Nicholas Payton ::: Smoke Sessions

Nicholas Payton ::: Smoke Sessions

Smoke Sessions

Nicholas Payton

Nicholas Payton - Smoke Sessions

Smoke Sessions | Octubre 29, 2021

1 Hangin' and a Jivin' 7:43
2 Big George 7:02
3 Levin's Lope 6:48
4 No Lonely Nights 6:50
5 Lullaby for a Lamppost (for Danny Barker), Pt. 1 6:30
6 Lullaby for a Lamppost (for Danny Barker), Pt. 2 6:23
7 Q for Quincy Jones 4:35
8 Gold Dust Black Magic 5:29
9 Turn-a-Ron 6:38
10 Toys 9:19

 

Nicholas Payton, trumpet, Fender Rhodes
Ron Carter, bass
Karriem Riggin, drums
Guest:
George Coleman, tenor saxophone

Produced by Paul Stache and Nicholas Payton

Nicholas Payton

Para un joven Nicholas Payton, el álbum "Four' & More" de Miles Davis de 1966, grabado en directo dos años antes en el Philharmonic Hall del Lincoln Center, supuso un modelo de lo que la música podía -y debía- ser. Ahora, establecido como uno de los músicos y compositores más renombrados de la escena, Payton ha convocado a dos de los legendarios músicos que tocaron con Davis en ese álbum, el bajista Ron Carter y el saxofonista invitado especial George Coleman, para elaborar algunos sonidos ejemplares propios.

Con Smoke Sessions, que saldrá a la venta el 29 de octubre de 2021 a través del sello del mismo nombre, Payton por fin hace realidad su ansiado sueño de dirigir una sesión con Ron Carter al bajo. Para reavivar la química del álbum del que se había enamorado décadas atrás, también invitó a George Coleman a colaborar en un par de temas. (Un tercer colaborador de 'Four' & More, el pianista Herbie Hancock, está representado por la composición "Toys", pero Payton ocupa la silla del teclado en la fecha además de tocar la trompeta). Completando el cuarteto está el estimado baterista Karriem Riggins, un viejo colaborador de Payton que ayuda a asegurar que la música sea un puente entre generaciones y estilos.

"Miles Davis' 'Four' & More' fue el álbum que realmente me inspiró a tomar la música en serio", explica Payton. "Desde entonces, Ron Carter ha sido un ídolo y uno de mis músicos favoritos. Desde que dirijo bandas, he elegido a los bajistas según la métrica de cuánto Ron tienen en su forma de tocar. Cuando he buscado pianistas para mi banda a lo largo de los años, a menudo me baso en la cantidad de Herbie que tienen en su sonido. Así que este álbum es realmente un sueño hecho realidad para mí".

Sin embargo, lejos de ser un homenaje o una mirada al pasado, Smoke Sessions es un nuevo álbum totalmente contemporáneo que capta de forma vibrante la mezcla de influencias de swing, funk, soul y hip-hop de Payton con la fluidez expansiva de Riggins detrás del kit y la reconocida majestuosidad sólida como una roca de Carter en el bajo. Payton aprovecha la oportunidad de involucrarse con esa voz reconocible en múltiples formas, asumiendo los papeles de Miles y Herbie como trompetista, pianista y teclista a través del multiinstrumentalismo que se ha convertido en una emocionante marca de su enfoque.

Aunque Payton se ha cruzado con Carter en varias ocasiones a lo largo de los años, nunca había podido convencer al famoso y exigente bajista para que apareciera en una de sus citas. "Por fin empezó a darme la hora", dice Payton entre risas. "Una vez que tuve su interés me apresuré y lo cerré antes de que cambiara de opinión".

Sea cual sea el retraso, Carter habló muy bien del líder de la banda tras la grabación de Smoke Sessions. "Estuve bastante satisfecho y me divertí tocando con él tanto como pianista como trompetista", dijo el bajista. "Escúchale tocar la trompeta. Está escuchando mi respuesta a lo que hace; si los trompetistas de hoy en día quieren intentar ponerle en un lugar, él debería estar ahí arriba porque escucha lo que el bajista aporta a su solo."

