Juan Carlos, autor en - Página 132 de 538

Cecile McLorin Salvant ::: Mélusine

Mélusine

Cecile McLorin Salvant

Nonesuch Records | Marzo 24, 2023

1 Est-ce ainsi que les hommes vivent ? 5:27
2 La route enchantée 5:58
3 Il m’a vue nue 2:48
4 Dites moi que je suis belle 2:41
5 Doudou 5:34
6 Petite musique terrienne 2:21
7 Aida 1:04
8 Mélusine 3:14
9 Wedo 0:58
10 D’un feu secret 3:45
11 Le temps est assassin 3:50

Cécile McLorin Salvant, vocals (1-14), synths (7, 9, 13), production (7, 9, 13)
Sullivan Fortner, piano (3, 5, 6, 11, 12), synths (6, 10), kalimba (12), vocals (12), celeste (14)
Aaron Diehl, piano (1, 2)
Paul Sikivie, bass (1, 2)
Kyle Poole, drums (1, 2)
Lawrence Leathers, drums (2)
Godwin Louis, alto saxophone (3, 5), whistles (3), vocals (12)
Luques Curtis, bass (3, 5, 12, 14)
Weedie Braimah, percussion (3, 5, 12, 14), djembe (4)
Obed Calvaire, drums (3, 5, 12)
Daniel Swenberg, nylon string guitar (8)

Produced by Cécile McLorin Salvant
Co-produced by Tom Korkidis
Recorded April 12, 2022 & April 26, 2022 at The Bunker Studio, Brooklyn, NY, and June 22, 2022 at Brooklyn Recording, Brooklyn, NY
Mixed by John Davis at The Bunker Studio, Brooklyn, NY
Mastered by Alex DeTurk at The Bunker Studio, Brooklyn, NY
Engineered by John Davis (Tracks 1, 2, 6, 10, 11), Andy Taub with assistance by Samuel Wahl (Tracks 3, 4, 5, 12, 14), Todd Whitelock (Track 8), and Cécile McLorin Salvant (Tracks 7, 9, 13)
Tracks 3, 5, 12 arranged by Godwin Louis

A portion of Track 2 was recorded live on January 19, 2015 at Flagey by Bertrand Vanvarembergh and Benjamin Vandenbroecke for Musiq3. Used with permission by Musiq3.

Photos by Karolis Kaminskas
Makeup by Jezz Hill
Wig by Tomihiro Kono
Design by Ben Tousley and Cécile McLorin Salvant
Creative direction and fonts by Cécile McLorin Salvant

Mélusine es una mezcla de cinco canciones originales e interpretaciones de nueve canciones que se remontan al siglo XII, cantadas en francés, occitano, inglés y kreyòl haitiano.

Las canciones del nuevo álbum cuentan la historia de la leyenda folclórica europea de Mélusine, una mujer que se convierte en media serpiente cada sábado como consecuencia de una maldición infantil de su madre. Mélusine acepta casarse con Raymondin con la condición de que nunca la vea los sábados. Él acepta, pero su hermano acaba convenciéndole para que rompa su promesa, atraviesa la puerta de su esposa con su espada y la encuentra desnuda en el baño, mitad serpiente, mitad mujer. Cuando ella le descubre espiándola, se convierte en dragón y sale volando por la ventana, para reaparecer cada vez que uno de sus descendientes se encuentra en su lecho de muerte.

"Creo que lo que intento hacer se parece más a revelar secretos que a contar historias", dice Salvant. "Revelar secretos es también el papel de la serpiente en el Jardín [del Edén]. La serpiente trae secretos, conocimiento, dolor y caos".

Y continúa: "La historia de Mélusine es también la historia del poder destructivo de la mirada. La espada de Raymondin hace un agujero en su puerta de hierro. Su mirada también. La mirada es transformadora y combustible. Ella ve que él la está viendo en secreto. Su secreto es revelado. Esta doble mirada la convierte en dragón. Ahora puede respirar fuego".

