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Chris Potter ::: Enero 1, 1971

Un solista de clase mundial, compositor consumado y formidable líder de banda, el saxofonista Chris Potter ha surgido como una luz principal de su generación. Down Beat lo llamó "Uno de los saxofonistas más estudiados (y copiados) del planeta", mientras que Jazz Times lo identificó como "una figura de renombre internacional". El anciano estadista de saxos de jazz Dave Liebman lo llamó simplemente, "uno de los mejores músicos de la región", un sentimiento compartido por los lectores de Down Beat al votarlo en segundo lugar después del gran saxo tenor Sonny Rollins en la encuesta Readers Poll 2008 de la revista.

Un potente improvisador y el músico más joven en ganar el Premio Jazzpar de Dinamarca, la impresionante discografía de Potter incluye 15 álbumes como líder y apariciones como sideman en más de 100 álbumes. Fue nominado para un premio Grammy por su trabajo en solitario en "In Vogue", un tema del álbum de Joanne Brackeen Pink Elephant Magic de 1999, y fue destacado en el álbum ganador del Grammy de Steely Dan del año 2000, Two Against Nature. Ha tocado o grabado con muchos de los nombres más importantes del jazz, como Herbie Hancock, Dave Holland, John Scofield, la Mingus Big Band, Jim Hall, Paul Motian, Dave Douglas, Ray Brown y muchos otros.

Su grabación más reciente, Ultrahang, es la culminación de cinco años de trabajo con su cuarteto Underground con Adam Rogers a la guitarra, Craig Taborn a la guitarra, y Nate Smith a la batería. Grabado en el estudio en enero de 2009 después de una extensa gira, muestra a la banda en su mejor momento de libertad y cohesión.

Desde que irrumpió en la escena neoyorquina en 1989 como un prodigio de 18 años con el ícono del bebop Red Rodney (que él mismo había tocado de joven junto al legendario Charlie Parker), Potter ha dirigido una trayectoria constante de crecimiento como instrumentista y compositor-arreglador. A lo largo de los años 90, continuó adquiriendo una experiencia inestimable en los quioscos de música como sideman, a la vez que hacía fuertes declaraciones como líder, compositor y arreglista de bandas. Salidas aclamadas como Unspoken de 1997 (con el bajista y mentor Dave Holland, el baterista Jack DeJohnette y el guitarrista John Scofield), Vertigo de 1998, Gratitude de 2001 y Traveling Mercies de 2002 mostraron una inclinación por el riesgo y el doblamiento de géneros. "Para mí, me pareció una forma de abrir la música a algunas cosas diferentes que había estado escuchando pero que quizás no habían salido antes en mi música", explica.

Potter exploró un nuevo territorio en el Levantamiento parcialmente eléctrico de 2004: En vivo en Village Vanguard (con el bajista Scott Colley, el baterista Bill Stewart y el tecladista Kevin Hays) y luego empujó el sobre un poco más allá en el Underground de 2006 (con el guitarrista Wayne Krantz, el pianista eléctrico Craig Taborn y el baterista Nate Smith). Como dijo al Jazz Times: "He querido hacer algo más relacionado con la música funk….música que parece estar en el aire, a nuestro alrededor. Pero también mantenerlo tan libre como la más libre concepción del jazz".

Continuó en esta vena electrificada y orientada al groove con Follow The Red Line de 2007: En vivo en Village Vanguard (con el guitarrista Adam Rogers reemplazando a Krantz en la alineación). Potter dice del nuevo camino aventurero que se ha trazado con su cuarteto Underground sin bajo: "Hubo un momento en el que sentí que el contexto que había estado usando antes no funcionaba del todo para expresar lo que yo quería o para seguir adelante de alguna manera. Mi estética como saxofonista siempre se ha basado en Bird y Lester Young y Sonny Rollins y todos los demás grandes del instrumento. Lo que he aprendido de ellos en términos de fraseo, sonido y enfoque del ritmo nunca lo superaré. Sin embargo, la música es algo vivo, tiene que seguir moviéndose. He sido tocado por muchas formas de música, como el funk, hip hop, country, diferentes músicas folklóricas, música clásica, etc., y para mí no permitir estas influencias en mi música sería innecesariamente autolimitante. La dificultad es incorporar estos sonidos de una manera orgánica, no forzada. Me ayuda a recordar que quiero que la gente sienta la música, incluso que sea capaz de bailarla, y que no la considere complicada o prohibitiva. Si puedo tocar algo que tenga significado para mí, tal vez pueda comunicar ese significado a otras personas, y las preguntas estilísticas se contesten a sí mismas".

Con el ambicioso Song For Anyone (publicado también en 2007 y dedicado a la memoria de Michael Brecker), Potter flexiona sus músculos como arreglador sobre material original para un conjunto ampliado con cuerdas y vientos de madera. Ese fue un proceso de aprendizaje", dice de este proyecto triunfante de tentet, "porque no había hecho nada a esa escala antes". Decidí sentarme a escribir, y fue muy gratificante ver cómo se traducía en una actuación en vivo".