El álbum se abre de forma animada, con el groove elástico de "Hangin' and a Jivin'" de Payton, antes de que Coleman haga su primera de dos apariciones en la sensual "Big George". "Siento que George no recibió todo el crédito que merecía por formar parte de las experimentaciones de Miles en cuanto a cambios alternativos y progresiones de acordes", dice Payton. "Por eso las canciones del álbum con George tienden a ser básicamente vamps de cuatro compases: esos cambios de cuatro compases y lo que harían con ellos fueron tan influyentes en el cambio del panorama de cómo los músicos tocan los cambios de acordes. Para mí era importante entrar en esas cosas que hacían en los años 60. Que George estuviera allí fue como la guinda del pastel".

Esos conceptos se mencionan explícitamente en el título de "Turn-a-Ron", el segundo tema invitado de Coleman, que da a los dos maestros mucho espacio para interactuar entre ellos. El bajista también es homenajeado en "Levin's Lope", que hace referencia a su segundo nombre mientras reutiliza la línea de bajo de "Cyborg Swing", del álbum Quarantined with Nick de Payton. "El sonido de cómo escucho el bajo en un conjunto viene básicamente de Ron Carter y Ray Brown, así que mucha de la música que escribo está hecha a medida de lo que hace Ron. No tuve que hacer ninguna alteración para adaptarme a él porque de todos modos escribo con su sonido en mente."

La canción en dos partes "Lullaby for a Lamppost", dedicada a la leyenda de la música de Nueva Orleans Danny Barker, toma su estructura de una procesión funeraria de Nueva Orleans: lenta y lúgubre al principio, y luego festiva cuando el cuerpo es puesto a descansar. "Danny Barker me dio mi primer concierto en un club de la calle Bourbon de Nueva Orleans llamado Famous Door", recuerda Payton. "La melodía es mi homenaje a él, a su tutela y a la dedicación que tuvo a la hora de educar a la juventud en Nueva Orleans".

 

"Q for Quincy Jones", grabada originalmente en el álbum Letters de Payton de 2015, rinde homenaje a otro icono musical de gran alcance cuyas habilidades de producción, señala Payton, "han formado parte del tejido del sonido de la música en el siglo XX, desde Dinah Washington hasta George Benson y Michael Jackson." El compositor adaptó "Gold Dust Black Magic" de su obra orquestal del mismo nombre, estrenada a principios de este año por la Orquesta Filarmónica de Luisiana.

Las dos piezas restantes proceden de los cancioneros de dos de las influencias más formativas de Payton en el teclado: La mencionada "Toys" de Hancock, grabada originalmente en Speak Like a Child de 1968 con Carter al bajo; y la dolorosamente bella "No Lonely Nights" de Keith Jarrett.

La grabación de Smoke Sessions, concluye Payton, fue "como un momento de pellizco... Solía fingir que estaba tocando con [estos músicos] cuando era un niño, y ahora está sucediendo. Me sentí literalmente como si estuviera caminando en el aire. Que alguien a quien he escuchado en los discos y admirado desde lejos forme parte de algo que yo he creado es algo que va más allá de mi imaginación. Permanecí en un estado de sueño durante un par de meses después".

nicholaspayton.com

Rodrigo Almonte ::: Distancia

Rodrigo Almonte ::: Distancia

Distancia

Rodrigo Almonte

Rodrigo Almonte - Distancia

Odradek Records | Octubre 28, 2021

 

1 Toribio [6535 km] 4:15
2 OCD [10000 km] 8:45
3 Crown Heights [6535 km] 5:46
4 Shorter Steps [10000 km] 7:54
5 Noggin [10759 km] 7:22
6 Utjawi [2527 km] 3:58
7 The Journey of the Lonely Cloud [10000 km] 11:33
8 In the Depth of Winter [10000 km] 7:13