Salvant, cuyos padres son franceses y haitianos, dice que Mélusine trata también "en parte de ese sentimiento de ser un híbrido, una mezcla de diferentes culturas, que he experimentado no sólo como hijo nacido en Estados Unidos de dos inmigrantes de primera generación, sino como alguien criado en una familia racialmente mixta, de varios países diferentes, con diferentes lenguas habladas en casa".

"'Dame Iseut', la última canción del álbum, fue traducida al kreyòl haitiano con mi padre del occitano, que es una lengua antigua hablada en el sur de Francia. Mi abuela hablaba un poco, y su hermano solía enseñarlo", cuenta Salvant. "Este álbum combina elementos de la mitología francesa, el vaudoo haitiano y la apócrifa".

Cécile McLorin Salvant, becaria MacArthur en 2020 y ganadora de tres premios Grammy, es una cantante y compositora que aporta una perspectiva histórica, un renovado sentido del drama y una iluminada comprensión musical tanto a los estándares de jazz como a sus propias composiciones originales. Con una formación clásica, impregnada de jazz, blues y folk, y procedente del teatro musical y el vodevil, Salvant abarca un amplio repertorio que amplía las posibilidades de la interpretación en directo.

Las actuaciones de Salvant abarcan desde sencillos dúos para voz y piano hasta tríos instrumentales y conjuntos orquestales. Su obra inédita Ogresse es una ambiciosa fábula musical de larga duración basada en cuentos de hadas orales del siglo XIX que explora la naturaleza de la libertad y el deseo en un mundo racializado y patriarcal. Salvant estudió en la Universidad Pierre Mendès-France. Ha actuado en salas y festivales nacionales e internacionales como el Festival de Jazz de Newport, el Festival de Jazz de Monterey, el Village Vanguard y el Kennedy Center. Salvant es también artista visual.

cecilemclorinsalvant.com
nonesuch.com

Arve Henriksen ::: Marzo 22, 1968

Nacido en 1968, Arve Henriksen estudió en el Conservatorio de Trondheim entre 1987 y 1991, y trabaja como músico independiente desde 1989.

Ha trabajado con muchos músicos, entre ellos Jon Balke Magnetic North Orchestra/Batagraf, Edward Vesala, Jon Christensen, Marilyn Mazur, Nils Petter Molvær, Misha Alperin, Arkady Shilkloper, Arild Andersen, Stian Carstensen, Dhafer Youssef, Sidsel Endresen, Pekka Kuusisto, Christian Wallumrød Ensemble, Nils Økland, Karl Seglem, Per Oddvar Johansen, Iain Ballamy, Thomas Strønen, Gjermund Larsen, Svante Henryson, Mats Eilertsen, David Sylvian, Jon Hassell, Hope Sanduval, Laurie Anderson, John Paul Jones, Erik Honoré, Toshimaru Nakamura, Trygve Seim Ensemble, Jan Gunnar Hoff, Tord Gustavsen, Giovanni Di Domenico, Tatsuhisa Yamamoto, Gavin Bryars, John Potter, Johanna McGregor, Imogen Heap, Guy Sigsworth, Ryuichi Sakamoto, Bill Frisell, Terje Rypdal, Maria Schneider, Kate Havnevik, Live Marie Roggen, Silje Nergaard, Odd Nordstoga, Kari Bremnes, Sondre Bratland, Jannis Anastasakis, Lars Danielsson, The Source, Vox Clamantis y muchos más.

Ha tocado en muchos contextos, bandas y proyectos diferentes, desde su colaboración con el koísta Satsuki Odamura hasta la banda de rock Motorpsycho, pasando por numerosos grupos de improvisación libre con Ernst Reisiger, Sten Sandell, Peter Friis-Nilsen, Lotte Anker, Hasse Poulsen, Terje Isungset, Benoit Delbecq, Steve Arguelles, Lars Juul y Marc Ducret.