Mirando hacia atrás a sus 20 años desde que llegó a Nueva York, Potter dice: "He tenido la oportunidad de aprender mucho de todos los líderes con los que he trabajado. Cada uno me dio otra perspectiva sobre cómo organizar una banda y hacer una declaración. Me ha enseñado que cualquier enfoque puede funcionar, siempre y cuando tengas una visión clara de lo que quieres hacer".

Su actuación inicial con Red Rodney fue una experiencia educativa y reveladora para el saxofonista de 18 años. "Ojalá hubiera tenido la perspectiva que tengo ahora para apreciar lo grande que era el personaje de Red." Los años de Potter con la Electric Bebop Band de Paul Motian representaron un enfoque totalmente diferente de la estética del bebop de Rodney en el escenario. "Motian ha tenido un gran efecto en la forma en que pienso sobre la música", dice el saxofonista. "Aborda las cosas de una manera tan anti-analítica. Es tan diferente que muchos de los otros músicos con los que he tenido la oportunidad de trabajar. Motian confía más en su sensibilidad estética y en su instinto. Básicamente, confía en su instinto y es tan fuerte que puede hacer que funcione. Y se necesita mucho valor para hacer eso".

Del bajista Dave Holland aprendió sobre la importancia de la concentración y la fuerza de voluntad. "Dave está decidido a hacer su música lo más fuerte posible y presentarla de la mejor manera posible", dice Potter, quien ha sido miembro de los grupos de Holland durante los últimos 10 años. "Al jugar con él, tienes la sensación de que hay una montaña detrás de ti en la que puedes confiar plenamente. Trabajar con él a lo largo de los años me ha ayudado a ver el verdadero valor de creer en lo que estás haciendo".

Potter también cita su tiempo en el escenario con la leyenda de la guitarra Jim Hall como inspiración. "La manera en que puede ser melódico y dulce y profundamente inventivo y abierto al mismo tiempo me impresionó mucho", dice. Giras y grabaciones con el enigmático dúo de Donald Fagen y Walter Becker (Steely Dan) ofrecieron más información sobre el proceso artístico. "Se fueron por su cuenta", dice Potter. "Tengo mucho respeto por ellos y su compromiso con su arte."

Y Potter ha permanecido comprometido con su arte desde sus años de formación. Nacido en Chicago el 1 de enero de 1971, su familia se mudó a Columbia, Carolina del Sur cuando tenía 3. Allí comenzó a tocar la guitarra y el piano antes de comenzar a tocar el saxofón alto a los 10 años, tocando su primer concierto a los 13 años. Cuando la leyenda del piano Marian McPartland escuchó por primera vez a Chris a los 15 años, le dijo a su padre que Chris estaba listo para la carretera con una unidad como la banda de Woody Herman, pero que terminar la escuela era una prioridad. A los 18 años, Potter se mudó a Nueva York para estudiar en la New School y en la Manhattan School of Music, mientras se sumergía en la escena del jazz neoyorquino y comenzaba su trayectoria como músico profesional.

Ahora un respetado veterano (así como un nuevo padre), Potter continúa trabajando como director de orquesta y ayudante destacado. Seguramente le esperan muchos capítulos interesantes. Como su antiguo colega, el saxofonista-compositor de saxofón alto Dave Binney, dijo a Down Beat: "Chris está abierto a todo ahora. De aquí en adelante cualquier cosa podría pasar."

Bill Milkowski

chrispottermusic.com

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Lewis Nash ::: Dic 30, 1958

"Rhythm Is My Business" es el título de su primera grabación como líder, y el ritmo es un negocio en auge en lo que a Lewis Nash se refiere. Es el baterista preferido de una increíble variedad de artistas -desde los maestros de la música hasta los jóvenes músicos más calientes de la actualidad- y tiene la misma demanda como clínico y como educador.

Nacido en Phoenix, Arizona, Lewis desarrolló un interés temprano en la música y comenzó a tocar la batería a los 10 años. A la edad de 18 años, estaba tocando con grupos locales de jazz. A los 21 años, Nash se había convertido en el baterista de jazz de "primera llamada" en Phoenix, trabajando con Sonny Stitt, Art Pepper, Red Garland, Lee Konitz, Barney Kessell y Slide Hampton durante sus compromisos en la ciudad.

En 1981, Nash se mudó a la ciudad de Nueva York y se unió al trío de la gran cantante de jazz Betty Carter. Durante casi cuatro años, realizó una gira internacional con la Sra. Carter. Aparece en tres de sus grabaciones, incluyendo la ganadora del Grammy "Look What I Got."

El bajista de fama mundial Ron Carter contrató a Nash en 1984. Como miembro de Carter´s nonet, quinteto y cuarteto, Nash realizó numerosas giras y aparece en varias de las grabaciones de bassist´s

En el otoño de 1986, el saxofonista Branford Marsalis le pidió a Lewis que se uniera a su cuarteto. Esta asociación activa abarcó dos años y varios continentes, y está documentada en Marsalis´ Grabación nominada al Grammy "Random Abstract", así como en dos vídeos: Royal Garden Blues (dirigida por Spike Lee) y "Branford Marsalis - Steep".

