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Iiro Rantala, Jazz at Berlin Philharmonic ::: Veneziana

Veneziana

Iiro Rantala & Jazz at Berlin Philharmonic

ACT | Mayo 26, 2023

1 Gondol Ride to St. Mark’s Square 5:18
2 Romeo and Steve 6:09
3 Monteverdi and His Ideas 3:49
4 Vivaldi’s ADHD 7:19
5 Sibelius in Venice 6:31
6 Mozart Loses His Mojo 5:29
7 Casanova and Lorenzo 5:14
8 Morte a Venezia 6:34

Iiro Rantala / piano & conductor

Mitglieder der Berliner Philharmoniker:
Marlene Ito , Eva Tomasi / violin
Martin Stegner / viola
Dávid Adorján / cello
Esko Laine / double bass
Jelka Weber / flute
Sofia Zamora Meseguer / oboe
Matic Kuder / clarinet
Selim Aykal / bassoon
Johannes Lamotke / horn

Recording Information
Recorded by Thomas Schöttl live at Jazz at Berlin Philharmonic, Großer Saal, 01.02.2023

Mixed and mastered by Klaus Scheuermann

Produced by the artist
Curated by Siggi Loch

Cover art (detail) by Gert & Uwe Tobias

"Cuando busco otra palabra para 'música', nunca encuentro otra que 'Venecia'"

Friedrich Nietzsche

La ciudad italiana construida en el agua, metrópoli del arte y la música, lugar de mitos y anhelos, donde artistas de renombre han creado obras asombrosas: Venecia. ¿Cómo no iba a ser una inspiración permanente su belleza y misterio, su arquitectura y sus siglos de historia del arte?. El veneciano Antonio Vivaldi fue el primero en dejar su huella musical en la ciudad, pero Gustav Mahler también está muy vinculado a ella: desde la película de Luchino Visconti "Muerte en Venecia", de Thomas Mann, el Adagietto de su Quinta Sinfonía suele ser la primera pieza musical que viene a la mente cuando se piensa en Venecia.

Durante 500 años, la crème de la crème del mundo musical europeo tocó y compuso aquí. En Venecia floreció la ópera, con innumerables estrenos mundiales, de Cavalli a Donizetti, y también obras de luminarias extranjeras como Prokofiev o Stravinsky. Este último pidió ser enterrado en el cementerio de la isla de San Michele, cerca de su amigo, el crítico de arte y empresario Sergei Diaghilev.

Siggi Loch, comisario del ciclo Jazz en la Filarmónica de Berlín, también siente una fascinación imperecedera por Venecia. Y fue esto lo que le llevó a encargar al pianista finlandés Iiro Rantala que compusiera música para una noche "alla Veneziana". La nueva obra de Rantala para piano y un conjunto de cámara de diez músicos se estrenó el 1 de febrero de 2023 con miembros de la Orquesta Filarmónica de Berlín en la Gran Sala de la Filarmónica de Berlín.

A primera vista, podría parecer extraño confiar la creación de un homenaje musical a Venecia a un escandinavo, pero el pianista y compositor finlandés Iiro Rantala tiene su propia y extraordinaria manera de abrirse al mundo y a los diferentes estilos y géneros, y como también aporta asombrosos recursos de humor y frivolidad, esta celebración de la "leggerezza" veneciana siempre iba a tener un encanto especial.

Formado a un nivel igualmente alto tanto en jazz (en la Academia Sibelius) como en música clásica (en la Manhattan School of Music), Rantala aporta su carácter lúdico mientras se mueve sin problemas entre géneros, haciendo lo que mejor sabe hacer: lo suyo, único.Actúa con grandes de la música clásica finlandesa como la Orquesta Sinfónica de la Radio Finlandesa y el violinista finlandés Pekka Kuusisto y trabaja como solista con orquestas internacionales, sobre todo con la Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, con la que ha grabado dos álbumes.

En 2017, el primer concierto para piano de Rantala "Concerto for Piano and Concerto in G#majAb" se estrenó en Helsinki en una orquestación del violinista/compositor/director finlandés, el fallecido Jaakko Kuusisto. En 2018, le siguió la ópera "Sanatorio Express", estrenada en la Ópera Nacional de Finlandia. Después, en octubre de 2021, Rantala deleitó al público infantil con la ópera para niños "La melódica mágica", encargada por la Komische Oper de Berlín.

