El arte de tapa de este álbum incluyen fotos de su autoría. Puede verse su portfolio en su web
Do Silêncio / Revelação 5:02
El Testament d’Amelia 6:53
Ascent 3:30
De um instante a outro 8:20
Como quem diz 8:17
Reflexos, Mov. Contrário / Um dia, através do vidro Parte I – II 11:30
Outro lugar 7:28
Naquele Tempo 2:03
(In)diferente 7:16
Da Noite / Ao Silêncio 6:14
Ajda Zupancic – Violoncello Jean-François Lezé – Vibrafone Bernardo Sassetti – Piano Carlos Barretto – Bass Alexandre Frazão – Drums
La pasión del gran pianista portugués por el cine, la fotografía y la música clásica toman una dimensión considerable en este álbum, el más expresivo de todos los que hubiera grabado hasta esa fecha bajo esta inspiración. Cual una obra dramática clásica, el malogrado pianista falleció trágicamente en 2012 victima de una de sus pasiones, al caer de lo alto de un acantilado frente al mar cuando intentaba tomar una fotografía.
En varios pasajes de su larga explicación en respuesta a las inquietudes surgidas en tanto su derrotero musical, él comentó: "Este texto nace de una serie de preguntas que me han hecho por parte de varias personas y en diferentes circunstancias, sobre la música que he estado creando en los últimos años..." y ensaya una serie de explicaciones técnicas como respondiendo a los músicos colegas para más adelante acercarse al disco de hoy: "También puedo mencionar que el cine, la fotografía y la pintura, así como la actividad de composición original para el cine -a la que me dedico con asiduidad- se manifiestan, directa o indirectamente, tanto en "Ascent" como en las grabaciones que la preceden, desde el año 2002 con "Nocturne", sobre la música para cine y su relación con la música improvisada."
Y en tanto a la similitud que él encuentra entre la composición buscando la narrativa musical y la narrativa propia de un film, agrega: "Hoy, más que nunca, el proceso de edición de una película es quizás su principal secreto. Me refiero a narraciones en las que los protagonistas y las situaciones aparecen en forma de fragmentos, independientes entre sí, así como de los planes o secuencias -el efecto sorpresa- que toman forma y significado a medida que se desarrolla la historia. Sobre la música, las voces que emergen y los motivos que se desarrollan a lo largo de la grabación, aunque sea de forma abstracta e ilusoria, puede ser un ejemplo de ello."
Y en otros de los párrafos destacados leemos: "Sobre la música interpretada ¿Es posible traducir en palabras la música (o el arte) que imaginamos en nuestro interior? Todo el mundo sabe (o imagina) que el reto de la comunicación, la espontaneidad, la armonía, el conflicto de sonidos e ideas, así como la energía en sus diversas formas, siempre será común cuando hablamos de música, escrita o improvisada. Interpretarlo en este momento es la máxima expresión de nuestro camino y la búsqueda constante de otros caminos."
"Me gusta pensar que tal vez sea la voluntad de mirar hacia adentro y, desde el silencio interior, secuenciar algunas imágenes (posibles) de nuestra memoria y, al mismo tiempo, desde el momento preciso en que se lanza el sonido y la idea; pero el mayor desafío de todos es, para mí, la incertidumbre en la búsqueda de otros lugares, indefinidos y muy alejados del lugar donde vivimos, cuando dejamos atrás nuestros instrumentos..."
Portada:Rubberband (fragmento pintura de Miles Davis)
Hola gente..., gracias por acompañarnos una vez más, la vamos a pasar bien hoy con una selección bien jugosita. Ayer se conmemoró un nuevo aniversario del fallecimiento de Joe Zawinul en 2007, ahijado musical de Miles Davis, el padre de la fusión, fué uno de los precursores del movimiento al liderar junto a Wayne Shorter, otro Miles boy, Weather Report, la respuesta de ambos a la seminal locura que significó Bitches Brew (Columbia | Marzo 30, 1970) el álbum de Miles que parió al jazz-rock y en el que participaran ambos. Lo recordamos desde Black Water (Columbia | Junio 30, 1989) al frente de The Zawinul Syndicate, su última formación donde destaca la participación del guitarrista Scott Henderson, de pronta visita a nuestro país.