 

Rodrigo Almonte, guitar
Daniel Juárez, tenor saxophone
Lorenzo Vitolo, piano
Rafael Abdalla, bass
Roberto Pistolesi, drums
Rogerio Boccato, percussion (tracks 1, 3, 5, 8)
Michael Moore, alto sax (tracks 4, 5)

 

Rodrigo Almonte

¿Hasta dónde hay que llegar para experimentar la música más íntimamente? ¿En qué dirección hay que embarcarse en un viaje musical? No puedo pensar en una respuesta directa y universal a estas preguntas, pero sé que la música hermosa y atractiva proviene de una plétora de experiencias, un diario creativo nutrido por diferentes culturas, momentos en el tiempo, lugares en este mundo.

Cada pieza musical de DISTANCIA es una representación honesta de un peregrinaje de diferentes distancias que he tenido que recorrer, musical y geográficamente hablando, para encontrar la inspiración y crear una representación de mí mismo y de mis experiencias como nómada musical.

Cada imagen de DISTANCIA es también una búsqueda de la belleza y la singularidad en la naturaleza. Me inspiré en el proyecto Walking the Land del fotógrafo Kel Portman, para el que decidió recorrer una distancia determinada en diferentes direcciones partiendo del mismo lugar con el fin de captar la compleja variedad y belleza que ofrece este mundo, y celebrar esta variedad creando obras maestras artísticas que sólo son posibles gracias al sincretismo visual creado por las influencias de diferentes entornos.

Relaciono este proceso de sincretismo artístico con mi viaje musical; diferentes distancias recorridas, diferentes direcciones tomadas, diferentes culturas que nutrieron mi forma de componer e improvisar, desde la música clásica hasta el jazz contemporáneo, pasando por la música tradicional peruana y brasileña.

Todas estas influencias, junto con el camino musical único que cada miembro de la banda ha recorrido y proyectado en la interpretación, y la improvisación grabada en este disco, representan una mirada a un viaje musical que ojalá inspire a otros a embarcarse en su propia aventura.

Rodrigo Almonte

Rodrigo Almonte es un guitarrista y compositor peruano afincado en Dublín. Ha tocado extensamente en la escena del jazz peruano y europeo con sus propios y diferentes proyectos musicales. Sus melodías líricas, acordes frescos y ritmos intrincados están igualmente presentes y bien equilibrados en sus solos y composiciones. Con sus influencias sudamericanas y del jazz contemporáneo, Almonte aporta un enfoque único a la música.

Nacido en Arequipa, Perú, Rodrigo Almonte comenzó sus estudios musicales desde temprana edad sumergiéndose en la música peruana y posteriormente influenciado por el blues, la música latina y el jazz. En 2013 ganó una beca para estudiar en el Conservatorio Souza Lima de Sao Paulo, Brasil. Al mismo tiempo estudió Composición y Arreglos en la EMESP de Sao Paulo, Brasil. En 2015 regresó al Perú para enfocarse en el estudio de las bases de los ritmos afroperuanos y andinos peruanos con maestros como Andrés Prado y Hugo Alcázar. Almonte fue becado para terminar sus estudios en el prestigioso Newpark Music Centre en Dublín, Irlanda.

En 2018 Almonte fue premiado con la Beca Hanze para estudiar un Máster en Interpretación de Jazz en el Conservatorio Prince Claus de Groningen, Holanda, con un semestre en el extranjero en NYC, donde recibió clases de algunos de los mejores músicos de la Escena de Jazz de Nueva York y se graduó Cum Laude. Algunos de sus mentores fueron: Lage Lund, Yotam Silberstein, Victor Gould, Tommy Halferty, Lupa Santiago, entre otros.

Rodrigo es el cofundador de Peruvian Jazz Project y ha grabado con varios proyectos en Perú, Brasil e Irlanda y pretende lanzar pronto su álbum debut "Distancia" como líder.

