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Mário Laginha ::: Jangada

Jangada

Mário Laginha

Edition Records | Feb 25, 2022

1. Short Shore 8.59
2. Efedra 7.18
3. Chorale No.2 2.32
4. Disquiet 5.46
5. The Stone Raft (A jangada de pedra): Lowlands, Raft, Crossroads, South 17.00
6. Onagra 4.35
7. Speak 6.08
8. Seven 4.41
9. Ribeira da Barca 5.13
10. Kingfisher 5.39
11. Between Two Worlds 1.27

Mário Laginha - piano
Bernardo Moreira - double bass
Alexandre Frazão - drums

Recorded at Alântico Blue Studios, Lisbon, July 20th-22nd 2020.
Recorded, mixed and mastered by André Tavares.
Album artwork by Oli Bentley, Split.

La música de Mário se sitúa en un espacio entre los dos mundos del jazz y la música del continente africano, que ha tenido un profundo efecto en su escritura y ha moldeado su música tanto rítmica como sonoramente. La música clásica también ha desempeñado un papel importante en su forma de tocar el piano, con un maravilloso equilibrio flotante y una elegancia similar a la de Chopin.

Jangada, que significa balsa, tiene su origen en la idea de "recoger trozos de madera a la deriva y unirlos para formar un todo". Se trata de una bella metáfora que describe el conjunto orgánico de influencias que se canalizan en la música. El álbum, que consta de once composiciones originales de Mario, es armónicamente rico, con una delicada calidez. También hay algo muy exploratorio y de búsqueda, una sensación de aventura e inquietud impulsiva.

Jangada es el álbum que abrirá nuevos oídos y corazones a la música de Mario y lo pondrá en camino de convertirse en uno de los músicos europeos más legendarios de su generación.

Mário Laginha agradece a André, Olga, Francisca, Paulo Pires y la Câmara Municipal de Loulé.
Con el apoyo de la SPA - Sociedade Portuguesa de Autores.

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Mário Laginha es uno de los músicos de jazz contemporáneo más respetados y creativos de Portugal. Conocido en primer lugar por sus colaboraciones con la también cantante de jazz portuguesa Maria João, con la que grabó más de una docena de discos y realizó giras por todo el mundo. Otras colaboraciones famosas (seleccionadas) incluyen un dúo con el pianista clásico Pedro Burmester que se amplió a trío con el fallecido pianista y compositor de cine Bernardo Sassetti . Mário sigue explorando nuevos caminos para el jazz y la música portuguesa.

Con una carrera que ya abarca más de dos décadas, Mário Laginha suele estar asociado al mundo del jazz. Pero si bien es cierto que el inicio de su carrera tiene una impronta predominantemente jazzística -fue uno de los fundadores del Sexteto de Jazz de Lisboa (1984), creó el deceto Mário Laginha (1987) y aún dirige un trío con su nombre- el universo musical que ha construido con la cantante Maria João es un homenaje a la música que siempre le ha emocionado, empezando por el jazz y pasando por los sonidos brasileños, indios, africanos, el pop y el rock, sin olvidar las bases clásicas que presidieron su formación académica y que acabarían dictando su primer y último proyecto en solitario inspirado en Bach (Canções e Fugas, 2006).

Mário Laginha ha articulado una fuerte personalidad musical con una inmensa voluntad de compartir su arte con otros músicos y creadores. En primer lugar, con Maria João, que dio lugar a uno de los proyectos más consistentes y originales de la música portuguesa, con más de una docena de discos y muchos cientos de conciertos en salas y festivales de todo el mundo (Montreux, Mar del Norte, San Sebastián, festivales de jazz de Montreal...).

A finales de los ochenta, en asociación con el pianista clásico Pedro Burmester, con quien grabaría un disco, dúo que se ampliaría a Bernardo Sassetti en 2007 en el proyecto "3 pianos", con la grabación de un CD y un DVD, así como una docena de conciertos con una muy fuerte repercusión en la crítica y el público. Hasta su inesperada desaparición, Bernardo Sassetti fue, además, compañero y cómplice de Mário Laginha en muchas decenas de conciertos y dos discos grabados, el último de ellos dedicado a la música de José Afonso.