Ha colaborado con los compositores Peter Tornquist, Helge Sunde, Terje Bjørklund y Tõnu Kõrvits en cooperación con orquestas y grupos de cámara como el Cuarteto de Cuerda Cikada, el Cuarteto de Cuerda Nidaros, Zapp 4, la Orquesta de Cámara de Noruega, las Orquestas Sinfónicas de Kristiansand y Trondheim, la London Sinfonietta, la Britten Sinfonia, la Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, el Norwegian Wind Ensemble y los Trondheim Soloists.

Ha colaborado con artistas visuales y de vídeo como Anastasia Isachsen, Tord Knudsen y Lillevan.

Actualmente está vinculado y colabora con:

Supersilent (Helge Sten y Ståle Storløkken)
Rimur del Trío Mediaeval (Linn Andrea Fuglseth , Berit Opheim y Anna Maria Friman)
Starflowers and Magical Forest, de Sinikka Langeland (Anders Jormin, Trygve Seim y Markku Onaskari)
Saumur (Hilmar Jensson y Skuli Sverrisson)
Warped Dreamer (Teun Verbrüggen, Jozef Dumoulin y Stian Westerhus)
Atmosphéres (Jan Bang, Eivind Aarseth y Tigran Hamasyan)
"Sommeren der ute" (Ellen Bødtker, Jan Erik Vold y Eirik Raude)
Fennesz-Henriksen (Christian Fennesz)

Y diversas configuraciones de percusión, como Audun Kleive, Helge Norbakken e Ingar Zach.

Henriksen ha compuesto y encargado música para festivales, películas y programas documentales. Tiene una larga discografía que cuenta con más de 140 discos en total. Recibió junto con Supersilent el premio The Alarm Award 2004. Ha sido artista residente en el Moers Jazzfestival 2006, en el OIOI-festival de Bergen 2008 y en el Molde Jazz Festival 2009. Entre 2004 y 2006 formó parte del proyecto European Jazz Launch. Ha recibido el Norsk Jazzforums Buddy Award 2005. Radka Toneffs Memorial Award 2007, Paul Acket Award en el North Sea Jazz Festival 2011 y DNB and Kongsberg Jazzfestival's Musician Award 2011. Ha sido nominado al Nordisk Råds musikkpris 2009 y también nominado a músico europeo de Jazz del año 2009. En 2016 fue nombrado Doctor Honoris Causa por la Universidad de Gotemburgo. Nominado con Supersilent para el Nordisk Råds Musikkpris que se anunciará en octubre de 2017. Música encargada para el proyecto The Humber Bridge Hull City of Culture 2017.

arvehenriksen.com
arvehenriksen.bandzoogle.com

Espen Berg Trio ::: Free to Play

Free to Play

Espen Berg Trio

Odin Records | September 6, 2019

Lejos de alentar a La Grieta, como se dice por acá a la enorme profundidad y distancia que separa a quienes piensan diferente, para muchos es un hecho que primero están las agrupaciones norteamericanas (incluímos a Canadá) y luego, y muy lejos algunas, otras no, las agrupaciones europeas que han marcado y fuerte su huella dentro del movimiento. Recordemos, por ejemplo, que el e.s.t. (por entonces se llamaba Esbjörn Svensson Trio) fué el primer grupo europeo en obtener una portada en la prestigiosa Downbeat, que por entonces el jazz europeo había llegado a su adultez hacia rato.

Al momento de la desaparición del e.s.t. en 2008, por las razones por todos conocidas, ya había una legión de trios de jóvenes músicos europeos que a la luz (y a la sombra) del e.s.t. ya mostraban la hilacha. La discusión sobre quien o cuál trio sucede al mítico grupo de Esbjörn Svensson es algo que se los dejo, poco importa..., nada más importante que cómo suenan los postulantes y los que nada les interesa la puja.

Uno de ésos grupos que suenan por encima del murmullo y de la polvareda es el Espen Berg Trio, el grupo noruego que cuenta entre sus mayores a próceres como Terje Rypdal, Jan Garbarek, Arild Andersen, Ketil Bjørnstad, por nombrar solo algunos.