La visión musical de Rantala sobre Venecia cuenta historias que podrían haber tenido lugar en esta ciudad de mitos y leyendas. Dice. "Investigué mucho sobre la historia musical y artística de la ciudad, pero a partir de ahí sólo tuve que dejar volar mi imaginación". Así, los ocho relatos de ficción que constituyen "Veneziana" de Rantala sólo pudieron ocurrir por las circunstancias particulares de su composición: la necesidad puede convertirse a veces en virtud. Son historias llenas de ingenio compositivo, virtuosismo instrumental y, como es habitual en Rantala, humor. En la pieza inicial, "Gondola Ride to St. Mark's Square", imagina a una familia sueca que llega a Venecia por primera vez y sube a una góndola, mientras discute y se pelea por asuntos familiares mundanos.

Rantala también trae a Venecia a Mozart, Prokofiev y su gran compatriota Sibelius a través de esta ruta, y nos recuerda a Monteverdi y sus ideas... con una sonrisa cómplice. En "Vivaldi's ADHD", el creador de las "Cuatro estaciones" (y estrella del rock del siglo XVIII) reflexiona sobre cómo podrían sonar los inviernos escandinavos. El último tema del álbum, "Morte a Venezia", es una marcha fúnebre en homenaje a la multitud de grandes artistas que vivieron y murieron en Venecia.

Iiro Rantala nos lleva a través de un caleidoscopio de mundos sonoros diferentes, aportando un virtuoso sentido de la fluidez, riqueza melódica, dramatismo y emoción en technicolor de pantalla ancha: "Veneziana" es un retrato vivificante y muy distintivo de una ciudad. Se podría decir que es música de programa, pero es de un tipo que sólo Iiro Rantala puede escribir... donde el oyente, como en las sinuosas calles de Venecia, encontrará una nueva sorpresa detrás de cada esquina musical: ¡¡¡Viva Venecia!!!

iirorantala.fi
actmusic.com

Paolo Fresu & Omar Sosa ::: Food

Food

Paolo Fresu & Omar Sosa

Tük Music | Mayo 19, 2023

1 Father Yambú 5:23
2 Valeriana Wok 3:02
3 New Love in Love 5:14
4 ’A çimma 6:28
5 Mesticanza 2:15
6 Greens 4:43
7 Estancia 5:32
8 Yuca y Magnoca 3:45
9 Yanela 4:45
10 Vol.-au?vent 2:06
11 Cha Cha Chai 4:09
12 Didjo 7:53

Paolo Fresu - trumpet, flugelhorn, multi-effects, percussions
Omar Sosa - acoustic piano, Fender Rhodes, MicroKORG, Wurlitzer, Yamaha Montage 8, samplers, multi-effects, percussions, vocals and programming

feat.
Indwe - voice on tracks #1, #9 and #12
Andy Narell - steel pan on track #3
Cristiano De André - voice on track #4
Jaques Morelenbaum - cello on tracks #4, #7 and #9
Kokayi - voice on track #6

Vaciar los arsenales, llenar los graneros.
Sandro Pertini

La cocina era un poco como la música: existe un pentagrama sobre el que se compone y a partir de ahí se hacen variaciones sobre un mismo tema.
Nitza Villapol

"FOOD", amorosamente preparado e interpretado por Paolo Fresu y Omar Sosa, concluye una trilogía perfecta iniciada con "Alma" (2012) y "Eros" (2016).

Tercer capítulo de esta colaboración intemporal entre Paolo Fresu y Omar, dedicada al placer y la necesidad de la comida. La síntesis perfecta de un viaje que ha ido indagando entre alma y eros, cuerpo y mente, comer y beber.

"FOOD" completa una trilogía de proyectos que reúnen a Paolo Fresu y Omar Sosa e incluye los anteriores lanzamientos del dúo: los discos "Alma" (2012) y "Eros" (2016). El nuevo álbum acoge colaboraciones del rapero de Washington DC Kokayi, Cristiano de André (hijo del famoso Fabrizio), el violonchelista Jaques Morelenbaum, la cantante sudafricana Indwe y el maestro de la batería estadounidense Andy Narrell. "FOOD" es una investigación musical sobre el tema de la comida, visto desde la perspectiva del gusto, la estética y la ética.