Omar Sosa & Seckou Keita ::: Suba

Omar Sosa & Seckou Keita ::: Suba

Suba

Omar Sosa & Seckou Keita

Omar Sosa & Seckou Keita - Suba

Otá REcords | Octubre 22, 2021

 

 

1 Kharit 4:58
2 Allah Léno 4:54
3 Korason 3:13
4 Drops of Sunrise 4:39
5 Gniri Balma 3:44
6 Voices on the Sea 4:26
7 2020 Visions 3:40
8 Rei's Ray 4:05
9 Maam 4:11
10 Floating Boat 4:36
11 No One Knows 5:33

 

Omar Sosa, piano
Seckou Keita, kora

SUBA, el segundo álbum del virtuoso pianista Omar Sosa (Cuba) y el maestro y cantante de kora Seckou Keita (Senegal), será lanzado a nivel mundial el 22 de octubre de 2021 por el sello discográfico bendigedig. Esta grabación es la siguiente después del álbum debut del dúo, Transparent Water (2017), aclamado por (World Music Central) como “hermoso, rapsódico … espiritual” y “fascinante, evocador y sofisticado”.

El álbum fue escrito y grabado en 2020 durante la pandemia global. SUBA es un himno a la esperanza, a un nuevo amanecer de solidaridad y cambio real en un mundo pospandémico, y un recordatorio emotiva de la oración constante de la humanidad por la paz y la unidad.

El Océano Atlántico separa a Cuba y Senegal, los lugares de nacimiento de Omar Sosa y Seckou Keita, una distancia disminuida por su conexión ancestral compartida con África. Cuando los dos artistas se conocieron por primera vez en 2012, Seckou admiraba a Omar por su espiritualidad musical, mientras que Omar veía en Seckou una habilidad especial para colaborar, pero sin perder su identidad.

Sosa ha lanzado más de 30 álbumes durante una carrera increíble que ha incluido nominaciones a siete premios GRAMMY o Latin GRAMMY. Keita también ha ganado varios premios, el más reciente el prestigioso Músico Folklórico del Año de BBC Radio 2 (2019).

En la nueva grabación, a la combinación de sus talentos se unen el inimitable percusionista venezolano Gustavo Ovalles, quien también aparece en todas las presentaciones en vivo del dúo, así como Jaques Morelenbaum (violonchelo), Dramane Dembélé (flauta) y Steve Argüelles (secuenciación, efectos, percusión).

SUBA significa “amanecer” en mandinka, el idioma nativo de Seckou, y el amanecer es su momento favorito del día, un momento de frescura y esperanza. “Incluso si estás enfrentando algunas dificultades, restableces tu cerebro a la normalidad. Ves el amanecer como un nuevo día, una nueva paz, algo nuevo, bueno o malo, algo emocionante. Ese era el sentimiento que tenía cuando escribía con Omar”.

Y aunque Seckou llama a la pandemia “una universidad de alto nivel para ver el mundo de una manera diferente”, no fue por COVID que él y Omar decidieron el nombre del álbum. “Fue SUBA para muchas cosas: música, arte, seres humanos, compasión, cambio”.

Para Omar, el álbum es una sincera reiteración de la oración más antigua de la humanidad. “El concepto del disco es paz, esperanza y unidad. En este momento que estamos viviendo, cuando todo se va desmoronando poco a poco, lo único que tenemos dentro de nosotros mismos es una conexión divina con nuestra voz interior, con nuestro espíritu y luz y con nuestros antepasados. Intentamos dar esperanza a través de la música y decirle a la gente que podemos estar juntos”.

Dos principios fundamentales guiaron la empresa: menos es más (o minimalismo como le gusta llamarlo a Omar) y colaboración. “El proyecto es África”, dice Omar, “hecho a nuestra manera. Presentamos nuestras propias tradiciones, pero siempre nos respetamos y escuchamos, con mucha humildad. Nadie es el jefe. El jefe es la música. El jefe es el mensaje”.

