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Petros Klampanis ::: Latent Info

Latent Info

Petros Klampanis

Enja | Feb 14, 2025

Cuánto te gustó? 1 estrella

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1. Over the Calypsó Deep 7:10
2. Latent Info 4:55
3. Stenahória 6:38
4. Menérbes 7:13
5. When I Know the Answer 6:23
6. Falling Grace 3:33
7. Day Breaks 3:57
8. Disoriented 5:37

Kristjan Randalu - piano
Petros Klampanis - bass, electronics
Ziv Ravitz - drums

Recorded by George Karyotis at Sierra Studios, Athens, GR
Mixed by Petros Klampanis & George Karyotis
Mastered by Christoph Stickel
Produced by Petros Klampanis
Cover photo by Dimitris Lambridis

Released by Enja in collaboration with PKmusik on Feb 7, 2025
With the support of the EU and the Goethe Institute

«Petros nunca llena el espacio con palabras innecesarias. Y así es como toca el bajo»
Oded Tzur

«A veces basta con tocar una sola nota, ¡y el mundo se abre! Cada nota tiene una declaración, es importante, tiene peso. Nunca he oído a nadie hacer cantar el piano tanto como él».
Kristjan Randalu

«Petros Klampanis es un músico que siempre ha hablado desde el corazón».
DownBeat

«Klampanis imagina un cosmos urbano colorista e irreal».
Jazzthing

«Un formidable intérprete y compositor».
JazzTimes

«Se trata de una música muy emotiva, en la que los músicos reunidos ponen en juego todas sus habilidades interpretativas mientras escalan montañas en sentido figurado, luchan contra los mares y encuentran un lugar de calma centrada».
Ney York City Jazz Record

«Lo que resulta una hermosa sorpresa es el enfoque diversificado que utiliza en sus composiciones y en su interpretación».
All About Jazz

«Klampanis toca el bajo solo con un pedal de bucle para crear una 'orquesta de contrabajos' en 'Basscope' y 'Blue Cave', que están hechos con tanta maestría que se diría que es una sinfonía completa».
no treble

En el principio: la palabra. La voz de un niño. El resto: sin palabras. La música. Música instrumental. ¿Es realmente «sin palabras»? Al fin y al cabo, a menudo hablamos de ella como una forma de comunicación no verbal. Hablamos de «storytelling», de músicos que cuentan historias sin una sola línea de texto. De cómo nos hablan con su medio aparentemente sin palabras, de cómo la propia música nos habla directamente y se dirige a nosotros. Y una y otra vez, damos fe de que la música es un lenguaje. Un idioma con su propia sintaxis, gramática, melodía y vocabulario. En pocas palabras: un portador de información. O, con exuberancia poética: el lenguaje de lo no dicho. Y quizá también de lo indecible...

«Petros Klampanis es un músico que siempre ha hablado desde el corazón»

Cuando un periodista de la revista estadounidense DownBeat afirma que la música del bajista siempre sale del corazón y que habla con el corazón, no se trata en absoluto de una frase azucarada (semipoética), aunque pueda parecerlo. Y cualquiera que conozca al griego en persona y le oiga (con palabras) hablar de música no podrá sino confirmarlo: La música no sólo le gusta, sino que es una cuestión de corazón.

Encontrar palabras para lo no dicho y lo indecible no es sólo una motivación y un reto primordiales para la profesión del periodismo (musical). Es una necesidad humana fundamental. Tanto placer como frustración: porque por mucho que la lucha por las palabras supuestamente «apropiadas» o incluso «impactantes» pueda ser divertida -especialmente cuando se ve coronada por el éxito-, este apasionado esfuerzo a menudo llega a sus límites. Y eso es bueno.

Porque revela un poder primigenio de la música. Puede ser una voz para el yo interior y sacar al exterior lo que está dentro. Lo que está oculto, una vez convertido en sonido, también se hace audible para los demás, si no visible. Donde las palabras fallan o simplemente faltan, la música despliega todo su poder expresivo. A veces, un solo tono puede transmitir más que una frase ingeniosamente formulada. Incluso una nota no tocada puede lograrlo. La pausa, en particular, es una de las herramientas retóricas más expresivas de la música. Cuando algo queda sin decir en un texto pero resuena un subtexto, hablamos de «leer entre líneas». Y los matices son uno de los elementos más expresivos del arte de la música.

A veces, las imágenes también dicen más que las palabras. Una foto: Petros Klampanis en primer plano, el inmenso mar al fondo. «A los griegos nos encanta el mar. Crecí en la isla de Zante. No todo, pero gran parte de nuestra vida está marcada por la apertura del mar. Cuánto, me resulta difícil expresarlo con palabras, pero el mar define definitivamente nuestra realidad».

