Gerald Clayton ::: Bells On Sand

Gerald Clayton ::: Bells On Sand

Bells On Sand

Gerald Clayton

Blue Note Records | Abril 1, 2022

Gerald Clayton - Bells On Sand

 

1 Water's Edge 6:39
2 Elegia 1:17
3 Damunt de tu Només les Flors 3:50
4 My Ideal 1 3:39
5 That Roy 2:16
6 Rip 3:09
7 Just A Dream 5:29
8 My Ideal 2 5:25
9 Peace Invocation 8:00
10 There Is Music Where You're Going My Friends 3:19

 

Gerald Clayton, piano, organ (on track 5) Fender Rhodes (on track 5), vibraphone (on tracks 5, 6)
John Clayton, bass (on tracks 1, 2, 3)
Justin Brown, drums (on tracks 1, 3, 5, 6)
MARO, vocals (on tracks 3, 7)
Charles Lloyd, saxophone (on track 9) 

 

"Me gusta pensar en la campana como la voz humana, la canción que llevamos dentro, así como el mensaje -el sentimiento, la emoción- que hay detrás de esta canción que cantamos". La arena hace referencia al paisaje siempre cambiante, a la naturaleza cambiante del suelo que pisamos. Hacemos sonar nuestras campanas y cantamos nuestras canciones mientras las arenas que tenemos debajo se mueven. Siempre estamos en flujo, moldeados por los elementos de la naturaleza: sol y luna, agua y viento".

El artista Gerald Clayton, seis veces nominado al GRAMMY, vuelve con Bells On Sand, su deslumbrante segundo álbum para Blue Note Records. Grabado en Sam First en Los Ángeles y en Santa Barbara Sound Design, el álbum presenta once temas de orquestación fresca y música original con contribuciones de su mentor Charles Lloyd al saxofón, su padre John Clayton al bajo, su viejo amigo y compañero Justin Brown a la batería y su nuevo colaborador MARO a la voz. Juntos, exploran el impacto y la abstracción del tiempo.

"Cada músico del disco representa un aspecto diferente del eje del tiempo y sus arenas movedizas", dice el aclamado pianista-compositor. "Mi padre y Charles Lloyd, que ha sido una figura mentora para mí, reflejan nuevas permutaciones de mi pasado, y el linaje de los mayores que han dado forma a mi desarrollo; Justin Brown, al ser mi contemporáneo y hermano musical, representa mi presente; y MARO representa el futuro: forma parte de la próxima generación, y apunta a una nueva colaboración".

La intimidad sin adornos da forma a la música. El deseo de Clayton de compartir más de sí mismo con los oyentes y con otros artistas ejerce una influencia embriagadora en sus elecciones musicales y en su meditada selección de todo el álbum. Pero lo más sorprendente es su capacidad para crear cámaras tranquilas para que los cuatro artistas sean ellos mismos. Bells On Sand se abre con una resonancia pensativa con "Water's Edge". La composición, de ritmo lento, destaca primero la relación de Clayton con el arco de John, afilado y lúgubre, antes de que Brown transforme el dúo en un trío. Cada tema original, así como "My Ideal" de Whiting y Chase, honra el viaje de Clayton a través de la soledad en 2020. Ambas tomas de "My Ideal" -dos de tres gestos en solitario- capturan arcos emocionales completamente diferentes, doblando dentro y fuera del tiempo, iguales en su honestidad. Para Clayton, su presencia en la grabación se siente integral.

"Junto al agua, experimenté sutiles cambios ambientales. Las canciones que cantaba, tocaba o escribía no eran más que una expresión de una forma particular en la arena en ese momento. Cualquier significado que hubiera detrás de lo que creaba procedía de la visión de esa creación sobre un paisaje temporal. Una canción se sentía de una manera determinada en un día determinado, y al día siguiente se sentiría y funcionaría de manera completamente diferente".