1988 marca el regreso a la escena del jazz del maestro del trombón J.J. Johnson. Johnson frecuentemente le pedía a Lewis que le diera tareas rítmicas a su banda. Ese mismo año, Nash se unió al cuarteto Don Pullen/George Adams, sucediendo a Dannie Richmond. 1989 resultó ser un año aún más ajetreado para Lewis, que estuvo de gira con el legendario saxofonista Sonny Rollins. También actuó con Stan Getz, Art Farmer, Clark Terry y Milt Jackson.

De 1990 a 2000, Lewis fue miembro del Tommy Flanagan Trio, y aparece en siete grabaciones de CD con el difunto maestro del piano. Durante este período, Nash también realizó giras y grabó con la Carnegie Hall Jazz Band y la Lincoln Center Jazz Orchestra. Su impresionante discografía (más de 300 grabaciones) incluye proyectos con las leyendas del jazz Dizzy Gillespie, Oscar Peterson, Benny Carter, Hank Jones y John Lewis, así como con las nuevas estrellas del jazz Diana Krall, Joe Lovano y Roy Hargrove. Demostrando su diversidad estilística, Nash también aparece en grabaciones de Natalie Cole, Bette Midler, Nancy Wilson, Kenny Rankin, Melissa Manchester y George Michael.

Actualmente, mientras continúa tocando y grabando con una gran variedad de artistas, Nash dirige varios de sus propios y excitantes grupos, desde el dúo hasta el septeto. Aparte de sus muchos logros en giras y grabaciones, gracias al patrocinio de tambores Sonor, platillos Zildjian, parches Remo y baquetas Regal Tip, Lewis se ha convertido en un codiciado educador de jazz. Sus conferencias, clínicas y talleres son tan solicitados como su trabajo en el estudio y en el quiosco de música. Lewis Nash: ¡El ritmo es de hecho su negocio!

lewisnash.com

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Pablo Held ::: Dic 27, 1986

Pablo Held (nacido en 1986) creció en una familia de músicos. Desde temprana edad estuvo expuesto a música de diversos orígenes. A la edad de 4 años tomó sus primeras clases de batería; a los 10 años pasó al piano. Con 18 años comenzó a estudiar con John Taylor y Hubert Nuss en el Conservatorio de Colonia, donde se graduó summa cum laude.

Pablo ganó reconocimiento con sus propios grupos Pablo Held Trio y GLOW y su colaboración con la leyenda de la guitarra John Scofield. También es muy activo como sideman en varios proyectos de la escena jazzística europea.

Colaboró con John Scofield, Chris Potter, Dave Liebman, Tom Harrell, Anders Jormin, Jorge Rossy, Nasheet Waits, Marcus Gilmore, WDR Bigband & NDR Bigband, Jim Beard, Nils Wogram, Johannes Enders, Tim Hagans y muchos más.

Las giras de conciertos lo llevaron a Estados Unidos, China, Corea, Inglaterra, Irlanda, Colombia, Bolivia, Brasil, Ecuador, Grecia, Turquía, Francia, Italia, Portugal, España, Rusia, Polonia, República Checa, Eslovaquia, Serbia, Bulgaria, Kazajstán, Kirguizistán, Letonia, Estonia, Noruega, Suecia, Finlandia, Dinamarca, Holanda, Suiza, Austria y Luxemburgo.

Pablo ha aparecido en más de 30 discos. Sus propios CDs han sido y han ganado elogios en todo el mundo en los medios musicales, por ejemplo, la revista DOWNBEAT incluyó el disco "The Trio meets John Scofield" en su lista de "mejores álbumes del 2015".

En 2014 el Pablo Held Trio fue elegido por la ECHO (European Concert Hall Organization) para realizar una extensa gira como "Rising Stars" por algunas de las mayores salas de conciertos de Europa, presentando su música en lugares como el Barbican de Londres, el Palais des Beaux Artes de Bruselas, el L'Auditori de Barcelona y muchos más.

Pablo ha recibido el Westfalen Jazz Prize (2006), el WDR Jazz Prize (2011) y el Horst & Gretl Will Grand de la ciudad de Colonia (2012). Además, The Pablo Held Trio recibió el Premio de Jazz SWR en 2014.

En la primavera de 2018 Pablo lanzará "Investigations - su décimo álbum como líder - en el sello británico Edition Records.

pabloheld.com

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John Patitucci ::: Dic 22, 1959

John Patitucci nació en Brooklyn, Nueva York, en 1959 y comenzó a tocar el bajo eléctrico a los diez años. Comenzó a actuar y componer a los 12 años, a los 15 empezó a tocar el bajo acústico y a los 16 el piano. Rápidamente pasó de tocar soul y rock a blues, jazz y música clásica. Sus gustos eclécticos le llevaron a explorar todo tipo de música como intérprete y compositor.

John estudió bajo clásico en la Universidad Estatal de San Francisco y en la Universidad Estatal de Long Beach. En 1980, continuó su carrera en Los Ángeles como músico de estudio y artista de jazz. Como músico de estudio, John ha tocado en innumerables álbumes con artistas como B. B. King, Bonnie Raitt, Chick Corea, Wayne Shorter, Herbie Hancock, Michael Brecker, George Benson, Dizzy Gillespie, Was Not Was, Dave Grusin, Natalie Cole, Bon Jovi, Sting, Queen Latifah y Carly Simon. En 1986, John fue votado por sus compañeros en los estudios como el MVP de la Academia Nacional de las Artes y las Ciencias de la Grabación en la categoría de bajo acústico.