A lo largo de un año, se grabaron los sonidos de restaurantes y bodegas, así como las voces de quienes trabajan en estos lugares. Escuchamos el tintineo mecánico de las prensas de vino, el delicado tintineo de las copas, los sonidos de la fritura en aceite, del vino fluyendo, de los cuchillos cortando verduras, así como las voces narrativas de los cocineros, bodegueros y clientes, en italiano, sardo, friulano, español, francés, inglés y japonés.

Los títulos del álbum son historias de recetas, ambientes culinarios y sociabilidad. Se componen de grabaciones realizadas sobre el terreno, debidamente editadas, mezcladas y reproducidas en bucle. Sirven de banda sonora sobre la que Paolo y Omar han compuesto una suite de música original, que incluye un arreglo de la canción "A Cimma" de Fabrizio de André.

La portada es una imagen del investigador de fantasía Diego Cusano. El rostro de la mujer que lleva un sombrero de espagueti con tomate une las almas italiana y cubana de Paolo y Omar. "FOOD" pretende expresar el placer del gusto, la convivencia, el descubrimiento y el diálogo, pero también la importancia de una alimentación sana y la necesidad de tomar conciencia de la precaria situación de la producción sostenible de alimentos en el planeta.

*****

ALIMENTOS.
Alimento para el cuerpo, alimento para el alma. La comida también es un arte.

- Dificultad: extremadamente fácil porque es sencilla y directa.
- Preparación: unos segundos para sacar el plato de la caja y degustarlo.
- Tiempo de cocción: unos 60 minutos
- Dosis: para todas las personas del universo
- Coste: no es caro (a pesar de todo)
- Nota: belleza.

INGREDIENTES
BASE:
- 1 trompetista sardo de Berchidda que conoce bien el arte del vagabundeo. Se llama Paolo Fresu.
- 1 pianista cubano de Camagüey que también conoce bien el arte de vagar. Se llama Omar Palacio Sosa.
- Algunos invitados especiales como ingredientes adicionales.
- Letras sobre la sostenibilidad, el respeto y la importancia de la comida.
- Los títulos pueden ser importantes, pero no están necesariamente relacionados con la receta, a excepción de "Padre Yambu", que es la oración antes de la comida, y "A Cimma", de Fabrizio De Andrè.

paolofresu.it
omarsosa.com

Jacob Young Trio ::: Eventually

Eventually

Jacob Young Trio

ECM | Mayo 12, 2023

1 Eventually 6:15
2 I Told You In October 4:20
3 Moon Over Meno 5:50
4 One For Louis 5:45
5 Schönstedtstraße 5:01
6 Northbound 3:17
7 The Dog Ate My Homework 2:54
8 The Meaning Of Joy 4:02
9 Inside 5:18

Jacob Young - Guitar
Mats Eilertsen - Double Bass
Audun Kleive - Drums

Recorded May 2021, Klokkereint Studio, Gjøvik

"Tardé bastante en hacer un nuevo álbum después de Forever Young, porque tenía que hacerme mayor. Tuve que atreverme a tocar sólo con bajo y batería, sin piano ni vientos. Cuando Mats y Audun aceptaron hacer esta grabación conmigo en el formato clásico de trío de guitarra, bajo y batería, era importante para nosotros no seguir adelante y hacer 'otro disco más de trío de guitarras', sino que sonara fresco, como algo que nunca habíamos hecho antes."

"Cuando soy el único instrumento con acordes me da más libertad tocar estas piezas armónicamente densas, porque al tocar líneas sueltas durante una improvisación y tener sólo el bajo debajo hay más notas disponibles. Entonces puedo meter un acorde que suene bien con el bajo sin tener que adaptarme a la sonoridad del piano o de cualquier otro instrumento acorde".

La cuarta grabación como líder de Jacob Young para ECM no solo presenta el primer paso del guitarrista en el formato de trío de guitarra, sino que además ofrece una visión más amplia de su paleta compositiva, ya que él, el bajista Mats Eilertsen y el batería Audun Kleive exploran una amplia variedad de pulsaciones, temperamentos y estilos, todos unidos por el abrazo siempre melódico de Jacob. En su último esfuerzo, Forever Young de 2015, el guitarrista se unió a Trygve Seim y al Marcin Wasilewski Trio, interpretando lo que The Guardian llamó, "un conjunto lleno de sorpresas y contrastes poco demostrativos", donde "la calidad de la composición coincide con los formidables poderes de la banda." Eventualmente continúa el suave lirismo de aquel disco, mientras que las inyecciones de percusión de Audun Kleive añaden el contrapunto a las elaboraciones de Jacob, a veces baládicas y otras más rítmicas, dando a este conjunto su agudo filo.