El hecho de que su música transmita a menudo una sensación de fluidez es sólo un indicio de la influencia del elemento agua. También se manifiesta en la expansividad de los espacios sonoros abiertos. Mirar al mar, al horizonte y al cielo nos da una sensación curativa de infinitud y calma, que se hace aún más preciosa ante nuestra sobrecarga diaria de millones de datos, información e impresiones. Klampanis es muy consciente de ello y evita lo que un espacio amplio y con mucho espacio ofrece de tentador: llenarlo. El saxofonista israelí Oded Tzur, en cuya banda ha tocado el bajista durante muchos años, resume el sentido de la economía artística de Klampanis: «Petros nunca llena el espacio con palabras innecesarias. Y así es como toca el bajo».

Menos es más. No hay rastro de verborrea musical, sino todo lo contrario. Que menos puede significar más es algo que sus colegas también saben y observan. Kristjan Randalu, un virtuoso que a veces alcanza cotas de éxtasis, demuestra que la nota que no se toca también hace la música. «A veces basta con tocar una sola nota, ¡y el mundo se abre! Cada nota tiene una declaración, es importante, tiene peso». Klampanis, cuyo sentido de la melodía confiere a la música algo vocal, también aprecia esta cualidad en su pianista: «Nunca he oído a nadie hacer cantar el piano tanto como él».

Coincidencia o no: Randalu, nacido en Tallin (Estonia) y retornado allí tras años en el extranjero, no es marino, pero sí hombre de mar: «Me he dado cuenta: En realidad soy una persona de mar, necesito esta extensión, esta apertura, este horizonte».

Ziv Ravitz, nacido en Be'er Sheva y activo durante algún tiempo en Tel Aviv, vive desde el año 2000 en la ciudad que nunca duerme, y que también es muy familiar para Klampanis y Randalu: Nueva York. Aquí, el bajista, que sigue desplazándose entre Grecia y la Gran Manzana, se encuentra con el batería, cuyo cada golpe, cada acento, está colocado como si estuviera compuesto. Su forma de tocar respira, recordándonos que la música es un arte del tiempo, que se desarrolla en el tiempo. Klampanis percibe una química adecuada durante su primera actuación juntos: Es como si personas con ideas afines simplemente se conocieran, sí, al final tienen que conocerse. «La comunidad de jazz israelí en Nueva York, sorprendentemente numerosa, es una fuerza inmensamente creativa y me atrajo. Primero conocí a Gilad Hekselman, luego a músicos como Jonathan Silverstein, Shai Maestro, Oded Tzur y Ziv Ravitz. Tocar con ellos me parece como si fueran mi familia lejos de casa».

Klampanis, Randalu y Ravitz son la prueba resonante de que años de experiencia neoyorquina, una vida en esta burbujeante metrópolis de pulso acelerado, no conducen necesariamente a un juego de poder de alta energía. Al contrario: El bullicio ruidoso de una gran ciudad también puede ser un biotopo para la poesía tranquila...

Petros Klampanis ha encontrado colegas afines. No es casualidad que para Latent Info recurra a músicos que ya pusieron en práctica en el álbum anterior, Tora Collective, lo que él pretende: crear música que apele a los sentidos y contrarreste el embotamiento general, rompiendo la coraza interior. Música que estimula la imaginación y crea películas ante el ojo interior. Que nos permite sentir el gran efecto de los medios de expresión más pequeños con todos sus matices (como el uso apenas perceptible, pero tan eficaz, de la electrónica). Música que nos permite experimentar la riqueza de un sensorium sutil y diferenciado, con estados de ánimo ambivalentes en los que se superponen y fusionan múltiples estados emocionales. Y que en «When I Know the Answer» transmite lo que es más necesario que nunca en estos tiempos: una pieza de esperanza. Pero, sobre todo, música que celebra la belleza. En lo grande y en lo pequeño.

También la belleza del momento, que puede parecer una pequeña eternidad, la magia de una pequeña ventana de tiempo, la transición de la noche al día. «Day Breaks», con el trompetista Andreas Polyzogopoulos, celebra un momento de pausa y humildad. Sobre el título de su balada «Halfway to Dawn», Billy Strayhorn escribió una vez: «Creo que todo debería ocurrir justo antes del amanecer. Es entonces cuando también deberían reunirse los gobernantes. Todo el mundo se enamoraría».

