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Erica Seguine | Shon Baker Orchestra ::: The New Day Bends Light

The New Day Bends Light

Erica Seguine | Shon Baker Orchestra

Erica Seguine & Shon Baker | Marzo 31, 2023

1. Reel 5:31
2. States 9:52
3. Tangoing with Delusion 9:55
4. In Dreams (meetings that could never occur) 11:06
5. Ose Shalom 10:17
6. ...and the Tire Swing Keeps Spinning... 9:11
7. The New Day Bends Light 10:40

Tracks 1, 3, and 6 composed by Erica Seguine (MusicSegue Publishing, ASCAP)
Track 5 composed by Nurit Hirsh (Y & D Music, ASCAP, ACUM), arranged by Erica Seguine Tracks 2, 4, and 7 composed by Shon Baker (ASCAP)
Words to “New Day Bends Light” (Track 7) by Shon Baker

Personnel:

Erica Seguine - composer, arranger (1, 3, 5, 6), conductor
Shon Baker - composer (2, 4, 7), alto saxophone, soprano saxophone (tracks 1, 3, 5, 6)

Ben Kono- alto saxophone, flute, clarinet
Remy Le Boeuf- alto saxophone, flute, alto flute, piccolo, clarinet (tracks 1-5, 7)
Peter Hess- tenor saxophone, flute, clarinet
Quinsin Nachoff- tenor saxophone, flute, clarinet
Andrew Hadro- baritone saxophone, bass clarinet, flute
John Lowery- tenor saxophone, flute, clarinet (track 7)

Nathan Eklund- trumpet, flugelhorn
John Lake- trumpet, flugelhorn
Jonathan Saraga- trumpet, flugelhorn
Adam Horowitz- trumpet, flugelhorn

Scott Reeves- trombone, alto flugelhorn
Nick Grinder- trombone
Kalia Vandever- trombone
Becca Patterson- bass trombone, tuba

Meg Okura- violin, electric violin (tracks 1, 3-6)
Tammy Scheffer- voice (tracks 2, 5-7)
Eric Burns- guitar
Carmen Staaf- piano
Evan Gregor- bass
Paolo Cantarella- drums

Recorded at Oktaven Audio, Mount Vernon, NY August 28-29, 2019
Producer: Darcy James Argue
Executive Producers: Alan Cabelly and Michael Steinman
Assistant Producers: Brian Krock, Tracy Yang
Recording Engineer: Brian Montgomery
Engineering Assistants: Edwin Huet and Charles Mueller
Session Photography: Tracy Yang
Mixing by Brian Montgomery
Mastered by Randy Merrill at Sterling Sound
Album Jacket Photography: Phil Engsberg
Album Layout: Tiffany Casey

El álbum debut de la Orquesta de 21 músicos Erica Seguine | Shon Baker

Erica Seguine es una compositora, arreglista, directora de orquesta, pianista y educadora que vive en el área de Nueva York. En 2011 cofundó, con la compositora Shon Baker, su conjunto de 21 músicos, la Erica Seguine/Shon Baker Orchestra (ESSBO.) Desde entonces, han actuado por toda la ciudad de Nueva York, incluyendo Birdland Jazz Club, la Jazz Gallery, Lunar Faire (un mercado/festival nocturno de brujas/raras), Culture Lab LIC, ShapeShifter Lab, Tea Lounge/Slope Lounge, Grace Church, y tuvieron una residencia mensual durante un año (2013) en Montclair, NJ. En 2017, New York Music Daily ha dicho "En términos de barrido majestuoso, alcance cinematográfico y humor inteligente fuera de la caja, es difícil pensar en un grupo más interesante en el jazz de big band..."

También se escribió sobre ellos en un artículo de 2019 del New York Times escrito por Giovanni Russonello sobre la escena actual de las big bands. En agosto de 2019, la orquesta entró en Oktaven Audio para grabar su álbum debut, con la producción de Darcy James Argue y la ingeniería de Brian Montgomery.

Además de escribir para la orquesta de jazz y dirigirla, Erica también es la directora residente y una de las compositoras residentes de la Meetinghouse Jazz Orchestra, una big band que ensaya nueva música de compositores emergentes, así como repertorio tradicional de big band, semanalmente en la ciudad y realiza algunos conciertos anuales. También es directora de The D.O.M.E. Experience, una experiencia multimedia con danza, cine y orquesta de estudio, y ha dirigido actuaciones con Remy LeBoeuf's Assembly of Shadows, Meg Okura's Pan Asian Chamber Jazz Ensemble, Joel Harrison Big Band, Sam Blakeslee's Large Ensemble y PJ Rasmussen's Boardwalk Big Band, dirigiendo en lugares como: Dizzy's Club at Jazz at Lincoln Center, Birdland Jazz Club, Roulette Intermedium en Brooklyn, the Jazz Gallery, City Winery NYC, y muchos más.