Con una sólida formación clásica, Mário Laginha ha escrito para formaciones tan diversas como la Big Band de Radio Hamburgo, la Big Band de Frankfurt, la Orquesta Filarmónica de Hannover, la Orquesta Metropolitana de Lisboa, el Remix Ensemble de la Casa da Música, el Drumming Percussion Group y la Orquesta Sinfónica de Oporto. Y ha tocado, en escenario o en estudio, con músicos excepcionales como Wolfgang Muthspiel, Trilok Gurtu, Gilberto Gil, Lenine, Armando Marçal, Ralph Towner, Manu Katché, Dino Saluzzi, Kai Eckhardt, Julian Argüelles, Steve Argüelles, Howard Johnson, Django Bates, entre otros. También compone para el cine y el teatro.

El trabajo más reciente del trío compartido con Bernardo Moreira y Alexandre Frazão es "Mongrel", una obra que partió de temas originales de Chopin, transformados en el lenguaje personal del pianista. "Iridescente", grabado en la Fundación Calouste Gulbenkian, es su última aventura musical con la cantante Maria João. A finales de 2013, Mário Laginha y su Novo Trio, con el guitarrista Miguel Amaral y el bajista Bernardo Moreira, publicaron "Terra Seca", un disco que abre nuevos caminos para el jazz y la música portuguesa.

editionrecords.com
oncproducoes.com

Diego Rivera ::: Mestizo

Mestizo

Diego Rivera

Posi-Tone Records | Feb 11, 2022

1 Battle Fatigue 4:05
2 Rasquache 4:52
3 Teru 5:38
4 Bracero 4:38
5 Escapade 6:05
6 Canción De Cuna 5:22
7 Most From The Least 4:47
8 La Raza Cósmica 6:31
9 The Rose Window 6:57
10 Mestizo 5:02

Diego Rivera, tenor saxophone
Alex Sipiagin, trumpet
Art Hirahara, piano
Boris Kozlov, bass
Rudy Royston, drums, percussion

Con una impresionante mezcla de gracia y poder, el saxofonista tenor Diego Rivera trasciende las fronteras culturales para transmitir un enfático mensaje de inteligencia e inclusión en su último lanzamiento "Mestizo". Los oyentes críticos pueden apreciar estas interpretaciones como una serie de discusiones comprometidas que emplean la réplica del contexto y el contraste entre las voces principales de los vientos y el afectuoso apoyo y réplica de su inmaculada sección rítmica del pianista Art Hirahara, el bajista Boris Kozlov y el baterista Rudy Royston.

Este conjunto de momentos brillantes también se ve admirablemente reforzado por la presencia del fenómeno de la trompeta Alex Sipiagin, que se une a Rivera como su ayudante de primera línea, proporcionando ofertas musicales de intensidad incisiva que sirven constantemente para elevar todo el procedimiento a otro nivel. Sin embargo, si nos centramos demasiado en la interacción de elementos, corremos el riesgo de perder el sentido del diálogo y confundir el medio con el mensaje.

El talento inconfundible de Rivera como compositor es la verdadera historia, ya que transforma hábilmente este quinteto dinámico en un instrumento unificado y da rienda suelta a una poderosa combinación de explosiones oscilantes yuxtapuestas con incursiones en el lenguaje emocional de la conversación sutil. Desde la salva inicial hasta el último hurra, el mensaje melódico de "Mestizo" se mueve sin esfuerzo y afirma que Rivera es una estrella de brillo ilimitado a la que hay que prestar atención durante muchos años.

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Diego Rivera

Músico, compositor, arreglista y educador de talla mundial, Diego Rivera ha entretenido al público durante más de 20 años. Rivera es conocido por su tono muscular y su mezcla única de jazz directo fusionado con música inspirada en su origen y herencia latina. Es profesor titular de saxofón de jazz en la Universidad Estatal de Michigan, donde también es director asociado de estudios de jazz.

Rivera nació en Ann Arbor, MI, y se crió en East Lansing, MI. Nacido en el seno de una familia mexicano-estadounidense, su herencia chicana siempre ha sido importante para él y ha dado forma a sus esfuerzos creativos. Sus padres le pusieron el nombre del famoso muralista Diego Rivera. Un viaje al Instituto de Artes de Detroit a una edad temprana le inspiró a dejar su propia huella con el saxofón en lugar del pincel. Asistió a la Universidad Estatal de Michigan, donde estudió con Andrew Speight, Branford Marsalis, Ron Blake y Rodney Whitaker.