Karsten Mützelfeldt

petrosklampanis.com

Mathias Eick ::: Lullaby

Lullaby

Mathias Eick

ECM | Feb 14, 2025

Cuánto te gustó? 1 estrella

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1 September 5:16
2 Lullaby 6:57
3 Partisan 4:54
4 My Love 6:10
5 May 4:42
6 Hope 4:50
7 Free 5:42
8 Vejle (for Geir) 6:53

Mathias Eick - Trumpet, Voice, Keyboard
Kristjan Randalu - Piano
Ole Morten Vågan - Double Bass
Hans Hulbækmo - Drums

Recorded January 2024, Rainbow Studio, Oslo

Para Lullaby, el trompetista noruego Mathias Eick recurre a la formación de cuarteto en un programa que incluye algunas de sus cualidades más exploratorias e improvisatorias hasta la fecha, con un elenco de conocidos de ECM Kristjan Randalu y Ole Morten Vågan al piano y al bajo, y el recién llegado Hans Hulbækmo a la batería. Hay una fuerte sensación de abandono en estas canciones melódicas, ya que los músicos fluyen suavemente entre armonías afinadas, construyendo colectivamente el impulso desde dentro de las formas.

El tono de Eick, inmediatamente reconocible y relajante, se enfrenta a menudo al teclado de Randalu, lírico y enérgico a la vez, que vuela a lo largo de Lullaby, elevándose por encima de una sección rítmica propulsiva y siempre atractiva. En su crítica del último álbum de Eick, When We Leave, All Music destacaba cómo «la delicadeza de la doliente melodía de Eick une expresivamente los mundos sagrado y natural», una cualidad que podría decirse que es aún más cierta aquí.

«Cada vez que entro en una nueva fase de composición -generalmente para mi próximo álbum-, intento ir a un lugar diferente, buscar nuevos estilos y nuevos músicos», señala Mathias. «Con Ravensburg y When We Leave quedé tan satisfecho con el sonido y la constelación que, en un giro inusual para mí, grabé dos álbumes en el mismo contexto y con el mismo espíritu. Pero, retrospectivamente, también me recordó que quiero seguir evolucionando y desafiarme a mí mismo en la búsqueda de nuevas direcciones.»

Los paisajes pastorales, a menudo con tintes folclóricos y cinematográficos, que definían los discos anteriores de Mathias, se suavizan aquí y dejan paso a una interacción de cuarteto más unida, aunque el enfoque compositivo profundamente melancólico del trompetista permanece intacto. Los profundos ritmos de batería de Hulbækmo -el «comodín»- están omnipresentes, a veces dominantes, como en la inicial «September», y siempre acompañados por los melancólicos desarrollos de Eick. Las baladas están igualmente representadas, arrojando luz sobre una interacción más jazzística-tradicional. «Lullaby» ejemplifica la calidad expresiva del grupo en este contexto baladístico desde una perspectiva más contemplativa, ya que fue escrita a raíz de los trágicos acontecimientos ocurridos recientemente en Israel y Gaza.

Sin embargo, no es la tragedia exclusivamente lo que ha inspirado la música del nuevo álbum de Mathias. «My Love», por ejemplo, el trompetista se la dedicó a su mujer. Se la tocó, acompañado de una banda, el día que le propuso matrimonio. Es un llamativo número de jazz a medio tiempo, impulsado por la fluidez de cada intérprete y, como siempre, por el espíritu profundamente melódico de Mathias. En esta canción, como en la inquietante «Partisan», las esculpidas líneas de bajo de Morten Vågan ayudan a definir la clara expresión de las melodías e inducen un impulso particular que la batería recoge y expande.

«May», seguramente una de las piezas más inmediatas del disco, resalta la voz solista de Mathias, mientras que “Hope” se centra en la dinámica más espaciosa del cuarteto. Esta última presenta un solo especialmente sensible del «extremadamente brillante» (Eick) Randalu. Mathias subraya la importancia de trabajar por fin con el pianista estonio y lo «emocionante que fue desarrollar mi forma de tocar en coordinación con él; aprendí mucho en el proceso. Llevaba una década queriendo grabar con Kristjan. Y enseguida supe que podía escribir lo que quisiera y dejar que él rellenara los huecos».

Las líneas de pizzicato delicadamente contorneadas de Morten Vågan confieren un dinamismo especialmente palpable a gran parte del álbum, mientras que sus golpes de arco en «Free» arañan matices sobre una estructura atmosférica que acelera el ritmo en su último tercio, que cambia de temperamento. Mathias y Vågan comparten historia: estudiaron juntos en Trondheim hace 24 años y compartieron escenario con varios grupos, entre ellos Motif, la banda del bajista. «Siempre ha ido por delante», señala Mathias sobre su compañero de viaje. «Es un virtuoso y siempre ha sido un sueño para mí contar con él en mi grupo».