Y hablando del maestro Miles, (ayer fué el Día del Maestro de paso un saludote a todos los colegas...) nos sorprende con una vieja grabación hecha hace treinta y tres años, proyecto abandonado cuya primera parte vio la luz el 21 de abril de éste año, un EP con cinco de los once temas originales, hablamos de Rubberband (Rhino | Sept 6, 2019). Este proyecto muestra las nuevas aventureras lineas que experimentaba el genial Miles y que blanqueara más adelante.
Seguimos con el maestro Miles pero para ocuparnos de otro de sus discípulos, el baterista Jimmy Cobb, integrante de la formación que grabara Kind Of Blue (Columbia | Agosto 17, 1959), la joya del movimiento, la obra maestra de Miles. Cobb, de noventa años, acaba de lanzar This I Dig Of You (Smoke Sessions Records | Agosto 16, 2019) en la vispera del 60 aniversario del monumental Kind Of Blue. Acompañan a Cobb el gran pianista Harold Mabern y dos de sus ex-estudiantes, el bajista John Webber y el guitarrista Peter Bernstein, al final el viejo Jimmy también es un maestro...
Más sorpresas!! (y éso que para navidad y mi cumple falta un rato todavía!!), otra grabación inédita rescatada de los archivos: When Will The Blues Leave (ECM | Junio 7, 2019) del trio liderado por el pianista Paul Bley junto a otras glorias, Gary Peacock y Paul Motian. El trio de Bley, uno de los pioneros del movimiento, se formó en 1963 y tras idas y venidas recién en 1998 se vuelven a reunir para grabar en estudio Not Two, Not One (ECM | Feb 1, 1999) del que resultara la gira en la que se grabó éste recientemente resucitado álbum. Discazo...!!!
Es notorio el vuelco musical del trompetista israelí Avishai Cohen desde su arribo al sello ECM, acá junto a su paisano, el pianista Yonathan Avishai en Playing The Room (ECM | Sept 6, 2019) una contribución mutua que refleja sus años de amistad y colaboración. Otro testigo privilegiado de la historia del movimiento, el baterista Al Foster desde Inspirations & Dedications (Smoke Sessions Records | Junio 28, 2019) un largo álbum con dos Inspirations de sus maestros, Herbie Hancock, con el que abre el disco, y Miles Davis cerrandolo, el resto Dedications a su familia.
Los dos últimos: El saxofonista estadounidense Noah Preminger desde After Life (Criss Cross | Mayo 6, 2019) que quedó de la semana pasada. Cerramos con el trompetista italiano Enrico Rava junto al saxofonista Joe Lovano con Roma (ECM | Sept 6, 2019), reunidos para una pequeña gira en noviembre del año pasado 2018 durante la que se grabó este álbum en el Auditorio Parco della Musica de Roma, al frente ambos de un quinteto que incluye al pianista Giovanni Guidi, al baterista Gerald Cleaver y al bajista Dezron Douglas (su debut en ECM).
1 Rubberband of Life 5.44 2 This Is It 4.36 3 Paradise 6.11 4 So Emotional 5.18 5 Give It Up 6.18 6 Maze 4.10 7 Carnival Time 4.23 8 I Love What We Make Together 5.05 9 See I See 4.19 10 Echoes In Time / The Wrinkle 9.25 11 Rubberband 6.12
Randy Hall - Acoustic Guitar, Drum Prog, Guitar, Horns, Keyboards
Lalah Hathaway - Lead Vocals (tracks: 4)
Ledisi - Lead Vocals (tracks: 1)
Medina Johnson - Lead Vocals – (tracks: 3)
Miles Davis - Trumpet, Keyboards, Horns, Synthesizer
Hace más de treinta años Miles trabajaba en un proyecto que nunca concluyó a la luz de uno nuevo que acaparó toda su atención, Tutu (Warner | Sept 1, 1986) el fenomenal disco debut de Miles para la Warner co-producido por Marcus Miller quien además de componer cinco de los temas del álbum toca todos los instrumentos, salvo obviamente la trompeta, a mi entender la mejor producción el bajista en toda su carrera para caer luego de ésto en picada estrepitosa.
