Mccoy Tyner / Freddie Hubbard ::: Live At Fabrik Hamburg 1986

Mccoy Tyner / Freddie Hubbard ::: Live At Fabrik Hamburg 1986

Live At Fabrik Hamburg 1986

Mccoy Tyner / Freddie Hubbard

Jazzline | Abril 1, 2022

Mccoy Tyner - Freddie Hubbard - Live At Fabrik Hamburg 1986

 

1. Inner Glimpse
2. Announcement
3. Latino Suite
4. Body and Soul
5. Nero-Terra
6. Island Birdie
7. Round Midnight
8. Blues for Basie
9. What Is the Thing Called Love

Freddie Hubbard: trumpet
McCoy Tyner: piano
Avery Sharpe: bass
Louis Hayes: drums

 

 

El álbum nunca antes publicado ve la luz pocos días antes de un aniversario más del nacimiento del trompetista...

En 1986, el maestro trompetista Freddie Hubbard subió al escenario de la "Fabrik" como artista invitado, uniéndose al trío de uno de los principales pianistas del jazz contemporáneo: McCoy Tyner, cuyo toque extremadamente poderoso siempre añadía una cualidad percusiva muy enérgica a su virtuosa interpretación. McCoy Tyner falleció en marzo de 2020. Las grabaciones de 1986 (tenía entonces 58 años) le muestran en la cumbre de su fama como maestro de una expresividad única que le caracterizaba como artista. Destaca su interpretación al piano y el excepcional carisma de la trompeta de Hubbard (del mismo año de nacimiento que Tyner (1938) pero ya fallecido en 2008), pero también el bajista Avery Sharpe, nacido en 1954 y maestro tanto de la guitarra acústica como de la eléctrica, así como Louis Hayes, que hasta hoy a sus ochenta años es uno de los percusionistas modernos más resistentes, dejan su huella en las pistas de dos CDs que documentan uno de los momentos álgidos de los conciertos de esta época.

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Live At Fabrik presenta al trío del pianista McCoy Tyner con el bajista Avery Sharpe y el baterista Louis Hayes y el artista invitado Freddie Hubbard en la trompeta y el flugelhorn. En realidad, la potente presencia de Hubbard transforma la unidad en un cuarteto codirigido, como reconoce el arte de la portada. El álbum es, en efecto, la crónica de un encuentro en la cumbre entre dos gigantes del jazz post-bop -uno de ellos, Hubbard, en el rebote de una caída en desgracia ocasionada por su abrazo de la fusión en la década de 1970, el otro, Tyner, un director de banda que nunca había dejado caer sus estándares.

Hubbard irrumpió en la escena a principios de la década de 1960 con una serie de álbumes en Blue Note bajo su propio nombre y el de la saxofonista tenor Tina Brooks, y no olvidemos que Tyner fue el pianista en el debut de Hubbard con su propio nombre en 1960, Open Sesame. A esto le siguieron citas con saxofonistas tenores como John Coltrane, el pianista Herbie Hancock, el baterista Art Blakey y el músico de caña Eric Dolphy. Los años 70, por el contrario, fueron en su mayor parte un terreno baldío, ya que Hubbard se dedicó a la fusión y a la búsqueda de grandes cantidades de dinero.

Tyner, por su parte, después de pasar la primera mitad de la década de 1960 como miembro del cuarteto clásico de Coltrane, mantuvo la fe, metafórica y literalmente (había cambiado su nombre por el de Suleiman Saud en 1955), libre de cargas, a diferencia de Hubbard, por la necesidad de mantener un estilo de vida caro que incluía un fuerte hábito de cocaína a finales de la década de 1970.

Pero a mediados de la década de 1980, Hubbard volvía a estar en sintonía con Tyner y estaba dispuesto a demostrarlo. El tema que abre el Live At Fabrik es una ardiente interpretación de la propulsiva "Inner Glimpse" de Tyner, en la que Hubbard iguala la intensidad de Tyner rayo a rayo, y la temperatura rara vez baja durante las dos horas siguientes.

