk, Milt Jackson entre otros) hasta que forma un quinteto con John Coltrane, Red Garland, Paul Chambers y Philly Joe Jones (1955-1956). En 1957 graba en París con Barney Wilen, René Urtreger, Pierre Michelot y Kenny Clarke la música de la película "Ascenseur pour l’echafaud" (Ascensor para el cadalso). En este año inicia la colaboración con Gil Evans que se plasmará en discos como "Miles Ahead" o "Sketches of Spain".En 1958 dará vida a su sexteto que incluye dos saxofones –Cannonball Adderley y John Coltrane-, el pianista Red Garland –que será sustituido sucesivamente por Bill Evans y finalmente por Wynton Kelly-, Paul Chambers y el batería Philly Joe Jones – sustituido posteriormente por Jimmy Cobb-, con quienes graba entre otros "Milestones" y "Kind Of Blue".

Hasta 1963 permanecerá estable esta sección rítmica –Kelly, Chambers y Cobb- pasando por su formación diversos saxofonistas –Sonny Stitt y Hank Mobley- , que es cuando llama para su grupo al pianista Herbie Hancock, al contrabajista Ron Carter, al batería Tony Williams y al saxofonista George Coleman que pronto es sustituido por Wayne Shorter (tras un breve paso por la formación de Sam Rivers) con los que graba otro puñado de obras maestras –"E.S.P.", las grabaciones de "Plugged Nickel", "Miles Smile" y "Nefertiti"-. Es a finales de la década de los 60 cuando se produce un nuevo cambio y comienzan sus experimentaciones con el jazz y el rock, que empezará a desarrollar con obras maestras como "In a Silent Way" y "Bitches Brew" y seguirá con "A tribute to Jack Johnson", "Live-Evil" o "Agartha". A la vez por sus formaciones se van sucediendo jóvenes músicos sensacionales como Dave Holland, Keith Jarrett, Chick Corea, Jack DeJohnette, Joe Zawinul, Dave Liebman, Gary Bartz, Bennie Maupin, Sonny Fortune y John McLaughlin. Es en esa época cuando se produce un rechazo por una parte de los aficionados y la crítica, quienes se sienten traicionados por este cambio del trompetista(1) mientras que por el contrario es uno de los músicos de jazz que goza de mayor popularidad.

A pesar de todo ello y debido a una serie de problemas diversos en 1975 se inicia un silencio de Miles Davis que durará hasta el principio de los años 80 cuando regresa rodeado de músicos jóvenes como Bob Berg, Bill Evans, Kenny Garret, Mike Stern, John Scofield, Adam Holzman, Robert Irving, Marcus Miller, Marylin Mazur, Mino Cinelu y Al Foster entre otros. En esa época continuará trabajando con ritmos que acercan nuevamente el jazz y el pop dejando obras como "Tutu" y "Aura", trabajando con músicos pop como Cindy Lauper –"Time After Time-, Sting y Prince. Finalmente fallece en 1991 en Santa Mónica, California, USA, a los 65 años.

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Shirley Horn ::: Mayo 1, 1934

Shirley Horn ::: Mayo 1, 1934

Shirley Horn recuerda haber tocado el piano de su abuela cuando tenía cuatro años. Desinteresada por jugar con los niños del vecindario, Horn no disfrutaba más que de tocar ese piano, y se encerraba en el salón de su abuela, que estaba reservado para los invitados y era más frío que el resto de la casa. Después de varios años de esto, su madre, que admiraba la música clásica, inscribió a la niña en clases de piano. Shirley estaba rodeada de música en su familia, y admitió que la mayoría de las canciones de su repertorio son las que escuchó mientras crecía, en Washington D.C. Tocó con un coro, en la escuela dominical, y ganó un concurso de talentos y un compromiso de 13 semanas en la radio a los 13 años. Horn estudió piano y composición en la Escuela de Música de la Universidad Howard, en Washington, desde los 12 hasta los 18 años. Aunque se centró en las obras para piano de los grandes compositores clásicos occidentales, fue el jazz el que finalmente captó la atención de Horn. A los 17 años, Horn comenzó a tocar en un restaurante y club nocturno local. La pianista fue obligado a cantar. "Era muy tímida y me costaba mucho cantar", dijo Horn. Al darse cuenta de que podía ganar más dinero como vocalista, continuó tocando el piano y desarrollando sus habilidades de canto y de interpretación, y formó su propio trío en 1954.

Su matrimonio a la edad de 21 años ralentizó su carrera musical, y Horn actuó en vivo sólo en las áreas de Washington y Baltimore, Maryland. Publicó su primera grabación, "Embers and Ashes", en la pequeña discográfica Stereo-Craft en 1961. El álbum pasó casi desapercibido, pero llamó la atención del legendario trompetista de jazz Miles Davis, que localizó a Horn y la invitó a Nueva York para que abriera para él en el Village Vanguard. Horn y Davis, se unieron por su enfoque muy similar de la música. Ambos artistas son reconocidos por su uso del espacio, largos silencios entre las notas, para crear una cierta tensión, particularmente cuando hacen baladas. El estilo crea una especie de suspenso. Aunque los dos se separaron musicalmente durante los años 60, Davis siguió siendo un amigo cercano y mentor de Horn hasta su muerte en 1991.

