Lamentamos no poder salir hoy con nuestro programa, en el horario habitual emitiremos el programa difundido el 17 de noviembre proximo pasado. Y para compensar dispondremos como Recomendado un disco fenomenal de la morena Geri Allen, Timeless Portraits and Dreams, del año 2006. Eso para dentro de un rato…
Saludos y los esperamos esta noche a las 21hs (Este) o 22hs (Oeste), para revivir o descubrir esta emision del 17 de nov…
El cineasta Español Gutiérrez Aragón coordina una serie documental sobre la música de la isla
Fuente: elpais.com
Por: Mauricio Vicent – La Habana – 01/12/2008
Manuel Gutiérrez Aragón regresa a las pantallas de TVE con una serie documental sobre la música cubana que propone un viaje muy libre por los ritmos y la historia musical de la isla, con especial acento en géneros y estilos poco habituales, como el jazz afrocubano, el filin o la fusión. Gutiérrez Aragón dirige el proyecto -concebido y realizado antes de que el cineasta anunciara su retirada-, que consta de cuatro capítulos de 50 minutos, cada uno dirigido por un realizador cubano, y un quinto documental más íntimo y testimonial del propio Gutiérrez Aragón, Música para vivir, que parte de la tesis de que en Cuba la música es mucho más que música. «Es un alimento; casi una forma de vivir y entender la vida», explica.
Los tres primeros capítulos de la serie, producida por Antillana de Comunicación, TVE y el Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográfica , serán presentados durante el 30 Festival del Nuevo Cine Latinoamericano, que comienza mañana en La Habana. TVE emitirá la serie el año próximo.
Los personajes centrales de la historia de Gutierrez Aragón son los bailadores de Santa Amalia, un grupo de amigos que desde hace 60 años se reúnen periódicamente a bailar jazz. El cineasta rodó en La Habana en febrero y contó con colaboraciones de lujo, como la del pianista Chucho Valdés y el cantante Pablo Milanes, si bien el corazón del filme son los integrantes de la peña de bailadores.
«Ellos mantuvieron esa tradición incluso en momentos duros, a principios de los años sesenta, cuando la música norteamericana fue considerada en Cuba un ‘instrumento de penetración imperialista». Juan Picasso y Roberto Manzano, dos de sus protagonistas, ya septuagenarios, funcionan como hilo conductor de una historia que recrea la memoria de aquellos fabulosos lugares donde solían reunirse -la mayoría desaparecidos-, pero que es sobre todo el símbolo de una amistad tejida alrededor de la música.
La serie ha sido concebida de forma libre para tratar de atrapar historias de la música cubana, sin caer en tópicos. La joven Patricia Ramos dirige Ampárame, capítulo que indaga en las relaciones entre la música y la religiosidad en Cuba, y en el que intervienen artistas como Juan Formell, Chucho Valdés o José María Vitier. Arturo Soto se ocupa del documental sobre la fusión, y parte de una sobremesa en la que participan los músicos Sergio Vitier, Zenaida Romeu, Cesar Lopez y Yusa, en la que se concluye que en Cuba todo es fusión. Rebeca Chávez realiza el capítulo dedicado al filin, en el que desfilan las glorias del género: José Antonio Méndez, Cesar Portillo de la Luz o Elena Burke. Pavel Giroud traza el perfil del jazz afrocubano y rescata la memoria de genios como el pianista Frank Emilio, ya fallecido, que ahora además de ser reconocido en Cuba lo será en el exterior. Es una de las grandes riquezas de la serie de Gutiérrez Aragón.
Es uno de los mejores trompetistas de la actualidad. Vivió un tiempo en Buenos Aires y admira al Gato Barbieri. El lunes toca con su quinteto.
Por: Sandra de la Fuente
Fuente: Especial para Clarin
«En el jazz que me gusta, cada uno tiene su sonido. de berklee salen musicos como pollos industriales», dice Rava.
Con un único concierto, el lunes 8 en La Trastienda, el genial trompetista italiano Enrico Rava volverá a presentarse en Buenos Aires con un quinteto que completan el saxofonista Mauro Negri, el pianista Giovanni Guidi, el contrabajista Piero Leveratto y el baterista Fabrizio Sferra. «Es cierto que me gusta más tocar en teatros que en clubes. Ya no disfruto de tocar hasta altas horas de la noche, ni de hacer varias entradas como suelen exigir los clubes», reconoce el músico en charla telefónica con Clarín. «Pero cuando en el club hay público amigo y vibraciones antiguas como seguro habrá en La Trastienda, no hago diferencia».