De tal manera que Rubberband, para el que Miles trabajara durante tres meses, quedó cajoneado dando paso al debut en Warner Bros de Tutu luego de treinta años de permanencia en Columbia Records. Cuántas cosas además de la visualización de un proyecto mejor por parte de Miles, habrán pasado para que las grabaciones durmieran tanto tiempo, hasta que los antiguos productores del álbum, Randy Hall y Zane Giles, se reunieron con el sobrino de Miles, Vince Wilburn Jr., quien había participado en Rubberband como percusionista, quienes acordaron reflotar el proyecto con un adelanto el año pasado bajo el formato EP con cinco de los once temas del disco.
Las dos versiones del disco lucen en sus portadas fragmentos de una pintura de Miles, tan eléctrica como su tendencia musical por esas épocas. Miles, que también toca el teclado en el álbum, fue acompañado en el estudio por los tecladistas Adam Holzman, Neil Larsen y Wayne Linsey; el percusionista Steve Reid; el saxofonista Glen Burris y su sobrino Vince Wilburn, Jr. a la batería. El proyecto original contemplaba la incorporación de las voces de Al Jarreau y Chaka Khan quienes fueron remplazados en la nueva versión por las voces de la cantante Ledisi (nominada al Grammy 12 veces) y Lalah Hathaway (hija de la leyenda del soul Donny Hathaway) además de otros invitados.
"Lo que la gente puede no saber es que el tío Miles estuvo buceando MTV durante los ochenta. Cuando vio a un grupo que lo impactó, subió el volumen, luego llamó a la disquera del artista para que le enviara música…. Excavó el sonido de los ochenta y usó esa vibración para las sesiones de Rubberband", contaba Wilburn, Jr. en una entrevista a la Rollig Stone, y agrega,"El tío Miles estaría orgulloso. Randy, Zane, yo y todos los involucrados, pusimos nuestro corazón y alma en Rubberband of Life".
The Other Side Tord Gustavsen Trio ECM | Agosto 31, 2018
El pianista noruego debuta en ECM con su trio inicial con Changing Places (Marzo 18, 2003) inaugurando una etapa fenomenal en su carrera, no solo por su comienzo en el prestigioso sello, sino por la propuesta musical del trio que atrajera a su productor como también a críticos y melómanos. Le siguieron The Ground (Enero 31, 2005) y Being There (Abril 30, 2007) culminando una etapa en la vida del trio, sería el último álbum con esa formación por la perdida del bajista Harald Johnsen a su muerte.
Gustavsen entonces incursionó por otras formaciones, un ensamble con el que grabó Restored, Returned (Oct 12, 2009); un cuarteto: The Well (Enero 27, 2012) y Extended Circle (Enero 17, 2014); incorpora voces en What Was Said (Enero 26, 2016) con la cantante alemana Simin Tander, todos con la participación de su viejo camarada el baterista Jarle Vespestad completando una era de exploración musical en donde el pianista se aventuró con coros, cuerdas e incluso músicos iraníes.
"No quería continuar el trío con otro bajista", explica Gustavsen. "Entonces el cuarteto que tuve con Jarle, el saxofonista Tore Brunborg y el bajista Mats Eilertsen se sintieron tan fuertes que exigieron sus propios ciclos de grabación y gira. Después de eso, nos gustó explorar nuevas canciones con electrónica y voz. Pero después de todo esto, parecía que era el momento de traer el piano de vuelta como la voz principal. Esta nueva versión del trío se siente en línea con el grupo inicial, aunque exista en otra longitud de onda -tendría que hacerlo, ya que de alguna manera incluye todo lo que había entre esos primeros discos y ahora", completa el pianista quien explica así su retorno al trio con una nueva incorporación, el bajista Sigurd Hole.