Durante la última década, la música del compositor catalán Federico Mompou ha poseído a Clayton, en la escucha y la práctica. La belleza y la precisión de esas melodías que se despliegan con ternura seguirían al artista bicastal desde su apartamento compartido en Harlem hasta su aireado dormitorio en el oeste de Los Ángeles. A pesar de haber pasado tanto tiempo con el material, Bells On Sand documenta la primera grabación de Clayton de la música de Mompou, ofreciendo exuberantes y discretas interpretaciones de "Elegia", "Damunt de tu Només les Flors" y "Paisajes II. El Lago".

"La música de Mompou está dispuesta de forma tan magistral, tan económica en la difusión de sus votaciones, que parece un poco innecesario añadirle algo original", dice Clayton. "Mis intentos de componer melodías sobre sus armonías, por ejemplo, fueron decepcionantes. Inevitablemente, volvía a lo que él había escrito".

Aunque su tratamiento de las obras de Mompou es fiel a la intención del compositor, Clayton buscó una orquestación de texturas fuera de su contexto tradicional: piano eléctrico, vibráfono, arco bajo, batería y percusión. Al provenir de una familia materna de campaneros, Mompou se convierte en un símbolo de base para Bells On Sand, pero el título también señala algo menos explícito pero totalmente universal.

Texturas similares aparecen en "That Roy" y "Rip", piezas a dúo entre Clayton y Brown. La primera la compuso en homenaje al recientemente fallecido Roy Hargrove -un mentor y amigo sin parangón de los primeros años de Clayton en Nueva York- alineándose con temas de pérdida y gratitud; la segunda sirve, en parte, como recipiente para el desarrollo sensible y casi meditativo de Brown. "La melodía es una forma que nada, atascada en un lugar", dice Clayton. "Nunca se libera realmente. Justin entendió la verdad y la tensión de ese concepto, no tuve que darle ninguna dirección. Simplemente lo entiende".

Una perla que Clayton deja caer ante los jóvenes pianistas es "No cantes lo que tocas, toca lo que cantas". La vocalización es la base de su método para abordar las melodías compuestas e improvisar otras nuevas. El lirismo que los oyentes han llegado a apreciar en su música toma forma franca en "Just a Dream". Con una ternura casi susurrada, MARO ofrece la canción de Clayton -música y letra- sobre el amor y la paternidad.

Bells On Sand culmina en un dúo extenso con Lloyd en "Invocation for Peace". El artista más joven de Blue Note ha sido un elemento relativamente fijo en la agenda de giras del mayor desde 2013. Juntos, han desarrollado una profunda empatía e intuición para las tendencias musicales del otro y sus giros espontáneos. Concluyendo con una nota de divinidad y resolución buscada por el alma, "There is Music Where You're Going My Friends" de Jeff Clayton es un himno al amor y la esperanza, grabado en memoria de su querido tío.

"Espero que estas reflexiones animen a la gente a dar un paso atrás y reconocer que nuestros testamentos -canciones, historias, intenciones- se encuentran en un paisaje siempre cambiante, mirar las cosas desde esta perspectiva ampliada podría permitir una unión entre el pasado, el presente y el futuro. Puede que nos permita abarcar la totalidad de nuestra experiencia vital. Que podamos tener en cuenta las lecciones de nuestro pasado a la hora de vivir el momento presente de forma que sirva para el futuro."

bluenote.com 

geraldclayton.com

Goldings, Bernstein, Stewart ::: Perpetual Pendulum

Goldings, Bernstein, Stewart ::: Perpetual Pendulum

Perpetual Pendulum

Larry Goldings / Peter Bernstein / Bill Stewart

Smoke Sessions Records | Marzo 25, 2022

Goldings, Bernstein, Stewart - Perpetual Pendulum

 

Larry Goldings - organ
Peter Bernstein - guitar
Bill Stewart - drums

Recorded on July 15 & 16, 2021 at Sear Sound Studio A, NYC

Produced by Paul Stache and Damon Smith
Recorded, Mixed and Mastered by Chris Allen
Studio Assistant: Will Bennett
Photography: John Rogers
Design: Damon Smith

Bill Stewart plays Zildjian cymbals and Gretsch drums

“Perpetual Pendulum” was was produced by Paul Stache and Damon Smith and recorded live in New York at Sear Sound’s Studio A on a Neve 8038 custom console at 96KHz/24bit and mixed to ½” analog tape using a Studer mastering deck. Available in audiophile HD format.