"Young toca a menudo de forma tranquila y oblicua, pero le gusta el groove", ha señalado The Guardian, y estas cualidades están siempre presentes aquí, organizadas en constante yuxtaposición a lo largo del set. Su antiguo compañero Mats Eilertsen, que apareció en el debut discográfico de Jacob, Evening Falls (2004) y Sideways (2007), aporta una base segura, complementando y desafiando simultáneamente a sus colegas en un programa de jazz vivo y contemporáneo.

Parte de la frescura viene del hecho de que Jacob no recurre a referencias obvias o citas de los grandes guitarristas del pasado a los que admira, sino que se concentra en desarrollar su propia voz como compositor y guitarrista, definida por sutiles armonizaciones de acordes y melodías.

Jacob también subraya la importancia de sus compañeros en el proceso de creación del álbum: "Tratamos el material de igual a igual. Yo era el líder en el sentido de que componía la música, pero más que nada, se trata de la interacción con estos dos maestros. Mats y Audun me facilitan la improvisación, es una de sus habilidades mutuas. Hacer que los demás suenen mejor".

Ya sea en las líneas descendentes del tema que da título al disco, "Eventually", en el groove subyacente de "I Told You In October", en la sutil balada de "Moon Over Meno" o en el enfoque más contundente de la bluesera "One For Louis" (Jacob define la canción como su "versión personal de 'Rollover Beethoven'"), existe una fricción eléctrica y particular entre los tres músicos en su búsqueda (y hallazgo) de nuevos modos de expresión a través de nueve inventivos temas originales del guitarrista y compositor.

*****

Jacob Young ha publicado anteriormente tres grabaciones como líder para el sello: Evening Falls (2004), Sideways (2007) y Forever Young (2014), grabadas en compañía de incondicionales de ECM como el fallecido baterista Jon Christensen, el saxofonista Trygve Seim, Marcin Wasilewski y más. También formó parte del grupo de Manu Katché en Third Round (2010) y en el álbum recopilatorio del baterista Touchstone for Manu (2014).

Además de su papel como sideman estimado y demandado para numerosos proyectos de ECM -entre ellos álbumes de Bobo Stenson, Tord Gustavsen, Mathias Eick, Trygve Seim o Wolfert Brederode-, Mats Eilertsen ha publicado sus propios y aclamados álbumes de líder para el sello, en quinteto en Rubicon (2016) y en trío en And Then Comes The Night (2019).

Audun Kleive también comparte historia con ECM, remontándose al Chaser de Terje Rypdal de 1985. Ha aparecido en más de una docena de grabaciones, a menudo con Terje, pero también en The Door (2008) de Mathias Eick, Cartography (2010) de Arve Henriksen, con la Magnetic North Orchestra de Jon Balke en Further (1994) y Kyanos (2002), Small Labyritnhs (1997) de Marilyn Mazur y más.

jacobyoung.no
ecmrecords.com

Artie Roth Quartet ::: Resonants

Resonants

Artie Roth Quartet

TPR Records | Mayo 12, 2023

1. Sound And Sky 1:54
2. Sky Blues 5:29
3. Circle Maker 7:17
4. Second Moment 7:39
5. Flies With Butterflies 5:30
6. Refrain 7:00
7. Resonants-Chandelier Tears 7:29
8. Held 7:42
9. Out Of The Abyss 6:28
10. Resound and Ground 1:24

Mike Filice - Tenor, Soprano Saxophone, Alto Flute, Flute
Sam Dickinson - Electric, Acoustic Guitar, Sitar Guitar, Effects
Anthony Michelli - Drums, Percussion
Artie Roth - Acoustic, Electronic Bass

All compositions by Artie Roth

Este proyecto está financiado en parte por FACTOR, el Gobierno de Canadá y los radiodifusores privados de Canadá.

Resonants es el tercer lanzamiento del Artie Roth Quartet, con 10 nuevas composiciones del compositor, bajista y director de orquesta de Toronto Artie Roth. Formado en 2013, el grupo se completa con los mejores improvisadores canadienses Anthony Michelli, Mike Filice y Sam Dickinson.