Las composiciones/arreglos de Erica también han sido interpretados por muchos otros conjuntos, como la Metropole Orchestra (Países Bajos), la Symphonic Jazz Orchestra, (Los Ángeles), la Danish Radio Big Band (Dinamarca), el Brilliant Corners Large Ensemble (Japón), New York Youth Symphony Jazz (NYC), la J-Orchestra (NYC), la Millenium Jazz Orchestra (Países Bajos), la Zurich Jazz Orchestra (Suiza), la PJ Rasmussen's Boardwalk Big Band (NYC), la Greg Ruvolo's Big Band (NYC), y muchos conjuntos universitarios.

Ha recibido el BMI Foundation Charlie Parker Prize/2014 Manny Albam Commission 2013 por "The Ravine"/"...And the Tire Swing Keeps Spinning...", tres ASCAP Foundation Herb Alpert Young Jazz Composer Awards, el ASCAP Foundation Johnny Mandel Prize 2014 por "Reel", tres ASCAP Plus Awards, y fue una de las 8 seleccionadas internacionalmente para formar parte del Metropole Orchestra Arranger's Workshop 2012 bajo la dirección de Vince Mendoza, con Kurt Elling como solista.

Erica ha tenido la suerte de estudiar con muchos profesores inspiradores. Se graduó con un BM en Estudios de Jazz y Medios Contemporáneos - concentración de escritura de la Eastman School of Music en 2009, estudiando composición / arreglos con Bill Dobbins y piano con Harold Danko y Tony Caramia. Continuó sus estudios en la Universidad William Paterson, recibiendo un MM en Jazz Arranging en 2011, y estudió composición/arreglos con Jim McNeely y Rich DeRosa. También fue miembro del BMI Jazz Composers Workshop. A Erica le encanta defender la nueva música, particularmente en la escena de big band, y transmite sus conocimientos a sus propios estudiantes de composición y piano, dando clases particulares y fue mentora de Women In Jazz Organization (WIJO) en 2019-2020. También es anfitriona de JazzComposersPresent.com, una organización que presenta semanalmente focos de compositores y sesiones de escucha de compositores de todo el mundo para aquellos que quieran aprender más sobre el oficio y el proceso de Jazz Composition.

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Shon Baker se mudó a Nueva York en 2009. Desde entonces, Shon ha tocado en varios conjuntos diferentes, mientras que también escribe música original e inventiva para varios instrumentos. En la actualidad, Shon codirige, compone y toca el saxofón en The Erica Seguine & Shon Baker Jazz Orchestra, un gran conjunto progresivo de 21 miembros con sede en Nueva York.

La música de Shon, valiente, conmovedora y que a menudo sumerge al oyente en la oscuridad con momentos de luz, está escrita a partir de una conciencia intuitiva de la energía y su influencia en la psique humana. Sentimientos de dolor, pérdida, aislamiento y ruptura emergen a la superficie a través de su música, dando lugar a claridad, esperanza, belleza y curación.

ericaseguine.com
shannonbaker.com

Billy Childs ::: The Winds of Change

The Winds of Change

Billy Childs

Mack Avenue Records | Marzo 17, 2023

1. The Great Western Loop 6:21
2. The Winds of Change 10:32
3. The End of Innocence 8:02
4. Master of the Game 7:12
5. Crystal Silence 7:33
6. The Black Angel 6:45
7. I Thought I Knew 6:05

Billy Childs — piano
Ambrose Akinmusire — trumpet
Scott Colley — bass
Brian Blade — drums

All songs written and arranged by Billy Childs • Lunacy Music (BMI), administered by Modern Works Music Publishing except:
“Crystal Silence” by Chick Corea • Litha Music Co./Universal Music Corp (BMI)
“The Black Angel” by Kenny Barron • Hubtones Music Co. (BMI)
Producer: Billy Childs

Para su tercer lanzamiento con Mack Avenue Records, Billy Childs, ganador de 5 premios GRAMMY®, reúne a un cuarteto de estrellas con el trompetista Ambrose Akinmusire, el bajista Scott Colley y el batería Brian Blade. En The Winds of Change el pianista y compositor aclamado por la crítica ofrece 5 nuevas composiciones originales junto a estimulantes arreglos de "Crystal Silence" de Chick Corea (originalmente en la grabación homónima de Corea para ECM en 1972 con el vibrafonista Gary Burton) y "The Black Angel" de Kenny Barron (originalmente en la grabación homónima del trompetista Freddie Hubbard para Atlantic en 1970) para ampliar los límites creativos del grupo e inspirar un nuevo sonido colectivo para rendir homenaje a las leyendas del jazz y al arte.