Casualmente uno de los músicos, dentro del movimiento contemporáneo nórdico y europeo, que ha logrado atraer la atención del mundo todo es el notable pianista Helge Lien quien tuvo como alumno de piano al jóven Berg en el instituto donde se formó. Cuenta Berg: "hasta entonces había sido autodidacta. Tocaba pop y rock y no sabía nada de jazz ni de improvisación. Enseguida, Helge me lanzó a la improvisación libre. Al principio me daba miedo. Pero fue tan emocionante que supe que tenía que seguir con ello".

Inspirado por Lien, Berg empezó a estudiar a otros pianistas de jazz. "Me encantaba la música de Helge y Christian Wallumrød porque era melódica y con un sonido abierto y puro", dice Berg. "Esbjörn Svensson tenía un talante muy diferente, con un sonido seco y más batido, que me gustó durante un tiempo. Los conciertos de libre improvisación de Keith Jarrett me llevaron a hacer mis propios discos en solitario. Pero la mayor influencia ha sido probablemente Brad Mehldau. Me encanta su capacidad para improvisar en varios niveles a la vez, su forma de crear melodías contrapuntísticas".

La música de Berg, como la de todos los notables músicos, supera los límites de las categorías y no le molesta que se lo etiquete como músico de jazz, "Me he acostumbrado, aunque nunca pienso que tenga que escribir 'jazz' para este trío o para cualquier banda en la que toque. Simplemente escribo lo que siento que está bien en ese momento. Estoy en un viaje interminable sin fronteras, buscando nuevos estados de ánimo, nuevas combinaciones de acordes y melodías sinceras."

espenberg.no
bandcamp.com

1. Monolitt 3:07
2. Skrivarneset 8:04
3. Kestrel 3:52
4. Camillas Sang 5:46
5. Gossipel 5:51
6. Episk Aggresiv Syndrom 5:39
7. Oumuamua 6:31
8. Meanwhile in Armenia 5:35
9. Furuberget 6:06

Espen Berg: Piano
Bárður Reinert Poulsen: Double Bass
Simon Olderskog Albertsen: Drums

Recorded November 25-26, 2018 at Nilento Studio, Gothenburg, Sweden,
by Lars Nilson and Michael Dahlvid
Mixed and mastered December 7, 2018 by Lars Nilsson and Michael Dahlvidat Nilento Studio, Gothenburg, Sweden
Produced by Espen Berg Trio
Cover design: Nick Alexander
Band photo: Christina Undrum Andersen
Booking: Musikkprofil AS: pkrekdal@musikkprofil.no

Aruán Ortiz Trio ::: Serranías Sketchbook for Piano Trio

Serranías Sketchbook for Piano Trio

Aruán Ortiz Trio

Intakt Records | Marzo 17, 2023

1. Shaw 'Nuff (Siento un bombo) 9:58
2. En forma de Guajira 6:18
3. Memorias del monte 5:10
4. Los tres golpes 8:27
5. Canto de tambores y caracoles (Solo) 4:30
6. Huellas… (Interlude I) 1:34
7. Serranías 5:26
8. Black Like a Thunder Stone (one) 4:18
9. Like a Changüi (Montuno) 6:02
10. … and Shadows (Interlude II) 1:59
11. Lullaby for the End Times 5:27

Aruán Ortiz: Piano
Brad Jones: Bass
John Betsch: Drums

All songs written and arranged by Aruán Ortiz (NaurazitroMusic/ASCAP), except “Shaw ’Nuff (Siento un bombo)” by Dizzy Gillespie and Charlie Parker, arranged by Aruán Ortiz and “Los tres golpes” by Ignacio Cervantes, arranged by Aruán Ortiz.