 

 

 

 

El organista Larry Goldings, el guitarrista Peter Bernstein y el baterista Bill Stewart publican un nuevo álbum que celebra más de tres décadas como trío

El movimiento perpetuo ha sido descartado como una imposibilidad por los científicos, pero quizás deberían comprobarlo con el organista Larry Goldings, el guitarrista Peter Bernstein y el baterista Bill Stewart. El trío lleva más de 30 años creando música vigorosamente oscilante y no muestra signos de desaceleración. No es una eternidad, aunque en términos de jazz podría serlo.

La longevidad de la conexión musical entre Goldings, Bernstein y Stewart fue la inspiración detrás de "Perpetual Pendulum" de Bernstein, una de las nuevas y brillantes melodías en Perpetual Pendulum, el nuevo álbum del trío. La fecha, que saldrá a la venta el 25 de marzo de 2022 a través de Smoke Sessions Records, combina los originales de los miembros de la banda con nuevas versiones de clásicos del jazz a cargo del que seguramente es el trío de órganos más longevo del jazz moderno.

"Más de treinta años es definitivamente un hito. Sobre todo si lo consideras a la luz de la historia del jazz; es extraño pensarlo, pero equivale a mantener una banda unida desde 1940 hasta 1970. Si se piensa en el poco tiempo que muchos de nuestros héroes musicales estuvieron en activo, por no hablar de tener un grupo unido, quiero decir que el cuarteto clásico de Coltrane sólo estuvo junto durante unos cuatro años. Así que es bastante significativo".

Peter Bernstein

Perpetual Pendulum se grabó el pasado mes de julio en el estudio neoyorquino Sear Sound, con el que el trío comparte una larga historia que se remonta a su segundo trabajo juntos, Light Blue, de 1992. La sesión marcó el 30º aniversario del lanzamiento de su debut, el álbum de Goldings de 1991 The Intimacy of the Blues.

Pero su historia se remonta incluso a antes. Goldings y Bernstein se conocieron en el instituto, cuando ambos asistían al programa de jazz de verano de la Eastman School of Music. El guitarrista conoció a Stewart dos años después, cuando ambos estaban matriculados en la Universidad William Paterson, y el baterista y el organista se conectaron por primera vez en una sesión de la New School. Cuando Goldings y Bernstein establecieron su lugar en el calendario semanal de Augie, probaron con algunos bateristas antes de congeniar con Stewart y establecer una voz colectiva que ha perdurado a través de tres carreras en solitario extremadamente ocupadas y el traslado de Goldings a la costa oeste.

"Todos nos compenetramos, y eso es probablemente lo más importante", dice Goldings en un intento de explicar la indefinible química del trío. "Hay muchas coincidencias en lo que nos gusta tocar y escuchar, y nuestras visiones individuales del jazz tienden a alinearse. Es difícil de decir, porque nunca lo discutimos realmente; sólo intentamos hacer buenos discos. Hemos surgido juntos".

El origen de su trío hace que el lanzamiento de Perpetual Pendulum en Smoke Sessions sea especialmente significativo. El Smoke Jazz & Supper Club, el local matriz del sello, se abrió en el antiguo emplazamiento del Augie's Jazz Bar, donde Goldings, Bernstein y Stewart establecieron su relación en un concierto regular los jueves por la noche a partir de 1989.