The Other Side, el título del álbum, refleja varios factores que confluyeron en ésta nueva etapa junto al trio: "También está esta idea en el título sobre la forma en que el trío toca, como la otra cara del virtuosismo, una especie de virtuosismo paradójico en el que no se tocan todas las notas que se pueden, sino sólo las notas que realmente se necesitan. Se trata de subordinar tu ego al flujo de la música - y eso requiere una especie de'escucha radical' - escuchar más de lo que tocas. Es una pasión que los tres compartimos".
Y concluye: "Me gusta analizar y desglosar las cosas en la música, por supuesto, pero lo primero y más importante es tocar para la gente de la misma forma en que me gusta que me toquen a mí la música. Esa es la parte más significativa de todo esto para mí, ser conmovido y conmover a los demás."
CORTINA FINAL: Staying There / Tord Gustavsen Quartet - Extended Circle (ECM | Abril 30, 2007)
El ganador del GRAMMY® David Sánchez es reconocido en todo el mundo como uno de los mejores saxofonistas de su generación. Su dominio del instrumento es innegable y su sonido inconfundible. Combine eso con el profundo conocimiento de Sánchez sobre el jazz y la música latina, y las tradiciones que los moldean, y los resultados son extraordinarios.
En una reseña, el mundialmente reconocido escritor y crítico de jazz Howard Reich saludó al líder de la banda diciendo: "La destreza de Sánchez en el saxofón se corresponde con la profundidad intelectual de su concepto y sus composiciones". Reich también ha señalado: "Técnicamente, tonalmente y creativamente, parece que lo tiene todo. Grabaciones como "The Departure" (1994), "Sketches of Dreams" (1995), "Obsesión" (1998) y "Cultural Survival" (2008) mostraron a Sánchez fusionando la sintaxis del jazz con los dialectos musicales de su Puerto Rico natal y otras fuentes caribeñas y latinoamericanas. Las influencias de la música folklórica puertorriqueña se pueden escuchar claramente en "Street Scenes" (1996), su álbum debut en Sony/Columbia. Cortes de Bomba y Plena también son evidentes en "Obsesión" (1998) y "Melaza" (2000), ambas producidas por el gran saxofonista Branford Marsalis, así como en "Travesía" (2001), la primera grabación de Sánchez totalmente autoproducida.
Fue otra grabación, "Coral", la que le valió a David su quinta nominación al premio GRAMMY® y su primer premio Grammy Latino al Mejor Álbum Instrumental en 2005. Este álbum presenta orquestaciones y arreglos del prolífico compositor argentino Carlos Franzetti con la Filarmónica de la Ciudad de Praga. El álbum muestra composiciones de Héctor Villa-Lobos, Antonio Carlos Jobim, Alberto Ginastera, Franzetti y Sánchez. All Music.comobserves "Sánchez está preparado para ocupar su lugar entre los grandes músicos de jazz que siguen ofreciendo a su público una importante visión personal y musical". Coral' es una necesidad para cualquier colección de discos de jazz o de música clásica".
"Cultural Survival", el debut de David en 2008 en Concord Records, le valió al artista su sexta nominación al premio GRAMMY®. Dos años después, Sánchez, Stefon Harris y Christian Scott se unieron para el "Proyecto de las Noventa Millas". El exitoso álbum y el documental fueron grabados en La Habana y en ellos participaron no sólo los tres directores de orquesta, sino también algunos de los mejores músicos de Cuba. El escritor musical del JAZZ Times Michael J. West señaló: "El saxofonista es la verdadera estrella: Es exquisito en "The Forgotten Ones", un dúo de baladas con Harris, y ofrece romance sobre "This Too" e intriga oscura en la nueva melodía del álbum, "Paradise Found". El proyecto se convertiría más tarde en The Ninety Miles Band, donde Harris y Sánchez seguirían desarrollando su singular asociación musical.
Sánchez continúa girando por el mundo como director de orquesta, llevando su mezcla de jazz convencional con influencias panafricanas a audiencias de todo el mundo. Lo más reciente que ha finalizado es su próxima y muy esperada grabación, "Carib" (2018), con composiciones originales inspiradas en melodías y ritmos provenientes de la tradición afropuertorriqueña y haitiana. Dos piezas de esta grabación, "Canto" y "El tema de Fernando", aparecen en la banda sonora de la película "Windows on The World" de Robert Mailer Anderson.