Recorded September 18, 19, 2022, at Hardstudios, Winterthur by Michael Brändli.
Mixed September 20, 2022, by Michael Brändli, Aruán Ortiz, Florian Keller at Hardstudios Winterthur.
Mastered in January 2023 by Michael Brändli at Hardstudios Winterthur.
Cover art: Julio Girona.
Graphic design: Jonas Schoder.
Liner notes: Gian Franco Grilli.
Photos: Palma Fiacco.
Produced by Aruán Ortiz and Intakt Records.
Published by Intakt Records.

El nuevo álbum en trío de Aruán Ortiz, "Serranías: Sketchbook for piano trio" con Brad Jones y John Betsch, es un rompecabezas cubista y una interpretación musical del legado, las tradiciones y los valores culturales de la gente corriente de su ciudad natal, Santiago de Cuba. También celebra el 20 aniversario de su primera grabación en trío "Vol.1" de 2003.

Aruán Ortiz, aclamado como cubista del piano, excelente improvisador de jazz y estilista caprichoso que se aleja de la música cubana sin dejar de estar tan profundamente arraigado en la tradición musical de Cuba, presenta un impresionante álbum a trío con dos simpáticos colaboradores Brad Jones y John Betsch. Las influencias cubanas de los toques, la rumba y la música afrohaitiana se mezclan con la música artística europea y el jazz moderno. "Serranías es un álbum especial por un doble aniversario: el 20º aniversario del debut discográfico como líder en Estados Unidos y el 50º hito del cumpleaños de Aruán Ortiz, pianista-compositor de Santiago de Cuba que se ha convertido en protagonista indiscutible de la escena del jazz de vanguardia neoyorquino gracias a los originales procesos de mestizaje creativo cubano abstracto que compone con insólitos acentos afrocubanos/haitianos", escribe Gian Franco Grilli en las notas de acompañamiento.

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El pianista, violista y compositor Aruán Ortiz -nacido en Santiago de Cuba y residente en Brooklyn- es una figura activa en la escena del jazz progresivo y de vanguardia de Estados Unidos desde hace más de 15 años.

Considerado "uno de los compositores más creativos y originales del mundo" (Lynn René Bayley, The Art Music Lounge), ha escrito música para conjuntos de jazz, orquestas, compañías de danza, grupos de cámara y largometrajes, incorporando influencias de la música clásica contemporánea, los ritmos cubanos haitianos y la improvisación de vanguardia. Aruán se esfuerza constantemente por romper los límites estilísticos de la música.

Aruán ha recibido numerosos reconocimientos, entre ellos el Composer Fellowship Award en el Vermont College of Fine Arts (2016); el Doris Duke Impact Award (2014); la Composers Now Creative Residency en el Pocantico Center del Rockefeller Brothers Fund (2014); la Jerome Foundation Travel & Study Grant (2013); Latin Jazz Corner's Arranger of the Year (2011) por su contribución en el álbum, "El Cumbanchero" del flautista Mark Weinstein (Jazzheads, 2011); becas de estudio de la Fundación Autor, SGAE, y Generalitat de Catalunya (2002); Semifinalista, Jas Hennessy Piano Solo Competition, Montreux, Suiza (2001); y Mejor Interpretación de Jazz, Festival de Jazz de Vic, España (2000).

Su álbum de 2010 "Alameda" (Fresh Sound New Talent), que combina jazz moderno, música clásica contemporánea y ritmos afrocubanos, recibió cuatro estrellas de la revista británica Jazzwise y fue nombrado uno de los diez mejores CD de jazz del año. En respuesta al segundo álbum del cuarteto, "Orbiting" (Fresh Sound New Talent, 2012), la revista DownBeat calificó a Aruán como "...uno de los pianistas más versátiles y emocionantes de su generación." ¡El álbum también recibió cuatro estrellas de Jazzwise Magazine y Jazz Journal en el Reino Unido, y fue elegido como uno de los diez mejores álbumes de jazz contemporáneo de 2012 por la webzine Something Else!