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Billy Childs se ha convertido en uno de los compositores estadounidenses más destacados de su época, quizá el compositor más claramente estadounidense desde Aaron Copland, ya que, al igual que Copland, ha sabido combinar los productos musicales de su herencia con las tradiciones neoclásicas occidentales del siglo XX en una poderosa simbiosis de estilo, variedad y dinamismo.

Nacido en Los Ángeles, Childs creció inmerso en influencias de jazz, música clásica y popular. Su prodigioso talento al piano le valió actuaciones públicas a los seis años, y a los dieciséis ingresó en la Escuela Comunitaria de Artes Escénicas de la USC, donde se licenció en Composición bajo la tutela de Robert Linn y Morten Lauridsen.

Cuando se graduó en la USC, Childs ya era un intérprete muy solicitado en la escena jazzística de Los Ángeles. Poco después fue descubierto por la leyenda de la trompeta Freddie Hubbard, con quien se embarcó en una exitosa gira de conciertos y grabaciones. Grabó y actuó con otros influyentes músicos de jazz, como J.J. Johnson, Joe Henderson y Wynton Marsalis, antes de conseguir un contrato discográfico con Windham Hill Records en 1988, cuando publicó Take For Example, This..., el primero de cuatro álbumes aclamados por la crítica para el sello. Siguieron los álbumes Twilight Is Upon Us (1989), His April Touch (1991) y Portrait Of A Player (1992), cada uno de los cuales supuso una contribución expansiva de profundidad y virtuosismo. Desde entonces, Childs ha escrito y producido I've Known Rivers (1995) en Stretch/GRP, The Child Within (1996) en Shanachie, y dos volúmenes de "jazz/música de cámara" (una amalgama de jazz y música clásica): Lyric, Vol. 1 (2006) y Autumn: In Moving Pictures, Vol. 2 (2010); las grabaciones le valieron dos premios GRAMMY y cinco nominaciones.

Paralelamente a su carrera discográfica, Childs ha ocupado un nicho paralelo como compositor muy solicitado. Entre sus encargos orquestales y de cámara figuran Esa-Pekka Salonen y la Filarmónica de Los Ángeles, la Orquesta Sinfónica de Detroit bajo la batuta de Leonard Slatkin, The Los Angeles Master Chorale, The Kronos Quartet, The Lincoln Center Jazz Orchestra, The American Brass Quintet, The Ying Quartet y The Dorian Wind Quintet.

En lo que va de carrera, Childs ha obtenido trece nominaciones al GRAMMY y cinco premios: dos a la mejor composición instrumental (Into the Light de Lyric y The Path Among The Trees de Autumn: In Moving Pictures) y dos al Mejor Arreglo con Acompañamiento Vocal (New York Tendaberry de Map to the Treasure: Reimagining Laura Nyro y What Are You Doing the Rest of Your Life? de To Love Again). En 2006, Childs recibió una beca Chamber Music America Composer's Grant, y en 2009 fue beneficiario de una beca Guggenheim. Recibió el Doris Duke Performing Artist Award en 2013, el Music Award de The American Academy of Arts and Letters en 2015 y, más recientemente, por su álbum Rebirth, fue galardonado con su quinto GRAMMY al Mejor Álbum Instrumental de Jazz.

Más recientemente, Childs ha grabado una colección de composiciones reimaginadas de Laura Nyro para Sony Masterworks, publicada en septiembre de 2014. Map to the Treasure: Reimagining Laura Nyro fue producido por Larry Klein y cuenta con artistas invitados: Renee Fleming, Yo-Yo Ma, Wayne Shorter, Alison Kraus, Dianne Reeves, Chris Botti, Esperanza Spalding, Lisa Fischer, Susan Tedeschi, Rickie Lee Jones, Shawn Colvin, Ledesi, Becca Stevens, Chris Potter, Brian Blade, Steve Wilson y Jerry Douglas. En 2016, Childs fue nombrado presidente de Chamber Music America.

Como pianista, Childs ha actuado con Yo-Yo Ma, Sting, Renee Fleming, The Los Angeles Philharmonic, The Detroit Symphony Orchestra, Chick Corea, The Kronos Quartet, Wynton Marsalis, Jack DeJohnette, Dave Holland, Ron Carter, The Ying Quartet, The American Brass Quintet y Chris Botti.

billychilds.com

Cecile McLorin Salvant ::: Mélusine

Mélusine

Cecile McLorin Salvant

Nonesuch Records | Marzo 24, 2023

1 Est-ce ainsi que les hommes vivent ? 5:27
2 La route enchantée 5:58
3 Il m’a vue nue 2:48
4 Dites moi que je suis belle 2:41
5 Doudou 5:34
6 Petite musique terrienne 2:21
7 Aida 1:04
8 Mélusine 3:14
9 Wedo 0:58
10 D’un feu secret 3:45
11 Le temps est assassin 3:50