Como intérprete, John ha tocado por todo el mundo con su propia banda y con luminarias del jazz como Chick Corea, Herbie Hancock, Wayne Shorter, Stan Getz, Pat Metheny, Wynton Marsalis, Joshua Redman, Michael Brecker, McCoy Tyner, Nancy Wilson, Randy Brecker, Freddie Hubbard, Tony Williams, Hubert Laws, Hank Jones, Mulgrew Miller, James Williams, Kenny Werner y decenas de otros. Algunos de los muchos artistas pop y brasileños con los que ha tocado son Sting, Aaron Neville, Natalie Cole, Joni Mitchell, Carole King, Milton Nascimiento, Astrud y Joao Gilberto, Airto y Flora Purim, Ivan Lins, Joao Bosco y Dori Caymmi.

John también ha trabajado con los compositores de cine Jerry Goldsmith, Ry Cooder, James Newton Howard, Dave Grusin, Henry Mancini, John Williams, Mark Isham, Michel Colombier, Carter Burwell y Howard Shore y muchos otros.

Desde 1985, su asociación con Chick Corea le ha dado fama mundial y le ha colocado en la vanguardia del mundo del jazz. Sus numerosas grabaciones con la Elektric Band y la Akoustic Band de Chick Corea, sus seis grabaciones en solitario para GRP Records y sus grabaciones posteriores le han reportado dos premios Grammy (uno por tocar y otro por componer) y más de quince nominaciones a los Grammy. Además, su primera grabación en solitario, John Patitucci, alcanzó el número uno en las listas de Billboard Jazz. John arregló y produjo todos sus discos, así como los de otros artistas. En 1996, firmó con Concord Jazz y publicó siete discos en su sello: One More Angel; Now; Imprint; Communion; Songs, Stories and Spirituals; Line by Line; y Remembrance. Dos de esos discos fueron nominados a los premios Grammy en la categoría de composición.

Después de explorar muchos estilos de composición diferentes en sus propios discos y en los de Chick Corea, John siguió componiendo para muchos medios. En 1994 le encargaron una pieza para bajo eléctrico de seis cuerdas y orquesta de cuerda para la orquesta de cámara italiana Suono e Oltre de Pescara (Italia). Con John como solista, la pieza se interpretó en marzo de 1995 en Italia y en agosto de 1995 con la New Japan Philharmonic Orchestra en Tokio. John también ha recibido encargos para el Turtle Island String Quartet, el violista Lawrence Dutton del Emerson String Quartet, la virtuosa del piano clásico Ann Schein y el cuarteto de cuerda Elements, entre otros. John ha tenido varios estrenos de sus otras composiciones de música de cámara, incluyendo en el Festival de Música de Chelsea en Nueva York en julio de 2011 y BargeMusic en Brooklyn, también en 2011. En abril de 2012, la pieza de John Fantasy on a River Theme se estrenó en el Jordan Hall de Boston con John como solista con la Berklee College of Music Contemporary Symphony Orchestra. John sigue recibiendo encargos como compositor y es un intérprete destacado en muchas grabaciones.

En el año 2000, John comenzó a hacer giras con el legendario Wayne Shorter, y el Wayne Shorter Quartet, con Danilo Pérez al piano y Brian Blade a la batería, ha recibido elogios en todo el mundo por sus actuaciones y grabaciones. Su grabación en directo Footprints Live fue nominada a un Grammy en 2001 y una grabación de estudio, Alegria, ganó un Grammy en 2003. Otro CD, Beyond the Sound Barrier, ganó el Grammy al mejor álbum de jazz instrumental en 2005. En 2006, el Cuarteto ganó el Premio de los Periodistas de Jazz 2006 al Mejor Conjunto Pequeño. El cuarteto sigue realizando numerosas giras por todo el mundo con excelentes críticas.

Cuando John no está de gira con su propia banda o con el Wayne Shorter Quartet, ha encontrado tiempo para actuar en otros conjuntos, como el quinteto de estrellas Directions in Music, en 2001, que estaba dirigido por Herbie Hancock y contaba con el difunto Michael Brecker al saxofón, Roy Hargrove a la trompeta y Brian Blade a la batería. Posteriormente publicaron un CD en directo titulado Live at Massey Hall, que también ganó un premio Grammy.

El compositor británico Mark Anthony Turnage y John colaboraron en tres grandes proyectos en 2007 y posteriormente. El primero es una pieza titulada About Water, que contó con John como uno de los varios solistas de la London Sinfonietta para celebrar la reapertura del Southbank Centre de Londres. Mark escribió una composición para John como solista de bajos acústicos y eléctricos con orquesta de cuerda titulada A Prayer Out of Stillness. John interpretó esta pieza con la Orquesta Sinfónica de Londres, orquestas de Escocia, Estonia y Noruega y con la Sinfónica de San Luis bajo la dirección de David Robertson. John también ha actuado en una pieza de Turnage titulada Scorched con el guitarrista John Scofield y el baterista Peter Erskine, que incluye la música de John Scofield.