“Si hay algo que África puede enseñar al mundo es la espiritualidad en cada una de las cosas”, dice Omar. “A menudo somos esclavos de nuestra sociedad loca y humillante, donde todo el mundo necesita ser ‘exitoso'”.

Las once pistas que componen SUBA están vinculadas por temas comunes que se entretejen a lo largo de la grabación. Las canciones hablan de amistad y conexión espiritual, de viajes y pérdidas, de esperanza y optimismo, de la danza y el mar… y, por supuesto, de un nuevo amanecer.

SUBA es el sonido de dos músicos de diferentes continentes y tradiciones, que se unen y se juntan de verdad. Ofrece un tipo de magia poco común. Entre África y Cuba, una vasta extensión de océano. La kora esparce puñados de luz sobre las olas, el piano abre su surco. Aquí, allá, la dignidad de una gracia apacible. Ojos protegidos en una nueva mañana. Un nuevo amanecer. Un nuevo día.

omarsosa.com

seckoukeita.com

Kazemde George ::: I Insist

Kazemde George ::: I Insist

I Insist

Kazemde George

Kazemde George - I Insist

Greenleaf Music | Octubre 22, 2021

1 Things Line Up 4:20
2 Coasts 7:12
3 Balance 5:32
4 Skylight 6:36
5 Haiti 4:24
6 I Insist 9:00
7 Happy Birthday 6:01
8 Parkside 10:06
9 This Spring 6:59
10 Understanding 7:29

 

Kazemde George - tenor saxophone
Sami Stevens - vocals
Isaac Wilson - Wurlitzer and piano
Tyrone Allen II - acoustic bass
Adam Arruda - drums

I Insist es el primer álbum del saxofonista y compositor de Brooklyn Kazemde George. ¡El título es un guiño al histórico álbum de protesta de Max Roach de 1960 We Insist! Freedom Now Suite, una declaración de la propia disposición decidida de George como negro americano, y un reconocimiento de nuestros tiempos turbulentos. Al frente de un quinteto de músicos neoyorquinos estelares -el vocalista Sami Stevens, el teclista Isaac Wilson, el bajista Tyrone Allen II y el batería Adam Arruda- el disco es una vibrante colección de diez composiciones originales inspiradas en el interés de George por la música de la diáspora africana.

"Understanding" presenta un groove inspirado en el changüí cubano. "Haiti" tiene su origen en uno de los ritmos electrónicos en bucle del propio George. Stevens contribuye con la letra de la relajada "Skylight" y de la algo triste "Happy Birthday", así como con voces sin palabras en otras tres. La música se mueve sin reparos y está totalmente comprometida, ya sea a fuego lento o alcanzando cotas de intensidad culminantes.

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Kazemde George es un saxofonista de jazz afroamericano, compositor y creador de ritmos afincado en Brooklyn, que exhibe un don para las melodías ágiles y emocionalmente directas, articuladas con un tono cálido y una cierta moderación orientadora. Criado por padres caribeños en Berkeley, California, Kaz estuvo expuesto a una amplia gama de estilos musicales, y ha estado tocando el piano, el saxofón y la percusión desde una edad temprana.

Durante el instituto, Kazemde desarrolló su pasión por el jazz mientras estudiaba la tradición oral bajo la tutela de Khalil Shaheed, Charles McNeal y Susan Muscarella. También empezó a hacer música electrónica bajo el nombre de "KG,B". Los ritmos de KG,B se inspiran en productores de Hip-Hop como J Dilla, Madlib y Flying Lotus, a los que ve como homólogos modernos de los primeros innovadores del Jazz.