El trabajo de Aruán consolida una intensa investigación y desarrollo sobre temas específicos relacionados con patrones arquitectónicos e información extraída de contextos no musicales. Inspirada en las tradiciones afrohaitianas y en cómo esas tradiciones pueden expresarse a través de múltiples géneros, la música de Aruán canaliza su sonido a través del jazz vanguardista y progresivo, la música serial y el lenguaje clásico contemporáneo, centrándose en roles descentralizados y temas múltiples e interactuando colectivamente de forma similar a un cuarteto de cuerda.

En 2013, Aruán colaboró con el presentador neoyorquino Revive Music, para producir y comisariar Music & Architecture, una serie de conciertos con algunos de los improvisadores más legendarios, vanguardistas y creativos de la escena neoyorquina. Estos conciertos, inspirados en el libro de Iannis Xenakis "Música y Arquitectura", se centraban en traducir patrones, símbolos y estructuras relacionados con el serialismo y el expresionismo en la música contemporánea, pero poco habituales en la improvisación jazzística. Tras el éxito de esta serie, el periodista Tomás Peña declaró: "...La música evocaba imágenes de ecuaciones matemáticas, grandes obras arquitectónicas y traía a la mente la escena de los lofts neoyorquinos de los años 70, donde reinaba el free jazz".

La curiosidad artística de Aruán le ha llevado a proyectos más allá del panorama jazzístico. Recibió un encargo del Teatro Ballet José Mateo con motivo de su 25 aniversario para componer la partitura de una nueva obra coreográfica, "Pagano o No". Esta partitura, anunciada como "una de las obras más significativas de la música" por Latin Jazz Network, fue grabada en el álbum Santiarican Blues Suite publicado por Sunnyside Records en 2012 y estrenada por la Camerata Urbana Ensemble en el Next Wave Festival en el BAM de Nueva York. En 2013, Aruán escribió "Collage", una pieza original para el ballet encargado por la Orquesta YOUME. Esta pieza fue estrenada en el Festival Casa del Jazz en Roma, Italia por la Orquesta YOUME, dirigida por Aruán con coreografía del Ballet de Milena Zullo. Ese mismo año, Aruán fue invitado por la Universidad de Albany para dirigir "Variations", una pieza de improvisación libre para orquesta y piano preparado, interpretada por The University-Community Symphony Orchestra y el pianista Bob Gluck.

Posee un máster en Composición Musical por el Vermont College of Fine Arts, y como compositor, su creciente cartera incluye obras como Two Short Stories for String Quartet interpretada por Secret String Quartet y New MUSE String Quartet, Pandemonium in Clave para trío de percusión y piano estrenada por Talujon Percussion Ensemble, Ogguere (cuando el alma de la tierra baila alrededor de movimientos espectrales) para quinteto de metales estrenado por Brooklyn Brass, y los próximos Hints of Leguedé para flauta sola, y Afro-Haitian Living in the Midst of a Twisted Globe para violín, violonchelo y trío de piano, estrenados el 8 de febrero de 2018.

Sus álbumes más recientes publicados por Intakt Records han recibido 5 estrellas de prestigiosas revistas de jazz como Jazziz y DownBeat. Hidden Voices (2016) fue elogiado como "un nuevo sonido sólido y único en el mundo del jazz actual" por Matthew Fiander en PopMatters. Y su trabajo en solitario para piano Cub(an)ism (2017) fue calificado como "un ejercicio genial de exploración de la profundidad y la percepción que revela una nueva y brillante arruga en la relación entre la música y las matemáticas, reimaginando los ritmos afrohaitianos Gaga, la rumba afrocubana y el yambú en meditaciones fuertemente improvisadas sobre el modernismo que recuerdan a John Cage y Paul Bley. Impresionante". (Ron Hart, The Observer).