«Vejle for Geir», introducida de nuevo por el profundo arco de Vågan, es un crescendo tardío hacia un terreno más jazzístico, con su pulso impulsor que quizá revele la otra inspiración que Mathias tenía en mente al escribir la música de Lullaby: «Me inspiran mucho las grabaciones de ECM de los años 70, en particular los álbumes de Keith Jarrett con el llamado cuarteto europeo, la libertad que tenían. Álbumes que son hitos en la vida de mucha gente, incluida la mía. Así que mi idea era crear una banda influenciada por esa energía -una energía diferente- y ese sonido acústico».

Grabado en el Rainbow Studio de Oslo, el álbum ha sido producido por Manfred Eicher.

*
Mathias está de gira por toda Europa desde febrero hasta abril, presentando la nueva música en la carretera. Publicado sólo un mes antes que su propio álbum, Eick también aparece en la nueva grabación del pianista Benjamin Lackner, Spindrift, y se unirá al pianista en su gira por Europa a lo largo de enero, junto a Mark Turner y otros.

El catálogo de Mathias Eick es uno de los más amplios de la lista de ECM del siglo XXI, con muchas grabaciones como líder pero una cantidad igual de colaboraciones, entre ellas el álbum Evening Falls (2004) y Sideways (2007) como parte de los grupos de Jacob Young, varias citas con Iro Haarla, Playground de Manu Katché en 2007, el grupo Wind And Sun de Sinikka Langeland y más recientemente junto a Benjamin Lackner.

Su debut como líder The Door (2008) presentó al trompetista en un cuarteto con Jon Balke, Audun Erlien y Audun Kleive - todo un «logro» según la revista Jazztimes con el «paciente estilo de tocar de Eick que sugiere una madurez más allá de sus años.» Skala (2011) y Midwest (2015) siguieron con formaciones cambiantes y con gran éxito, ya que «el jazz modal y los idiomas folclóricos del norte de Europa a menudo funcionan bien juntos, y ciertamente lo hacen aquí». «Eick tiene un tono hermoso y escribe temas atractivos, por turnos inquietantes y enérgicos» (The Observer).

Para Ravensburg (2018) se reveló otra configuración, con Mathias acompañado por el violinista Håkon Aase, el pianista Andreas Ulvo, Audun Erlien al bajo eléctrico, Rostein Lofthus a la batería y el percusionista Helge Andreas, una formación que se mantuvo sin cambios para la continuación de When We Leave (2021), excepto por la adición de Stian Carstensen al pedal steel, recordando los tintes folk americanos de la anterior grabación Midwest. «El estilo pictórico de la trompeta de Matthias Eick -susurrante, murmurante, pero poseedor de un enfoque de clarín- ha sido una característica destacada del jazz noruego en la última década. When we leave', su cautivador nuevo álbum en ECM, refuerza su destreza adicional como director de orquesta, así como organizador del sonido». (Nate Chinen, WBGO)

mathiaseick.no
ecmrecords.com

Isabella Lundgren ::: What Cannot be Told

What Cannot be Told

Isabella Lundgren

Bolero Recordings | Feb 14, 2025

Cuánto te gustó? 1 estrella

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1 What Cannot Be Saved 6:00
2 Love Is Not a Beast To Tame 4:07
3 Speak Loud 5:45
4 Iron Cage 5:26
5 What Cannot Be Told 3:42
6 Over Seventy Thousand Fathoms of Water 3:03
7 A Sacred Ground 4:13

Isabella Lundgren, vocals
Johan Lindström, pedal steel, guitar
Martin Hederos, piano, keyboards
Nils Törnqvist, drums
Dan Berglund, bass

«What Cannot Be Told, es un intento de decir lo que no se puede decir, pero que es necesario decir. Este disco es una declaración de amor al misterio. A nuestra frágil humanidad. Este disco es la historia de cómo respiré hondo, renuncié a todo y aprendí a amar. Como escribió Rilke: Amar las preguntas más que las respuestas».

La estrella del jazz Isabella Lundgren es una de las vocalistas de jazz más destacadas de Suecia, famosa por su increíble voz y su intensidad única que cautiva al público. Ahora publica nueva música en colaboración con el genio musical Johan Lindström. Su nuevo álbum, «What Cannot Be Told».

Les acompañan en el escenario Martin Hederos (The Soundtrack of Our Lives, Tonbruket, etc.), Dan Berglund (E.S.T., Rymden, Tonbruket, etc.) y Nils Törnqvist (Amason, Träd Gräs och Stenar, etc.).

"Es fácil amar lo que es bello, pero ¿qué hago con todo lo demás? Aquello dentro de mí y en el mundo que chirría, que está deformado. Esta es una oración para poder amar lo que no se puede salvar."