Cécile McLorin Salvant, vocals (1-14), synths (7, 9, 13), production (7, 9, 13)
Sullivan Fortner, piano (3, 5, 6, 11, 12), synths (6, 10), kalimba (12), vocals (12), celeste (14)
Aaron Diehl, piano (1, 2)
Paul Sikivie, bass (1, 2)
Kyle Poole, drums (1, 2)
Lawrence Leathers, drums (2)
Godwin Louis, alto saxophone (3, 5), whistles (3), vocals (12)
Luques Curtis, bass (3, 5, 12, 14)
Weedie Braimah, percussion (3, 5, 12, 14), djembe (4)
Obed Calvaire, drums (3, 5, 12)
Daniel Swenberg, nylon string guitar (8)

Produced by Cécile McLorin Salvant
Co-produced by Tom Korkidis
Recorded April 12, 2022 & April 26, 2022 at The Bunker Studio, Brooklyn, NY, and June 22, 2022 at Brooklyn Recording, Brooklyn, NY
Mixed by John Davis at The Bunker Studio, Brooklyn, NY
Mastered by Alex DeTurk at The Bunker Studio, Brooklyn, NY
Engineered by John Davis (Tracks 1, 2, 6, 10, 11), Andy Taub with assistance by Samuel Wahl (Tracks 3, 4, 5, 12, 14), Todd Whitelock (Track 8), and Cécile McLorin Salvant (Tracks 7, 9, 13)
Tracks 3, 5, 12 arranged by Godwin Louis

A portion of Track 2 was recorded live on January 19, 2015 at Flagey by Bertrand Vanvarembergh and Benjamin Vandenbroecke for Musiq3. Used with permission by Musiq3.

Photos by Karolis Kaminskas
Makeup by Jezz Hill
Wig by Tomihiro Kono
Design by Ben Tousley and Cécile McLorin Salvant
Creative direction and fonts by Cécile McLorin Salvant

Mélusine es una mezcla de cinco canciones originales e interpretaciones de nueve canciones que se remontan al siglo XII, cantadas en francés, occitano, inglés y kreyòl haitiano.

Las canciones del nuevo álbum cuentan la historia de la leyenda folclórica europea de Mélusine, una mujer que se convierte en media serpiente cada sábado como consecuencia de una maldición infantil de su madre. Mélusine acepta casarse con Raymondin con la condición de que nunca la vea los sábados. Él acepta, pero su hermano acaba convenciéndole para que rompa su promesa, atraviesa la puerta de su esposa con su espada y la encuentra desnuda en el baño, mitad serpiente, mitad mujer. Cuando ella le descubre espiándola, se convierte en dragón y sale volando por la ventana, para reaparecer cada vez que uno de sus descendientes se encuentra en su lecho de muerte.

"Creo que lo que intento hacer se parece más a revelar secretos que a contar historias", dice Salvant. "Revelar secretos es también el papel de la serpiente en el Jardín [del Edén]. La serpiente trae secretos, conocimiento, dolor y caos".

Y continúa: "La historia de Mélusine es también la historia del poder destructivo de la mirada. La espada de Raymondin hace un agujero en su puerta de hierro. Su mirada también. La mirada es transformadora y combustible. Ella ve que él la está viendo en secreto. Su secreto es revelado. Esta doble mirada la convierte en dragón. Ahora puede respirar fuego".

Salvant, cuyos padres son franceses y haitianos, dice que Mélusine trata también "en parte de ese sentimiento de ser un híbrido, una mezcla de diferentes culturas, que he experimentado no sólo como hijo nacido en Estados Unidos de dos inmigrantes de primera generación, sino como alguien criado en una familia racialmente mixta, de varios países diferentes, con diferentes lenguas habladas en casa".

"'Dame Iseut', la última canción del álbum, fue traducida al kreyòl haitiano con mi padre del occitano, que es una lengua antigua hablada en el sur de Francia. Mi abuela hablaba un poco, y su hermano solía enseñarlo", cuenta Salvant. "Este álbum combina elementos de la mitología francesa, el vaudoo haitiano y la apócrifa".

Cécile McLorin Salvant, becaria MacArthur en 2020 y ganadora de tres premios Grammy, es una cantante y compositora que aporta una perspectiva histórica, un renovado sentido del drama y una iluminada comprensión musical tanto a los estándares de jazz como a sus propias composiciones originales. Con una formación clásica, impregnada de jazz, blues y folk, y procedente del teatro musical y el vodevil, Salvant abarca un amplio repertorio que amplía las posibilidades de la interpretación en directo.