En una entrevista de 2001 con Craig Jolley de All About Jazz, Hubbard dijo que, en los años 60, "Lee Morgan era el único joven que me asustaba cuando tocaba. Tenía mucho fuego y sentimiento natural. Yo tenía más técnica, pero él tenía ese sentimiento". Muchos oyentes, incluidos los fans acérrimos de Morgan, discutirían la parte del "sentimiento natural" de ese juicio, tanto en lo que se refiere a material de alto octanaje como "Inner Glimpse" como a baladas como "Body And Soul" de John Green y "Round Midnight" de Thelonious Monk, ambas interpretadas con gran carga emocional por Hubbard (y Tyner). El disco uno concluye con una interpretación de veintiséis minutos de "Neo-Terra" de Hubbard, escuchada previamente en su espantoso álbum de Columbia de 1976, Windjammer, producido por Bob James. En esta ocasión, la escucha es más estimulante que exasperante (aunque, para criticar, la pirotecnia de Hubbard a veces es más llamativa que sustancial).

Y la fiesta continúa. Lo más destacado de la segunda cara es la animada "Island Birdie" de Tyner y el estridente "Blues For Basie". El sonido es tal vez un poco ruidoso a veces, pero eso puede haber sido inevitable en el cavernoso espacio de la fábrica convertida en Fabrik, que apropiadamente, según las notas de presentación, en un período fabricó explosivos. Tyner y su trío causan un gran impacto a lo largo de Live At Fabrik, pero quizá el mayor motivo de celebración sea Hubbard, que vuelve con fuerza.

allaboutjazz.com

Gerald Clayton ::: Bells On Sand

Gerald Clayton ::: Bells On Sand

Bells On Sand

Gerald Clayton

Blue Note Records | Abril 1, 2022

Gerald Clayton - Bells On Sand

 

1 Water's Edge 6:39
2 Elegia 1:17
3 Damunt de tu Només les Flors 3:50
4 My Ideal 1 3:39
5 That Roy 2:16
6 Rip 3:09
7 Just A Dream 5:29
8 My Ideal 2 5:25
9 Peace Invocation 8:00
10 There Is Music Where You're Going My Friends 3:19

 

Gerald Clayton, piano, organ (on track 5) Fender Rhodes (on track 5), vibraphone (on tracks 5, 6)
John Clayton, bass (on tracks 1, 2, 3)
Justin Brown, drums (on tracks 1, 3, 5, 6)
MARO, vocals (on tracks 3, 7)
Charles Lloyd, saxophone (on track 9) 

 

"Me gusta pensar en la campana como la voz humana, la canción que llevamos dentro, así como el mensaje -el sentimiento, la emoción- que hay detrás de esta canción que cantamos". La arena hace referencia al paisaje siempre cambiante, a la naturaleza cambiante del suelo que pisamos. Hacemos sonar nuestras campanas y cantamos nuestras canciones mientras las arenas que tenemos debajo se mueven. Siempre estamos en flujo, moldeados por los elementos de la naturaleza: sol y luna, agua y viento".

El artista Gerald Clayton, seis veces nominado al GRAMMY, vuelve con Bells On Sand, su deslumbrante segundo álbum para Blue Note Records. Grabado en Sam First en Los Ángeles y en Santa Barbara Sound Design, el álbum presenta once temas de orquestación fresca y música original con contribuciones de su mentor Charles Lloyd al saxofón, su padre John Clayton al bajo, su viejo amigo y compañero Justin Brown a la batería y su nuevo colaborador MARO a la voz. Juntos, exploran el impacto y la abstracción del tiempo.

"Cada músico del disco representa un aspecto diferente del eje del tiempo y sus arenas movedizas", dice el aclamado pianista-compositor. "Mi padre y Charles Lloyd, que ha sido una figura mentora para mí, reflejan nuevas permutaciones de mi pasado, y el linaje de los mayores que han dado forma a mi desarrollo; Justin Brown, al ser mi contemporáneo y hermano musical, representa mi presente; y MARO representa el futuro: forma parte de la próxima generación, y apunta a una nueva colaboración".

La intimidad sin adornos da forma a la música. El deseo de Clayton de compartir más de sí mismo con los oyentes y con otros artistas ejerce una influencia embriagadora en sus elecciones musicales y en su meditada selección de todo el álbum. Pero lo más sorprendente es su capacidad para crear cámaras tranquilas para que los cuatro artistas sean ellos mismos. Bells On Sand se abre con una resonancia pensativa con "Water's Edge". La composición, de ritmo lento, destaca primero la relación de Clayton con el arco de John, afilado y lúgubre, antes de que Brown transforme el dúo en un trío. Cada tema original, así como "My Ideal" de Whiting y Chase, honra el viaje de Clayton a través de la soledad en 2020. Ambas tomas de "My Ideal" -dos de tres gestos en solitario- capturan arcos emocionales completamente diferentes, doblando dentro y fuera del tiempo, iguales en su honestidad. Para Clayton, su presencia en la grabación se siente integral.