"Era un antro", recuerda Goldings. "Era un agujero en la pared. Nuestra noche semanal allí fue la razón por la que empecé a tocar el órgano: el tipo de locales pequeños donde podíamos conseguir actuaciones con frecuencia no tenían pianos. En Augies, pasábamos literalmente la canasta para que nos pagaran... Pero entre allí y el Village Gate, amasamos una base de fans locales. Así que es significativo que publiquemos este álbum con Smoke. Esa sala es sagrada... la grasa".

Tal vez esa grasa era parte de la magia, ya que todavía se puede escuchar en la interpretación del trío a nivel de las tripas en la canción que da título al disco, Perpetual Pendulum - comprueba el groove pegado a las costillas en "Prelude", la bluesificación de Golding del Prelude #2 de George Gershwin. O el hábil veneno que aportan a la autoexplicativa pieza de éxito político de Stewart, "FU Donald".

Stewart grabó originalmente esta última melodía en su álbum Band Menu de 2018, con un trío que incluía a Walter Smith III y Larry Grenadier. Sin embargo, sabía que encajaría perfectamente con sus colaboradores de toda la vida. "Creo que nunca he escrito nada específicamente para este trío, para ser sincero", admite Stewart. "Sólo conozco la forma de tocar de Pete y Larry, así que simplemente traigo cosas y veo lo que funciona".

Bernstein coincide. "Sé que cualquier cosa que escriba, estos chicos pueden tocarla. Armónicamente, Larry estará totalmente dentro de lo que yo pueda estar escuchando, y Bill hace que cada banda suene como una banda. No tengo que preocuparme de escribir pensando en estos tipos. Ellos han informado todo mi sonido, así que siempre son un punto de referencia en cualquier cosa que escriba".

El guitarrista aportó dos piezas al álbum. El trío retoma su "Little Green Men", que grabaron originalmente en Light Blue, en una versión ferozmente oscilante. La ya mencionada "Perpetual Pendulum" es una pieza nueva, tomada a un ritmo ardiente que provoca solos de combustión lenta tanto del compositor como de Goldings. Let's Get Lots" del organista es una melodía tan ingeniosa y juguetona como el juego de palabras de su título. La segunda composición de Stewart es "Lurkers", una pieza silenciosa y contundente que destaca por la intensidad del solo de Goldings.

Tanto "Django", de John Lewis, como "United", de Wayne Shorter, han sido durante mucho tiempo elementos básicos de los directos del trío. Grabado originalmente por los Jazz Messengers de Art Blakey en 1961, "United" está impulsado por una fuerte propulsión que finalmente estalla en un tenso intercambio entre Stewart y sus compañeros de banda. Django", una marca registrada del Modern Jazz Quartet, se abre con un elegante solo de Bernstein, que tal vez tenga en mente al homónimo de la canción, Django Reinhardt. Goldings entra con unos acordes exuberantes y florecientes antes de girar sin esfuerzo hacia un swing contundente.

A pesar del amor mutuo del trío por los estándares clásicos, "Come Rain or Come Shine" es un tema perenne que nunca habían abordado en el escenario. Un calentamiento improvisado llevó a su inclusión en el álbum, un momento brillante que muestra la cálida y fácil camaradería de los viejos amigos. Libra", de Gary Bartz, es otra de las nuevas incorporaciones al repertorio, encendida por los ritmos de la apisonadora de Stewart y con unos solos absolutamente espectaculares por parte de los tres. Reflections in D", de Duke Ellington, es el polo opuesto: aireado, elegante y tierno, flotando sobre las olas de las brillantes pinceladas de Stewart.

Si es difícil imaginar una banda con el tipo de longevidad que Goldings, Bernstein y Stewart comparten, es aún más raro encontrar una que mantenga este brillante nivel de musicalidad y química. Este valor no se pierde en el trío, como concluye Bernstein.