Las vibraciones antiguas que Rava confía encontrar se remontan a la Buenos Aires de los años 60, donde vivió junto con su primera mujer porteña, y disfrutó de la efervescencia cultural del Instituto Di Tella y del free jazz del Gato Barbieri, estandarte de la siempre postergada Revolución. «De aquellos años increíbles quedó un disco -recuerda-, que se convirtió en clásico del free jazz, un concierto en vivo con Steve Lacy, grabado en Córdoba, con la producción artística de Ginastera».
En su música actual aparentemente no quedan rastros del free jazz. ¿Reniega de aquello?
No reniego de nada de lo que hice. Seguramente hacer free me sirvió para algo pero también me hizo bastante daño.
¿Daño?
Sí, porque para hacer esa música abandoné la buena técnica, destruí sistemáticamente durante 5 o 6 años lo poco que había construido. Me costó mucho volver a encontrar el sonido justo, la manera apropiada de empujar. En aquel tiempo se decía que la técnica era algo burgués. ¡Qué estupidez!
¿Juzga de igual manera el pensamiento político de aquellos años?
Sé que hay muchos jóvenes que piensan mal de mí cuando digo esto, pero creo que en Italia todavía estamos pagando la demagogia de esos años. Nuestra actual clase dirigente está formada por esos chicos, los del 68, que se diplomaron sin estudiar porque total con la militancia alcanzaba. Médicos que no saben de medicina, jueces que no saben de leyes. Lo estamos pagando caro.
Del mismo modo que se alejó del free se reencontró con la tradición de la música italiana; su disco «L’Opera Va» pone de manifiesto ese movimiento.
Desde muy chico fui fan del jazz y sentía aversión por la ópera. Es que en mis años de infancia no se podía prender la radio sin escuchar a una soprano cantando Verdi. Detestaba esa música, pero tengo que reconocer que había allí melodías que me tocaban muchísimo. Arrastré ese amor-odio durante muchísimo tiempo. Cuando regresé a Italia después de unos años de vivir en los Estados Unidos empecé a frecuentar la ópera, un poco incentivado por mi segunda y actual mujer. Mi idea de esa música cambió por completo. Me di cuenta de que debía revisar la relación con mi propia tradición.
¿Qué descubrió a partir de esa revisión?
Que Puccini es una figura esencial para la música popular, que es el padre del musical americano; que Gil Evans tomó mucho de obras como Manon Lescaut. Mi nuevo amor a esa vieja música me llevó también a descreer de los encasillamientos geográficos: la música es música y basta. No me siento acomplejado por hacer jazz en Europa. El jazz nació en Nueva Orleans, sí. Su ritmo no es sino un recuerdo de Africa, porque los ingleses cancelaron el ritual, los instrumentos y el idioma original. Ese recuerdo se mezcla con la música sagrada francesa e inglesa y también con la ópera, porque a Nueva Orleans llegaba una línea directa de barcos de Palermo. El primer disco de jazz fue de la Original Dixieland Jass Band dirigida por el siciliano Nick La Rocca. El jazz de Nueva Orleans estaba lleno de italianos.
¿Y hoy? ¿Qué hay de cierto en eso de que lo mejor del jazz viene de Italia?
El nivel técnico es muy alto, pero hay muy pocas voces originales. Soy Doctor Honoris Causa de la Berklee, de donde salen músicos como pollos industriales, músicos que tocan fenómeno en orquesta o solos, con una lectura perfecta. Pero en el jazz que me gusta cada uno tiene su sonido. Antes los músicos se inventaban la técnica y la guardaban celosos. Freddy Keppard tocaba con un pañuelo para esconder su digitación. Gillespie tenía muchísimos trucos que ni siquiera mirándolos se aprendían. Había que hablar con esos músicos, ser su amigo para que te regalaran una pequeña porción del gran secreto de su magia.