Resonants, un pionero álbum conceptual de jazz del siglo XXI, se eriza con el sonido de objetos que resuenan simpáticamente grabados en estudio. Melodías líricas, líneas de bajo pegadizas, ritmos enérgicos y guitarras elevadas tejen un atrevido tapiz experimental de música que traspasa géneros, mezclando a la perfección elementos de jazz, rock, funk, ambient y folk.

Basándose en la aclamación de la crítica de sus lanzamientos debut Currently Experiencing (2015) y Discern (2017), el cuarteto se reunió con el productor de Brooklyn Roman Klun, ganador de Juno y nominado al Grammy. Resonants se grabó en otoño de 2022 en Grant Avenue Studio, el antiguo estudio del legendario productor y músico canadiense Daniel Lanois.

Derivado de una combinación poco ortodoxa de las dos palabras "resonancia" e "inquilinos", el título del álbum es un neologismo que alude a nuestra existencia como individuos que habitan empáticamente juntos un paisaje social complejo y en evolución. Las composiciones de esta grabación se escribieron durante la pandemia, cuando lo mejor y lo peor de la condición humana parecían estar a flor de piel, especialmente en lo que respecta a las nociones aspiracionales de empatía, cooperación y bien común. Ahora que se vislumbra una realidad pospandémica, la música de Resonants se ofrece a los oyentes como un gesto de esperanza hacia un brillante viaje juntos hacia el futuro.

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Artie Roth, bajista de jazz nacido en Toronto, es un compositor, director de orquesta, intérprete y educador que lleva más de 20 años en activo a nivel nacional e internacional. Tras completar su licenciatura (1992 con la beca Oscar Peterson) y su máster en composición musical (2015) en la Universidad de York, Artie enriqueció su formación con dos estancias de estudio patrocinadas por el Canada Council en la ciudad de Nueva York en 1993 y 1997. Ha residido en Toronto durante más de 20 años estableciéndose como uno de los compositores/intérpretes a tiempo completo más ocupados de Toronto y está grabado en más de 60 grabaciones de larga duración, incluyendo "Tales From The Blue Lounge" de Rich Underhill, ganador del premio JUNO en 2003 y "Kensington Suite" nominado al JUNO en 2007, el CD debut de Sophie Milman nominado al JUNO y "Too Much Fun" de Rockit 88 nominado al JUNO en 2004.

Como líder de banda, bajista y compositor, Artie tiene tres grabaciones "Parallels"(2005), "Currently Experiencing" (2013) y "Discern" (2015). Además de dirigir su propio grupo, Artie también es miembro activo y compositor colaborador de Tunetown, The Rich Underhill Group, The Bob Brough Quartet y Kollage. Sus contribuciones han sido reconocidas con una nominación al Premio Nacional de Jazz al Bajista del Año y como artista destacado de la semana en el sitio web y la programación de Jazz FM 91.1. Paralelamente a su activa carrera como compositor, director de orquesta y músico independiente, Artie es actualmente profesor de bajo y entrenador de conjuntos en la Universidad de York y en el Centennial College.

Artie ha realizado numerosas giras, actuando en teatros, festivales y salas de jazz e impartiendo clases magistrales como profesor en universidades de ámbito nacional e internacional. Artie ha actuado en el extranjero con The Artie Roth Quartet en Serbia y Croacia, el Richard Underhill Quintet en México, Kollage en Barbados y Antigua, The Shuffle Demons en Europa y Escandinavia, The Steve Koven Trio en México y Colombia y The Flying Bulgar Klezmer Band en Alemania.

Las giras por EE.UU. han incluido actuaciones con The Greg Runions Sextet con Kenny Wheeler y The Lynne Arriale Trio. A nivel nacional, Artie ha realizado giras por Canadá con su propio grupo, The Bob Brough Quartet, Chris Wallace's Many Names, The Rich Underhill Quintet, The Marcus Belgrave and Curtis Fuller Quintet, la vocalista de jazz Melissa Stylianou, The Sean Bray Quartet y The Rez Abassi Quartet. Desde sus comienzos grabando y co-escribiendo en la escena musical alternativa de Toronto a finales de los ochenta, Artie debutó como compositor de jazz con la balada "Mountain", grabada e interpretada con el legendario fliscornista de jazz Kenny Wheeler, en el CD "But Not Forgotten" de The Greg Runions Sextet de 1994.