"Creo que todos compartimos un sentimiento puro de gratitud", dice. "Con estos gatos, me siento presionado para tocar lo mejor posible porque han escuchado todo lo que puedo hacer. Al mismo tiempo, me siento cómodo probando cualquier cosa con ellos porque sé que haga lo que haga, lo van a mantener unido. Todos hemos crecido a través de nuestras experiencias individuales, pero siempre volvemos a esto. Y esto no hace más que mejorar".

dlmediamusic.com

Mark Turner ::: Return From The Stars

Mark Turner ::: Return From The Stars

Return From The Stars

Mark Turner

ECM | Marzo 25, 2022

Mark Turner - Return From The Stars

 

1 Return From The Stars 9:35
2 Terminus 7:22
3 Bridgetown 8:56
4 It’s Not Alright With Me 10:26
5 Nigeria II 4:37
6 Waste Land 5:16
7 Unacceptable 12:22
8 Lincoln Heights 6:15

 

Mark Turner saxophone
Jason Palmer Trumpet
Joe Martin Double Bass
Jonathan Pinson Drums

 

 

 

Mark Turner ha sido una presencia frecuente y significativa en las grabaciones de ECM de los últimos doce años, aportando su arte con el saxofón y su compromiso musical a las grabaciones con Enrico Rava, el Billy Hart Quartet, el trío cooperativo Fly (con Jeff Ballard y Larry Grenadier), Stefano Bollani y, más recientemente, Ethan Iverson, en la grabación a dúo Temporary Kings. Los álbumes bajo el liderazgo de Turner, sin embargo, han sido escasos y Return from the Stars es la primera grabación de ECM que cuenta con su cuarteto desde Lathe of Heaven de 2014.

La composición de Turner para su grupo en Return from the Stars da a los músicos mucho espacio en el que moverse, en un álbum a la vez estimulante y reflexivo en su arco de expresión. Los solos fluyen orgánicamente a partir de los arreglos y, bajo la deslumbrante interacción del tenor de Turner y la trompeta de Jason Palmer, el bajista Joe Martin y el baterista Jonathan Pinson a menudo vagan libremente.

La ausencia de un instrumento acorde mantiene abiertas las posibilidades de conversación en la música, ya que las composiciones modulan entre lo meticulosamente estructurado y lo libremente guiado. Mark Turner confía mucho en la intuición y en los objetivos artísticos compartidos de un conjunto, y aprecia la tensión narrativa que surge de la yuxtaposición de libertad y responsabilidad:

"Mi proceso al escribir es que escribo para la gente que toca", dice. "No me gusta decirles mucho sobre las composiciones. Me gusta escribir una pieza musical y saber que la gente que he elegido la va a tocar, básicamente, como ellos tocan. Prefiero que se encuentren a sí mismos en la música. Las melodías están escritas de tal manera que cada músico puede elegir cómo ocuparse de lo que se supone que debe hacer. Hay partes escritas para las trompas. No hay mucho escrito para la sección rítmica, salvo algunos "golpes" y quizás cambios de tiempo en las secciones. Me limito a dar directrices sobre cómo debe sonar la sección y luego dejo que el bajo y la batería decidan cómo hacerlo. Lo que haga que la sección rítmica suene bien, eso es lo que hacemos. Luego, los cuernos tocan encima de eso. "

El bajista Joe Martin es el único músico que se mantiene de la formación de Lathe of Heaven. Lleva tocando con Turner en diversos contextos desde 1995. Y, como él mismo señaló a la revista Music & Literature "Siempre siento que tocando con Mark tengo que tocar lo mejor posible y subir el listón. En el cuarteto, como no hay un pianista o un guitarrista que llene un determinado espacio armónico para todos, probablemente soy más consciente de mis elecciones de notas. La elección de una sola nota lo cambia todo, sugiere la tonalidad, la armonía".

Turner conoció al dinámico baterista Jonathan Pinson mientras tocaba con el grupo del guitarrista israelí Gilad Hekselman. El currículum de Pinson empieza por todo lo alto: se zambulló en la música a fondo, haciendo giras con Herbie Hancock, Wayne Shorter y Greg Osby cuando aún era un veinteañero. Su currículum también incluye trabajos con Kamasi Washington, Ambrose Akinmusire, Dave Liebman y muchos otros. Pinson debuta en ECM con Return from the Stars, al igual que el trompetista Jason Palmer.