[audio:Terje Rypdal-Double Concerto.mp3|titles=Double Concerto Op. 58 Movement II|artists=Terje Rypdal]
El fantastico guitarrista noruego Terje Rypdal es un verdadero fenomeno, por su eclectisismo, por sus reconocidas capacidades como instrumentista y compositor, por sus atrapantes climas… Este musico se mueve con naturalidad entre generos tan dispares como el rock, la musica clasica o la musica contemporanea, lease el jazz, la fusion. Una comodidad que su notable talento resuelve con ajustes majistrales, todos los estilos se encuentran en la musica de Rypdal, un encuentro entendido como la comunion de ellos y no como expresion del mero hallazgo de estilos mezclados en sus composiciones.
El trabajo que hoy ofrecemos grabado en el año 1998 para ECM junto a la Riga Festival Orchestra dirigida por Nordmunds Sne, supone una continuacion de trabajos anteriores del mismo tenor «Whenever I Seem To Be Far Away», «Undisonus» y «Q.E.D», donde el segundo citado «Undisonus» recibio el premio «Disco del Año» de la Asociación de Compositores de Noruega a mediados de los ’80 ademas de la aprobacion de la comunidad de musicos clasicos.
Rypdal, de un comienzo rockero, comparte su obra con el guitarrista Ronni Le Tekro fundador de la banda de rock TNT de fuerte presencia e influencia en su pais durante aquellos años. No es la primera vez que ambos guitarristas trabajan juntos, en 1990 Rypdal compone «The Big Band» una obra para orquesta sinfonica, coros, y dos guitarras electricas, dos años mas tarde el Double Concerto para dos guitarras eléctricas y la Orquesta Sinfónica fue encargado por la Sinfónica de Trondheim, donde vuelven a tocar juntos. En los meses que siguen vuelven a tocar el Double Concerto con diferentes orquestas: la Orquesta Sinfónica de Turkku en Pori, Finlandia en dos oportunidades; una vez mas con la Sinfónica de Trondheim en el Festival de Molde en Noruega y con la Orquesta Sinfónica de Basilea, en Suiza.
Por entonces la convivencia y la comunion entre ambos guitarristas produjeron otros registros, esta vez dos discos de rock: «Rypdal / Tekro» (1994) y «Rypdal / Tekro II» (1997).
Rypdal fue invitado a tocar en Letonia junto a la Riga Festival Orchestra el Double Concerto, donde la rapida intervencion e interpretacion de la musica del guitarrista por parte de su director Nordmunds Sne, alimentaron la concrecion de una grabacion en los estudios de ECM, siendo la primera vez que en una produccion de ECM intervienen dos guitarras electricas.
Terje Rypdal muestra en esta obra su increible capacidad para permitir la convivencia de estilos e instrumentos impropios para una sinfonica como una guitarra electrica (dos en realidad!!), haciendo creible el encuentro pacifico y poetico entre ambos mundos…
Terje Rypdal – Double Concerto | 5th Symphony | Cuánto te gustó?
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Hola gente…, ya en diciembre, mes de fiesta, reuniones y encuentros y muy cerca tambien del cierre del ciclo. Las aperturas como en las ultimas semanas dedicadas a Terje Rypdal, el fenomenal guitarrista noruego, en duo con Ketil Bjoernstad en un disco ya presentado, Life in Leipzig, pero de una factura fenomenal. Luego Christian Vander Trio desde Jour après jour, el baterista frances en un trio formidable. Mas con el polifacetico y fructifero trompetista Dave Douglas desde Songs For Wandering Souls, un disco fantastico con una de sus tantas formaciones el Tiny Bell Trio. una rara formacion completada por guitarra electrica y bateria.
Escucharemos al bajista John Lindberg desde Quartet Afterstorm. Lindberg, afamado musico reclutado por otros grandes como Anthony Braxton, Jimmy Lyons, Steve Lacy, Albert Mangelsdorf, entre tantos otros, es ademas fundador del consagrado String Trio de Nueva York. Mas con la genial vocalista Dee Dee Bridgewater y Red Earth, su ultima produccion con mucho aire africano. Luego otra genial cantante y maestra de la anterior, la gran Ella Fitzgerald con un singular disco grabado junto a Joe Pass: Fitzgerald & Pass…Again, un disco fantastico…
Seguimos con otra cantante Nancy Wilson acompañando a un muy buen pianista, Ramsey Lewis, el disco Meant to Be grabado en 2002.