"Junto al agua, experimenté sutiles cambios ambientales. Las canciones que cantaba, tocaba o escribía no eran más que una expresión de una forma particular en la arena en ese momento. Cualquier significado que hubiera detrás de lo que creaba procedía de la visión de esa creación sobre un paisaje temporal. Una canción se sentía de una manera determinada en un día determinado, y al día siguiente se sentiría y funcionaría de manera completamente diferente".

Durante la última década, la música del compositor catalán Federico Mompou ha poseído a Clayton, en la escucha y la práctica. La belleza y la precisión de esas melodías que se despliegan con ternura seguirían al artista bicastal desde su apartamento compartido en Harlem hasta su aireado dormitorio en el oeste de Los Ángeles. A pesar de haber pasado tanto tiempo con el material, Bells On Sand documenta la primera grabación de Clayton de la música de Mompou, ofreciendo exuberantes y discretas interpretaciones de "Elegia", "Damunt de tu Només les Flors" y "Paisajes II. El Lago".

"La música de Mompou está dispuesta de forma tan magistral, tan económica en la difusión de sus votaciones, que parece un poco innecesario añadirle algo original", dice Clayton. "Mis intentos de componer melodías sobre sus armonías, por ejemplo, fueron decepcionantes. Inevitablemente, volvía a lo que él había escrito".

Aunque su tratamiento de las obras de Mompou es fiel a la intención del compositor, Clayton buscó una orquestación de texturas fuera de su contexto tradicional: piano eléctrico, vibráfono, arco bajo, batería y percusión. Al provenir de una familia materna de campaneros, Mompou se convierte en un símbolo de base para Bells On Sand, pero el título también señala algo menos explícito pero totalmente universal.

Texturas similares aparecen en "That Roy" y "Rip", piezas a dúo entre Clayton y Brown. La primera la compuso en homenaje al recientemente fallecido Roy Hargrove -un mentor y amigo sin parangón de los primeros años de Clayton en Nueva York- alineándose con temas de pérdida y gratitud; la segunda sirve, en parte, como recipiente para el desarrollo sensible y casi meditativo de Brown. "La melodía es una forma que nada, atascada en un lugar", dice Clayton. "Nunca se libera realmente. Justin entendió la verdad y la tensión de ese concepto, no tuve que darle ninguna dirección. Simplemente lo entiende".

Una perla que Clayton deja caer ante los jóvenes pianistas es "No cantes lo que tocas, toca lo que cantas". La vocalización es la base de su método para abordar las melodías compuestas e improvisar otras nuevas. El lirismo que los oyentes han llegado a apreciar en su música toma forma franca en "Just a Dream". Con una ternura casi susurrada, MARO ofrece la canción de Clayton -música y letra- sobre el amor y la paternidad.

Bells On Sand culmina en un dúo extenso con Lloyd en "Invocation for Peace". El artista más joven de Blue Note ha sido un elemento relativamente fijo en la agenda de giras del mayor desde 2013. Juntos, han desarrollado una profunda empatía e intuición para las tendencias musicales del otro y sus giros espontáneos. Concluyendo con una nota de divinidad y resolución buscada por el alma, "There is Music Where You're Going My Friends" de Jeff Clayton es un himno al amor y la esperanza, grabado en memoria de su querido tío.