En 1999, comenzó su carrera profesional y de gira con la Jimmy Dorsey Orchestra en su gira Big Band '99. Desde ese viaje inaugural, ha dado conciertos en los lugares y festivales más prestigiosos de Estados Unidos, Canadá, Europa y Asia. Actualmente dirige su propio grupo, The Diego Rivera Quartet. Rivera también ha realizado giras con el vocalista ganador del premio GRAMMY, Kurt Elling, la vocalista de jazz canadiense ganadora del premio JUNO, Sophie Milman y The Rodney Whitaker Quintet. Es miembro de The Ulysses Owens Jr. Big Band (Nueva York, NY), la Jazz @ Dr. Phillips Center Orchestra (Orlando, FL) y la Gathering Orchestra (Detroit, MI). También ha actuado con artistas: Ellis Marsalis, Christian McBride, Wycliffe Gordon, PRISM Saxophone Quartet, la Gerald Wilson Big Band y la Lincoln Center Afro-Latin Jazz Orchestra.

Rivera tiene varios créditos a su nombre como artista de grabación, compositor y arreglista. Su último proyecto en solitario, Indigenous, salió a la venta en 2021 en Posi-Tone Records. Según el productor ejecutivo y copropietario del sello, Marc Free, Indigenous "...explora las raíces multiculturales 'indígenas' de nuestra familia humana...". Indigenous alcanzó el número 7 en las listas de radio de JazzWeek. Su primer lanzamiento en Posi-Tone, Connections, ganó rápidamente la atención cuando llegó a las listas de JazzWeek Radio como el "Debut más alto". La primera grabación de Rivera, Hercules, se publicó en 2006 en su sello discográfico, Rivera Records. Su segundo lanzamiento, The Contender (D- Clef Records 2013) recibió la aclamación de la crítica nacional alcanzando el Top 10 en las listas de JazzWeek Radio. También ha aparecido en varias grabaciones como acompañante en los sellos Posi-Tone, Mack Avenue y Detroit Music Factory Record.

Ávido compositor y arreglista, Rivera ha escrito arreglos para varias grabaciones, proyectos y artistas, sobre todo para el concierto "Motor City Jazz" de Jazz at Lincoln Center. Un homenaje a la música y los músicos de Detroit. Su trabajo de arreglos se puede escuchar en grabaciones de: Carl Allen-Rodney Whitaker, Get Ready (2007) y Work To Do (2008); Ulysses Owens Jr, Onward & Upward (2014); The New Century Quintet, The Time Is Now (2014); Michael Dease, Decisions (2015)/Bonafied (2018) y más recientemente en la grabación de debut de la Ulysses Owens Jr. Big Band, Soul Conversations (2021).

Rivera es un educador apasionado y ha presentado clases magistrales en escuelas y universidades tanto en Estados Unidos como en el extranjero. Es profesor asociado de saxofón de jazz y director asociado de estudios de jazz en la Facultad de Música de la Universidad Estatal de Michigan. En 2019 fue galardonado con el premio Dortha J. y John D. Withrow Teaching Award, el más alto honor del College of Music por la excelencia en la enseñanza y los logros académicos. Es director musical del galardonado conjunto, MSU Jazz Octet I, el principal Combo de Jazz de la Facultad de Música formado por los estudiantes-músicos más talentosos del Programa de Estudios de Jazz. Varios de los antiguos alumnos del profesor Rivera disfrutan de carreras como músicos profesionales actuando con artistas como: Wynton Marsalis y el Jazz at Lincoln Center, The Birdland Big Band, The Count Basie Orchestra, The DIVA Jazz Orchestra y el grupo ganador de varios premios GRAMMY, Snarky Puppy.

diegoriverajazz.com

Philip Catherine, Paulo Morello, Sven Faller ::: Pourquoi

Pourquoi

Philip Catherine, Paulo Morello, Sven Faller

Enja Yellowbird | Febrero 11, 2022

1. Pourquoi 6:33
2. Robert's Waltz 4:01
3. To Martine 4:18
4. Chateau Plagne 4:47
5. Frontera 4:07
6. Inútil Paisagem 3:00
7. Ozone 6:14
8. La Valse du Flipper 5:41
9. Méline 5:10
10. First Waltz 3:21
11. Louisella 3:51

Philip Catherine – guitar
Paulo Morello – guitar
Sven Faller – bass

Segundo álbum de Philip Catherine con Paulo Morello y Sven Faller. Tras su primer cd "Manoir de mes rêves" (2019) y más de cincuenta conciertos, su arte de trío ha madurado, como un buen vino. El repertorio está escrito por Catherine y Morell, con la excepción de "First Waltz" de Frédéric Devreese (1929-2020) y "Frontera" de Nicola Andrioli.