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Joe Henderson ::: abril 24, 1937

Joe Henderson ::: abril 24, 1937

El saxofonista y compositor de jazz Joe Henderson podría describirse como un hombre renacentista. Creando un estilo único de los saxofonistas dominantes de su temprana carrera, John Coltrane y Sonny Rollins, Henderson se convirtió en el líder y ayudante consumado. Su nombre se ha convertido en sinónimo de poder y gracia en el saxofón tenor, y ha sido venerado durante mucho tiempo en los círculos musicales por su sonido distintivo y sus poderes de invención. Aunque las primeras grabaciones de Henderson estuvieron marcadas por una fuerte influencia del hard-bop, su interpretación abarcó no sólo la tradición del bebop, sino también el rhythm and blues, el latín y la vanguardia.

Henderson ha tenido una carrera notablemente consistente, forjándose su propia reputación a través de la excelencia técnica, la capacidad de composición de canciones y una diversidad asombrosa que lo convirtió en un lateral muy solicitado al principio de su carrera. Dejó su huella en Blue Note Records como miembro de la banda de Kenny Dorham y continuó grabando con el grupo Horace Silver que hizo la clásica canción para My Father. Maestro de la composición, sus canciones "Recorda- Me" y "Inner Urge" se han convertido en clásicos del jazz.

De 1963 a 1968 Joe apareció en casi treinta álbumes para Blue Note. Las grabaciones variaron desde sesiones de hard-bop relativamente conservadoras hasta exploraciones más vanguardistas. Desempeñó un papel destacado en muchas grabaciones históricas: La conmovedora y conmovedora canción de Horace Silver para mi padre, el oscuro y densamente orquestado prisionero de Herbie Hancock y el vanguardista Black Fire de Andrew Hill. La adaptabilidad y el eclecticismo de Henderson se harían aún más evidentes en los años siguientes.

El toque de Henderson tiene un sentido de swing muy tierno, que se puede escuchar en docenas de álbumes de Blue Note de la década de 1960. A menudo pasado por alto en la cúspide de su carrera, regresó a la grabación en la década de 1980 con gran éxito.

Después de una larga batalla contra el enfisema y un derrame cerebral en 1998 que detuvo su carrera pública, Joe Henderson falleció el 30 de junio de 2001, dejando un legado y una carrera que se extendió durante más de cuatro décadas y un prototipo permanente para que otros lo siguieran.

"Joe Henderson siempre está en medio de un gran solo."

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Avishai Cohen ::: Abril 20, 1970

Avishai Cohen, nacido en Kabri (Israel) el 20 de abril de 1970, creció en el seno de una familia multicultural con raíces en España, Grecia y Polonia. En casa, la música siempre estaba en el aire, con su madre Ora, una influencia artística, que escuchaba tanto música clásica como tradicional. El viaje musical de Avishai comenzó a los nueve años, cuando empezó a tocar el piano. Tras mudarse a San Luis (Misuri) con su familia a los catorce años, siguió estudiando el piano y empezó a tocar el bajo. El bajo eléctrico le cautivó cuando su profesor le hizo conocer la música del emblemático bajista Jaco Pastorius. De vuelta a Israel, Avishai ingresó en la Academia de Música y Artes de Jerusalén para seguir explorando el universo del bajo. A los 22 años, después de servir durante dos años en una banda del ejército, decidió dar un gran paso y se trasladó a la ciudad de Nueva York.

Avishai llegó a una invernal Nueva York, en enero de 1992. Trasladarse a la "Gran Manzana" fue una decisión difícil, tanto emocional como profesionalmente. El joven israelí tuvo unos comienzos duros: actuando en la calle y trabajando en la construcción para salir adelante. Estos pequeños pasos dieron a su música un sentido único de autenticidad. Estudió en la New School de Nueva York con artistas como Brad Mehldau y pronto actuó y grabó con el Trío del pianista panameño Danilo Pérez, lo que refleja el papel esencial que la música latina desempeñó en los primeros años de Avishai mientras estaba en Nueva York.

En 1997, una llamada de Chick Corea lo cambió todo. Avishai había pasado a uno de los amigos de Corea una cinta de demostración sin especial esperanza de que se fijara en él. Chick la escuchó en su coche y llamó a Avishai unas semanas después, impresionado por su frescura. Como miembro del "Chick Corea's New Trio" y cofundador del conjunto de Corea, "Origin", durante más de seis años Avishai se convirtió en parte integrante de la música de Chick y tuvo la oportunidad de perfeccionar sus habilidades como bajista y compositor. Actuar con Chick Corea desempeñó un papel importante en la formación de su musicalidad, lo que llevó a Avishai a considerar a Chick como maestro, colega y amigo.