En 2009, John publicó su grabación Remembrance, en la que participan el genio del saxofón Joe Lovano y el virtuoso de la batería Brian Blade, y que recibió críticas muy favorables. Remembrance fue nominado al premio Grammy al mejor álbum instrumental de jazz de 2009. El trío disfrutó de actuaciones muy aclamadas y bien recibidas en el Dizzy's Club Coca-Cola en el Jazz at Lincoln Center de Nueva York y en el Monterey Jazz Festival de California, entre otros.

En 2015, John lanzó su decimocuarta grabación en solitario, Brooklyn, en su propio sello, Three Faces Records. La grabación cuenta con su última banda, "The John Patitucci Electric Guitar Quartet", con Adam Rogers y Steve Cardenas en las guitarras eléctricas, Brian Blade en el bajo y John tocando exclusivamente los bajos eléctricos. A principios de 2016 se acaba de estrenar un documental filmado por August Sky Films que combina imágenes de actuaciones, imágenes entre bastidores de los ensayos y de la grabación de Brooklyn. La película también echa un vistazo a los primeros años de John en Brooklyn, a su carrera musical y a su vida hogareña a través de sinceras entrevistas con familiares y músicos, como Herbie Hancock, Chick Corea y Wayne Shorter.

En 2015, John, Danilo Pérez y Brian Blade publicaron su primera grabación, Children of the Light, que es también el nombre de su nuevo trío. Children of the Light realizó una extensa gira en 2015 y continuará haciéndolo en 2016 y más adelante.

John siempre ha sentido la llamada a ser mentor y enseñar a los jóvenes músicos y a ayudar a fomentar y sostener el arte del jazz y de tocar el bajo en todo el mundo. En 2002, tras la jubilación de Ron Carter, John comenzó a enseñar en el City College de Nueva York y fue profesor de estudios de jazz allí durante diez años. También ha participado en el programa Betty Carter Jazz Ahead en Washington, D.C. y en el Thelonious Monk Institute of Jazz. John es un clínico frecuente y conferenciante invitado en escuelas de todo el mundo y un intérprete habitual en las convenciones de la Sociedad Internacional de Bajistas. En 2010, John empezó a colaborar con el Global Jazz Institute del Berklee College of Music, dirigido por el pianista Danilo Pérez. En la actualidad es profesor visitante en Berklee, impartiendo clases tanto en el Global Jazz Institute como en el Departamento de Bajo.

John reside actualmente en Nueva York con su esposa Sachi, violonchelista, y sus dos hijas.

johnpatitucci.com

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Frank Zappa ::: Dic 21, 1940

Frank Vincent Zappa nació el 21 de diciembre de 1940 en Baltimore, Maryland, Estados Unidos. Sus padres eran griegos sicilianos de segunda generación, la familia también tenía orígenes árabes y franceses. Su padre tocaba la guitarra del "cantante ambulante". A la edad de 12 años, Frank, que se había mudado a California con su familia, se interesó en la batería, aprendiendo percusión orquestal en la escuela de verano de Monterey. En la escuela secundaria tuvo un poco más de entrenamiento en armonía porque era un estudiante de último año rebelde, y se le dio permiso para tomar algunas clases de armonía "para ocupar su mente". De hecho, el entrenamiento le pareció muy aburrido. La primera vez que se interpretó su música fue en el Mount St. Mary's College en 1962 - una "cosa rara y texturizada", que "no sonaba en absoluto como se supone que debe sonar la música"; sin embargo, "la cosa fue grabada y transmitida por KPFK".

Zappa tocó la batería en una banda local de R&B llamada The Ramblers, y después de mudarse a Lancaster formó los racialmente integrados Blackouts. La temprana exposición a un disco de ionización del compositor clásico de vanguardia Edgard Varèse inculcó un interés en la experimentación rítmica avanzada que nunca le abandonó. La guitarra eléctrica también se convirtió en una fascinación, y comenzó a coleccionar discos de R&B que incluían solos de guitarra: Howlin' Wolf con Hubert Sumlin, Muddy Waters, Johnny "Guitarra" Watson y Clarence "Gatemouth" Brown fueron los favoritos especiales. Un amigo de la escuela, Don Vliet (que más tarde se convertiría en el Capitán Beefheart), compartió su interés.

En 1964 Zappa, que había estado trabajando en un estudio local, grabando doo-wop singles y componiendo partituras para películas de serie, se unió a un grupo local de R&B llamado The Soul Giants, cuya formación incluía al vocalista Ray Collins (nacido el 19 de noviembre de 1937, EE.UU.), al bajista Roy Estrada (nacido el 17 de abril de 1943, EE.UU.) y al baterista Jimmy Carl Black (nacido el 1 de febrero de 1938, El Paso, Texas, EE.UU.).). Zappa cambió su nombre por el de The Mothers, pero "Of Invention" fue añadido más tarde por insistencia de su sello, Verve Records. Una serie de guitarristas fueron y vinieron, incluyendo a Alice Stuart y Henry Vestine, antes de que Elliot Ingber fuera añadido a la alineación. Producida por Tom Wilson en 1966, el difunto productor negro cuyos créditos incluían a Cecil Taylor, John Coltrane y Bob Dylan, Freak Out! de Mothers Of Invention fue un impresionante debut, un set de dos discos completo con toda una cara de percusión salvaje, una canción de protesta vitriólica, "Trouble Every Day", y el tipo de detalles diminutos (notas en las mangas, chistes, parodias) que generan un atractivo de culto instantáneo. Hicieron un gran juego con su pelo y su fealdad, convirtiéndose en los íconos contraculturales perfectos. A diferencia de la banda de la costa este, los Fugs, las Madres también eran hábiles musicalmente, un instrumento refinado para las ideas eclécticas e imaginativas de Zappa. Ingber se fue a formar la Fraternidad del Hombre antes de la grabación del segundo álbum de la banda, Absolutely Free. Fue reemplazado por un corto período por Jim Fielder, antes de que Zappa decidiera expandir Mothers Of Invention con la incorporación del segundo baterista Billy Mundi, el tecladista Don Preston (nacido el 21 de septiembre de 1932, EE.UU.), y los trompetistas Bunk Gardner y Jim "Motorhead" Sherwood.