Así habla Isabella del single «What cannot be saved», el primer sencillo del nuevo álbum. Sus palabras y tonos han adquirido un nuevo color y forma en el encuentro con el don creativo único de Johan Lindström. Es música que se mueve entre géneros y mundos y que, tanto en las palabras como en el tono, busca precisamente el anhelo inefable que existe dentro de nosotros.

Isabella Lundgren es una de las principales cantantes de jazz de Suecia y una artista de talla mundial. Con una voz fantástica y una intensidad única, tiene la capacidad de cautivar literalmente a su público. Isabella ha sido nominada a un Grammy y ha recibido numerosos premios y becas. En los últimos años, la hemos visto cantar tanto en la Gala del Deporte como en el Concierto de Año Nuevo de la SVT, Allsång en Skansen y en På Spåret. En 2016, Isabella dio una charla de verano que llamó la atención en P1, donde destacó varios de los temas de la vida que también se reflejan y son centrales en su música.

Johan Lindström es, sin duda, uno de los músicos y compositores más solicitados de Suecia, conocido como guitarrista & pedal steel guitarist en los cuatro veces ganadores del Grammy Tonbruket y su propio Johan Lindström Septett. También es conocido porque, como productor, a menudo consigue captar pepitas musicales insospechadas en los artistas. Rebecka Törnqvist, Elvis Costello, Ane Brun, Freddie Wadling, Totta Näslund, Titiyo y Anna Ternheim son sólo algunos de los artistas con los que ha colaborado Johan Lindström, y ahora Isabella Lundgren también se ha añadido a esta sólida lista.

***

Durante los últimos tres años, Isabella Lundgren ha trabajado con el músico y productor Johan Lindström en el álbum «What Cannot be Told». Sus palabras y tonos han cobrado nuevo color y forma en el encuentro con el don creativo único de Johan. Es música que se mueve entre géneros y mundos, que tanto en palabras como en tono busca el anhelo inefable que hay dentro de nosotros. Isabella es responsable de todas las letras del álbum y la música ha sido escrita por Isabella con varios co-compositores.

Isabella sobre «What Cannot be Told»: «What Cannot Be Told, es un intento de decir lo que no se puede decir, pero que es necesario decir. Este disco es una declaración de amor al misterio. A nuestra frágil humanidad. Este disco es la historia de cómo respiré hondo, renuncié a todo y aprendí a amar. Como escribió Rilke: Amar las preguntas más que las respuestas».

isabellalundgren.com

John Patitucci ::: Spirit Fall

Spirit Fall

John Patitucci

Edition Records | Feb 14, 2025

Cuánto te gustó? 1 estrella

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1. Think Fast 6.51
2. Pole Star 6.58
3. Deluge on 7th Ave 6.03
4. Thoughts and Dreams 3.41
5. Spirit Fall 6.18
6. Lipím 7.39
7. Silent Prayer 4.53
8. House of Jade 6.53
9. Light in the Darkness 2.51
10. Sonrisa 6.50

John Patitucci - Acoustic & Electric Basses
Chris Potter - Soprano & Tenor Saxophones, Bass Clarinet
Brian Blade - Drums and Percussion

Music composed by John Patitucci ©Iccutitap Music
except for “House of Jade,” by Wayne Shorter ©Miyako Music

Produced by John Patitucci & John Davis
Executive Producer: Dave Stapleton
Associate Producer: Sachi Patitucci

Recorded by John Davis at The Bunker Studio, 22nd August 2024
Mixed by John Davis
Mastered by Alex DeTurk

Album artwork and letterpress printing by Oli Bentley, Split
Photography by Sachi Sato

Spirit Fall de John Patitucci, con Brian Blade y Chris Potter, marca su debut en Edition Records, mezclando jazz, música clásica e influencias globales para mostrar su arte como bajista visionario y director de orquesta.

El nuevo álbum de estudio de John Patitucci, Spirit Fall, con Chris Potter y Brian Blade, debuta en Edition Records, explorando temas de unidad, crecimiento espiritual e innovación musical para mostrar su arte como bajista visionario y líder de banda.

John Patitucci, uno de los bajistas y compositores más influyentes de su generación, anuncia el lanzamiento de su último álbum de estudio, Spirit Fall, en el que participan el renombrado saxofonista Chris Potter y el venerado baterista Brian Blade, y que se publica en Edition Records. Spirit Fall es un proyecto profundamente personal para Patitucci, que refleja su compromiso con la creación de música que fomente la unidad y el crecimiento espiritual en el fragmentado mundo actual.