Las tres grabaciones de Artie como líder muestran exclusivamente su gama como compositor, con ocho obras de autoría propia por grabación. Como bajista de Tunetown, escribió la mitad de las nuevas composiciones en trío de su reciente lanzamiento de 2019 "There From Here" y 2021 "Entering Utopia". Para Kollage, el difunto gran baterista Archie Alleyne le encargó dos composiciones para trío de piano, "The Other Foot" y "The Wrong Foot", que grabó con Alleyne y el pianista de renombre internacional Robi Botos en el CD de Kollage de 2009 "The Rhythm". Además, estos arreglos se han incorporado al plan de estudios de numerosos conjuntos de jazz y cursos de composición de la Universidad de York, la Universidad de Toronto y el Humber College.

artieroth.com
artieroth.bandcamp.com

Magnus Öström Group ::: A Room For Travellers

A Room For Travellers

Magnus Öström Group

Jazzland Recordings | Mayo 5, 2023

1. Safe and Sound 5:54
2. FlowFly 7:44
3. Oceans 6:57
4. Pacific 7:05
5. On The High In My Life 7:00
6. All Those Years 4:25

Magnus Öström - drums
Andreas Hourdakis – Guitar
Daniel Karlsson – Piano & keyboards
Thobias Gabrielson – Bass & keyboards

Magnus Öström y su banda vuelven por fin con un nuevo álbum, el cuarto hasta la fecha.

El álbum, A Room For Travellers, trata tanto del viaje del viajero por el mundo como de un viaje hacia el interior, el viaje hacia dentro. Además, el disco trata de la gran importancia que tiene para nosotros el agua, el océano.

El álbum, que dura 40 minutos en vinilo, contiene sólo 6 temas, pero con un par de pistas que son más suites que una sola canción. Con títulos como On The High In My Life y All Those Years, el álbum tiene presente tanto el presente como el pasado. Y en títulos como FlowFly, Pasific, Oceans y Safe And Sound, Magnus rinde homenaje y apunta hacia lo más importante que tenemos en nuestro planeta, el agua, los océanos, que desgraciadamente estamos destruyendo y envenenando poco a poco con nuestro excesivo estilo de vida consumista.

Pero, por encima de todo, el álbum trata de estar presentes en el presente y ver la naturaleza, los océanos y nuestro entorno como parte de nosotros mismos y, de este modo, esperamos ser más humildes y cuidadosos con lo que tenemos, y conscientes de lo que podemos perder.

La esperanza de Magnus es que el álbum se convierta para el oyente en un espacio al que viajar, y en el que viajar, a un espacio infinito. Un poco de evasión de todas las cosas terribles que ocurren en el mundo ahora mismo, pero también un viaje hacia el interior para comprenderse a uno mismo y a su entorno a un nivel más profundo.

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En 1991, Magnus y Esbjörn Svensson fundaron e.s.t. y el resto es una enorme historia emocional.

Junto con Dan Berglund grabaron 12 álbumes y un DVD de conciertos, realizaron varias giras por todo el mundo, vendieron cientos de miles de álbumes y fueron titulados "trío de la década". Hoy en día se considera que e.s.t. ha sido la banda más influyente en el jazz de los años noventa y el álbum Live in Hamburg ha sido galardonado con el premio "Álbum de la década" nada menos que por The Times (Reino Unido).

En 2011, Magnus Öström publicó su álbum debut, Thread of Life, en el que compuso todas las melodías. El álbum recibió críticas muy favorables y fue nominado a un Grammy sueco, además de ser galardonado con el premio alemán ECHO Jazz al mejor baterista internacional.

En 2013 siguió su segundo álbum en solitario, Searching For Jupiter, que le valió el Premio Manifest sueco al mejor álbum de jazz de 2013. En 2016 publicó su tercer álbum Parachute, también con gran aclamación.

Con el trío RYMDEN, junto a Bugge Wesseltoft y Dan Berglund, ha explorado otro éxito mundial, nos ha regalado hasta ahora 3 álbumes de estudio, uno junto a la Orquesta de la Radio Noruega - KORK, y un par de EP en directo llenos de composiciones tentadoras.

2023 nos trajo de regreso el cuarteto del propio Magnus - Magnus Öström Group, un viaje personal, de nuevo acompañado por Thobias Gabrielson - Bajo y teclados, Andreas Hourdakis - Guitarras, y Daniel Karlsson - Piano y teclados.

magnusostrom-music.com
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