Palmer y Mark Turner se encontraron por primera vez como compañeros de banda hace una década. Posteriormente, Mark tocó en proyectos dirigidos por el trompetista, y también grabó en algunos de sus proyectos (Places, Rhyme and Reason y The Concert). Entre las cualidades de Palmer destaca su "disposición a adentrarse en zonas desconocidas para él". Ambos comparten un conocimiento enciclopédico de la música.

El Boston Phoenix ha dicho de Palmer que "crea fuego con su tono seguro y la fría deliberación de sus solos". Lo mismo podría decirse de Turner, que, según la National Public Radio, "tiene una firma sónica innovadora, un cierto cromatismo flotante, una atención rítmica y una ligereza de tono, llena de sutilezas".

Return from the Stars toma su título de la novela de ciencia ficción de Stanis?aw Lem, en la que un astronauta regresa de una misión espacial de exploración para encontrar que la vida en la Tierra ha cambiado mucho, y que sus propios valores no coinciden con los de una sociedad conformista y reacia al riesgo. El entusiasmo de Turner por la ciencia ficción es bien conocido, y algunos observadores han percibido en su obra una especie de "viaje en el tiempo" idiomático: The Guardian describió su álbum del cuarteto de ECM Lathe of Heaven (que lleva el nombre de una historia de Ursula K. Le Guin) como "un sonido de Birth of the Cool flotando sobre un concepto rítmico del siglo XXI".

El estudio profundo de una serie de maestros del jazz ha informado su estilo, su expresividad en toda la gama del saxofón tenor, y el alcance de su escritura, que lleva la música hacia adelante al tiempo que es muy consciente de su historia.

Return from the Stars se grabó en el estudio Sear Sound de Nueva York y se mezcló en los estudios La Buissonne, en el sur de Francia. El álbum fue producido por Manfred Eicher.

 

ecmrecords.com

Iiro Rantala ::: Potsdam

Iiro Rantala ::: Potsdam

Potsdam

Iiro Rantala

ACT | Marzo 25, 2022

Iiro Rantala - Potsdam

 

1 Twentytwentyone ( Iiro Rantala) 6:17
2 Time for Rag ( Iiro Rantala) 3:45
3 Peace ( Iiro Rantala) 3:52
4 Can You Be Bob? ( Iiro Rantala) 2:58
5 Freedom ( Iiro Rantala) 7:13
6 Woman ( John Lennon) 7:21
7 November ( Iiro Rantala) 5:45
8 Candide Overture ( Leonard Bernstein) 4:56
9 Somewhere ( Leonard Bernstein) 3:47

 

Iiro Rantala / piano

 

Live in concert at Nikolaisaal Potsdam, 27.11.2021
Recorded, mixed and mastered by Martin Ruch

Cover art by Karl Horst Hödicke: Rotes Eck, 1979 © Deutsche Bank Collection (The World on Paper)

 

 

Iiro Rantala toca el piano con magnetismo emocional e inteligencia musical, tiene una destreza virtuosa como improvisador capaz de una enorme gama idiomática y emocional.

Downbeat

Este elogio de la reseña de la revista estadounidense sobre el tercer y reciente álbum en solitario del pianista finlandés para ACT, "My Finnish Calendar" (2019), resume la asombrosa variedad que la gente que conoce bien su forma de tocar podría casi empezar a dar por sentada. La mención del Premio JTI de Jazz 2016 en Tréveris también hace bien en definir la forma en que el público lo lleva a su corazón: "Rantala puede arrastrar a los oyentes, puede ser payaso y mago, encantador y virtuoso, inconformista y humorista".