Las actuaciones de Salvant abarcan desde sencillos dúos para voz y piano hasta tríos instrumentales y conjuntos orquestales. Su obra inédita Ogresse es una ambiciosa fábula musical de larga duración basada en cuentos de hadas orales del siglo XIX que explora la naturaleza de la libertad y el deseo en un mundo racializado y patriarcal. Salvant estudió en la Universidad Pierre Mendès-France. Ha actuado en salas y festivales nacionales e internacionales como el Festival de Jazz de Newport, el Festival de Jazz de Monterey, el Village Vanguard y el Kennedy Center. Salvant es también artista visual.

cecilemclorinsalvant.com
nonesuch.com

Aruán Ortiz Trio ::: Serranías Sketchbook for Piano Trio

Serranías Sketchbook for Piano Trio

Aruán Ortiz Trio

Intakt Records | Marzo 17, 2023

1. Shaw 'Nuff (Siento un bombo) 9:58
2. En forma de Guajira 6:18
3. Memorias del monte 5:10
4. Los tres golpes 8:27
5. Canto de tambores y caracoles (Solo) 4:30
6. Huellas… (Interlude I) 1:34
7. Serranías 5:26
8. Black Like a Thunder Stone (one) 4:18
9. Like a Changüi (Montuno) 6:02
10. … and Shadows (Interlude II) 1:59
11. Lullaby for the End Times 5:27

Aruán Ortiz: Piano
Brad Jones: Bass
John Betsch: Drums

All songs written and arranged by Aruán Ortiz (NaurazitroMusic/ASCAP), except “Shaw ’Nuff (Siento un bombo)” by Dizzy Gillespie and Charlie Parker, arranged by Aruán Ortiz and “Los tres golpes” by Ignacio Cervantes, arranged by Aruán Ortiz.

Recorded September 18, 19, 2022, at Hardstudios, Winterthur by Michael Brändli.
Mixed September 20, 2022, by Michael Brändli, Aruán Ortiz, Florian Keller at Hardstudios Winterthur.
Mastered in January 2023 by Michael Brändli at Hardstudios Winterthur.
Cover art: Julio Girona.
Graphic design: Jonas Schoder.
Liner notes: Gian Franco Grilli.
Photos: Palma Fiacco.
Produced by Aruán Ortiz and Intakt Records.
Published by Intakt Records.

El nuevo álbum en trío de Aruán Ortiz, "Serranías: Sketchbook for piano trio" con Brad Jones y John Betsch, es un rompecabezas cubista y una interpretación musical del legado, las tradiciones y los valores culturales de la gente corriente de su ciudad natal, Santiago de Cuba. También celebra el 20 aniversario de su primera grabación en trío "Vol.1" de 2003.

Aruán Ortiz, aclamado como cubista del piano, excelente improvisador de jazz y estilista caprichoso que se aleja de la música cubana sin dejar de estar tan profundamente arraigado en la tradición musical de Cuba, presenta un impresionante álbum a trío con dos simpáticos colaboradores Brad Jones y John Betsch. Las influencias cubanas de los toques, la rumba y la música afrohaitiana se mezclan con la música artística europea y el jazz moderno. "Serranías es un álbum especial por un doble aniversario: el 20º aniversario del debut discográfico como líder en Estados Unidos y el 50º hito del cumpleaños de Aruán Ortiz, pianista-compositor de Santiago de Cuba que se ha convertido en protagonista indiscutible de la escena del jazz de vanguardia neoyorquino gracias a los originales procesos de mestizaje creativo cubano abstracto que compone con insólitos acentos afrocubanos/haitianos", escribe Gian Franco Grilli en las notas de acompañamiento.

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El pianista, violista y compositor Aruán Ortiz -nacido en Santiago de Cuba y residente en Brooklyn- es una figura activa en la escena del jazz progresivo y de vanguardia de Estados Unidos desde hace más de 15 años.

Considerado "uno de los compositores más creativos y originales del mundo" (Lynn René Bayley, The Art Music Lounge), ha escrito música para conjuntos de jazz, orquestas, compañías de danza, grupos de cámara y largometrajes, incorporando influencias de la música clásica contemporánea, los ritmos cubanos haitianos y la improvisación de vanguardia. Aruán se esfuerza constantemente por romper los límites estilísticos de la música.

Aruán ha recibido numerosos reconocimientos, entre ellos el Composer Fellowship Award en el Vermont College of Fine Arts (2016); el Doris Duke Impact Award (2014); la Composers Now Creative Residency en el Pocantico Center del Rockefeller Brothers Fund (2014); la Jerome Foundation Travel & Study Grant (2013); Latin Jazz Corner's Arranger of the Year (2011) por su contribución en el álbum, "El Cumbanchero" del flautista Mark Weinstein (Jazzheads, 2011); becas de estudio de la Fundación Autor, SGAE, y Generalitat de Catalunya (2002); Semifinalista, Jas Hennessy Piano Solo Competition, Montreux, Suiza (2001); y Mejor Interpretación de Jazz, Festival de Jazz de Vic, España (2000).