En 2014, Aruán compuso la partitura del largometraje "Sin Alas", la primera película estadounidense rodada en suelo cubano en 50 años. Esta película fue nominada por el Festival de Cine de Curaçao para el Premio Yellow Robin en 2015. El trabajo de Aruán también se escuchará en el cortometraje español "La paliza".

aruan-ortiz.com
intaktrec.ch

Harold Mabern ::: Marzo 20, 1936

Harold Mabern ::: Marzo 20, 1936

Mabern nació y se crió en Memphis, Tennessee, una ciudad que es la capital de la música americana del siglo XX. Al igual que sus compañeros de jazz de Memphis George Coleman, Booker Little y Frank Strozier, Mabern asistió a la Escuela Secundaria de Manassas y, tras un primer intento de tocar la batería, aprendió a tocar el piano él mismo y cayó bajo el hechizo del pianista Phineas Newborn Jr., una influencia que marcaría y perduraría con Mabern el resto de su vida.

Junto con otros músicos de Memphis, Mabern se trasladó a Chicago en 1954, donde pronto encontró trabajo apoyando a los saxofonistas tenores Johnny Griffin, Gene Ammons y Clifford Jordon. También obtuvo más influencia al estudiar con el pianista Ahmad Jamal y tocó en el grupo de hardbop MJT + 3, antes de irse a la ciudad de Nueva York en 1959. "Chicago me dio el material que necesitaba y la confianza", recordó en 1987. "Nueva York refinó mi material y todavía lo está haciendo".

Uno de sus primeros conciertos significativos fue una estancia de 18 meses con Art Farmer y el Jazztet de Benny Golson. Tras la disolución del Jazztet, Mabern trabajó con Jimmy Forrest, Lionel Hampton, Donald Byrd e hizo una breve estancia con Miles Davis en 1963. Trabajó con J.J. Johnson (1963-65), Lee Morgan (1965) y Hank Mobley, grabando el álbum Dippin'. Sonny Rollins, Freddie Hubbard, Joe Williams (1966-67) Mabern también tocó en un cuarteto con el guitarrista Wes Montgomery. Décadas más tarde, Mabern alabó la alegre calidad de la interpretación y la personalidad de Montgomery y se lo dijo a un entrevistador:

La música era un desafío. Acababa de empezar a tocar. Decía: "Mabern, toca esto conmigo". Ahora, si tenía algo específico que quería que tocara, como por ejemplo, si quería que tocara una figura con él al unísono, bien, y yo lo cogería directamente por el hecho de que soy autodidacta, siempre tenía que usar mis oídos de todos modos... Entonces habría momentos en los que diría, "Mabern, toca esto conmigo", y podría ser la parte de la armonía de lo que está tocando... de cualquier manera, siempre era un desafío. Siempre decía: "Mabern, eres un gato malo". Y yo decía, "Oh, sólo estoy tratando de seguirte el ritmo".

Entre 1968-70, Mabern dirigió cuatro álbumes para Prestige, el primero de los cuales fue A Few Miles From Memphis con una formación de dos saxofonistas, uno de ellos George Coleman, nativo de Memphis. A principios de los años 70, Harold Mabern se convirtió en un miembro clave del grupo de trabajo de Lee Morgan y apareció en varias grabaciones en directo y en estudio realizadas por el trompetista antes de su muerte en 1972.

En 1971, tocó en el álbum The Sugar Man de Stanley Turrentine y Don't Mess With Mr. T. en 1973. En 1972 grabó con el coro de piano de Stanley Cowell.

En años más recientes, ha realizado giras y grabaciones extensas con su antiguo alumno de la Universidad William Paterson, el saxofonista tenor Eric Alexander. Hasta la fecha, Mabern y Alexander han aparecido en más de veinte CDs juntos. Miembro del profesorado de la Universidad William Paterson desde 1981, Mabern es también un frecuente instructor en el Stanford Jazz Workshop.

Harold Mabern ha grabado como líder para DIW/Columbia y Sackville y ha hecho giras con el Contemporary Piano Ensemble (1993-1995). Falleció el 19 de septiembre de 2019.

haroldmabern.jazzgiants.net