Al mismo tiempo, también es miembro del Colectivo SFJazz, un octeto de estrellas que representa a la institución SFJAZZ. El Colectivo ha sido uno de los grupos más prolíficos de la última década. Es reconocida por sus músicos estelares, sus composiciones revolucionarias y sus innovadoras interpretaciones de la música de algunos de los artistas más influyentes del mundo. La sensibilidad musical única de Sánchez se remonta a su hogar, Puerto Rico, donde comenzó a tocar la percusión y la batería a la edad de 8 años.
Unos años más tarde, emigró al saxofón tenor. Como becario de la prestigiosa Escuela Libre de Música de San Juan, se dedicó a la flauta, el clarinete y el saxofón soprano con los maestros Angel Marrero y Leslie López. Los ritmos de Bomba y Plena de su tierra natal, junto con las tradiciones cubanas, caribeñas y brasileñas, fueron una de las mayores influencias en el gusto por la música de Sánchez. Pero pronto los maestros del jazz como Sonny Rollins, Dexter Gordon y John Coltrane dominarían su oído y su imaginación. Charlie Parker, Lester Young, Wayne Shorter y Joe Henderson también han sido influencias importantes. En 1988 Sánchez audicionó y obtuvo una beca de música en la Universidad de Rutgers. Dice que "estudiar con maestros como Kenny Barron, Ted Dunbar, Larry Ridley, entre otros, fue una verdadera bendición". Pronto se sumergió en la agitada escena del jazz neoyorquino y fue rápidamente reclutado para una gira con el gigante del piano y mentor Eddie Palmieri. También actuó con Hilton Ruiz y Claudio Roditi, quien llamó la atención de la leyenda del Jazz Dizzy Gillespie.
En 1991, Gillespie invitó al joven saxofonista a unirse a su gira "Live the Future" con Miriam Makeba. Más tarde, teniendo la oportunidad de formar parte de la grabación de Gillespie, "Live At The Blue Note" Sánchez también ha tocado y grabado con el maestro y mentor de Jazz, Kenny Barron (álbum "The Spirit Song"), Roy Haynes (álbum "Praise"), Charlie Haden (álbum ganador de un Grammy "Nocturne"), Roy Hargrove (Premio Grammy al Mejor Álbum "Crisol"), Pat Metheny, Lalo Schiffrin, Danilo Pérez, Tom Harrell, Gonzalo Rubalcaba, Kenny Werner, y tuvo la oportunidad de tocar con el legendario baterista Elvin Jones David Sánchez es también "Maestro Sánchez" para los alumnos del Conservatorio de Música de Puerto Rico.
Después de una década de enseñanza, ha demostrado ser una presencia convincente con los estudiantes y está en demanda de talleres y clases magistrales en Puerto Rico y más allá. En 2017 ayudó a formar un nuevo programa en el Conservatorio de Música de San Francisco, The RJAM (Roots, Jazz, and American Music). La pasión de Sánchez por enseñar y compartir su arte con músicos emergentes es palpable. Dice: "Me da una alegría tremenda ver tanto talento ahí fuera. Es un verdadero honor formar parte de la facultad de la Georgia State University School of Music como Artista en Residencia en el programa de Estudios de Jazz, que proporciona una sólida plataforma para ayudar a los estudiantes mientras se esfuerzan por encontrar sus propias voces. Soy muy optimista y miro hacia el futuro de la música".
Además de su colaboración con el Conservatorio de Puerto Rico y el Conservatorio de San Francisco, Sánchez ha impartido clases magistrales en Brasil, en el Conservatorio Peabody, la Escuela de Música de Manhattan, la Escuela de Música de la Universidad de Indiana, la Universidad de Stanford, la Universidad de Memphis y la Universidad de Emory, y completó una residencia de un año en la Universidad Estatal de Georgia. Tal trabajo, dice, "me da una gran satisfacción. Al mismo tiempo, es un reto, porque parte de mi responsabilidad es guiar al estudiante compartiendo mis experiencias, pero también entendiendo que es su propio viaje. En el proceso, como instructores, también aprendemos. Das, pero también recibes".