Su álbum de 2010 "Alameda" (Fresh Sound New Talent), que combina jazz moderno, música clásica contemporánea y ritmos afrocubanos, recibió cuatro estrellas de la revista británica Jazzwise y fue nombrado uno de los diez mejores CD de jazz del año. En respuesta al segundo álbum del cuarteto, "Orbiting" (Fresh Sound New Talent, 2012), la revista DownBeat calificó a Aruán como "...uno de los pianistas más versátiles y emocionantes de su generación." ¡El álbum también recibió cuatro estrellas de Jazzwise Magazine y Jazz Journal en el Reino Unido, y fue elegido como uno de los diez mejores álbumes de jazz contemporáneo de 2012 por la webzine Something Else!

El trabajo de Aruán consolida una intensa investigación y desarrollo sobre temas específicos relacionados con patrones arquitectónicos e información extraída de contextos no musicales. Inspirada en las tradiciones afrohaitianas y en cómo esas tradiciones pueden expresarse a través de múltiples géneros, la música de Aruán canaliza su sonido a través del jazz vanguardista y progresivo, la música serial y el lenguaje clásico contemporáneo, centrándose en roles descentralizados y temas múltiples e interactuando colectivamente de forma similar a un cuarteto de cuerda.

En 2013, Aruán colaboró con el presentador neoyorquino Revive Music, para producir y comisariar Music & Architecture, una serie de conciertos con algunos de los improvisadores más legendarios, vanguardistas y creativos de la escena neoyorquina. Estos conciertos, inspirados en el libro de Iannis Xenakis "Música y Arquitectura", se centraban en traducir patrones, símbolos y estructuras relacionados con el serialismo y el expresionismo en la música contemporánea, pero poco habituales en la improvisación jazzística. Tras el éxito de esta serie, el periodista Tomás Peña declaró: "...La música evocaba imágenes de ecuaciones matemáticas, grandes obras arquitectónicas y traía a la mente la escena de los lofts neoyorquinos de los años 70, donde reinaba el free jazz".

La curiosidad artística de Aruán le ha llevado a proyectos más allá del panorama jazzístico. Recibió un encargo del Teatro Ballet José Mateo con motivo de su 25 aniversario para componer la partitura de una nueva obra coreográfica, "Pagano o No". Esta partitura, anunciada como "una de las obras más significativas de la música" por Latin Jazz Network, fue grabada en el álbum Santiarican Blues Suite publicado por Sunnyside Records en 2012 y estrenada por la Camerata Urbana Ensemble en el Next Wave Festival en el BAM de Nueva York. En 2013, Aruán escribió "Collage", una pieza original para el ballet encargado por la Orquesta YOUME. Esta pieza fue estrenada en el Festival Casa del Jazz en Roma, Italia por la Orquesta YOUME, dirigida por Aruán con coreografía del Ballet de Milena Zullo. Ese mismo año, Aruán fue invitado por la Universidad de Albany para dirigir "Variations", una pieza de improvisación libre para orquesta y piano preparado, interpretada por The University-Community Symphony Orchestra y el pianista Bob Gluck.

Posee un máster en Composición Musical por el Vermont College of Fine Arts, y como compositor, su creciente cartera incluye obras como Two Short Stories for String Quartet interpretada por Secret String Quartet y New MUSE String Quartet, Pandemonium in Clave para trío de percusión y piano estrenada por Talujon Percussion Ensemble, Ogguere (cuando el alma de la tierra baila alrededor de movimientos espectrales) para quinteto de metales estrenado por Brooklyn Brass, y los próximos Hints of Leguedé para flauta sola, y Afro-Haitian Living in the Midst of a Twisted Globe para violín, violonchelo y trío de piano, estrenados el 8 de febrero de 2018.

Sus álbumes más recientes publicados por Intakt Records han recibido 5 estrellas de prestigiosas revistas de jazz como Jazziz y DownBeat. Hidden Voices (2016) fue elogiado como "un nuevo sonido sólido y único en el mundo del jazz actual" por Matthew Fiander en PopMatters. Y su trabajo en solitario para piano Cub(an)ism (2017) fue calificado como "un ejercicio genial de exploración de la profundidad y la percepción que revela una nueva y brillante arruga en la relación entre la música y las matemáticas, reimaginando los ritmos afrohaitianos Gaga, la rumba afrocubana y el yambú en meditaciones fuertemente improvisadas sobre el modernismo que recuerdan a John Cage y Paul Bley. Impresionante". (Ron Hart, The Observer).