Los cuatro primeros álbumes de Avishai (Adama, 1998 Devotion, 1999 Colours, 2000 Unity, 2001) se publicaron bajo el sello de Corea 'Stretch / Concord Records' y ya presentaban la esencia de su música y sus composiciones originales; las influencias mediterráneas y latinas, y el uso de vientos y voces crearon un sonido realmente único. Mención especial merece Unity, el cuarto álbum de Avishai como líder y el primero en el que muestra sus habilidades con el piano. El álbum se grabó con la International Vamp Band, un grupo de colegas músicos formado por Avishai, procedentes de diferentes partes del mundo (México, Argentina, Cuba e Israel). La idea de este proyecto vanguardista era permitir que diferentes culturas interactuaran y conversaran utilizando el medio de la música, transmitiendo un mensaje de paz y armonía.

La creciente variedad de proyectos en los que participaba llevó a Avishai a crear su propio sello discográfico con su representante en 2002, "Razdaz Recordz", lo que le permitió seguir su propio camino y grabar a jóvenes músicos de talento en los que creía.

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Gerry Mulligan ::: Abril 6, 1927

Gerry Mulligan creció en Filadelfia y primero aprendió piano, que tocaba ocasionalmente. Durante su adolescencia, escribió arreglos para la banda de radio de Johnny Warrington (1944) y tocó instrumentos de lengüeta profesionalmente. Después de mudarse a Nueva York en 1946, se unió a la big band de Gene Krupa como arreglador de personal, atrayendo la atención con su Disc Jockey Jump (1947). Luego se involucró con el naciente movimiento de cool-jazz en Nueva York, participando en las actuaciones (1948) y sesiones de grabación (1949-50) del noneto de Miles Davis y contribuyendo con partituras a las grandes bandas de Elliot Lawrence y Claude Thornhill. Para entonces, se especializaba en saxofón barítono y tocaba en grupos con Kai Winding y otros. También escribió partituras para la banda de Stan Kenton y grabó con su propio tentet (1951), que fue modelado en el conjunto de Davis.

En 1952, Mulligan, entonces con sede en Los Ángeles, formó su primer cuarteto "sin piano", con Chet Baker a la trompeta. El grupo tuvo éxito instantáneamente y trajo la aclamación internacional de Baker y Mulligan. Mulligan lideró un nuevo tentempié y varias versiones del cuarteto a mediados de los años 50. Hizo una aparición sensacional en la Salle Pleyel de París en 1954 y comenzó a dominar las encuestas de opinión del jazz para su instrumento. En 1960, organizó su propia banda de jazz de concierto de 13 piezas con la que realizó una gira por Europa en ese año y por Japón en 1964. Después de su disolución, se convirtió en un sideman activo, trabajando a menudo con Dave Brubeck (1968-72) y como arreglista freelance para otros grupos de jazz. Formó una nueva big band de 14 músicos, la Age of Steam, en 1972, y fue artista residente en la Universidad de Miami en 1974.

De 1974 a 1977, Mulligan dirigió un sexteto que incluía a Dave Samuels, y durante este período trabajó regularmente en Nueva York e Italia. Más o menos al mismo tiempo que comenzó a tocar el saxofón soprano. Formó una banda de 14 músicos en 1978 y viajó con ella hasta el año siguiente. A principios de la década de 1980 grabó como líder en Nueva York experimentando con una big band de 20 músicos (1980) e instrumentos electrónicos (1982-1983), pero en 1986 regresó a un formato más familiar como líder de un quinteto con Scott Hamilton y Grady Tate.

Mulligan es una de las figuras más versátiles del jazz moderno. A pesar de su lento desarrollo como instrumentista, ha sido reconocido como el saxofonista barítono más importante en el jazz desde Harry Carney. Además del buen lenguaje que ayudó a crear, se encuentra igualmente a gusto en un contexto de big-band, bop, o incluso Dixieland (tocando el clarinete en este último), y sus excelentes grabaciones con músicos tan variados como Johnny Hodges y Thelonious Monk muestran una adaptabilidad musical inusual. Inicialmente, sin embargo, Mulligan hizo su reputación como arreglador de partituras de bandas con intrincadas partes internas, un cuidadoso balanceo de timbres, baja dinámica y swing ligero, todo lo cual está presente en sus composiciones de Jeru, Godchild y Venus de Milo para el nonet de Davis. Más tarde, abstrajo estas cualidades en sus grupos sin piano, donde el bajo volumen y la ausencia de apuntalamientos cordales liberó a los músicos de viento para improvisar en un delicado contrapunto de dos partes. Algunas de las mejores interpretaciones de Mulligan pueden ser escuchadas en sus grabaciones con Chet Baker, Bob Brookmeyer, y más notablemente con Paul Desmond, con quien comparte un talento inusual para la contra melodía improvisada.

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