Luego siguieron giras y lanzamientos, incluyendo Absolutely Free, el solo Lumpy Gravy y We're Only In It For The Money, (con su brillante parodia de la portada de los discos de los Beatles de Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band), una sátira mordaz sobre el hippismo y las reacciones a éste en los EE.UU., y una notable aparición en el Royal Albert Hall de Londres - esto fue documentado en el compulsivo álbum Uncle Meat. En este doble LP se puede escuchar música muy sofisticada, mezclando melodías muy individuales y arreglos complejos, raramente antes escuchados en la música rock (como "Dog Breath", "Pound For A Brown", "King Kong"), además de pura locura, conteniendo los diálogos de la película del mismo título. En contraste, Cruising With Ruben & The Jets rindió un excelente homenaje a la era del doo-wop. Los fans británicos quedaron particularmente impresionados con Hot Rats, un disco en solitario de Zappa que dejó de lado el comentario sociológico para barnstorming jazz-rock, los brillantes solos de guitarra, el extravagante "Peaches En Regalia" y una aparición en camafeo del Capitán Beefheart en "Willie The Pimp". Otra contribución característica al sonido de este período fue el violín de Don "Sugarcane" Harris, de raíz blues y en bruto, que podemos disfrutar escuchando en varios álbumes de estos años.

Collins había renunciado en abril de 1968, y las Madres de la Invención eventualmente se desintegrarían en agosto siguiente, aunque el brillante álbum Burnt Weeny Sandwich fue publicado con el mismo nombre. El LP contenía una respetuosa parodia de Stravinsky ("Igor's Boogie"), una divertida portada ("WPLJ"), pieza clásica discordada de una manera alegre y humorística, además de algunos grandes números basados en solitario que predijeron el próximo período jazz-rock. Tanto Uncle Meat como Hot Rats aparecieron en el propio sello de Zappa, Bizarre Records, que junto con su otro sello, Straight Records, editó una serie de álbumes de gran prestigio que, sin embargo, fueron un fracaso comercial. Entre los artistas que se beneficiaron del patrocinio de Zappa se encontraban los GTO, Larry "Wild Man" Fischer, Alice Cooper y Tim Buckley. El indispensable clásico del Capitán Beefheart producido por Zappa, Trout Mask Replica, también fue lanzado en Straight. Deseosos de obtener una imagen "más pesada" que la banda que les había dado fama, los cantantes de The Turtles Mark Volman (nacido el 19 de abril de 1947 en Los Ángeles, California, EE.UU.) y Howard Kaylan (nacido el 22 de junio de 1947 en el Bronx, Nueva York, Nueva York, EE.UU.), alias Flo And Eddie, se unieron a Zappa para la película 200 Motels y tres álbumes más. Las Madres recién rebautizadas incluían ahora a George Duke (nacido el 12 de enero de 1946 en San Rafael, California, EE.UU.; teclados, trombón), Ian Underwood (teclados, saxofón), Aynsley Dunbar (nacido el 10 de enero de 1946 en Liverpool, Inglaterra; batería) y Jeff Simmons (bajo, voz), aunque este último fue reemplazado rápidamente por Jim Pons (nacido el 14 de marzo de 1943 en Santa Mónica, California, EEUU). Fillmore East, junio de 1971, incluyó algunos temas intencionalmente escandalosos que provocaron críticas inevitables por parte de observadores conservadores.