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"Pourquoi" es una composición de Philip Catherine que da nombre al segundo encuentro en estudio con su compañero de guitarra Paul Morello y Sven Faller al bajo. Un "Pourquoi" que -sí, han leído bien- va bastante bien sin el signo de interrogación, un juego de palabras y de títulos a través del cual el decano de la guitarra de jazz Philip Catherine (nacido en 1942) se presenta como un bromista ingenioso y un bromista en la vida y en el escenario; una leyenda viva y joven del jazz, que cumplirá ochenta años en 2022; un gran músico, apreciado como un héroe nacional en Bélgica, el pequeño país con la gran escena del jazz.

Estos tres artistas de primera línea interpretan su música -con seguridad en sí mismos, con un flujo prácticamente natural; con seguridad estilística a través de todos los géneros; a veces con un swing vivaz, otras contemplativo y condensado como una partitura cinematográfica de éxito- sin un signo de interrogación. En más de cincuenta conciertos con sólo su primer álbum "Manoir de mes rêves", Catherine, Morello y Faller dejaron madurar el arte y el repertorio de su trío. Como un buen vino.

Y han desarrollado una interacción de calidad camerística que nunca se ha ido de las manos como una "batalla de guitarras", sino que vive constantemente de la escucha y la reacción. Y que el contrabajo de Sven Faller acompaña con pulso seguro, contra-melodías canónicas y rellenos.

Mientras que el álbum de debut seguía centrándose en la estimación del trío por Django Reinhardt, Antonio Carlos Jobim y las interpretaciones jazzísticas de las chansons francesas de los años 50 y 60, "Pourquoi" pone en el punto de mira las composiciones originales. Con la excepción de "First Waltz" del compositor cinematográfico belga Frédéric Devreese (1929-2020) y la mediterránea "Frontera" de Nicola Andrioli, el repertorio de "Pourquoi" procede de la obra compositiva de Catherine y Morello.

Una especie de leitmotiv son los valses, como el "Robert's Waltz" de Morello, un número melodioso y alegre, dedicado a un amigo de Sinto en Hamburgo, que retoma la tradición del vals francés de la musette.

Por su parte, "La Valse du Flipper" de Catherine no trata, por supuesto, del delfín de la televisión estadounidense, sino de una máquina de pinball que domina el compás de tres por cuatro.

La canción "Louisella", que pasa de un pasaje de rubato a una ligera samba de raíces a la Cartola, está dedicada a la nieta de Catherine.

"Meline" lleva el nombre de otra nieta, y aquí Faller, Morello y Catherine emprenden otro viaje musical a Brasil como país de samba.

"Chateau Plagne" de Morello se pasea por el sur de Francia, mientras que "Ozone" de Catherine marca la composición más jazzística del álbum - y aclara el refinamiento rítmico del trío en el puente. En contraste, está la canción que da título al disco, espesa, laminar y vasta, que ambos guitarristas extienden en el espacio como una gran pintura eléctrica de Delay y Sound. Sven Faller toca aquí uno de los solos de bajo más arqueados.

La música de este trío domina el arte de evocar lugares, personas y estados de ánimo con tanta intensidad que, al escucharlos, se vuelven repentinamente familiares, aunque no se haya probado el vino del "Chateau Plagne" ni se haya conocido a "Louisella".

Es la vivacidad evocadora y la intensidad atmosférica de esta música en gran parte bajo las manos de Philip Catherine, este gran melodista y chansonnier de la guitarra de jazz, que puede, dice Paulo Morello, "hacer que la guitarra cante y suene como nadie". Una excelencia melódica que abarca a todo el trío y que penetra en cada uno de los solos, desde el tono eléctrico de Catherine, de forma más fuerte, con el inquietante vibrador y los trémolos que recuerdan de vez en cuando a Django Reinhardt, hasta Paul Morello, que para este álbum adopta la parte más acústica y brasileña.