En 2014, Aruán compuso la partitura del largometraje "Sin Alas", la primera película estadounidense rodada en suelo cubano en 50 años. Esta película fue nominada por el Festival de Cine de Curaçao para el Premio Yellow Robin en 2015. El trabajo de Aruán también se escuchará en el cortometraje español "La paliza".

aruan-ortiz.com
intaktrec.ch

SFJAZZ Collective ::: New Works & Classics Reimagined

New Works & Classics Reimagined (Live from SFJAZZ Center 2022)

SFJAZZ Collective

SFJAZZ Records | Marzo 17, 2023

1 Perseverance 9:03
2 Crossings 10:41
3 The Plains 8:14
4 Smokey 9:44
5 Lands End 8:13
6 Hacienda y Capataz 10:55
7 God Bless The Child / That's The Way Of The World 10:39
8 Prelude / Someday We'll All Be Free 12:25

Chris Potter, tenor & soprano saxophone (music director)
David Sánchez, tenor saxophone
Mike Rodriguez, trumpet
Warren Wolf, vibraphone
Edward Simon, piano
Matt Brewer, bass
Kendrick Scott, drums

Grabado durante la residencia de cuatro noches del SFJAZZ Collective en octubre de 2022 en el escenario Miner Auditorium del SFJAZZ Center

Fundado en 2004, el SFJAZZ Collective es un conjunto único compuesto por algunos de los improvisadores, compositores y directores de orquesta más creativos y aclamados del jazz. Su objetivo es celebrar y renovar la tradición del jazz, y cada miembro compone anualmente una nueva obra para la banda, además de arreglar estándares de maestros modernos, encarnando el compromiso de SFJAZZ con el jazz como una forma de arte viva y siempre actual.

Desde su creación, el conjunto ha contado con un elenco de estrellas que incluye a músicos tan célebres como Redman, la leyenda del vibráfono Bobby Hutcherson, los saxofonistas Joe Lovano y Mark Turner, los trompetistas Nicholas Payton, Dave Douglas y Avishai Cohen, la pianista Renee Rosnes y los baterías Brian Blade, Obed Calvaire y Eric Harland. Además de sus propias composiciones expansivas, los músicos han arreglado, interpretado y grabado la música de Ornette Coleman (2004), John Coltrane (2005), Thelonious Monk (2007), Stevie Wonder (2011), Chick Corea (2013), Joe Henderson (2014), Miles Davis (2016), Antônio Carlos Jobim (2018), Sly & the Family Stone (2019) y otros artistas singulares.

El Colectivo participa en una residencia cada otoño en el SFJAZZ Center, que proporciona tiempo para ensayos intensivos para talleres de las nuevas composiciones de la temporada junto con actividades educativas y de compromiso con la comunidad. La residencia concluye con cuatro noches de conciertos en el Miner Auditorium del SFJAZZ que se graban para el lanzamiento del álbum. El conjunto realiza giras anuales por Estados Unidos y Europa.

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CHRIS POTTER
MUSIC DIRECTOR, SOPRANO & TENOR SAXOPHONE | Member 2021–Present

Nacido en Chicago, Chris Potter es uno de los artistas más destacados, influyentes y visionarios del jazz, al frente de múltiples conjuntos y colaborando con una asombrosa lista de grandes artistas como Paul Motian, Pat Metheny, Dave Holland, Zakir Hussain, Herbie Hancock, Jim Hall, Steely Dan y la Mingus Big Band. Veterano de más de 150 grabaciones, ha encabezado numerosas encuestas de la crítica DownBeat, ha recibido una nominación al GRAMMY y ha dirigido o codirigido más de 20 álbumes, incluido su último lanzamiento para Edition Records, There Is A Tide. Potter también asume el papel de Director Musical y es la primera vez que el SFJAZZ Collective cuenta con un miembro en un puesto de director musical en más de una década.

DAVID SÁNCHEZ
TENOR SAXOPHONE | Member 2012—Present

Desde sus comienzos con la United Nations Orchestra de Dizzy Gillespie, el virtuoso saxofonista tenor puertorriqueño David Sánchez se ha convertido en uno de los instrumentistas más célebres del jazz, grabando nueve álbumes como líder y ganando un Grammy Latino por su sesión orquestal de 2004, Coral. El cinco veces nominado al Grammy ha tocado con grandes músicos como Charlie Haden, Eddie Palmieri, Roy Haynes, Tom Harrell y muchos otros. Sánchez tiene un impresionante currículum como docente, impartiendo clases magistrales, talleres y residencias en las mejores universidades y conservatorios del mundo. Su último álbum es Ninety Miles: Live at Cubadisco, un proyecto grabado en Cuba y codirigido por el trompetista Christian Scott y el vibrafonista Stefon Harris.