«En tiempos como los actuales, la música tiene el poder de salvar divisiones y elevar nuestro espíritu colectivo», afirma Patitucci. «Con Spirit Fall, quería llegar a través de nuestro arte, conectando no sólo con la familia y los amigos, sino con todo el mundo, especialmente con los marginados».

El álbum se inspira en la rica tradición de la música de trío neoyorquina, haciéndose eco del espíritu innovador de leyendas como Sonny Rollins, Joe Henderson y John Coltrane. Un tema destacado, «Deluge on Seventh Avenue», capta la esencia de una memorable semana actuando en el Vanguard bajo una intensa lluvia, una vívida metáfora de los retos y la euforia inherentes al proceso creativo.

En colaboración con Chris Potter y Brian Blade, Patitucci ha creado un trío que combina a la perfección melodías intrincadas con ritmos dinámicos. La introducción de un bajo eléctrico de seis cuerdas enriquece la textura armónica, permitiendo al bajo tanto dirigir como apoyar, y a las composiciones explorar melodías definidas y secciones acordales. «Este trío es un fiel reflejo de mi viaje como director de orquesta», comenta Patitucci. «Se trata de destilar las influencias de los grandes con los que he tocado -como Chick Corea, Wayne Shorter y Herbie Hancock- en algo muy personal».

La carrera de John Patitucci abarca más de cuatro décadas, durante las cuales se ha convertido en una piedra angular del jazz fusión moderno. Su trabajo con la Elektric Band de Chick Corea y sus colaboraciones con iconos como Wayne Shorter y Herbie Hancock no sólo han dado forma a su propio arte, sino que también han influido en innumerables músicos de todo el mundo. Los proyectos en solitario de Patitucci, como Line by Line y Songs, Stories & Spirituals, ponen de manifiesto su capacidad para fusionar jazz, música clásica, funk y músicas del mundo, lo que le ha valido varios premios Grammy y un público fiel en todo el mundo.

Con Spirit Fall, Patitucci sigue superando los límites del jazz contemporáneo, reafirmando su papel de compositor y director de orquesta de primera fila.

johnpatitucci.com
editionrecords.com

Omar Thomas Large Ensemble ::: Griot Songs

Griot Songs

Omar Thomas Large Ensemble

Omar Thomas Music | Feb 7, 2025

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1. The Sun in September 9:14
2. Sail to the Moon 13:18
3. Obeah Woman 12:06
4. Nothing There 10:10
5. Episode d'Azur 8:59
6. The Path 17:10
7. A Touch of Obsidian, A Flash of Scarlet 12:07

Omar Thomas, composer/arranger/bandleader

RHYTHM: Marc Cocheo, electric & acoustic guitar; Alex Brown, piano/Fender Rhodes; James Heazlewood-Dale, electric & acoustic bass; Mark Walker, drums/percussion; Jacob Means, mandolin; Reese Maultsby, prepared vibraphone.

REEDS: Mark Zeleski, also saxophone/clarinet; Jon Bean, tenor saxophone/clarinet; Lihi Haruvi, alto & soprano saxophone/flute; Kenny Pexton, tenor saxophone/flute/clarinet; Brian Landrus, baritone saxophone/bass clarinet/flute/alto flute.

TRUMPETS/FLUGELHORNS: BiJon Watson, Josh Reed, Dan Rosenthal, & Jason Palmer.

TROMBONES: Will Ford, Evan Amoroso, Randy Pingrey & Chris Beaudry on bass trombone.

«Hay algo en la intensidad y la pasión que lo convierte en un hallazgo raro en el género de las big bands. Desafía tales etiquetas, con composiciones y solos que los oyentes encontrarán inspiradores y satisfactorios.»
- Tom Henry, Toledo Blade

«Con GRIOT SONGS, el impresionante tercer lanzamiento del Omar Thomas Large Ensemble, Thomas, nacido en Brooklyn, crea una narrativa profundamente personal y emocionalmente cargada a través de la música. Tras dieciséis años de trabajo, el álbum entreteje sus experiencias, inspiraciones y herencia en una declaración de big band moderna como ninguna otra».
- Tim Larsen, jazzviews.net

«Las siete canciones de 'Griot Songs' hacen lo imposible por crear un álbum que es más excelente que la suma de sus partes».
- Preston Frazier, Slang of Ages

«Música con tonos expresamente épicos, solemnes y sugerentes, por tanto, que fluye a través de los siete episodios del programa, pero que no escatima en oleadas y destellos de vivacidad arrolladora (y a veces incluso eléctrica) tanto en los solos como en las partes de sección de sus excelentes intérpretes. Una formidable máquina sonora a las órdenes de un magnífico compositor».
- Elio Bussolino, Rockerilla