"Espero que estas reflexiones animen a la gente a dar un paso atrás y reconocer que nuestros testamentos -canciones, historias, intenciones- se encuentran en un paisaje siempre cambiante, mirar las cosas desde esta perspectiva ampliada podría permitir una unión entre el pasado, el presente y el futuro. Puede que nos permita abarcar la totalidad de nuestra experiencia vital. Que podamos tener en cuenta las lecciones de nuestro pasado a la hora de vivir el momento presente de forma que sirva para el futuro."

bluenote.com 

geraldclayton.com

Goldings, Bernstein, Stewart ::: Perpetual Pendulum

Goldings, Bernstein, Stewart ::: Perpetual Pendulum

Perpetual Pendulum

Larry Goldings / Peter Bernstein / Bill Stewart

Smoke Sessions Records | Marzo 25, 2022

Goldings, Bernstein, Stewart - Perpetual Pendulum

 

Larry Goldings - organ
Peter Bernstein - guitar
Bill Stewart - drums

Recorded on July 15 & 16, 2021 at Sear Sound Studio A, NYC

Produced by Paul Stache and Damon Smith
Recorded, Mixed and Mastered by Chris Allen
Studio Assistant: Will Bennett
Photography: John Rogers
Design: Damon Smith

Bill Stewart plays Zildjian cymbals and Gretsch drums

“Perpetual Pendulum” was was produced by Paul Stache and Damon Smith and recorded live in New York at Sear Sound’s Studio A on a Neve 8038 custom console at 96KHz/24bit and mixed to ½” analog tape using a Studer mastering deck. Available in audiophile HD format.

 

 

 

 

El organista Larry Goldings, el guitarrista Peter Bernstein y el baterista Bill Stewart publican un nuevo álbum que celebra más de tres décadas como trío

El movimiento perpetuo ha sido descartado como una imposibilidad por los científicos, pero quizás deberían comprobarlo con el organista Larry Goldings, el guitarrista Peter Bernstein y el baterista Bill Stewart. El trío lleva más de 30 años creando música vigorosamente oscilante y no muestra signos de desaceleración. No es una eternidad, aunque en términos de jazz podría serlo.

La longevidad de la conexión musical entre Goldings, Bernstein y Stewart fue la inspiración detrás de "Perpetual Pendulum" de Bernstein, una de las nuevas y brillantes melodías en Perpetual Pendulum, el nuevo álbum del trío. La fecha, que saldrá a la venta el 25 de marzo de 2022 a través de Smoke Sessions Records, combina los originales de los miembros de la banda con nuevas versiones de clásicos del jazz a cargo del que seguramente es el trío de órganos más longevo del jazz moderno.

"Más de treinta años es definitivamente un hito. Sobre todo si lo consideras a la luz de la historia del jazz; es extraño pensarlo, pero equivale a mantener una banda unida desde 1940 hasta 1970. Si se piensa en el poco tiempo que muchos de nuestros héroes musicales estuvieron en activo, por no hablar de tener un grupo unido, quiero decir que el cuarteto clásico de Coltrane sólo estuvo junto durante unos cuatro años. Así que es bastante significativo".

Peter Bernstein

Perpetual Pendulum se grabó el pasado mes de julio en el estudio neoyorquino Sear Sound, con el que el trío comparte una larga historia que se remonta a su segundo trabajo juntos, Light Blue, de 1992. La sesión marcó el 30º aniversario del lanzamiento de su debut, el álbum de Goldings de 1991 The Intimacy of the Blues.

Pero su historia se remonta incluso a antes. Goldings y Bernstein se conocieron en el instituto, cuando ambos asistían al programa de jazz de verano de la Eastman School of Music. El guitarrista conoció a Stewart dos años después, cuando ambos estaban matriculados en la Universidad William Paterson, y el baterista y el organista se conectaron por primera vez en una sesión de la New School. Cuando Goldings y Bernstein establecieron su lugar en el calendario semanal de Augie, probaron con algunos bateristas antes de congeniar con Stewart y establecer una voz colectiva que ha perdurado a través de tres carreras en solitario extremadamente ocupadas y el traslado de Goldings a la costa oeste.

"Todos nos compenetramos, y eso es probablemente lo más importante", dice Goldings en un intento de explicar la indefinible química del trío. "Hay muchas coincidencias en lo que nos gusta tocar y escuchar, y nuestras visiones individuales del jazz tienden a alinearse. Es difícil de decir, porque nunca lo discutimos realmente; sólo intentamos hacer buenos discos. Hemos surgido juntos".

El origen de su trío hace que el lanzamiento de Perpetual Pendulum en Smoke Sessions sea especialmente significativo. El Smoke Jazz & Supper Club, el local matriz del sello, se abrió en el antiguo emplazamiento del Augie's Jazz Bar, donde Goldings, Bernstein y Stewart establecieron su relación en un concierto regular los jueves por la noche a partir de 1989.