Todo había comenzado con una jam de ambos guitarristas en el backstage de la "International Jazzwoche Burghausen" allá por 2010. Doce años más tarde - y sin el signo de interrogación - esto se convirtió en uno de los mejores escenarios de trío que Europa puede ofrecer. En directo y en dos álbumes.

philipcatherine.com

Kit Downes, Petter Eldh, James Maddren ::: Vermillion

Vermillion

Kit Downes, Petter Eldh, James Maddren

ECM | Feb 11, 2022

1 Minus Monks 3:56
2 Sister, Sister 4:21
3 Seceda 4:42
4 Plus Puls 4:00
5 Rolling Thunder 2:32
6 Sandilands 4:35
7 Waders 3:34
8 Class Fails 6:08
9 Bobbl's Song 3:19
10 Math Amager 3:29
11 Castles Made of Sand 4:53

Kit Downes Piano
Petter Eldh Double Bass
James Maddren Drums

Después de su aclamado debut como líder de ECM, Obsidian, en el que Kit Downes exploró un amplio espectro de timbres de órgano, y de que la continuación de tono camerístico, Dreamlife Of Debris, ampliara sustancialmente la paleta instrumental, Vermillion nos presenta ahora las excepcionales cualidades pianísticas de Kit en un contexto de trío con sus colaboradores Petter Eldh al bajo y James Maddren a la batería.

The Guardian ha elogiado a Kit por su "asombrosa habilidad para hacer que la música difícil suene natural" y Vermillion ofrece una prueba de ello, plasmando al trío en un programa de trío de piano cuidadosamente surtido que transita por el suave lirismo y los atrevidos arrebatos creativos en igual medida y con una fuerte inclinación por la melodía.

"Este disco es diferente a lo que he hecho antes. Nos hemos adentrado en un terreno en el que no habíamos tocado antes, que es un sonido más orientado a la música de cámara. El complejo componente rítmico se mantiene intacto, pero está envuelto en una estética diferente."

Kit remonta su constante búsqueda de nuevos retos musicales a su temprano mentor, el pianista John Taylor, fallecido en 2016 y a quien Kit dedicó su primera grabación en ECM: "John buscaba momentos reales en la música, a menudo haciendo algo imprevisible. Quería que ocurrieran cosas nuevas y estaba obsesionado con asumir riesgos musicalmente, que es lo que creo que hice con Obsidian y lo que estamos haciendo ahora en Vermillion."

El riesgo viene en un disfraz sutil mientras el trío navega por estructuras ricas y variadas. El poderoso ataque del bajo es interceptado por el toque más suave del piano, los metros desiguales se velan en la sensación de rubato y el lenguaje armónico único de Kit esconde sus complejidades en un tiempo paciente y cadencias cálidas. La contribución percusiva de James Maddren es a la vez asertiva y adaptable, entretejida en el tejido de la música.

No importa si se ha escrito y ensayado en un momento anterior o si se ha traído al grupo el día de la grabación, el trío da a cada idea una definición y a cada impulso una forma precisa. "En lugar de limitarnos a documentar todo lo que hemos hecho en directo, con la ayuda de Manfred Eicher elegimos lo que nos parecía una gran colección de música: algunas canciones escritas hace un par de años, otras de apenas dos días. Por ejemplo, 'Class Fails' fue traída el día de la grabación por Petter. Su línea de bajo puede parecer libre, pero en realidad está en un tiempo bastante específico. Cuando empezamos a tocar la canción se convirtió en lo que parece un rubato organizado".

En Vermillion, la construcción y la deconstrucción coexisten en armonía, creando formas orgánicas a medida que los dos extremos tiran de los extremos opuestos y dan lugar a temas graciosamente melodiosos en el proceso. Kit y Petter crearon cinco piezas cada uno, mientras que la undécima y última es una versión abstracta de "Castles Made Of Sand" de Jimi Hendrix, en la que el trío se une para desentrañar cuidadosamente los elementos individuales de la canción. Vermillion, grabado en el Auditorio Stelio Molo de Lugano en mayo y junio de 2021, fue producido por Manfred Eicher.