Esta es la versatilidad emocional y estilística que Rantala aporta al recital en vivo en solitario. Es una forma a la que se siente fuertemente atraído; puede haber muy pocos pianistas que hayan explorado el arte de la interpretación en solitario con tanta intensidad y constancia como Rantala. Un recital típico contiene, entre otras cosas, piezas de sus anteriores álbumes en solitario para ACT "Lost Heroes", "My Working Class Hero" y "My Finnish Calendar". Como él mismo explica, "me gusta la forma del recital en solitario por la libertad y la responsabilidad que tengo. La libertad viene del hecho de estar solo en el escenario y la responsabilidad del hecho de que no puedo confiar realmente en nada, excepto en mí mismo."

Potsdam, grabado en directo en el Nikolaisaal de Potsdam el 27 de noviembre de 2021 es, sin embargo, la primera vez que uno de los muchos recitales en solitario de Rantala se publica como álbum en ACT. Se trata de una excelente exposición del contraste y la continuidad de la que es capaz, no sólo en la forma del recital en su conjunto, sino también en las melodías individuales. Tras una hermosa y acogedora "Twentytwentyone", Rantala se lanza a "Time for Rag", que parece el acompañamiento de una alocada película de Buster Keaton. La sección central de "Woman", de John Lennon, está claramente inspirada en el estilo R&B de Richard Tee, un pianista al que Rantala admira especialmente, pero esto conduce magistralmente a un final que al principio es melancólico y tranquilo, pero que luego se ve perturbado por el hecho de que el finlandés se inclina hacia el piano y crea un estado de ánimo oscuro e incómodo al pulsar una cuerda baja.

Rantala es muy capaz de hacer "noir" nórdico, pero también tiene un humor natural e irreprimible, y su humor tiene un gran atractivo. Esta faceta de su persona artística se puso de manifiesto en un gran logro reciente (en todos los sentidos), la composición de su segunda ópera, para niños, "die Zaubermelodika". Los comentaristas observaron cómo el escenario de la Komische Oper había sido completamente ocupado por una inmensa sauna de madera. El humor es también una característica de las recientes notas de Rantala: los textos cortos no son más divertidos que sus descripciones de las formas idiosincrásicas en que los finlandeses responden a las estaciones en "Mi calendario finlandés". Y, de nuevo, Rantala ha pintado una escena extraordinaria para la nota de presentación de "Potsdam". Algo que sólo podría haber ocurrido en una imaginación tan vívida y genuinamente divertida como la de Rantala. También hay bromas en los títulos de sus canciones. Al igual que "Bob Hardy" en el álbum "My History of Jazz" era un juego con la idea de las melodías hard bop, "Can You Be Bob?" en "Potsdam" tiene toda la magia de los dedos rápidos de una melodía bebop tramposa. Y la broma está de nuevo en el título.

Dos de las melodías de "Potsdam" están ahora disponibles en forma de partituras, pero para una de ellas el pianista necesitará tener algún equipo adicional a mano... La sensible evocación estacional de "Noviembre" se publica como una de las doce piezas que representan los meses del popular "Calendario Finlandés" de Rantala. "Freedom", por su parte, es una de las veinte melodías del "Cancionero de Iiro Rantala" -que también incluye canciones de siempre como "Tears for Esbjörn". El sonido de "clavicordio" en pizzicato de "Freedom" se consigue colocando una toalla sobre las cuerdas, y el sonido roto de otro mundo del solo de jazz requiere que se coloque papel entre los apagadores y las cuerdas.

Hay una hermosa inevitabilidad en las dos últimas melodías del álbum. La exuberancia y el descaro que caracterizan a la obertura de "Candide" de Bernstein desde la primera fanfarria son irresistibles. Rantala sigue, a modo de contraste total, con "Somewhere" de "West Side Story". Potsdam se grabó el día después del fallecimiento de Stephen Sondheim. Rantala explica lo mucho que le afectó este hecho: "Sondheim era mágico. Como escritor y compositor. "West Side Story" es uno de los mayores logros de la humanidad. Y era tan joven, cuando escribió todas esas líneas: 'Dígalo fuerte y habrá música. Dilo suave y es casi como rezar, María'".