"Era un antro", recuerda Goldings. "Era un agujero en la pared. Nuestra noche semanal allí fue la razón por la que empecé a tocar el órgano: el tipo de locales pequeños donde podíamos conseguir actuaciones con frecuencia no tenían pianos. En Augies, pasábamos literalmente la canasta para que nos pagaran... Pero entre allí y el Village Gate, amasamos una base de fans locales. Así que es significativo que publiquemos este álbum con Smoke. Esa sala es sagrada... la grasa".

Tal vez esa grasa era parte de la magia, ya que todavía se puede escuchar en la interpretación del trío a nivel de las tripas en la canción que da título al disco, Perpetual Pendulum - comprueba el groove pegado a las costillas en "Prelude", la bluesificación de Golding del Prelude #2 de George Gershwin. O el hábil veneno que aportan a la autoexplicativa pieza de éxito político de Stewart, "FU Donald".

Stewart grabó originalmente esta última melodía en su álbum Band Menu de 2018, con un trío que incluía a Walter Smith III y Larry Grenadier. Sin embargo, sabía que encajaría perfectamente con sus colaboradores de toda la vida. "Creo que nunca he escrito nada específicamente para este trío, para ser sincero", admite Stewart. "Sólo conozco la forma de tocar de Pete y Larry, así que simplemente traigo cosas y veo lo que funciona".

Bernstein coincide. "Sé que cualquier cosa que escriba, estos chicos pueden tocarla. Armónicamente, Larry estará totalmente dentro de lo que yo pueda estar escuchando, y Bill hace que cada banda suene como una banda. No tengo que preocuparme de escribir pensando en estos tipos. Ellos han informado todo mi sonido, así que siempre son un punto de referencia en cualquier cosa que escriba".

El guitarrista aportó dos piezas al álbum. El trío retoma su "Little Green Men", que grabaron originalmente en Light Blue, en una versión ferozmente oscilante. La ya mencionada "Perpetual Pendulum" es una pieza nueva, tomada a un ritmo ardiente que provoca solos de combustión lenta tanto del compositor como de Goldings. Let's Get Lots" del organista es una melodía tan ingeniosa y juguetona como el juego de palabras de su título. La segunda composición de Stewart es "Lurkers", una pieza silenciosa y contundente que destaca por la intensidad del solo de Goldings.

Tanto "Django", de John Lewis, como "United", de Wayne Shorter, han sido durante mucho tiempo elementos básicos de los directos del trío. Grabado originalmente por los Jazz Messengers de Art Blakey en 1961, "United" está impulsado por una fuerte propulsión que finalmente estalla en un tenso intercambio entre Stewart y sus compañeros de banda. Django", una marca registrada del Modern Jazz Quartet, se abre con un elegante solo de Bernstein, que tal vez tenga en mente al homónimo de la canción, Django Reinhardt. Goldings entra con unos acordes exuberantes y florecientes antes de girar sin esfuerzo hacia un swing contundente.

A pesar del amor mutuo del trío por los estándares clásicos, "Come Rain or Come Shine" es un tema perenne que nunca habían abordado en el escenario. Un calentamiento improvisado llevó a su inclusión en el álbum, un momento brillante que muestra la cálida y fácil camaradería de los viejos amigos. Libra", de Gary Bartz, es otra de las nuevas incorporaciones al repertorio, encendida por los ritmos de la apisonadora de Stewart y con unos solos absolutamente espectaculares por parte de los tres. Reflections in D", de Duke Ellington, es el polo opuesto: aireado, elegante y tierno, flotando sobre las olas de las brillantes pinceladas de Stewart.

Si es difícil imaginar una banda con el tipo de longevidad que Goldings, Bernstein y Stewart comparten, es aún más raro encontrar una que mantenga este brillante nivel de musicalidad y química. Este valor no se pierde en el trío, como concluye Bernstein.

"Creo que todos compartimos un sentimiento puro de gratitud", dice. "Con estos gatos, me siento presionado para tocar lo mejor posible porque han escuchado todo lo que puedo hacer. Al mismo tiempo, me siento cómodo probando cualquier cosa con ellos porque sé que haga lo que haga, lo van a mantener unido. Todos hemos crecido a través de nuestras experiencias individuales, pero siempre volvemos a esto. Y esto no hace más que mejorar".

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