1971 no fue un año feliz para Zappa: el 4 de diciembre el fuego destruyó el equipo de la banda mientras tocaban en el Casino de Montreux en Suiza (un evento conmemorado en "Smoke On The Water" de Deep Purple) y seis días después Zappa fue empujado fuera del escenario en el teatro Rainbow de Londres, aplastando su laringe (bajando la voz un tercio), dañando su columna vertebral y manteniéndolo atado en silla de ruedas durante la mayor parte del año. En 1972 desarrolló una extraordinaria nueva especie de fusión de big band (Waka/Jawaka y The Grand Wazoo), trabajando con los mejores músicos de sesión de la costa oeste. Sin embargo, encontró a estos excelentes músicos aburridos compañeros de viaje, y decidió dejar el "jazztette" por una banda eléctrica. Over-Nite Sensation anunció fusion-chops, letras salaces y ritmos de conducción. La banda en vivo presentó una extraordinaria combinación de swing basado en el jazz y un rico y sonoro rock que probablemente sólo Zappa (con su interés en la música clásica moderna) podría lograr. El talento polivalente del cantante, flautista, saxofonista, guitarrista y animador Napoleón Murphy Brock, el virtuoso de la percusión Ruth Underwood, el violinista Jean-Luc Ponty, incluido en el proyecto King Kong, y el tecladista Duke (cuya hermosa y brillante voz fue descubierta y mostrada por primera vez por Zappa) brillaron en este contexto. Apostrophe (') mostró los talentos de Zappa como narrador de historias en la tradición de Lord Buckley, y también (en la canción del título) presentó un jam con el bajista Jack Bruce: alcanzó el número 10 en la lista de Billboard en junio de 1974. Roxy & Elsewhere captó a la banda en directo, negociando una notación musical diabólicamente dura - "Echidna's Arf (Of You)" y "Be-Bop Tango (Of The Old Jazzmen's Church)" - con un contagioso buen humor. One Size Fits All, una obra maestra poco reconocida, creó extraordinarias texturas multipista. "Andy" era una canción sobre vaqueros de b-movie, mientras que "Florentine Pogen" e "Inca Roads" eran complejas piezas extendidas (y muy parecidas a Zappa).

En 1975, el Capitán Beefheart se unió a Zappa para una gira y, a pesar de una ruptura anterior, cantó en Bongo Fury, ambos reunidos en disgusto por la complacencia del bicentenario de los Estados Unidos. Zoot Allures en 1976 fue principalmente una colaboración entre Zappa y el baterista Terry Bozzio, con Zappa sobregrabando la mayoría de los instrumentos. Experimentaba con lo que él llamaba "Xenochronicity" (combinando temas no relacionados para crear una pieza de música no sincrónica) y produjo resultados intrigantes en "Friendly Little Finger". El tema del título llevó el concepto de guitarra de mala calidad a un nuevo nivel (al igual que el gemido orgásmico de "La tortura nunca se detiene"), mientras que "Las servilletas negras" fue un vehículo incomparable para el trabajo de Zappa con la guitarra. Si ahora Zoot Allures parece una respuesta al punk, Zappa no iba a abandonar el mundo del rock a gran escala. Una serie de conciertos en Nueva York a finales de 1976 tuvo una multitud muy emocionada aplaudiendo historias de bares de solteros, encuentros con el diablo y el impresionante virtuosismo de los Hermanos Brecker (grabado como Zappa In New York). Este álbum fue parte de la caída de la ruptura de Zappa con Warner Brothers Records, que publicó tres excelentes álbumes, en su mayoría instrumentales, con "covers no autorizados" (adoptados, curiosamente, por Zappa para sus reediciones de CD): Studio Tan, Sleep Dirt y Orchestral Favorites. La prensa rockera obsesionada con el punk no sabía qué hacer con la música que parodiaba a Miklos Rozsa, cruzaba el jazz con partituras de dibujos animados, se sumergía en la histeria del rock'n' roll y forzaba la fusión en el siglo XXI. Impertérrito ante la idea de que aún se le percibía como un hippie, lo que claramente no era así (We're Only In It For The Money había dicho la última palabra sobre el Verano del Amor mientras estaba sucediendo), Zappa continuó su gira.

Su toque de guitarra parecía expandirse a una nueva dimensión: "Yo' Mama" en el Sheik Yerbouti de 1979 fue una muestra de las extravagancias que vendrían. En Ike Willis (la mayoría de las veces reforzado por el inseparable Ray White), Zappa encontró a un vocalista que entendió su necesaria combinación de desprendimiento emocional e intimidad, y lo presentó ampliamente en los tres volúmenes de Joe's Garage. A partir de mediados de los años 70, el interés por los conceptos filosóficos y las bromas de la banda, la música se volvió más política. Tinseltown Rebellion and You Are What You Is comentó sobre el crecimiento de la derecha fundamentalista. Este período mostró los talentos únicos del percusionista Ed Mann (quien gloriosamente asumió el papel más importante de la excelente Ruth Underwood), el baterista "favorito de Zappa" Vinnie Colaiuta, el virtuoso de la guitarra "capaz de todo" Steve Vai (quien también hizo un trabajo increíblemente duro y valioso al incluir en las partituras los solos de guitarra más "imposibles" de Zappa), los tecladistas Tommy Mars y Robert Martin, dignos socios de las más excéntricas bromas y bromas musicales de Zappa en el escenario.