«Se podría hablar durante horas de este álbum. Los instrumentos se convierten en narradores, tejiendo historias que transportan el alma a través de culturas, lejos de caminos conocidos. Exigen que sintamos más que veamos o toquemos, una invitación, quizás, a comprometernos con la esencia misma del arte, ya sea fugaz o eterno. ¿Y no es éste el propósito de todo arte? Más allá de su originalidad, la grandeza de este álbum nos obliga a reconocerlo como nada menos que esencial para cualquier persona pensante».
- Thierry De Clemensat, PARIS-MOVE

«Griot Songs sitúa firmemente a Omar Thomas en el panteón de los escritores distinguidos y excepcionales. Desdibuja las líneas estilísticas de la mejor de las maneras con una historia sónica de 'corazón y alma' texturalmente convincente y propia».
- Terri Lyne Carrington, baterista y compositora ganadora de un Grammy.

«Omar Thomas... demuestra ser un griot moderno, que recoge influencias, tradiciones y relatos del pasado y del presente, y los enmarca de una manera que a veces es tierna, dramática, mística y alegre, pero siempre absolutamente cautivadora».
- Chuck Owen, compositor y director de orquesta nominado al Grammy

El galardonado compositor y arreglista Omar Thomas teje vivas narrativas emocionales en su estimulante proyecto de ensueño, Griot Songs. Marca el regreso del Omar Thomas Large Ensemble después de más de una década, con solistas como Jason Palmer, Mark Zaleski, Alex Brown, Mark Cocheo y otros.

En la tradición del África Occidental, el griot es un narrador, poeta y músico cuyas canciones se convierten en depositarias de las tradiciones y la historia de una comunidad. «Griot Songs», el impresionante tercer disco de Omar Thomas Large Ensemble, es una interpretación muy personal y emocionalmente vívida del papel del griot moderno. A través de sus composiciones y arreglos visionarios, Omar Thomas teje historias convincentes a partir de sus propias experiencias, inspiraciones y herencia.

Ha pasado más de una década desde la publicación del último álbum del Omar Thomas Large Ensemble, «We Will Know: An LGBT Civil Rights Piece in Four Movements». La percusionista y compositora Terri Lyne Carrington, ganadora de un Grammy, lo elogió como «una obra maestra de múltiples capas que invita a la reflexión». La big band tuvo un auspicioso debut en 2013 con «I Am», que alcanzó el número uno en las listas de jazz de iTunes. Pero Griot Songs, publicado el 7 de febrero de 2025, es el proyecto que Thomas había imaginado desde que formó el conjunto en 2008 para su concierto final como compositor en el Conservatorio de Nueva Inglaterra. Las primeras versiones de tres de las piezas del álbum datan de esa época, mientras que las demás surgieron a lo largo de varios años de composición, revisión y sueños.

Desde entonces, Thomas se ha consolidado como un célebre y solicitado compositor para banda de viento. En 2019, recibió el Premio National Bandmasters Association/Revelli por su composición para banda de viento «Come Sunday», el primer compositor negro en los 42 años de historia del concurso. También es un respetado educador y actualmente es profesor adjunto de composición y estudios de jazz en la Universidad de Texas en Austin.

Con «Griot Songs», Thomas regresa apasionadamente a sus raíces. «Estaba preparado para volver a presentarme como compositor de big band», explica.

Si Griot Songs es una presentación, se trata de una presentación notablemente segura y vital, en la que Thomas se reivindica como una voz distintiva en el panorama moderno de las big bands. El trompetista Sean Jones alaba su «profunda sofisticación, imaginación, entonación conmovedora y empuje... La capacidad de capturar a la perfección el sonido de América es la bendición que es Omar Thomas». Cada uno de los temas del álbum -cinco composiciones originales y dos inspirados arreglos- recorre un amplio abanico de terrenos emocionales. Su duración, a menudo épica, permite que la música respire y evolucione a través de la compleja arquitectura de Thomas y los apasionados solos de su estelar conjunto.

El primer tema del álbum, «The Sun in September», se inspira en una oportunidad tristemente perdida. Escrita en 2008, cuando Thomas asumió su primer puesto como profesor en el Berklee College of Music, reflexiona sobre su estancia en el NEC, donde acababa de terminar su máster. Se había matriculado en el conservatorio para estudiar con Bob Brookmeyer, pero los problemas de salud del legendario compositor y arreglista (fallecido en 2011) impidieron que las clases llegaran a tener lugar.

«The Sun in September» es la idea que Thomas tiene de la composición que habría llevado a sus sesiones con Brookmeyer, subrayada por la delicada introducción de la soprano Lihi Haruvi y un altísimo solo de Jason Palmer. «Utilizo los 'ismos' de Bob Brookmeyer como yo los interpreto, no porque haya estudiado con él, sino porque lo estudié a él», explica Thomas.