Sondheim fue uno de los grandes del teatro, y tal vez sea una especie de serendipia que su espíritu se recuerde tan vívidamente aquí: Sondheim escribió en una ocasión: "la idea de llegar al público y hacerles reír, hacerles llorar, simplemente hacerles sentir, es primordial para mí". Resume admirablemente y con exactitud lo que este grandísimo pianista consiguió, una noche en "Potsdam".

 

iirorantala.fi
actmusic.com

Andrea Motis ::: Loopholes

Andrea Motis ::: Loopholes

Loopholes

Andrea Motis

Jazz to Jazz | Marzo 18, 2022

Andrea Motis - Loopholes

 

1 Overture 0:35
2 El Pescador 2:19
3 Deixa't Anar 2:49
4 I Had to Write a Song for You 3:36
5 Babies 3:51
6 Loopholes 5:12
7 Jungla 3:37
8 Espera 5:43
9 Heat 2:23
10 Calima 3:13
11 Light After Dark 1:54
12 Adeu 3:40

 

Andrea Motis, vocals, trumpet
Christoph Mallinger, guitar, mandoline, violin
Magalí Datzira, bass
Adrià González, keyboard
Juan Berbín, drums

 

En Loopholes Andrea se ha alejado de su zona de confort, y ha escogido incursionar en sonoridades y colores que siempre han entrado en sus preferencias musicales, como el funk, el jazz eléctrico y el neo-soul.

Andrea explica que, a la vez que buscando crear un sonido característico que diera hilo al álbum, se ha nutrido de sus muchas y diversas inspiraciones: desde los loops de Robert Glasper o el sonido californiano de Jack Johnson, a Fats Waller y su “Honeysuckle Rose” (que ella cita como una —poco evidente— influencia en su composición “Babies”), el Blues o, incluso, el folklore latinoamericano, plasmada en su personal versión de la cumbia “El Pescador”, de José Barros (popularizado en las versiones de Totó la Momposina y Los Folkloristas).

El álbum ha contado con la colaboración de Christoph Mallinger y Steph Kondert como co-productores, que han sumado sus aportes en la composición y —junto a los músicos participantes—, en la identidad y carácter del sonido. El disco ha sido grabado junto a una formación excepcional: además de los mencionados Mallinger (guitarra, violín y mandolina) y Kondert (bajo eléctrico), el grupo se completa con el tecladista japonés, residente en New York, Big Yuki, Gregory Hutchinson a la batería, Zé Luis Nascimento a la percusión, y Raja Kassis a la guitarra.

*****

Con su último proyecto en solitario, Loopholes, Andrea Motis, actual exponente de la escena jazzística española, se embarca en la búsqueda de un estilo completamente nuevo y poco convencional con su formación y concepto ampliado con sus propias composiciones y las de su compañero de armas Christoph Mallinger, tomando prestado el "electric jazz", el "funk" y el "neo-soul". Motis canta de forma conmovedora e impulsiva tanto en catalán, su lengua materna, como en español, portugués, inglés y alemán, y comenta su expresión vocal alternativamente - entrenada en ambos instrumentos - con la trompeta o el saxofón.

Es posible que Chet Baker y Dexter Gordon hayan sido su inspiración. Como joven estrella, grabó su primer disco con estándares de jazz a la tierna edad de 15 años y más tarde se convirtió en la primera artista ibérica en publicar en sellos de jazz de renombre internacional. Ha trabajado con Quincy Jones, Scott Hamilton, el chelista clásico Yo-Yo Ma y la WDR Big Band, entre otros. Podemos esperar con impaciencia Loopholes, cuyo lanzamiento está previsto para la primavera de 2022.

El estreno en directo está previsto en el Festival Guitar BCN (Barcelona) el 5 de mayo y en el Auditorio Nacional de Música (Madrid) el 8 de mayo.

andreamotis.com
jazztojazz.com