Zappa tuvo un éxito en 1982 con "Valley Girl", que presentaba a su hija Moon Unit satirizando los acentos de los jóvenes adinerados de Hollywood. Ese mismo año lo vio producir e introducir un concierto de música de Varese en Nueva York. La canción del título de Ship Arriving Too Late To Save A Drowning Witch indicaba que el interés de Zappa por la composición extendida no estaba disminuyendo; esto fue confirmado por el lanzamiento de un álbum orquestal serio grabado con la London Symphony Orchestra en 1983. Zappa fue muy prolífico en 1984: el renombrado compositor francés Pierre Boulez dirigió el trabajo de Zappa sobre The Perfect Stranger; lanzó un álbum de rock Them Or Us, que amplió aún más el impacto de su inventiva guitarra; Thing-Fish (su escenario fue publicado por primera vez en la revista Hustler de Larry Flynt)….) fue un "musical de Broadway" sobre el SIDA, la homofobia y el racismo; y desenterró a un compositor del siglo XVIII llamado Francesco Zappa y grabó su obra en un sinclave. Al año siguiente, Does Humor Belong In Music? y Meets The Mothers Of Prevention fueron respuestas efectivas al surgimiento de poderosos grupos de censura en Estados Unidos. Jazz From Hell presentó composiciones sin palabras para synclavier que se inspiraron en las obras escritas para pianistas del compositor experimentalista estadounidense expatriado Conlon Nancarrow. Zappa pudo satisfacer aquí su gusto por utilizar muestras y orgias rítmicas altamente complicadas, "imposibles para los humanos". De la avalancha de sus obras de los años 80 cabe destacar la caja de triple LP, Shut Up 'N Play Yer Guitar, una colección de sus locamente individuales solos de guitarra (también una pieza de material de sobregrabación y edición musical), que fue la primera de una serie representada también por la posterior Guitarra y todavía inéditos álbumes de Trans-Fusion.

El siguiente gran proyecto de Zappa se materializó en 1988: una banda de 12 músicos tocando covers, instrumentales y un par de nuevas canciones políticas (recogidas respectivamente como Broadway The Hard Way, The Best Band You Never Heard In Your Life, y Make A Jazz Noise Here). Después de ensayar durante tres meses, la potencia y la precisión de la banda fueron impresionantes, pero se separaron durante su primera gira. Además de la serie retrospectiva You Can't Do That On Stage Anymore (seis volúmenes de doble CD-s!), Zappa publicó en dos entregas sus bootlegs más populares en el marco de su campaña "Beat The Boots". En Checoslovaquia, donde había sido durante mucho tiempo un héroe de la cultura clandestina, fue nombrado Oficial de Enlace Cultural del país con Occidente, mientras daba su última actuación en directo en Budapest, celebrando la retirada de las tropas soviéticas de Hungría, en 1991. El mismo año anunció que se presentaría como candidato independiente en las elecciones presidenciales de 1992 en Estados Unidos (¡casi inmediatamente recibió varias amenazas de muerte!), pero en noviembre su hija confirmó los informes de que sufría de cáncer de próstata.

Durante los últimos años de su vida Zappa encontró finalmente la orquesta que podía alcanzar el nivel de interpretación que siempre había buscado en la música "seria". La multinacional alemana Ensemble Modern se puede escuchar en el último álbum, titulado The Yellow Shark, que fue publicado en la vida de Zappa. Fue director del ciclo de conciertos de EM en Alemania y Austria, pero debido al creciente dolor tuvo que abandonar los últimos espectáculos e irse a casa.

En mayo de 1993 Zappa, claramente débil a causa de la quimioterapia intensiva, anunció que estaba perdiendo rápidamente la batalla ya que se había extendido a sus huesos. En la larga entrevista publicada en Playboy justo antes de su muerte, sin embargo, declaró que no empezaría a escribir música triste sólo porque iba a desaparecer. Sucumbió a la enfermedad siete meses después y murió el 4 de diciembre de 1993 en Los Ángeles, California.

Zappa no habría sido lo que era si su muerte hubiera puesto fin al flujo de sus obras. Debemos mencionar en primer lugar el doble CD llamado Civilización Phaze III, su primer lanzamiento póstumo, que se había hecho durante 30 años para entonces. Las primeras grabaciones de este disco se hicieron originalmente en los años sesenta, y se completan con piezas de synclavier mezcladas hasta sus últimos días: puede considerarse como una especie de testamento de sus pensamientos y música, aunque hay que tener en cuenta el hecho de que hacer una síntesis siempre estuvo tan lejos de las intenciones de Zappa como sea posible. Sin duda alguna, si estuviera vivo, seguiría sorprendiéndonos cada día con nuevas ideas musicales (y de otro tipo).

En 1995, Rykodisc Records, junto con su viuda Gail Zappa, emprendió un notable programa de reedición. El catálogo completo de más de 50 álbumes fue remasterizado y reempaquetado con mucho cuidado. Rykodisc merece el mayor elogio por esta audaz iniciativa. En 2003 Dweezil Zappa prometió más material inédito de las bóvedas de su padre mientras se hacía cargo como archivero de la familia - Halloween y QuAUDIOPHILIAc es su trabajo. Visto en perspectiva, la carrera de Zappa revela un perfeccionista que utiliza sólo los más altos estándares de musicalidad y los mejores métodos de grabación. Los CDs reeditados destacan la extraordinaria calidad de las cintas originales y el idealismo de Zappa.

Además, ahora es considerado con razón como uno de los grandes guitarristas de nuestro tiempo. Aunque gran parte de su obra puede ser fácilmente descartada como frívola, la historia ciertamente reconocerá a Zappa como un compositor sofisticado y serio y un maestro de la música muy consumado. Este genio de la música nunca dejó de asombrar, tanto como músico como compositor: en el camino, produjo una enorme cantidad de obras que es probablemente el equivalente más cercano de la música rock al legado de Duke Ellington.

Fuente: allaboutjazz.com

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