Pasando al blues…
Homenajeando la venida de Magic Slim, que se presenta el próximo miércoles 3 de diciembre, repasamos su historia. Este lejendario músico oriundo del Mississippi, comenzó a demostrar interés por la música al anotarse en el coro de la iglesia y construir una guitarra de alambre que fijaba en una pared para tocarla. SU primer instrumento fue el piano, pero debido a un accidente que sufrió trabajando en los campos de algodón, a causa del cual perdió el dedo meñique de su mano derecha, pasando definitivamente a la guitarra. A la edad de 11 años se trasladó con su familia a la ciudad de Grenada, también en el estado de Mississippi donde se hizo amigo de uno de sus vecinos, Samuel Maghett (Magic Sam), quien le enseñó algunos pequeños trucos con la guitarra. En 1955, con 18 años, realizó su primer viaje a Chicago en donde ya estaba su amigo Magic Sam. Slim recuerda de sí mismo que nadie quería tocar con él porque no lo hacía demasiado bien, sin embargo con quien primero tocó, y además el bajo, fue con Jimmy Johnson y actuaban en el Seeley Club desde las 2 de la tarde del domingo hasta las 2 de la mañana del lunes por 8 dólares. Magic Sam, por supuesto, le ofreció su ayuda, y estuvieron también de acá para allá tocando juntos Sam comenzó a llamarle «Magic Slim» (Morris Holt era alto y de buena presencia, pero no tan enorme como ahora) hasta que un día le dijo que conservara ese apodo pues sería famoso con él algún día. Después de dos años más en Chicago y superado por la enorme competencia decidió regresar a su Mississippi natal para perfeccionar su técnica. En el año 1965, ya seguro de sus posibilidades, regresó a la ciudad del viento con sus dos hermanos. Se juntó a la banda de Robert «Dancing» Perkins (Mr. Pitiful & the Teardrops) quien más adelante dejó la banda, permitiendo a Magic Slim mantener el nombre de los Teardrops como sigue siendo conocido actualmente (Magic Slim y los Lagrimones). Actualmente Magic Slim & the Teardrops son una de las mejores bandas de blues de Chicago y de las que mantienen vivo el espíritu de esta música. Escuchamos de su disco editado en el año 2.002 «Blue Magic» el tema I´m a Bluesman.-
Peter Green, guitarrista inglés de blues rock y miembro fundador de la banda Fleetwood Mac, inició su carrera como solista en la banda de Peter Barden Peter Barden’s Looners in 1966. Tras una breve estancia de 3 meses tuvo la oportunidad de sustituir a Eric Clapton en la John Mayall & The Bluesbreakers para 3 conciertos. Tras la marcha definitiva de Clapton un poco más tarde, fue contratado a tiempo completo. En 1967 Green decidió formar su propia banda de blues, Fleetwood Mac. En los finales de los 70’s la reconocida banda coparía las listas con álbumes principalmente pop/rock pero inicialmente fue una banda ligada al blues/rock tocando clásicos del blues y nuevo material -junto con los Bluesbreakers de John Mayall. Green fue el líder del grupo durante el periodo inicial de éxito a finales de los 60 e inicios de los 70. Durante la gira por Europa y tras un concierto en Munich, Alemania, tuvo durante 3 días un empacho de LSD. La personalidad de Green cambió radicalmente tras ello, empezó a vestir un tabardo, se dejó crecer la barba y un lució un crucifijo en su pecho. El uso del LSD pudo contribuir a su enfermedad mental: esquizofrenia. Abandonó Fleetwood Mac en 1970 declarando el dinero como maldito y dándose a la caridad. Luego de un tributo de Gary Moore con quien Peter apreció en el escenario luego de muchos años de reclusión, formó una nueva banda en 1996 Peter Green and the Splinter Group, con la que comenzó a componer nuevamente. De esa nueva etapa, su primer disco fue titulado con el nombre de la banda, un trabajo sobrio y sombrío pero con interesante aportes musicales. Escuhamos el tema Turn your love away.–
Por útimo, concluimos con «One Night In America», de nuestro invitado de los finales de programa Charlie Musselwhite, que fuera nominado para el 2003 Grammy Awards for Best Contemporary Blues Album. Grabado en Junio del año 2001. Participaron Charlie Musselwhite (vos, harmonica); G.E. Smith, Robben Ford, Marty Stuart (guitarra); Kelly Willis, Christine Ohlman (voces); Peter Re (organo); T-Bone Wolk (bajo); Per Hanson, Michael Jerome (batería). Escuchamos Ain’t That Lovin’ You Baby, un blues bien movidito.-
Saludos y hasta luego a las 21hs (22hs Bs As)