En 2007, Kazemde se trasladó a Boston para asistir a la escuela, y en 2014, Kazemde completó el programa conjunto de Harvard y el Conservatorio de Nueva Inglaterra (NEC), recibiendo su Licenciatura en Neurobiología (Harvard) y su Maestría en Composición de Jazz (NEC). En el NEC, Kazemde estudió en privado con Jerry Bergonzi, Cecil McBee, Donny McCaslin, John McNeil, Jason Moran, Danilo Pérez y Miguel Zenón. En 2012, recibió la beca George Peabody Gardener de Harvard para estudiar música tradicional en La Habana, Cuba, durante diez meses. A través de sus viajes, Kaz ha ampliado su enfoque del Hip-Hop y el Jazz a todo el espectro de estilos musicales que florecieron de la diáspora africana, incluyendo las tradiciones afrocubanas, afrocaribeñas, afrobrasileñas y afroamericanas. En su opinión, el estudio de estos estilos musicales sirve para recuperar las historias culturales que se perdieron con el proceso de la esclavitud afroamericana.

En la actualidad, su atención se centra en la música, pero Kazemde es también un biólogo de corazón, y su búsqueda para entender esta amplia gama de estilos está impulsada por una mente analítica con un enfoque científico.

Kazemde ha actuado con Solange Knowles y Saint Heron, David Murray, Román Filiú y Jason Moran, en lugares y festivales como Dizzy's Coca-Cola Club, Zinc Bar, The Bitter End, Irving Plaza, Yoshi's, Black Cat, Cafe Stritch, The David Rubinstein Atrium at Lincoln Center, Panama Jazz Festival, Made In America Festival, AfroPunk y Panorama NYC Music Festival.

Mi misión: Mi objetivo es establecer mi propio estilo como innovador creativo de la música afroamericana, y ayudar en la elevación de las comunidades de jóvenes desfavorecidos a través de la música y otra educación cultural. Viajaré y me sumergiré en comunidades americanas fuertemente influenciadas por las tradiciones musicales africanas para estudiar, enseñar y actuar. También espero tener la oportunidad de explorar lugares como Brasil, el Caribe, África Occidental y el Sur de Estados Unidos como parte de mi viaje.

kazemdegeorge.com

Lionel Loueke ::: Close Your Eyes

Lionel Loueke ::: Close Your Eyes

Close Your Eyes

Lionel Loueke

Lionel Loueke - Close Your Eyes

Sounderscore | Octubre 22, 2021

 

1 Footprints 6:03
2 It Might as Well Be Spring 6:41
3 Countdown 4:16
4 Moon River 4:15
5 Solar 3:39
6 Blue Monk 6:24
7 Body and Soul 4:38
8 Close Your Eyes 7:44
9 Skylark 7:12
10 We See 5:26
11 Naima 3:35

Lionel Loueke - guitar, vocals
Reuben Rogers - double bass
Eric Harland - drums

Produced by Elan Mehler, Jean-Christophe Morisseau and Massimo Biolcati.

Originally released on vinyl exclusively on Newvelle Records.

Recorded by Marc Urselli at EastSide Sound, New York on September 23, 2017
Mixed and Mastered by David Darlington at Bass Hit Recording, New York, NY

Lionel Loueke, uno de los guitarristas más originales y solicitados del mundo del jazz, ha dedicado la mayor parte de su producción a la música original. Pero Close Your Eyes, publicado originalmente en vinilo por Newvelle en 2018, encontró al nacido en Benín Loueke centrándose por completo en estándares y clásicos del jazz canónico.

Acompañado por la sección rítmica de marca del bajista Reuben Rogers y el baterista Eric Harland (conocidos por su inspirado trabajo en equipo en grupos liderados por Charles Lloyd, Aaron Goldberg y más), Loueke aplicó su distintivo enfoque rítmico y armónico al material del Great American Songbook, así como a la obra de los grandes del jazz John Coltrane, Wayne Shorter, Thelonious Monk y Miles Davis.

Ahora, gracias a Sounderscore Records, un sello independiente fundado por Massimo Biolcati, compañero de banda de Loueke durante muchos años, Close Your Eyes se publica por primera vez en CD y en formato digital, en streaming en las principales plataformas.