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La asociación musical de James Maddren y Kit Downes se remonta a sus días de universidad, cuando ambos eran compañeros de piso y hacían música juntos a diario. James estudió con el percusionista Martin France en la Royal Academy of Music de Londres y es uno de los percusionistas más solicitados de la escena jazzística británica actual, habiendo contribuido a grabaciones y actuaciones de artistas como Norma Winstone, Marc Copland y Gwilym Simcock, además de ser la columna vertebral rítmica de la mayoría de los proyectos de Kit.

Conocido como el bajista del trío Belovèd del pianista Django Bates -el álbum Study of Touch del trío se publicó en ECM en 2017-, las distintivas contribuciones de los bajos de Petter Eldh se pueden escuchar en una variedad de contextos desde que se unió al trío de Bates en 2010. Además de su trabajo como consumado intérprete de jazz, Petter también experimenta con la electrónica, el hip-hop y otras formas de música popular, que combina con su formación jazzística en su grupo berlinés Koma Saxo.

Kit Downes fue becario de órgano en St Peter Mancroft, en Norwich, antes de pasar a estudiar piano, órgano y composición en la Purcell School y la Royal Academy of Music. Grabó y realizó numerosas giras con el grupo Empirical, al tiempo que colaboraba con, entre otros, Django Bates y Lee Konitz. Además de Petter Eldh y James Maddren, a lo largo de los años Kit ha colaborado con frecuencia con el baterista Sebastian Rochford, el saxofonista Tom Challenger y la violonchelista Lucy Railton, quienes aparecen en su última publicación de ECM, Dreamlife Of Debris.

ECM

Ethan Iverson ::: Every Note Is True

Every Note Is True

Ethan Iverson

Blue Note | Feb 11, 2022

1. The More It Changes
2. The Eternal Verities
3. She Won’t Forget Me
4. For Ellen Raskin
5. Blue
6. Goodness Knows
7. Had I But Known
8. Merely Improbable
9. Praise Will Travel
10. At The Bells Of Motley

Ethan Iverson - piano y voz
Larry Grenadier - contrabajo
Jack DeJohnette - batería

El pianista y compositor Ethan Iverson debutará en Blue Note con el lanzamiento el 11 de febrero de Every Note Is True, un disco atractivo y evocador que presenta un nuevo trío magistral con el bajista Larry Grenadier y el legendario baterista Jack DeJohnette.

El álbum muestra a Iverson mirando hacia atrás y ampliando su propia historia musical mientras revisa el estilo de jazz influenciado por el pop/rock de The Bad Plus, el influyente trío que Iverson cofundó en 2000. Iverson ha presentado el álbum con el single de dos pistas "The More It Changes/The Eternal Verities", que está disponible en streaming o en descarga hoy mismo.

Desde que dejó The Bad Plus a finales de 2017, Iverson ha llevado a cabo diversos proyectos, como colaboraciones con los icónicos bateristas Billy Hart y Albert "Tootie" Heath; grabaciones con el trompetista Tom Harrell y el saxofonista Mark Turner; y composiciones para orquesta, big band y el Mark Morris Dance Group. Todo ello, junto con su aclamado blog Do the Math y sus escritos en publicaciones como The New Yorker y The Nation, han permitido a Iverson explorar sus inspiraciones desde diversas perspectivas.

Aunque Every Note Is True presenta elementos estilísticos comunes con el sonido que Iverson ayudó a forjar durante los 17 años que los Bad Plus originales trabajaron juntos, tampoco hay duda de que el álbum muestra un trío muy diferente dirigido por un compositor más maduro.

Aprovechando que DeJohnette y Grenadier tenían agendas inusualmente abiertas debido a la interrupción de la música en directo y las giras por la pandemia, Iverson aprovechó la oportunidad para concertar una cita en el estudio con los dos músicos tan solicitados. Pero fue la perspicaz comprensión del líder de la voz y el talento de cada uno de los músicos lo que hizo que fuera un equipo tan inspirado.

"Es genial escuchar a Larry y a Jack haciendo swing", exclama Iverson. "Con ellos dos, no necesitas mucho material. Si traes algo realmente sencillo, no más que esbozos básicos, ellos lo tomarán y lo harán sonar muy bien. Eso está muy en la tradición de esos grandes discos de Blue Note de los años 50 y 60, en los que las melodías son memorables pero no hay demasiadas notas en una página."

ethaniverson.com