Brookmeyer fue uno de los compositores y arreglistas que introdujeron a Thomas en el mundo de los grandes conjuntos. Como trombonista, tocó en conjuntos de jazz de secundaria y bachillerato y estaba familiarizado con los arreglos estándar de big band, pero su director de banda de la universidad le mostró otras posibilidades mucho más diversas. «Durante el primer semestre, pasé de los arreglos de Mark Taylor y Stan Kenton a los de Bob Brookmeyer, Jim McNeely, Maria Schneider y John Hollenbeck, y eso me abrió literalmente el mundo. No me había dado cuenta de que las grandes bandas podían o se les permitía hacer eso. Fue como si un ser bidimensional viera la tercera dimensión por primera vez».

Thomas estudió más tarde con Schneider, Ken Schaphorst y Frank Carlberg, y obviamente se tomó muy en serio estas impresiones. Su arreglo de «Sail to the Moon» de Radiohead (del álbum «Hail to the Thief» de 2003) es una audaz ampliación del original, que es más de tres veces más largo pero conserva su atmósfera cósmica única. «En lugar de limitarme a sobrevolar el planeta», dice Thomas de la canción, “quería aterrizar en su superficie y explorarla”.

El otro arreglo de Thomas para Griot Songs es «Episode d'Azur» de Lyle Mays, que apareció originalmente en el álbum de 1996 del Pat Metheny Group «We Live Here». El emocionante arreglo de Thomas es un homenaje a esta influyente banda, que le causó una profunda impresión en su juventud, y al teclista y compositor, trágicamente fallecido en 2020 a la edad de 66 años.

Los apasionados grooves y el fogoso espíritu de «Obeah Woman» surgen de las prácticas espirituales de las raíces caribeñas de Thomas, nacido en Brooklyn de padres guyaneses. La belleza tempestuosa de «Nothing There» tiene una inspiración más inmediata y universal: es simplemente una canción de ruptura, aunque especialmente sofisticada. «The Path» es un homenaje a la amiga de Thomas, Becca Roach, que en su propio camino prestó ayuda médica en orfanatos de zonas remotas de China, Guatemala y Zimbabue y recorrió senderos como el Jardín de los Dioses en Colorado con el compositor.

El tema final del álbum, «A Touch of Obsidian, A Flash of Scarlet», surgió de la más improbable de las chispas: la final de Project Runway en 2008. Thomas quedó tan impresionada por los colores y la sensualidad de la colección del ganador, Christian Siriano, inspirada en los conquistadores, que casi todo el material de esta encantadora pieza se escribió en cuanto sonaron los créditos del programa.

«Todas estas piezas son importantes para mí personalmente, por razones muy diferentes», explica Thomas. «Pero también se unen para formar una historia cohesionada que quiero contar al oyente. No escribí ni conceptualicé estas piezas para un álbum, pero a medida que trabajaba en ellas a lo largo de los años, empecé a descubrir una forma muy clara de historia, tanto que no puedo imaginar las piezas en otro orden porque no tendrían sentido emocionalmente.»

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El galardonado compositor, educador y arreglista Omar Thomas ha sido descrito por Herbie Hancock como una «nueva y prometedora voz en el futuro desarrollo del jazz» y ha trabajado ampliamente con música de conjuntos de jazz contemporáneo. Thomas nació en 1984 de padres guyaneses en Brooklyn, Nueva York, y fue alumno de los renombrados compositores y profesores Ken Schaphorst y Frank Carlberg. Estudió con la compositora y directora de orquesta Maria Schneider, ganadora de varios premios Grammy. Sus obras de jazz y estilo clásico han sido interpretadas por conjuntos tan diversos como el Eastman New Jazz Ensemble, los coros de hombres homosexuales de San Francisco y Boston, la banda de la Marina de los Estados Unidos «The President's Own», la Orquesta Sinfónica de Colorado, la Orquesta Sinfónica de Houston y la Showa Wind Symphony. Sus arreglos han sido interpretados por conocidos cantantes como Stephanie Mills, Yolanda Adams, Nona Hendryx, BeBe Winans, Kenny Lattimore, Marsha Ambrosius, Sheila E., Raul Midon, Leela James, Dionne Warwick y Chaka Khan. Su trabajo puede escucharse en el álbum «Beautiful Life» de Dianne Reeves, ganador de un Grammy. Actualmente es Master Educator de Yamaha y Profesor Adjunto de Composición y Estudios de Jazz en la Universidad de Texas en Austin.

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