Tres canciones adicionales que no aparecían en la edición en vinilo - "Countdown" de John Coltrane, "Skylark" de Hoagy Carmichael y "We See" de Thelonious Monk- también están disponibles por primera vez en la reedición de Sounderscore.

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Lionel es quizá mi ejemplo favorito de músico cuya prodigiosa técnica sirve para aumentar, en lugar de oscurecer, su voz. ¿Quiere tocar la complicada melodía de Coltrane, Countdown, a 260 BPM? No hay problema. ¿Qué tal si lo intentamos en 13/8? Claro, tan sencillo como respirar. Pero esa no es la parte impresionante. El truco es cómo tocar "Countdown" en 13/8 a 260 BPM y sonar exactamente como uno mismo. Ya me estoy desviando, porque "Countdown" ni siquiera está en el disco (aunque puedes escuchar/ver cómo se graba en esta página). La cuestión es que hay muy pocos músicos vivos hoy, o de cualquier época, que tengan una voz auténtica, individual e inconfundible. Este es el primer disco de estándares de Lionel Loueke. Lionel suena sólo como Lionel, incluso cuando está tocando algunos de los más representados del jazz de todos los tiempos. Es refrescante descubrir que, sí, hay algo completamente nuevo que escuchar en "Footprints", "Solar", "Body and Soul" y "Blue Monk".

En realidad, Lionel grabó este disco en un descanso de un día entre una gira con Chick Corea y otra con Herbie Hancock. Todo el mundo quiere tocar con Lionel. Hay algo en la calidez del tono de Lionel en la guitarra y en su voz que resulta tan atractivo. Escucha cómo Lionel abre el disco con "Footprints" y luego se da la vuelta para hacer una versión a dúo de "It Might As Well Be Spring" con Reuben y luego una versión a dúo de "Moon River" con Eric Harland. Fíjate en ese gran sonido redondo de Eric Harland en "Moon River". Qué clase magistral de toque y contención. Reuben en "It Might As Well Be Spring" es tan solidario y suelto, dejando que Lionel se incline TODO hacia atrás. Es casi como si Lionel llevara al oyente a un cóctel y le presentara a todos los músicos antes de reiniciar una animada conversación con el trío en "Solar".

Me encanta la versatilidad y el filo que esta banda puede aprovechar. En la cara B, cuando la banda toca "Blue Monk", hay casi más BB King en ella que Monk. Presta atención a cuando Eric golpea el platillo en el primer estribillo del solo de Lionel, casi como si dijera "lidia con esto", y por supuesto, Lionel lo hace. "Body and Soul" es la otra cara de la moneda. La forma es directa: una rápida introducción, una toma suelta de la melodía, y una cadencia improvisada de Lionel para terminar - todo lo que se podría decir ya está ahí en el enfoque y la claridad de la interpretación. Luego, en "Close Your Eyes", la banda se extiende por completo. Como dijo Lionel en su momento: "Hay magia en esta".

El disco se cierra con la versión en solitario de Lionel de "Naima". En la sesión, Lionel dijo que es como si "Naima visitara África". Ciertamente, Lionel, como todos los artistas, es una amalgama de todas sus experiencias y sus influencias. Su origen en el África occidental de Benín influye en sus interpretaciones de una forma tan orgánica y clara. Es casi como si pudiera poner en acordeón todo su pasado y su bagaje musical sobre sí mismo, con un efecto vertiginoso. Hace un seguimiento en directo de esas voces incluso cuando canta en un compás y un estilo distintos a los de su guitarra. Todas estas conexiones y la habilidad ganada con esfuerzo se superponen y se expresan sin esfuerzo. Hay una síntesis de todas estas influencias y una forma acogedora de ponerlo todo a disposición del oyente casual que es toda suya. Puede que lleve a Naima a África, pero el mundo se acerca a Lionel.

Liner Notes  que acompañan la edición original en vinilo por Elan Mehler

lionellouekemusic.com