MIKE RODRIGUEZ
TRUMPET | Member 2022—Present

Trompetista y compositor ganador de un GRAMMY y originario de Queens, Nueva York, Rodríguez se inspiró en su padre, el batería Roberto Rodríguez, para dedicarse a la música, y pasó por los programas de música de la Universidad de Miami y la Escuela de Jazz y Música Contemporánea de la New School de Manhattan. Ha grabado y actuado junto a una impresionante lista de grandes como Joe Lovano, Quincy Jones, Wynton Marsalis y Chico O'Farrill, y ha mantenido largas colaboraciones con la Liberation Music Orchestra de Charlie Haden, Gonzalo Rubalcaba y Chick Corea, con quien ganó un GRAMMY como parte de su Spanish Heart Band. Rodríguez ha grabado cuatro álbumes con su hermano pianista Robert y un par de lanzamientos como líder, incluido el último, 2021's Pathways. Actualmente es profesor en la Universidad de Nueva York y en el Conservatorio de Música de San Francisco.

WARREN WOLF
VIBRAPHONE | Member 2013—Present

Warren Wolf es un multi-instrumentista de Baltimore, MD. Wolf empezó a tocar el vibráfono, la marimba, la batería y el piano a los tres años, estudiando en el programa preparatorio del Instituto Peabody y en la Escuela de Artes de Baltimore con John Locke, miembro de la Orquesta Sinfónica de Baltimore. Tras graduarse en 1997, se matriculó en el Berklee College of Music de Boston para estudiar con el maestro vibrafonista Dave Samuels, graduándose en 2001 y volviendo como instructor de 2003 a 2005. Warren se convirtió en un músico activo en la escena nacional después de dejar Berklee, trabajando con Bobby Watson, Tia Fuller, Christian Scott, Donal Fox, Christian McBride, y Karriem Riggins y su propia banda Wolfpack.

Warren ha publicado cinco álbumes en el sello Mack Avenue, incluido su lanzamiento navideño de 2020 Christmas Vibes.

EDWARD SIMON
PIANO | Member 2010—Present

Edward Simon nació en la ciudad costera de Punta Cardón, Venezuela, donde creció en una familia de músicos. Instalado en Nueva York en 1989, tocó con numerosos maestros del jazz, como Herbie Mann, Paquito D'Rivera, Bobby Hutcherson, Bobby Watson, Terence Blanchard y Don Byron. Ha producido quince álbumes aclamados por la crítica como líder para Sunnyside, CAM JAZZ, Criss Cross y varios otros sellos. Su álbum de 2016 Latin American Songbook ganó un premio NAACP Image Award por Outstanding Jazz Album, y su lanzamiento de 2018 Sorrows and Triumphs fue declarado "imperdible" en la columna "Take Five" de Nate Chinen en WBGO.org. Su último álbum es 25 Years, una retrospectiva de su carrera que documenta su cuarto de siglo de música.

MATT BREWER
BASS | Member 2018–Present

Matt Brewer nació en Oklahoma City y creció en Albuquerque, Nuevo México, rodeado de una familia de músicos y artistas. A los 10 años, Matt se enamoró del bajo y comenzó a estudiar música durante toda su vida. Se graduó en el instituto en la Interlochen Arts Academy, y después estudió en la Juilliard School. Ha viajado por todo el mundo tocando en las bandas de Gonzalo Rubalcaba, Greg Osby, Steve Coleman, Dave Binney, Gerald Clayton, Ben Wendel, Aaron Parks, Vijay Iyer, Dhafer Youssef, Antonio Sánchez, Mark Turner, Steve Lehman, Ben Monder y Lage Lund, entre muchos otros). Ha sido conferenciante invitado con frecuencia en el Banff Center y es profesor adjunto en la New School University.

KENDRICK A.D. SCOTT
DRUMS | Member 2021–Present

Nombrado "Rising Star - Drums" por la revista DownBeat y "Drummer Whose Time is Now" por The New York Times, Kendrick A.D. Scott es uno de los mejores baterías y compositores de su generación. Nacido en Houston, Scott ha realizado giras por todo el mundo y ha grabado con artistas como Herbie Hancock, Terence Blanchard, Marcus Miller, Charles Lloyd, Wayne Shorter, The Crusaders, Joshua Redman, Robert Glasper, Kurt Rosenwinkel, Dianne Reeves, Kurt Elling, Gretchen Parlato y Blue Note All-Stars. Las composiciones de Kendrick se han grabado en discos ganadores del GRAMMY, y ganó en 2017 una beca Chamber Music of America New Works financiada por la Doris Duke Charitable Foundation. Ha publicado cinco álbumes como líder de banda con su grupo Oracle, The Source (2007), Reverence (2011), Conviction (2013), We Are The Drum (2015) y A Wall Becomes A Bridge en Blue Note records. Scott es profesor en la Manhattan School Of Music.

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